El Humor americano en su esplendor.

Las comedias que basan parte de su chiste en torpezas de los protagonistas y otras cosas son las comedias de humor americano y absurdo, ese humor que puso a la fama en forma de parodia ¨Airplane¨ en 1980, donde el protagonista Leslie Nielsen pasa por todo tipo de cosas vergonzosas y torpes.
Esa fue una cinta influyente que promovió mucho ese humor torpe que explotaran posteriormente miles de productos que le siguieron como ¨La Pistola desnuda¨ y sus secuelas, ¨Ferris bueller¨s day off¨, ¨Loca academia de policías¨ y sus secuelas, mas cercano a esta época cintas como ¨Scary movie¨ o la misma cinta que ocupa la critica de hoy, ¨National Lampoon¨s Vacation¨ de 1983.
Vamos por partes, la National Lampon¨s fue una revista americana nacida en los años setenta que mostraba todo desde una perspectiva del humor, desde notas e información vinculada a todo tipo de cosas.
Dicho eso, el éxito de la revista llevo a derivar a muchas cosas, entre ellas a una larga serie de films humorísticos basados en unas tiras cómicas que salían en la revista, por lo que se apoyo dichas ideas y se produjeron para ser trasladadas a la pantalla grande.
Algunas de esas cintas son por ejemplo ¨Animal house¨ de John Landis o ¨Class reunion¨ pero sin ninguna duda la mas querida y famosa de todas resulto ser esta, ¨National Lampoon¨s Vacation¨.
Esta comedia disparatada basada en una historia corta de la revista (como ya he dicho), fue dirigida por el extraordinario y recientemente fallecido Harold Ramis, uno de los cazafantasmas pero ademas un muy buen director y guionista de comedias como ¨Caddyshack¨, ¨Atrapado en el tiempo¨ y ¨Analízate¨, entre otras; y fue escrita por John Hughes, en su tercer guión oficial que lo llevo al estatuto de la fama.
¨National Lampoon¨s Vacation¨ tiene de protagonista a Cheavy Chase, para contarnos una disparatada historia en la que una familia común y corriente se embarca en un viaje a un parque de diversiones de otro estado y en el que se deberán enfrentar ante todo un mundo que parece volverse en su contra a lo largo del viaje en coche.

Pertenece a una de las mejores películas de comedia absurda de los ochenta de eso no tengo duda alguna, un film delirante y gracioso hasta decir basta que consta de 4 entregas totales conservando casi todo el mismo elenco.
Ni los espectadores mas duros podrán resistirse a los encantos de esta comedia torpe pero asombrosamente genial donde se usa de forma eficaz cada reciclaje de chiste, de esos chistes en los que ¨Airplane¨ ha sabido innovar o en el caso de ¨Caddyshack¨ del mismo Harold Ramis.
En el caso de ¨Caddyshack¨ se nota que es del mismo director, puesto que la resolución de los chistes huele a ser similar como la dicha y no solo eso, si no su tono caricaturesco y aventurero del film.
¨National Lampoon¨s vacation¨ a vistas de ahora es un film que se expone de forma muy antigua, una pelicula que ha quedado un poco en el tiempo pero no en risas.
La dosis de humor comienza siendo muy floja al inicio de la historia con momentos poco conseguidos pero cuando el personaje de la tía ingresa en la historia los resultados empiezan a ser extraordinarios.
Todos los protagonistas son carismáticos y estan bien incluidos en la trama. Chevy Chase quien gira como el eje del humor esta efectivo y se muestra bastante gracioso y con chispa durante todo el metraje, le siguen Beverly D¨Angelo, Randy Quaid y Dana Barron, todos correctos.
Ademas de ser una comedia catastrófica funciona también como film parodico (imitando por ejemplo a cosas como Disneyland o Wall Disney entre otras), y también posee una cierta dosis de humor negro algo cruel con unos gags fabulosamente rematados que acabaran en estallido de gracia con mucha seguridad.
En cuanto a la historia es verdad que se propone constantemente plantear a la sociedad americana como la mejor, con una familia perfecta de raza blanca y rubia, pero estos son pretextos que no deben tener peso en la calificación de una cinta de humor que me la ha hecho pasar verdaderamente bien.
El cameo de un John Candy en alza en su carrera, no aporta mucho, vamos, hace el micro papel de un seguridad que ni gracia tiene, muy desaprovechado actor quien le podría haber brindado mejores frutos a la obra.
Sencilla a la vez que entretenida, una comedia americana al 100% pero que olvidando ciertos aspectos se disfrutara mucho, yo la recomiendo, es una de mis comedias predilectas de los ochenta.
Actuaciones:6.5
Música:7.0
Historia:6.0
Final:6.0

Mi nota para ¨National Lampoon¨s Vacation¨ es un 7/10. Buena.



Lo mejor: Me agrado mucho la banda sonora de la cinta, es pegadiza y calza justo en la historia.
Lo peor: La torpeza es el plato fuerte de la cinta, el que no guste de ello debe alejarse.

La Historia X de la humanidad.

Probablemente en alguna critica lo he dicho ya pero sinceramente no lo recuerdo en este momento asi que lo diré.
La humanidad ha tenido a lo largo de su vida hechos vergonzosos y horripilantes que se podrían llamar el lado oscuro de la historia, la parte X, esa parte que de alguna manera no se puede contar de lo cruel que es, desde la esclavitud, las guerras, los horrendos experimentos empleados en gente inocente, el fascismo, hasta la etapa de los Nazis, quienes quieran establecer el nuevo orden mundial liderado solo por la raza blanca y condenando a los negros, judíos, orientales, latinos, de partidos y pensamientos políticos y un largo etcétera que no acaba nunca.
Ninguno de estos temas a quedado exceptuado del cine de la gran industria americana, mas bien son todos temas muy explotados y el Nazismo por sobretodo.
Es tal la locura generada por el tema del legado de horror que desato Hitler y su gobierno en el mundo que en 1998 en los premios Oscar compitieron dos cintas que trataban sobre el mismo tema aunque desde distintos puntos de vista.
La emblemática ¨La Vida es bella¨ y ¨American history X¨, dos films que compartían básicamente el mismo tema solo que el film italiano desde la mirada mas carnal, donde una familia judía sufre el holocausto, mientras que en ¨American history X¨ se aborda el tema de los skinhead.
Los skinhead son un movimiento que pego muy fuerte mundialmente por los años 80, aunque surgido por los 60 en Inglaterra. Son jóvenes que se muestran a favor de las ideas mas extremistas y asemejadas a los Nazis, caso lamentable pero que existe.
¨American history X¨ se mete en este tema profundo de las nuevas generaciones pérdidas con las actuaciones protagonicas de Edward Norton (Nominado a mejor actor pero perdedor) que hacia uno de sus primeros papeles, y Edward Furlong, en una carrera que se sostenía por los pelos.
Una noche, Derek, un skinhead, asesina a un negro que esta intentado entrar a su casa ante los ojos de su hermano y su familia, al instante la policía llega y lo encarcela.
Transcurrido ya tiempo, Derek es libre y se encuentra ante una visión distinta del mundo, pero su hermano menor parece estar siguiendo sus mismos pasos que lo llevaron a la cárcel...

Intenso drama sobre el diario de un skinhead que interesara de principio a fin por su potente crudeza moral.
¨American history X¨ para separar tiempos utiliza una forma de fotografía particular, el presente se ve en color, el pasado en un integro blanco y negro, detalle que poco aporta al relato mas que ser ¨distinto¨ en visualidad, por que si vamos a ser realistas la verdad que el cambio de color no es un detalle nada relevante.
Hay un sólido y trabajado guión que busca todo el tiempo conectar los sentimientos de los dos personajes hermanos pero que lamentablemente no termina de desplazarse por los lugares menos habitados, es decir, recurre bastante por esos terrenos que ya conocemos.
Hubiese sido atractivo que la pelicula tire una parte de su potencia al desarrollo del personaje, de su pensamiento, una inmersión en esa cultura y no de su experiencia en la cárcel, tema del cual ya sabemos mas que suficiente.
La cinta cuando quiere es mas buena de lo que puede, como dije, los momentos de la cárcel sobran y no aportan nada que nunca hubiésemos visto (lastima que esos son los momentos que mas abundan en el film).
Puede que Tony Kaye también abuse mucho de los flashbacks los cuales son constantes y hasta tediosos ya que mueve los hilos de la trama en 3 tiempos distintos, el pasado antes del encarcelamiento, en la cárcel, y en el presente.
A nadie le gusta ver tanto flashbacks y esta es una cinta que los tiene de a montones como para conectar puntos de la trama y de los personajes.
Justamente lo que pasa antes y en el presente son dos fases mucho mas interesantes que la del encarcelamiento donde claramente se potencia el dramatismo y se profundiza en el drama familiar que Derek y su familia vivieron, lo que llevo a dicho personaje a pensar asi.
Falta un poco mas de incursión en el mundo de los skinhead, si bien el cineasta muestra algo de lo que son las festividades y demás, lo cierto es que merecía una mejor expansión de tiempo y dedicación.
El sostén de esta interesante historia son las muy buenas interpretaciones de Edward Norton y Edward Furlong, ambos fabulosos encarnando sus personajes, y el primero digno de una nominación al Oscar.
La camara lenta creo que es otra de esas cosas con no mucho sentido dentro del film, redondeando un fallido trabajo de cámara y de color pero acaban siendo factores poco valorables luego de tantas interesantes y potentes secuencias.
Los minutos finales son impresionantes y dejan perplejo, allí se expone totalmente la crudeza del relato, me parece un final de lo mas acertado y si pensamos bien muy razonable y lógico.
Muy buena pelicula, con defectos y todo pero realmente muy buena y una interesante inmersión el universo de los skinhead y la cárcel, recomendable.
Actuaciones:7.0
Música:6.5
Historia:6.5
Final:7.5

Mi nota para ¨American history X¨ es un 7/10. Muy buena.



Lo mejor: Hay a mi gusto un cierre perfecto a la historia.
Lo peor: La fotografía y los muy excesivos flashbacks.

La Esclavitud otra vez hecha carne.

La Raza humana a pasado por muchísimas crueles fases evolutivas y una de las mas terribles y para el olvido fue la esclavitud.
La esclavitud no solo mostró hasta la mediocridad en la que el ser humano podía llegar si no otro bochornoso episodio para la historia de Estados Unidos, zona donde estos hechos tuvieron de los mas duros impactos.
Este episodio obviamente tuvo su traslado al cine decenas de veces, películas como ¨Raíces¨ o ¨El Color púrpura¨, son algunos ejemplos, pero últimamente ha vuelto a resucitar este tema en el cine y ya en el pasado Oscar 2013 habían hecho acto de presencia films como ¨Django¨ o ¨Lincoln¨ que trataban la esclavitud, eso si, de muy distintas maneras.
Sucede que esta pasando algo, se filman films adrede de una temática en particular para que vayan al Oscar, eso esta sabido, el tema de la esclavitud garantiza al menos unas nominaciones si es que metemos unos buenos actores, cosa que trae mucho prestigio a los directores.
En esta nueva ceremonia de los Oscar sucedió algo casi similar al pasado Oscar, pues 2 directores volvieron a cargar con el tema de la esclavitud, ¨El Mayordomo¨ (2013) de Lee Daniels fue un intento de fracaso que por refrito no pudo lograr ninguna estatuilla, pero la que si tuvo la suerte fue la tercera película de Steve McQueen (Shame), ¨12 Años de esclavitud¨.
¨12 Años de esclavitud¨ fue una adaptación de la autobiografía de un esclavo que pudo ser liberado.
Solomon, un hombre negro libre, padre de familia, con mucho talento que sabe tocar el violín es incentivado por 2 hombres para una reunión de trabajo en Washington.
Luego de una elegante cena con esos 2 hombres Solomon es emborrachado. Al despertar se encuentra en un calabozo encadenado y con la noticia de que ha sido vendido como esclavo.

¨12 Años de esclavitud¨ puede aquejar por la falta de novedad, la historia de esclavos no es nueva y esta muy vista, pero lo que la saca de los parámetros habituales es que esta dirigida por un tipo que sabe darle carácter e impronta propia como para despegarse del cliché de cualquier film de esclavitud que anteriormente hubiésemos visto.
Steven McQueen sumerge a su historia en el abismo de la critica, la violencia extrema y crudeza, el director hace a su filme crudo y explicito a la degradación humana a la que los esclavos eran sometidos. Eso es positivo por que intenta sacarse el peso de ser una película optimista para con la política y la sociedad de aquel entonces, se explica entonces cual es la función de el personaje de Brad Pitt, quien actúa como un critico a esa actualidad del país.
Hay unos interesantes planos-secuencia que le dan mayor agilidad y fluidez al relato, como también un impecable trabajo de diseño y arte combinados que enriquecen visualmente al film.
Este apasionante drama crudo y extremo hay que decir que tampoco hubiera sido lo mismo sin sus actores, Chiwetel Ejiofor lleva el peso absoluto de la trama por ser el único al que la camara persigue todo el tiempo, pero permitanme decir que ha hecho un excelente labor protagonico donde afortunadamente también tuvo a su alrededor tiene un equipo de sostén y actores de primer nivel como Michael Fassbender (otro de los buenos) o Lupita Nyongo.
El diseño de producción es de muy alto nivel, su montaje y puesta en escena entran en ese muy buen combo que se podría armar.
La banda sonora quedo a cargo del genial Hans Zimmer que para esta cinta logra una composición elegante y terriblemente violenta auditivamente para las escenas de torturas, en el buen sentido me refiero.
El debate que se ha construido sobre este film es si la crudeza es justificada o no, muchos dicen que es simplemente querer mostrar mas de lo que se debe pero yo apoyo al director Steven McQueen quien ha logrado una dirección totalmente acertada, rica en planos y que exhibe nada mas que la realidad de lo que fueron malas etapas de la humanidad, solo eso, no le veo nada de malo a intentar ser realista, creo que crudeza es de lo que mas falta en el cine comercial ahora y se valora el aporte del director.
Muy buen drama de la esclavitud que no precisamente destaca por ser original si no por ser cruda y a la vez apasionante por su personaje principal.
Actuaciones:7.5
Música:7.0
Historia:6.0
Final:8.0

Mi nota para ¨12 Años de esclavitud¨ es un 8/10. Muy buena.



Lo mejor: Los travelings de la camara son de lo mejor mostrando el virtuosismo total del director.
Lo peor: La historia es sumamente pesada por momentos y tal vez dura de ver para los mas sensibles.

Las Pastillas de Payne.

Globo de oro, Palma de oro, Independent spirit, BAFTA, y en el ultimo escalón de todos los premios Oscar, asi llego creciendo con mucha fuerza como postulante la película ¨Nebraska¨ del 2013, otra de las competidoras de la ceremonia de este año y de las favoritas de los críticos americanos (Junto a Gravity y 12 Años de esclavitud) que alabaron incansablemente el trabajo del director y todo lo restante.
Pero mas allá de la fuerza con la que este film independiente americano llego a los Oscar, obteniendo 6 nominaciones en los rubros de mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz, mejor fotografía, mejor guión, la película no dará mucho de si en la ceremonia, sera prácticamente invisible salvando en fotografía donde probablemente pueda ganar.
La cosa es que las películas cada vez parecen mas de encargo que otra cosa, al final las caras siempre terminan siendo lo mismo, si no son actores como Meryl Streep o George Clooney son directores como David O. Russell o el mismo Alexander Payne, por poner el ejemplo de directores que en esta precisa gala estan nominados.
Alexander Payne, no es una cara nueva, ya es un viejo conocido y mas por los Oscar donde apenas sin experiencia casi fue nominado por ¨Election¨ (1999), posteriormente le seguiría ¨Entre copas¨ (2004) y en el 2011 con ¨Los Descendientes¨.
Luego de dar el presente en los Oscar del 2012 Alexander Payne como el hombre mas afortunado del mundo vuelve a ser nominado con su nuevo proyecto hecho por encargo para estar presente, este es ¨Nebraska¨ con Bruce Dern como protagonista absoluto.
Un anciano con pasado de alcohólico recibe una carta donde interpreta asegurar que ha ganado un millón de dolares y que tal lugar en el que le entregaran el premio se ubica en Nebraska.
Luego de que todos en la familia se burlen de lo loco que esta su hijo le propone con la intención de satisfacer su ilusión conducir a Nebraska con el para ir en busca de ese tan aclamado premio.

Lo peor de los Oscar esta aqui, como en el 2011 lo supo lograr Alexander Payne con ¨Los Descendientes¨, pero en ¨Nebraska¨ es todo aun peor y notoriamente de lo mas pobre y sobrevalorado que esta ceremonia nos presenta este año, siempre hay películas sobrevaloradas en las que vale mas el director que el propio material en si y este no es mas que un ejemplo claro.
La cinta es depresiva y apagada a mas no poder, bueno, creo que trata de dar esa sensación al filmarse en blanco y negro, pero que la película se filme en blanco y negro no tiene ningún sentido, parece todo planteado solo para asegurarse otro rubro en los Oscar, es feo pensarlo pero es asi, filmar en B/N no tiene ningún tipo de sentido y yo no destacaría ni su fotografía por que me a parecido estúpido e inútil como lo usaron.
¨Nebraska¨ es una película entre el drama y la comedia, el humor es muy sutil, es verdad, hay muy graciosos gags y mucha ironía de por medio en los diálogos y las interacciones de los personajes, en cuanto al el drama no resulta ser tan potente por que el film se inclina por la comedia sutil y la melancolía mas que otra cosa.
Una mejor definición y que se ha dicho es la siguiente: Es la película una comedia depresiva, apagada pero sutil, lo que pasa es que la cinta resulta sumamente aburrida y somnífera por no decir que casi se hace eterna por que nunca levanta vuelo ni tiene dinámica.
En interpretaciones Bruce Dern esta espectacular, realmente estupendo como el anciano ganador del millón, los demás actores acompañan sin mucho mas.
Depresiva y aburrida, Alexander Payne lo volvió hacer, para mi lo peor de los Oscar 2014.
Actuaciones:6.5
Música:6.5
Historia:5.0
Final:5.0

Mi nota para ¨Nebraska¨ es un 4.5/10. Regular.



Lo mejor: Bruce Dern esta sobrio en su papel de anciano.
Lo peor: La Dirección de Alexander no me parece nada agradable.

Una Búsqueda no tan emocionante.

Basada en el libro del periodista Martin Sixsmith quien ayudo en Inglaterra a una mujer a saber del paradero de su hijo vendido cuando era solo una adolescente por las monjas del instituto y revelar asi las horribles cosas que cometían en ese lugar con la supuesta conciencia de Dios.
¨Philomena¨ es la adaptación de la apasionante y emotiva historia de búsqueda de una madre y que comenzó a colgarse unas cuantas nominaciones de premios internacionales, como los globos de oro o los BAFTA que lo llevaron con comodidad a participar o mejor dicho a luchar para algunas nominaciones al Oscar.
Según los críticos ¨Philomena¨ fue de los mejores films de Reino Unido en el 2013 asi que indudablemente cuando fue presentada para competir y con un par de nominaciones a su espalda logro 4 cupos para participar de los Oscar, en los rubros de mejor película, mejor actriz, mejor banda sonora y mejor guión adaptado, de las categorías mas importantes de los premios de la Academia.
Entonces siguiendo el repaso de las nominadas a mejor película esta vez fue el turno de ¨Philomena¨, una de las cintas que menos se oyó hablar en el medio, quizá por ser de las menos comerciales.
Pero lo cierto es que el film fue traspasado al cine por las manos del director Stephen Frears de muy basta trayectoria en el cine, mientras que la protagonista es Judi Dench, también de extensa carrera y nominada al Oscar ya en 8 ocasiones.
Philomena Lee es una joven que asiste a un colegio de monjas pero un día accidentalmente queda embarazada de un chico que conoce en una feria por desconocer absolutamente del sexo.
Dicho bebe una vez en el instituto donde va ella es vendido a una familia arrancándola de las manos de la adolescente Lee.
50 años mas tarde y sin dejar de pensar un solo segundo en aquel hijo Lee consigue la propuesta de su vida cuando un periodista de la BBC aparece para ayudarla en su búsqueda.

En la sección de mejor película ¨Philomena¨ es de las que menos me impacto y eso que tenia una historia como para ser mas cosa pero el intento del film es muy tímido y casi no surte efecto, es una película en el nivel de ser mas que correcta de eso no tengo ninguna duda sinceramente y respeto que todo sea real y no pueda modificarse lo que realmente paso, pero a la película le faltan algunos condimentos como para ser mejor y no son justamente los de la historia.
Hay una cosa muy interesante que la cinta tiene y que el director sabe usar muy bien, alternar los momentos dramáticos con los cómicos para que la historia no resulte tan pesada de mirar, esos tintes cómicos que la dupla de la pantalla aveces hace sirven lo suficiente como para sostener el peso de la película.
Un Drama bien llevado, bien dirigido por Stephen Frears y con un guión con unos muy buenos diálogos y situaciones que se suceden, lo que pasa es que la historia no termina de ser espectacular, la búsqueda es acartonada, falsa, plástica y no resulta del todo creíble con la facilidad que consiguieron todo, y pues esto le resta puntos a un film que precisaba mas potencia en su narración.
Las interpretaciones de los dos me gustaron lo suficiente y son justas para la trama, entre Judi Dench y Steven Coogan hay una buena química que se hace notar mucho interactuando fantásticamente bien en la pantalla y sirviendo como un impresionante sostén entre el cambio de tonos que la película va atravesando.
Me parece impresionante la feroz critica a la religión que tiene la cinta, simplemente el guión se encarga de que el personaje del periodista haga las reflexiones mas pesadas con unos diálogos tremendos mientras la ferviente Judi Dench hace oídos sordos a todo eso, fantástico.
Poco y nada mas me queda para hablar de ¨Philomena¨, un melodrama interesante, sutil, reflexivo, bien dirigido y con buenas interpretaciones, recomendable.
Actuaciones:6.5
Música:6.5
Historia:7.0
Final:7.0

Mi nota para ¨Philomena¨ es un 6.5/10. Buena.



Lo mejor: La Notable travesía que el director maneja dándole algo de humor al drama para que la historia no sea tan depresiva.
Lo peor: A la película le falta algo que la haga resultar mas impresionante o emotivo.

Rocky vs toro salvaje. Una movida comercial de grandes proporciones es a lo que ha jugado ¨grudge match¨ en su estreno apostando todo, los posters sobresaltaban con mucho orgullo el stallone vs de niro por sobre encima del titulo, donde ambos estaban apoyados sobre el cuadrilátero, una imagen super visual a la que cualquier viejo amante del cine recurriría sin falta. Las dos figuras son iconos del cine en sus respectivos géneros, sin embargo compartieron una cosa, un mismo papel, el de boxeador y de una manera tan fantastica que aun seguimos recordándolos y sera para siempre. Silvester stallone brillo siendo ¨rocky¨ en 1976, con la que no solo desato millones de dolares si no que marco un antes y un después en el cine de deportes, mas tarde de la mano de martin scorsese en 1980 llego la brillante ¨toro salvaje¨ donde robert de niro encarnaba el papel del boxeador jake la motta. Para los soñadores esta ¨grudge match¨ viene siendo algo asi como una oportunidad de ver un enfrentamiento entre rocky y jake la motta pero mas de 30 años mas tarde y con unos protagonistas bastante demacrados ya, y el film se quiere prestar con esas intenciones obviamente, la elección justamente de esos dos actores es por eso, aunque eso si ambientada en un entorno de comedia mas liberal y no dramática como lo tenían los otros films. Acompañando a 2 monstruos como robert de niro y silvester stallone esta el simpático alan arkin y kim basinger, todos ellos bajo el control de su director peter segal, director de cine íntegramente de comedia al que no se lo había visto desde el 2008 con su ultima cinta. La rivalidad que quedo en dos grandes leyendas de boxeadores perdura hasta que un dia luego de 30 años de la ultima pelea en la que uno de ellos se retiro se proponen volver a verse las caras en el ring a edad adulta. El atractivo principal de este film sabemos todos cual es, ver esa flamante pelea que se concretara en el final por que la película se presenta parece solo con la intención esa, darnos esa pelea que por años esperamos todos, mientras tanto el otro objetivo es desarrollarla como una comedia ligera y divertida de ver. La funcionalidad como comedia se basa en básicamente que estos colosos se rían y autoparodien de sus inolvidables papeles como boxeadores y lo hacen bastante bien, en la pantalla hay una buena conexión entre stallone y de niro y verlos en el ring es aun mas emocionante todavia. Sobre el film lo cierto es que no es la gran cosa, es floja, hay que ser sinceros, las flaquezas están por todos lados pero es una comedia que aunque tiene sus fallos se hace amena y por momentos graciosa de mirar y no me esperaba otra cosa, ojo, a mi no me decepciono por que yo esperaba algo asi. La historia utiliza buenos recursos gags sin abusar que resultan también muy esporádicos y explosivos sin faltar el respeto nunca a las figuras de estos actores, es un film respetuoso que no cae en los chistes mas tontos e inútiles y eso me gusta mucho por que cualquier guionista podría haber hecho eso. La parte mala del film viene cuando intenta ponerse tan melancólica cosa que no le sienta nada bien, la historia se quiere complicar demasiado entre amores y drama hasta hacerse empalagosa y poco creíble como forzada. Esos son justamente los momentos donde la duración se hace notar, se hace larga y estirada como un chicle sin llegar al grano final que es la pelea, se hunde en los tópicos del cine de hollywood pero lo bueno es que sabe como recuperarse luego de un rato. Me ha parecido entretenida, disfrutable solo por el simple hecho de ver a estas dos figuras en la pantalla y aveces hasta una comedia algo conseguida y bien llevada, dentro de todo es recomendable. Actuaciones:6. 0
música:5. 0
historia:5. 0
final:5. 0

mi nota para ¨grudge match¨ es un 5/10. Regular. Lo mejor: alan arkin es un espectacular equilibrio cuando el film se propone a ser comedia. Lo peor: los malos momentos dramáticos que luego terminan compensándole. .

Unión actoral y televisión.

La fase que el director Uwe Boll esta pasando en ese 2013 es: falta de ideas, con poco y tan limitado ha formado una extensa carrera en poco tiempo conformada por 28 films (hasta esta fecha) y donde se dio el gusto de rodar de lo mas variopinto tipo de proyectos pero todo eso tiene su final hasta en los directores mas malos como Boll.
Volver a los juegos no salvo nada, solo mostró la poca creatividad que le queda al director y guionista quien no hizo mas que rodar segundas y terceras partes de sus films.
El año sabático lo hizo regresar al 2013 con un thriller de corte similar a ¨Rampage¨ titulado ¨Asalto en Wall Street¨ que no movió muchos mares y que de manera camuflada también mostró la poca creatividad recurriendo a un subproducto de similares planos a otro trabajo anterior de el.
Para rematar he llegado al fin al epilogo de su carrera, su anteúltimo trabajo como director individual es este, ¨Suddenly¨, que fue con lo que cerro un pobre año pasado lleno de poca creatividad.
¨Suddenly¨ no es otra excepción a la sequía de ideas al aceptar cualquier guión solo para rodar, es que se trata ni mas ni menos que de un remake del film de 1954 de mismo titulo, dirigido por Lewis Allen y que tiene como especial interprete a Frank Sinatra, un clásico del cine negro.
Otra cosa nueva para Uwe Boll, metido en un remake y de eso no podemos decir nada por que Boll ya ha hecho de todo, creo que no le falta nada, cuantos quisieran haber llegado a rodar y a tener todas las chances que tuvo el y que desaprovecho por el poco talento para el manejo de las cámaras.
Este ¨Suddenly¨ remake esta escrito por 2 guionistas expertos en telefilm y la cinta esta formada en su elenco por un recopilatorio típico de los films de Boll, Paré, Liotta, Erin Karpluk, Dominic Purcell y asi un par mas.

Miserable y modestisimo remake del film de 1954 de Lewis Allen que se va con pura pena y poco de gloria y la cosa no es que la calidad sea mala, técnicamente no es tan mediocre y la visualización de la camara es mejor que la de un telefilm normal por que Uwe Boll tiene plata pero no por eso deja de ser una película destinada a la televisión con fines de aburrir y modesta artisticamente hablando.
Sinceramente no se cuantas cosas tenga para decir, básicamente hacer el análisis de un telefilm es algo muy rutinario y sencillo por que los alagos muy pocas veces están y mi valoración para ¨Suddenly¨ sera mala por que primero me aburrió soberanamente y segundo por que si la historia hubiese sido propia el gallo cantaría otra cosa, cosa que aqui no sucede al ser una nueva versión copiada al calco de la película de Allen.
Pésimamente mala en dirección, los momentos en los que va desplegándose la historia son fatales, no hay emoción no hay nada, todo pasa mientras nos sentamos a verla y cualquier persona que no haya visto la original película sentirá el mismo aburrimiento por que es fatal el poco gancho y contundencia que Boll le debe dar, no sabe esa fórmula, bah parece que nunca la supo en su carrera.
Los personajes son igual de malos que la misma serie de diálogos que se forman en el film y si los diálogos decimos que son malos ya podemos imaginarnos las actuaciones que por malos guiones casi siempre se ven afectadas.
Todos y cada uno de los actores actúan como un telefilm, saben que lo es asi que actúan con pocas ganas, un buen actor como Dominic Purcell tampoco se salva de este calvario y es que Boll hace arder a todos actoralmente por que en ¨Suddenly¨ a juntado a la mayoría de los actores que participaron en sus films.
No tengo mucho mas material para comentar, un film malo, televisivo, aburrido, que no hace fiel memoria al clásico de cine negro de Frank Sinatra, una vez mas Uwe Boll lo pudo.
Actuaciones:3.5
Música:4.0
Historia:4.0
Final:3.5

Mi nota para ¨Suddenly¨ es un 3.5/10. Mala.



Lo mejor: Como dije, la calidad visual de la camara es buena y poco notoria de ser televisiva asi como también Boll evita esos cortes bizarros de todo telefilm.
Lo peor: Los galardonados son los guionistas, los diálogos son infumables y tontos para una trama que pretende ser seria.

Amor a la tecnología.

El Detalle o dato particular que tenemos de esta entrega de premios Oscar 2014 es la siguiente, que en la categoría de mejor película hay 2 films de ciencia ficción!!!, una noticia muy alentadora para el género, mas allá de que una sea de un polo totalmente opuesto y otra del otro, pero terminan relacionándose con la ciencia ficción de todas maneras, una en mayor medida que la otra pero al fin sci fi.
Ya sabemos de la primera que hablamos, la mas nominada elegida para 10 competiciones, ¨Gravity¨, el film del año dirigido por el mexicano Alfonso Cuarón, una cinta que sin dudas pertenece al genero puro y duro.
La segunda de ellas ya no tiene la altura de popularidad como su antesora pero también comparte elementos del genero, esa es ¨Her¨, una película futurista (Bah tampoco tanto!) y romántica donde ambos géneros se combinan en un solo embase prometedor.
¨Her¨ esta seleccionada para luchar en 5 rubros de los Oscar como mejor película, mejor guión original, mejor banda sonora, canción original y diseño de producción.
La película cuenta como en un futuro un escritor de cartas deprimido y solitario adquiere un moderno sistema operativo que permite interactuar verbalmente con el usuario todo el tiempo.
Bañado en la depresión Theodore comienza a sentir una extraña conexión con este sistema operativo al punto de enamorarse.
Esta tan alocada historia que suena de chiste fue pensada por el director Spike Jonze (Como ser John Malkovich, Adaptation), que escribe su primer guion de una película personificada y para su personaje de Theodore pensó en el muy buen actor Joaquin Phoenix.

Muy parecida en planteamiento a ¨Eternal Sunshine of the Spotless Mind¨, film al que los Oscar también le dieron una chance, ¨Her¨ tiene sus puntos de coincidencia con aquella por que Jonze cuenta una historia de amor con elementos fantásticos pero sin perder la seriedad.
¨Her¨ es una película romántica con la particular diferencia de que solo se ve una persona, Phoenix, el sistema operativo tiene la voz de Scarlett Johansson por lo que los dos interactuan verbalmente, muy interesante y distinta, y ahi es cuando los puntos de ciencia ficción aparecen, un humano enamorado de una maquina, puede resultar hasta terrorificamente enfermizo pero es una extraordinaria visión de la actualidad por que el humano cada vez depende mas de la tecnología al punto de generarse una especie de amor a esos aparatos, los adolescentes ya los sienten parte de su familia entonces eso nos hace pensar que en verdad ¨Her¨ tampoco es tan fantasiosa como parece.
La cuota de humor que se dice en la ficha esta presente sobre todo en la primera parte de maneras muy sutiles y a la vez graciosas, funciona, pero cuando debe ser seria lo es sin ningún problema y eso es sensacional mostrando el buen timing del director para manejar los momentos.
La notable experiencia del cineasta a la hora de rodar videoclips lleva aqui a un impresionante trabajo de estética de aspectos rojizos y anaranjados que se desplazan durante todo el film dando un clima alegre a la visión del film como buena película romántica es.
Joaquin Phoenix nunca decepciona y es de enorme ayuda para esta historia en el que es solo el, nadie mas tiene la pantalla que tiene, la apenas voz de Scarlett hablando con el es un milésimo aporte, básicamente debe sostener toda la historia que ya de por si resulta ser apasionante.
Las historias con futuros diversos siempre son interesantes de ver y ¨Her¨ tiene eso, pero lo mas importante es que tiene cerebro y un excelente guión lleno de una carga de diálogos muy buenos.
Otro muy buen film de esta edición de los Oscar que de momento me gusta bastante, irónica, inteligente y minimalista, no hay que perderla, recomendable.
Actuaciones:7.0
Música:6.5
Historia:7.0
Final:7.0

Mi nota para ¨Her¨ es un 7.5/10. Muy buena.



Lo mejor: Muy delicada la estética del film.
Lo peor: Hay algunas incoherencias en el tema de los sistemas operativos por la voz y el conocimiento que puedan tener.

Historias de lucha.

Estamos en tiempos de Oscars por lo que en indiemoviez en mis criticas encontraran seguramente mayor parte de films nominados como cada año acostumbro hacer siempre que puedo, disfruto viendo los films nominados para estar informado a la hora de mirar los premios osea que no me es una perdida de tiempo mientras sea cine.
No he mirado todas pero si ya vi las dos mas nominadas ¨Gravity¨ y ¨American hustle¨, mientras hoy es el turno de criticar a la que mas esperanzas le tenia, ¨Dallas buyers club¨.
¨Dallas buyers club¨ si bien no es la mas nominada esta seleccionada para competir en 6 rubros, incluyendo mejor película y mejor actor, 2 de los rubros mas importantes de la competencia.
El film basado por supuesto en hechos reales esta dirigido por el canadiense Jean-Marc Vallée, con una filmografía muy reducida y rodada totalmente en el extranjero sin resaltar para nada en las grandes planas de Hollywood hasta que acepto el guión de Craig Borten y Melisa Wallack sobre un apasionante caso de Sida en Dallas, Estados Unidos.
Si, el Sida otra vez en las grandes planas de Hollywood y los premios Oscar, como en 1993 lo fue con ¨Filadelfia¨ del director Jonathan Demme.
A los críticos les apasiona ver las historias de superación en la que los protagonistas sufren graves enfermedades y mas cuando sus vidas están en cuenta regresiva, entonces Jean sabia lo que a ellos les gustaba y fue por lo seguro, buscar y aceptar el guión de un film de lucha y enfermedades.
Si a ¨Filadelfia¨ le funciono con ¨Dallas buyers club¨ podía suceder algo similar, por que no, solo había que conseguir un actor capaz de afrontar semejante cambio físico que implicaba encarnar esto, ahi fue cuando luego de un casting extenso quedo sorpresivamente Matthew McConaughey, ese sex symbol que arranco su carrera con la mediocre ¨The Texas chainsaw massacre: the next generation¨.
La película va sobre un vaquero y electricista al que no solo le gustan los rodeos, si no el alcohol y el sexo sin protección.
Un día luego de sufrir un accidente en su trabajo es trasladado al hospital donde le hacen análisis de sangre y encuentran un avanzado caso de Sida, cuando despierta le informan lo que le han encontrado dándole solo 30 días de vida.

Un Drama crudo que se escapa de los parámetros y tópicos de cualquier film que hable sobre la historia de un hombre que contrae la enfermedad del Sida.
Entendamos que aquel que lee esta sinopsis dirá que no es mas que una repetición de historia típica de drama pero ¨Dallas buyers club¨ es mas que una cinta de lucha personal en la que el protagonista busca salvarse, de verdad, es un drama contado con crudeza sobre los alrededores de esta enfermedad, ese mundo que lo rodea, las medicinas, los doctores, el negocio de la venta, las drogas, el alcohol, un conjunto de cosas largas que sacan de lo habitual a a esta película.
Otra cosa que ayuda mucho a la ruptura de tópicos es que el personaje protagonista se pueda ver humanizado en verdad, no es rico, es un simple electricista y un vaquero duro que parece al principio no tener sentimientos y al que el ambiente lo ha acurrucado a establecerle esta enfermedad desgraciadamente.
Esta historia no escatima a la hora de recortar imágenes mas crudas, es un film que sin exagerar muestra lo que tiene que mostrar- lo justo y necesario- y deja volar la imaginación con otras mas subjetivas.
Hay atrás de todo esto un muy buen guión realmente de impecable escritura y por supuesto una también muy buena dirección de Jean-Marc Vallée, puesto que todo esto sin un buen director no hubiese sido lo mismo.
Pero es momento de hablar de lo mas sobresaliente de este muy buen film y es la interpretación de Matthew McConaughey, se gana mis respetos, su actuación es sobresaliente y carga todo el peso de la cinta, alucinante su actuación bajando unos 20 kilos y dando un aspecto demacrado y flaco del vaquero de Dallas, fabuloso y sin haber visto si quiera todas las otras interpretaciones me juego que es el que mas merece la estatuilla.
El actor que acompaña a Matthew es Jared Leto que también sorprende en su labor actuando como un travestí, otro impresionante cambio físico digno de destacar y que exigió también perdida de kilos.
Unas sobresalientes actuaciones acompañadas de una absolutamente destacable edición de maquillaje que ayuda a que nos sorprendamos mas aun con esas transformaciones físicas.
He visto solo 3 films -por ahora- nominados a mejor película pero ¨Dallas buyers club¨ resulta ser de lo mejorcito, destacado film dramático digno de ver ya solo por la actuación de Matthew, altamente recomendable.
Actuaciones:8.0
Música:6.5
Historia:7.5
Final:7.0

Mi nota para ¨Dallas buyers club¨ es un 7.5/10. Muy buena.



Lo mejor: Matthew es lo mejor lejos, ya su transformación física lo vale.
Lo peor: En su liguilla la encuentro muy completa, nada para reprocharle.

Equipo que gana no se toca.

Pareciera un dejavu pero no lo es, otra vez en esta ceremonia de los Oscar 2014 tenemos como principal invitado a David O. Russell y a su equipo en la tercera nominación consecutiva para sus films, es que a esta altura parece que Russell es el nuevo bebe mal criado de Hollywood.
Desde que en el 2010 regreso con ¨The Fighter¨ no se alejo mas de los Oscar, seguido por un 2012 con ¨El Lado bueno de las cosas¨ y ahora con ¨American hustle¨ que tiene ni mas ni menos que 10 nominaciones a los premios de la Academia, la mas nominada de la lista junto a ¨Gravity¨.
David O. Russell se baño en éxito justificadamente en el 2010 dándole el primer Oscar a Christian Bale, un buen actor que no había tenido ninguno reconocimiento anteriormente y también a su compañera Amy Adams, aunque ella ya había sido nominada anteriormente 2 veces, ambos habían hecho papeles muy buenos y dignos de ser nominados y Russell había estado ausente desde el 2004 en el cine pero había regresado de la mejor manera.
Su siguiente proyecto fue una comedia romántica muy simple y sensilla con la hermosa y talentosa Jennifer Lawrence de protagonista junto a Bradley Cooper, donde ambos fueron seleccionados para competir en sus grillas saliendo Lawrence victoriosa.
Ahora Russell destapa con su nueva comedia ¨American hustle¨ donde repite su exitoso elenco en un solo film, los cuatro actores de sus dos anteriores películas, Christian Bale, Amy Adams, Jennifer Lawrence y Bradley Cooper, las llaves del éxito de su nuevo film.

Dinámica y picara comedia sobre engaños y estafas, bastante completa como entretenida apesar de la extensión del metraje.
La inteligencia y el virtuosismo del director es nata, David Russell sabe que hacer con esta historia de enredos, todo el tiempo la tiene manipulada en la palma de sus manos y hace y deshace cuando quiere lo que quiere, es sobria su dirección y creo que desde allí corren los verdaderos méritos de este film.
Si tenemos un buen director, unos buenos actores, nada debería salir mal, en ¨American hustle¨ los mas importantes personajes son los cuatro, no su protagonista solo, todos ellos son igual de pesados en la historia por que el director se encarga de que asi sea, que se crucen y que aporten todos en la historia.
La escritura del guión es impecable, siempre interesante y dinámica, de esas historias que no se le puede perder el ojo por que meten sorpresa en sus historias y por que van torciendo el rumbo de los personajes.
Christian Bale se sale de papel, nuevamente muy bien y hasta gracioso diría con ese pelo falso, Amy Adams lo acompaña excelentemente bien por no decir que esta mejor que Bale, de Jennifer Lawrence no hay mucho para decir: no tiene tantos minutos pero su interpretación es sobria haciendo el papel de una mujer amargada y despreocupada, por último Bradley Cooper quien esta correcto y a las circunstancias del elenco.
Muy buena la edición de vestuario y peluquería preparando el look que los protagonistas tendrán para los años 70, arrancando desde el pelo de Bale, como los siguientes glamorosos peinados y cortes setentosos.
No quiero decir que esta película sea excelente, ni mucho menos, sencillamente me parece buena no me ha enloquecido pero me ha gustado bastante y supero mis expectativas, un film de corte a lo Martin Scorsese, recomendable.
Actuaciones:7.5
Música:6.5
Historia:7.5
Final:7.0

Mi nota para ¨American hustle¨ es un 7/10. Buena.



Lo mejor: La importancia que tienen los cuatro actores y como la historia circula en ellos de manera sobria.
Lo peor: Cuando la historia se quiere enredar mucho se hace densa.

Chato como su director.

La no tan convincente ¨Final storm¨ del 2010 hizo que Uwe Boll se regresara a los géneros indies por ultima vez hasta el momento (una lastima), ha tenido un verdadero paso exitoso financiado films de otros géneros en Alemania y Canadá y ha sumado suficiente experiencia en la variedad de géneros sin limitarse estrictamente a uno solo, pero donde mas se ha sentido cómodo es en lo bélico e histórico (Darfur, Vietnam y los Nazis) que es básicamente lo que mas vimos en todo su recorrido por el cine indie y lo que mejor le ha sentado.
Positivo el balance de su 2010 por que ¨Max Schmeling¨ es para mi el mejor film que rodó, no tanto su cierre donde regresar al terror no acabo por asentarle tan bien, pero para el 2011 Uwe Boll tenia otros planes distintos a su carrera, uno de sus planes era despedirse del genero indie y retornar a su viejo labor en Hollywood de fracasar adaptando videojuegos, su último trabajo sobre un juego había sido en el 2008 con ¨Far cry¨.
El cineasta pensó cual podía ser la mejor despedida, sabia que lo histórico le sentaba bien, el es de procedencia alemán, ¿cual podía ser la frutilla del postre? Algo nuevo para el pero a la vez conocido, rodar un documental sobre Auschwitz, las cámaras de gas que utilizaban los Nazis para acabar con los judios.
Uwe Boll se calzo el traje de documentalista como Michael Moore y siempre intentado ser polémico. Ya los comerciales que se pasaban por la televisión del documental dieron que hablar y a Boll eso le encanta.

El Documental se abre con el director al frente de la camara dando un sermón extenso sobre los horrores del holocausto y de lo mucho que se ha perdido el conocimiento por la historia en la nueva generación.
Acto seguido va a dar paso a una serie de entrevistados, unos cuantos adolescentes alemanes a los que les hace muchas preguntas sobre la oscura época enfocándose en simplemente hacerlos quedar mal para ratificar lo que dijo al principio sobre el desconocimiento.
La cosa es cierta, pero el documental se empeña demasiado en hacer quedar mal a los adolescentes, la entrevista es continua de ese ritmo y si pensamos el director podría haber hecho mas interesante a su documental ¨Auschwitz¨ recopilando algunas entrevistas de algún que otro anciano sobreviviente u otros elementos mucho mas atractivos, pero nada de eso pasa.
Es muy particular como ha filmado el documental por que usa unos primeros 15 minutos de entrevistas a los chicos pero luego sin mucho mas material para exponer en la pantalla hace una especie de mini película o exhibición de como era el mecanismo de la camara de gas con actores y algún diálogo, si bien la exhibición no esta mal no es mas que eso sin llegar a definirse bien como documental.
Después poco y nada de material, entrevistas y archivos se muestra en el film, unas cuantas imágenes del holocausto muy mal enganchadas en lapsos de la entrevista a los muchachos, con ausencia total de una partitura de fondo que le de algo mas de carga sentimental, es que uno ve las imágenes que aparecen de repente de a ratos en las entrevistas con una frialdad pura y cruel como para extender simplemente la duración y hacer algo mas rico al documental con algunas fotos impactantes.
Muy superficial análisis del holocausto alemán, tremendamente vació y con unos 65 minutos totales que hasta parecen extendidos mas de la cuenta.


Mi nota para ¨Auschwitz¨ es un 4.5/10. Regular.




Lo mejor: La Ignorancia a la que se refiere el director es real.
Lo peor: Un documental chato y sencillo que no aporta nada de nada.

Mala pero buena.

Las malas comedias abundan en todos lados, no solo las de Adam Sandler o Jim Carrey y los malos directores también son abundantes, no estoy diciendo ninguna novedad con esto, simplemente es una introducción a lo que estoy por expresar.
En Argentina hemos sido participes de un enorme crecimiento del cine sin dudas pero también existe de toda variedad, los malos films siempre están presentes y uno de los géneros donde mas se puede llegar a notar la mediocridad es en la comedia, un genero maltratado con el tiempo donde se delata con facilidad el mal nivel que tiene la película.
Un hombre que hace detestables comedias argentinas es Rodolfo Ledo, que pertenece a la lista de esos que se pueden catalogar como ¨malos directores¨, a sido el creador de la tercera parte de un icono de la comedia argenta como ¨Bañeros¨ o ¨Incorregibles¨ con Dady Brieva y Francella de protagonistas.
Pero Rodolfo Ledo en su corta carrera como director ha tenido la fortuna de trabajar con un grande humorista como Guillermo Francella o Dady Brieva que le han dado números impecables en taquilla.
La única cinta salvable que filmo Ledo fue su debut ¨Papá se volvió loco¨ del 2005 que fue su primera aportación también con el ídolo del humor argentino Guillermo Francella.
Juan y Ana van a pasar su aniversario en el caribe acompañados del hermano de Ana y su mujer. En su llegada a las hermosas tierras de Dominicana Juan empieza a enamorarse perdidamente de una joven lugareña que modificara su vida.

Este trabajo de Rodolfo Ledo no es una excepción a su pésima carrera y no es ni mucho menos mejor que las bazofias que dirigió posteriormente ya que cometen los mismos errores.
¨Papá se volvió loco¨ es de esas comedias malas de verdad pero que son adorables y queribles por sus motivos cosa que ninguno de los otros trabajos que hizo tienen al nivel de esta cinta.
La película tiene un guión mediocre de verdad y la dirección de Rodolfo Ledo es igual de mala que el guión, ahora ocurre algo, si una comedia tiene 2 cosas tan fundamentales con un nivel malo como puede llegar a ser salvable, la respuesta es una sola: Guillermo Francella.
Los chistes fáciles se suceden constantemente y las caídas a cada segundo pero el film tiene en la pantalla a un humorista todo terreno que es bueno y que sabe hacer reír siempre desde haciendo el chiste mas fácil, entonces es ahi donde ¨Papá se volvió loco¨ atina en el blanco por que cumple como comedia y sabe hacer reír constantemente aun pese a tener un guión malisimo y una dirección de baja calidad.
Donde podemos notar los puntos flojos de la cinta? la realidad es que hace agua por todos lados la película si es por que los momentos para conseguir el conflicto y los momentos tristes son muy mal logrados por que Rodolfo Ledo es un cineasta malo que ha filmado un film malo pero bueno. La valoración de la cinta va directa totalmente para Guillermo Francella el salvador de la cinta.
Hago paréntesis para sobresaltar ese final de verdad inesperado que ha quebrado con las barreras de lo común del cine familiar, sorpresivo y oportuno.
Una comedia que cumple el cometido de hacer reír, es mala pero hace reír y mucho y por ser generoso se lleva esta gran nota.
Actuaciones:6.0
Música:4.5
Historia:4.5
Final:6.0

Mi nota para ¨Papá se volvió loco¨ es un 6/10.Buena.



Lo mejor: Guillermo Francella es el rey absoluto de la cinta.
Lo peor: La Dirección.

Se acepta devolución.

Nada o poco se habla del México cinematográfico, los años del famoso cine dorado mexicano con vaqueros y revólveres quedaron en el pasado casi como si fuesen leyendas contadas de generaciones en generaciones. Nada ha vuelto a ser lo mismo y México a quedado eclipsado por su hermano fronterizo Estados Unidos, empeñado para estar evitando cualquier tipo de distribución mundial al cine de cualquier cosa que se filme en las tierras aztecas sin medir que el producto fuese bueno, malo o regular.
México sin embargo, con el paso del tiempo fue ganando el terreno en el sector de las telenovelas, pues es ahi donde surgió como segunda opción al cine destacándose en ese ámbito de manera bestial y haciendo un importante comercio a lo largo de latinoamerica con la distribución de las novelas rodadas por año, y ademas haciendo una dura y sana competencia con otros países como brasil o Colombia, también reyes de las novelas románticas las cuales son capaces de llegar al punto de paralizar al país por completo en las horas nocturnas.
Adentro de lo que es la televisión y las telenovelas en el 2002 Televisa produjo una serie de humor absurdo (La Familia Peluche) escrita, dirigida y protagonizada por un viejo conocido del humor como Eugenio Derbez, fue semejante el éxito de esta serie que Televisa lo animo a sacar mas temporadas que apenas culminaron en el 2012 con un total de 83 episodios que catapultaron a Eugenio como un icono de la comedia mexicana.
Ya con la serie de humor finalizada Eugenio Derbez volvió a figurar en las primeras planas y no por volver con su vieja y clásica serie si no por intervenir en el cine mexicano con un autentico éxito que trajo de vuelta a las primeras planas a México en el cine.
Como hizo con todo, Eugenio escribió, protagonizo y dirigió una comedia llamada ¨No se aceptan devoluciones¨ que se distribuyo mundialmente significando ademas un exitazo en Estados Unidos, asi entonces concluyo con la primera parte de la critica y empiezo el análisis.

Hay que decir cuando las cosas son buenas o son malas, ¨La Familia peluche¨ es una serie que a mi no me mueve un solo musculo de la boca a la hora de reírme, me parece malilla en todo su esplendor, los demás trabajos de Eugenio Derbez no los conozco y por lo tanto no puedo opinar de ellos pero me parecía una mala idea ver este film por que podía suponer lo que se veía.
Me genero cierta intriga el echo de que la cinta había revolucionado al país y en mi estadía en México, de vacaciones, pues la mire casi forzadamente.
¨No se aceptan devoluciones¨ repite el estilo de humor absurdo de la serie con tono familiar y enseñanza de por medio. No hay peor error que una comedia absurda que se pinta de moraleja en el final por que termina perdiendo todo lo que gano al principio, la gracia y el carisma.
Eugenio ha escrito una película con estas cosas y que descaradamente se hace comercial por imitar el famoso estilo de comedia americana, tonta sin cerebro que a la vez quiere darnos enseñanzas.
He notado también que la cinta olvida tan rápido las raíces de México que pasa a parecerse un film de Hollywood, con gente millonaria, el escenario nacional se corre rápido y se remplaza por el americano y hasta el idioma comienza a dividirse alternando el ingles con el castellano.
Inteligentemente jugo para conseguir créditos comerciales olvidando su país pero le pasa facturas el nivel de una película que ofrece poco y nada a la vista, plana y forzadamente sentimental.
Actuaciones:6.0
Música:6.0
Historia:4.0
Final:4.5

Mi nota para ¨No se aceptan devoluciones¨ es un 4.5/10.Regular.



Lo mejor: Comercialmente es de felicitar por que todo le salio redondo.
Lo peor: Eugenio Derbez no supo ser un director con estilo propio o que intente despegarse del margen americano.

En Darfur, en Vietnam y hasta en el ring.

La Fortaleza del cineasta Uwe Boll era contundente, sus films habían mejorado furiosamente por no decir que ya se le podía empezar a llamar de verdad cine serio, ya desde que comenzó a financiar sus films en Alemania y Canadá por el 2008 su cine había cambiado, tal vez por el hecho de que fue ahi donde dejo de lado producciones con efectos visuales que adaptaban videojuegos y fue por géneros mas accesibles para un director de su altura en donde no se debía invertir tanto dinero si no crear historias apetecibles dramáticas o de lo que se le antoje siempre y cuando este lejos del cine fantástico.
Le fue brillante en el cine bélico con ¨Tunnel Rats¨ primero y luego con ¨Darfur¨, un escalón mas encima de su carrera, ese mismo 2009 metió un film de critica social y a la vez mucha violencia llamado ¨Rampage¨ obteniendo mismos niveles correctos.
¨Rampage¨ había sido lo mejor que había filmado Uwe Boll hasta ese entonces para cerrar el 2009 de la mejor manera, pero nadie podía esperar que abriría el 2010 mejor aun.
Mi primera critica del 2014 la inaugura un director querido y odiado como Uwe Boll, siguiendo el recorrido de su extensa filmografía y que mejor que empezar el año bien con un 6 calzado.
El exitoso 2009 para Boll no había sido suficiente, un tipo que tenia guardado lo mejor todavia por que comenzó el 2010 anunciando que haría un biopic, una nueva cosa para el, un biopic sobre un icono del deporte alemán, el boxeador Max Schmeling, campeón mundial de peso pesado que carga una apasionante historia en su espalda.

Se valora que el director quisiese seguir innovándose con nuevas cosas para su carrera, es que ¨Max Schmeling¨ es lo mas alto que jamas ha rodado, lo que ha favorecido es que la historia de este boxeador es apasionante en todo su esplendor por lo magnifico que fue como boxeador y bajo el ring en medio del nazismo.
Tiene aspectos destacados como la fotografía, un curioso trabajo donde se utilizan imágenes reales viejas en blanco y negro y que luego se pasan al color con la filmación, no recuerdo muchos films de Boll que precisamente se lleven la palma por eso.
¨Max Schmeling¨ esta completada por un correcto elenco actoral y un calcado actor que interpreta al boxeador de peso pesado, realmente Uwe Boll se a sacado un doble de la manga en cuanto a físico.
La pasión del director por este deporte quizá haya sido la que lo influencio a ponerle tanto merito a la cinta, ha intentado hacer todo lo posible por que se vea lo mejor que se pueda apesar de las limitaciones existentes que constantemente tiene el cineasta.
Los principales fallos a la hora de rodar las batallas en el ring corre por parte de los maquilladores, las peleas no se ven reales, no tienen fuerza ni suspenso para creértelas y tampoco los boxeadores muestran signos de lastimaduras en el ojo o algo por el estilo que demuestre que las golpizas que se ven surten efecto, como si fuese una pelea real entre boxeadores. Lo que vale mas aqui es la composición de la historia, tan seria y firme en su postura.
Nuevamente a sorprendido gratamente Uwe Boll en un trabajo serio, dedicado y con curiosos detalles de fotografía y otros condimentos que hacen para mi de este film el mejor que ha realizado en su carrera.
Actuaciones:5.0
Música: 5.0
Historia:6.0
Final:6.0

Mi nota para ¨Max Schmeling¨ es un 6/10.Buena.



Lo mejor: El Parentesco del actor es calcado al boxeador campeón mundial.
Lo peor: La Dirección de Boll no es contundente cuando debe rodar escenas de boxeo.

Estudiante de comedia.

El cuento corto de ¨The Secret life of Walter Mitty¨ de 1939 escrito por James Thurber y publicado en un periódico fue sumando puro prestigio por la originalidad de su curioso y cortisimo argumento que no abarcaba casi hojas, asi fue haciendo lugar como una de las obras maestras de la literatura americana.
Su ansiada adaptación fue muy rápida, el deseo de los productores llevo a que por 1947 con Boris Karloff y Danny Kaye encabezando el elenco se realizara la primera adaptación dirigida por Norman Z. McLeod que tuvo una buena aceptación apesar de haber sido concebida solo tras 7 años de la escritura de ese cuento de James Thurber.
Pero el retroceso del cine americano que se comenzaba a quedar sin ideas llevo al deseo por hacer un remake de la cinta del 47, este proyecto era anhelado desde hace un tiempo largo tranquilamente podríamos decir 1 década y algo mas llenas de reescritura del guion, intercambio de protagonistas y de directores.
En 1994 fue el año con el mas profundo deseo, todo parecía estar cerrado siendo Jim Carrey el protagonista del filme, New Line había obtenido los derechos pero tras enredos de post producción se abandono el proyecto, mas tarde resurgido en 1997 con Rod Howard tras las cámaras quien luego abandono, asi siguió en 1999 con Chuck Russell pero luego de tanto retraso y reescritura nuevamente el filme quedo congelado en el olvido, mas tarde de Russell le siguieron mas directores como Steven Spielberg y repleto de interpretes propuestos pero ninguno acabo por concretar este proyecto que parecía casi maldito en la industria.
Para ir resumiendo, la persona menos pensada acabo por concretar el proyecto maldito, fue el humorista Ben Stiller, un consolidado actor en el rubro de la comedia mediocre que se puso el pesado producto a cuestas para dirigirlo y protagonizarlo.
Dirigir para Ben Stiller no era algo nuevo, anteriormente había filmado 4 films pero ningún tenia la envergadura de este proyecto maldito codiciado por todos y concebido por pocos.

No sabia bien de que iría la cosa en ¨La Vida secreta de Walter Mitty¨ y ya vista me ha parecido un filme bañado en mediocridad pura, una adaptación fría y lejana del cuento que despliega unos correctos y funcionales primeros minutos pero que pierde su rumbo por la idiotez absoluta no solo del guion empeñado en mostrar un viaje espiritual y de superación si no del inexpresivo Ben Stiller que nada aporta y no hace reír.
La conjugación entre la fantasía y la realidad es poco y nada exitosa, es que es una cinta tan distinta y alejada al cuento que no presenta una digna construcción y conflicto, me ha parecido tan absurda como mortalmente aburrida, el chiste de esto es que sea una cinta graciosa y a la vez seria pero es complicado decir hasta que consigue una de estas dos cosas.
Destacare la originalidad con la que la cinta esta rodada, como Ben Stiller va innovando con diferentes formas para ir narrando la historia, creo que este es el punto mas fuerte de una cinta débil por todos lados.
Los paisajes y efectos visuales son muy buenos cuando se incorporan para intercalar la fantasía con la realidad, lastima que nada es aprovechado al ser esta una película tan superficial y tonta que puede llegar a verse hasta como un anuncio publicitario.
Es hasta complicado enmarcarla en un genero, no es de esas cintas que demuestre sus intenciones de primera y asi resulta tan poco clara y jamas sin un rumbo fijo exponiendo la poca sabiduría de Stiller por rodar un film como antes le sucedió.
Redondeando la critica mi paciencia esta algo agotada y pues ¨La Vida secreta de Walter Mitty¨ es tan poco clara en sus intenciones combinando fantasía, humor, romance y aventura que resulta pesada y sofocante de ver, jamas encontré lo interesante y entretenido de la cinta, pésima.
Actuaciones:5.0
Música:6.0
Efectos:6.5
Historia:4.0
Final:5.0

Mi nota para ¨La Vida secreta de Walter Mitty¨ es un 3.5/10.Mala.



Lo mejor: Visualmente a veces hace distraer un poco todos esos errores que tiene.
Lo peor: No tengo idea que ha pintado Sean Penn y tampoco se que quizo hacer Ben Stiller.

La Fortaleza de un genocidio.

Uwe Boll en definitiva se había alejado del cine fantástico, dedicando su tiempo a filmar films de otros géneros bélicos y dramáticos, y no le estaba yendo nada mal en Alemania y Canadá donde filmaba.
La ruta del buen camino seguía, luego de la correcta ¨Tunnel rats¨ y la fallida pero no menos interesante ¨Stoic¨, llega ¨Darfur¨, un film en el que Uwe Boll vuelve apostar por un caso real y basado en un asunto bélico intentando dar un nuevo golpe de sorpresa (conseguido nuevamente) como lo había realizado con autentico éxito de criticas en su económica y correcta ¨Tunnel Rats¨ (que hasta el 2008 era lo mejor que había filmado).
Como el titulo lo deja en claro en ¨Darfur¨, se trata el tema del conflicto en 2003 en Sudán, Darfur, un caso de genocidio donde los negros eran asesinados por los árabes, un tema realmente profundo y grave que no se resume en esos dos renglones que le he dedicado (estamos para evaluar el film no va para hablar de acontecimientos de este tipo), el conflicto no termino hasta el 2010, una eternidad donde hubo muchas perdidas humanas que no se pueden permitir.
A Uwe Boll siempre le gustaron los desafíos o si no jamas hubiera pensado adaptar juegos tan complicado, pero nunca los supo llevar a buen puerto, que pasa si ahora todo cambio? Primero Vietnam, ahora Darfur, hemos encontrado el talento del alemán parece y en el campo de lo bélico, en las otras lineas hablare del film ahora voy a redondear un poco la ficha del film.
Para ¨Darfur¨ se utilizo una especie de reciclaje de interpretes, primero uno que había colaborado antes en ¨Stoic¨, se trata de Edward Furlong otra vez, para abaratar costos Boll le hizo rellenar un contrato para 2 films con un solo sueldo, después tenemos a Kristanna Loken (Terminator 3) que antes había trabajado con el director haciendo de la heroína ¨BloodRayne¨ y por ultimo tenemos a Billy Zane completando el elenco, que por supuesto también anteriormente había trabajado con el en ¨En el nombre del rey¨, el resto son todos anónimos que habrán participado en varias producciones de cable pero que desconozco.
Periodistas americanas viajan a Sudán donde se encuentran en esas tierras una dolorosa realidad, el asesinato a los negros de parte de los árabes, hecho que perturbara y desequilibrara al grupo.

Se ha superado, pareciese que en ¨Darfur¨ haya conseguido el punto mas culmine de su carrera en un trabajo que puede ser definido como mas que digno con tranquilidad o quizás Uwe Boll encontró la manera de hacer cine bélico, es que no es broma pero ¨Darfur¨ es un producto para tomarse con seriedad asi como en ¨Tunnel rats¨ a la cual en esta ocasión a superado, ¨Darfur¨ hasta lo que he visto de el es lo mejor que ha realizado, habrá que ver que tal esta ¨Rampage¨ (otra que tanto elogian).
Si el director alemán quería meterse en un tema serio como este precisaba darle al relato respeto y coherencia cosa que poco acostumbrado estábamos de ver de el pero nuestra visión desde ¨Tunnel rats¨ algo había cambiado y ratifica su madurez con esta cinta que esta un escalón encima de la antes nombrada.
La crudeza del genocidio es bastante visual pero no al punto de asquear al publico, Uwe Boll encrudece lo justo y necesario su relato con mucha frialdad pero afloja esa sensación de crueldad con una camara movediza para los momentos claves, es asi entonces una dirección muy inteligente la efectuada que oculta todo tipo de limitaciones que el director pueda llegar a tener.
Se plantea su introducción algo asi como un ¨falso documental¨ desde la óptica de los periodistas americanos pero se desprende con tanta naturaleza de esa rama gracias al director que le da naturalidad a los hechos y aprovecha esa camara en mano justo en los momentos de violencia.
Actoralmente el trabajo del elenco esta muy repartido entre todos, Edward Furlong, Kristanna Loken, Billy Zane, ninguno de ellos es la costilla de la trama, el film se mantiene solo sin ayuda de ninguno pero cuando lo hacen ninguno destaca encima del otro, el nivel es parejo y repartido lo que esta bien.
De montaje y de fotografía hay que valorar a ¨Darfur¨ también que consigue una buena calificación, puntos en los que antes jamas Uwe Boll había dado nota alta, entonces este hombre definitivamente tomo el proyecto con una seriedad total y ha salido muy bien.
¨Darfur¨ sorprende, lejos esta de ser una película que este dirigida por el que muchos llamaron ¨el peor director del mundo¨, las virtudes de este film están bien marcadas y si bien no es un peliculón que sera recordado por siempre hay que valorar sus grandes puntos que conforman a esta buena cinta.
Actuaciones:5.0
Música:6.0
Historia:6.5
Final:6.5

Mi nota para ¨Darfur¨ es un 6/10.Buena.



Lo mejor: La Crudeza no es explicita totalmente, se amaga mas de lo que se muestra, un ejercicio inteligente de Boll.
Lo peor: Una contundente actuación hubiese sido el clavo perfecto del film.

Entre presos y paredes.

El Paso de cal y dos de arena de Uwe Boll trasladando sus producciones de la Boll KG a su Alemania y Canadá con sus productos-la lamentable- ¨Far Cry¨ y -el mejor film de su carrera por ahora- ¨Tunnel Rats¨ en el 2008 dejaron una sensación de haber sido un paso reconfortante, obviamente por el segundo film nombrado CLARO.
¨Tunnel Rats¨ era significativamente lo mejor que había rodado Uwe Boll, lo sabia y lo sabe, y curiosamente el mas destacado de sus trabajos fue de un genero al que el poco y nada había apostado jamas en toda su experiencia laboral, un genero fuera del cine fantástico, mas justamente era una cinta bélica que entra en esta categoría de Abandomoviez.
Su mas aclamado producto que dirigió en el 2008 le devolvió otra vez la confianza a un Uwe Boll que la necesitaba en ese momento pero rápido ya estaba absolutamente enchufado en mantener su continuidad en un genero alejado del que había fracaso, el fantástico, emergerse en el drama mas profundo era su prioridad o mejor dicho su nuevo objetivo y tratar de mantener con cierta seriedad toda su nueva carrera dirigiendo un promedio de 2 films por año.
El 2009 parecía traer similares desafíos para el cineasta que iniciaba ese año con un drama carcelero financiado por los mismos inversores de siempre de Canadá y Alemania, era ¨Stoic¨ o conocida en castellano como ¨Asesinos múltiples¨.
La anterior ¨Tunnel rats¨ traía un elenco anónimo totalmente que no habia sido tan malo y en ¨Stoic¨ quizo hacer algo similar Uwe Boll contando con una sola cara conocida, Edward Furlong, el joven John Connor de ¨Terminator 2¨ (19991).
Cuando un preso alemán aparece ahorcado en el interior de su celda, se abre una investigación para descubrir qué ha provocado el suceso. Tras el interrogatorio a sus compañeros comienza a surgir la terrible verdad y el lado más oscuro del alma humana.

La jugada esta vez no le salio bien a Boll, ¨Stoic¨ es una cinta carcelera pesada que tiene formato de documental con entrevistas a los presos protagonistas y una critica también al sistema, esto alterna con la historia que se va sucediendo sobre el asesinato que se produce dentro de la celda.
Pero el hecho de que toda la cinta se desarrolle con simplemente 4 personajes con poca carisma y en una sala limita todo, la dirección se concentra solo en la tensión de un espacio totalmente cerrado lo que se le dificulta bastante a un tipo como el alemán que no destaca exactamente por sus geniales direcciones.
En si ¨Asesinos múltiples¨ lastimosamente es floja hasta la punta de los pies, carente de esa potencia detras de las cámaras que le de la fuerza y vitalidad suficiente para mantenerse parada por si sola, ojo que la idea para colmo no esta mal pero tiene muy poca elasticidad, ritmo, algo que incite a que nosotros sigamos viéndola.
La poca resistencia esta hasta en los protagonistas, de cuatro no hacen uno, ni los 3 anónimos ni el Edward Furlong con vasta experiencia en el campo del cine, no simpatizas ni con ellos ni con sus historias, son personajes que no dan simpatía ni nada y la historia se hace un plomazo de grandes proporciones.
Endeble, sin ritmo, sin interés, diálogos que son totalmente improvisados, no se niega que puede tener una trama mas o menos atrapante pero que no hace nada, ni lastima ni pincha.
Actuaciones:4.5
Música:5.0
Historia:5.0
Final:6.0

Mi nota para ¨Stoic¨ es un 4/10.Regular.



Lo mejor: Parece tener buenas intenciones de fondo.
Lo peor: Boll y su dirección de nuevo son los ganadores del premio a lo peor.

Todos van a Vietnam, yo también!

Un Evento tan importante en la historia bélica de Estados Unidos como la famosa Guerra de Vietnam (1955-1975) que significo la primera derrota histórica de los americanos, encontrándose sorprendidos por un poderoso país vietnamita en armamentos que los hicieron pasar una sufrida estadía de 20 años.
El 75 fue una fecha marcada que cambio social, política y económicamente al territorio norteamericano y también en la industria cinematográfica donde todos se volvían locos por contar esta apasionante historia.
Los directores mas populares del medio se propusieron algo asi como uno de esos temas del que si o si debían hacer un film: Grandes como Stanley Kubrick, Oliver Stone y Francis Ford Coppola pasaron por Vietnam, y si 3 grandes de esta envergadura pudieron pasar... ¿por que años después nuestro querido Uwe Boll no podría? Esa fue su idea.
Su fanatismo por el cine que hacia Francis Ford Coppola empujaron a Uwe Boll a realizar su propio film de la guerra de Vietnam como su ídolo lo había hecho con la excelente ¨Apocalypse Now¨.
Repasando la filmografía completa de Boll y como había mencionado en la anterior critica el 2008 fue para el cineasta un año que pretendía que sea tranquilo, trasladando todos los gastos a su país natal Alemania, la libre adaptación de ¨Far Cry¨ comenzó su semestre, y para cerrar buscaba algo serio, Boll pretendía empezar alejarse de los videojuegos y armar sus propios films cercanos mas a otros géneros y no el fantástico, apoyado por su fiel productor Dan Clarke escribió junto a el un libreto de un film bélico apuntado para el tema de la guerra de Vietnam, se trata de ¨Tunnel Rats¨, que fue muy bien recibida nuevamente por los críticos catalogándolo junto a ¨Postal¨ de lo mejorcito en su ya extensa carrera.

Es ¨Tunnel Rats¨ de esos trabajos que Uwe Boll se ha tomado muy enserio, no es ni mucho menos un gran film pero si una película muy seria y con una estructura firme que manifiesta que cuando el cineasta quiere lo puede, no le ha hecho nada mal al alemán cambiar de genero en un pequeño lapso, en mas, ha salido victorioso del reto.
Bebe considerablemente de sus progenitoras ¨Apocalypse now¨ y ¨Pelotón¨ como en su póster mas o menos lo anuncia pero al menos la variedad que podemos encontrar en esta cinta es que es una película que nos plantea la guerra en otro campo, no en la selva si no en los túneles, curioso pero le da mayor nerviosismo ese espacio cerrado que imposibilita mucho movimiento.
Veamos, como situamos a esta cinta? Filme bélico de serie B que exactamente quiere comportarse como uno de los prototipos de films anteriores nombrados (sobre Vietnam).
Uwe Boll ademas de utilizar la misma formula, copia las características de absolutamente todos los personajes, el duro, veterano, el chico de mamá que se anoto como voluntario, el aprendiz, nada que no hubiésemos visto antes, redondeando con unas interpretaciones aceptables de actores anónimos exceptuando por Michael Paré, un habitué en la carrera del alemán.
¨Tunnel rats¨ no es una mala película, explicare por que, apesar de ser un filme bélico típico y bañado en clichés tiene algo y es que tras las cámaras lo que hace Uwe Boll es sorpresivamente bastante bueno.
De los pocos fallos que tiene esta dirección es que ensancha ciertas escenas de sobremanera, a otras escenas no sabe darles el clima que precisan y en otras ocasiones simplemente busca forjar demasiado el sentimiento o el drama de tal personaje para llegar a lograr una lagrima fácil, ahi si que falla con bestialidad el director, entonces la cinta se hace algo forzada en su conjunto.
Así y todo el conjunto es conseguido y a la vez bastante entretenido, por mi parte creo que lo mas flojo que comete en esta muy aceptable dirección es la errónea utilización de la camara por momentos.
Las localizaciones son correctas, un montaje decente pero a la vez pobretón -tampoco es que se pretendía mucho-, otra cosa reprochable y típica de Boll es esa calidad de la camara casera que por momentos que distorsiona en colores y se nota mas que en ¨Seed¨.
Sorprende, hasta ahora de lo visto es lo mejor de Uwe Boll, ¨Tunnel rats¨ se mantiene por si sola.
Actuaciones:5.0
Música:5.0
Muertes:6.5
Historia:6.0
Final:6.5

Mi nota para ¨Tunnel Rats¨ es un 5.5/10.Buena.



Lo mejor: Correcto trabajo de dirección.
Lo peor: Cuando al principio Boll intenta de alguna manera dramatizar forzadamente la historia.

Un nuevo mundo asoma.

El Cine europeo nunca fue malo, era y es un cine con mayor fineza que el americano pero que sin embargo siempre estuvo eclipsado por el ya mencionado cine mas comercial, nunca tuvo fuerza suficiente para darse a conocer mundialmente, en mas, son pocos los directores europeos- que filmaban cine en sus países- que salieran a relucir con popularidad mundialmente pero las cosas empezaron a cambiar cuando este cine europeo comenzó a filmar cada vez mas apasionantes films con directores prometedores, a esto se le sumo el fabuloso apoyo de festivales y premios nacionales de España, Alemania, Francia entre otros y tenemos un cine europeo que comenzó a fortalecerse a base de estos festivales que se pasaban la bola entre ellos para que vayan nominando sus películas.
A todo esto a las productoras americanas no les quedo de otra que aceptar la derrota que estaban empezando a sumar cada año y que incrementaba, la gente comenzaba a buscar films extranjeros para salir de la rutina y ver algo no tan comercial entonces fue cuando los premios Oscar sumaron a su lista de nominaciones un segmento para las películas extranjeras que ya se lo estaban ganando.
Finalmente fue por el 2000 donde la derrota americana fue total, los productos comerciales pasaron a ser cosas malas y el cine extranjero saco diferencias claras.
En el 2003 una de las enormes triunfadoras de una amplia cantidad de festivales internacionales fue la comedia dramática alemana ¨Good bye Lenin¨ de Wolfgang Becker que mostraba un poco el crecimiento no solo del cine europeo si no también del alemán que venia en clara potencia.

Excelente comedia dramática de Alemania, una sorpresa que no esperaba para nada.
¨Good bye Lenin¨ es para mi una de las comedias mas originales del cine moderno que no solo da gracia, emociona si no que también informa de una manera muy particular y llamativa como mas veces seguidas se tiene que hacer en el cine.
Originalmente como el titulo lo indica la cinta va un poco del tema de Lenin, una Alemania con el muro de Berlín de por medio en la que vive una madre con sus hijos y que tiene una casi enferma posición política socialista que apoya la división alemana, luego de unos hechos esta cae con coma, días mas tarde el muro de Berlín es derrumbado y se unifica Alemania permitiendo asi el paso a empresas de otros países de cable, productos, autos, nuevas tecnologías entre otras cosas y esta mujer despierta unos 8 meses después, sus hijos tienen el plan de ocultar por lo máximo que puedan para demostrarle que Alemania no ha cambiado en lo absoluto teniendo en cuenta la enfermiza posición ideológica de la mujer seria algo muy fuerte anunciar de tirón estos cambios y de esta idea dispara este muy interesante film que mezcla mucho elemento como para de entrada ser un plato mas que atractivo de ver.
Una película muy inteligente la que pensó y supo trasladar Wolfgang Becker, en la forma en la que se va dando la industrialización desde Alemania unificada y como sus hijos intentan ocultárselo como pueden a su madre socialista, toca tantos temas sin ser nunca pesada por que tiene la total virtud de tener un director con amplio conocimiento para manejar la historia hasta el final.
Hay una extraordinaria critica social de por medio, mucha información, drama y todo esto visto desde el foco de la comedia ácida en la que los personajes siempre meten comentarios irónicos, ese foco de comedia ácida pues lo hace a este un producto muy rápido y fácil de ver sin dejar de perder nunca la calidad abundante que tiene.
Muy buena banda sonora Yann Tiersen y mas que solidas interpretaciones que acompañan bien el veloz ritmo de su historia.
Creo que luego de esta mini síntesis que les hice de la historia no hace falta decirles que vayan rápido a verla, es una película exquisita y rica en contenido.
Actuaciones:6.5
Música:7.5
Historia:7.5
Final:7.0

Mi nota para ¨Good bye Lenin¨ es un 8/10.Muy buena.



Lo mejor: La Originalidad y frescura de la historia junto a sus comentarios irónicos.
Lo peor: No me acabo de cerrar del todo el personaje que se enamora del protagonista, simple relleno.

Oscuridad de un ámbito de tristeza.

Actualmente el cine argentino dramático se apoya en una base que es un habitué al que los directores nacionales recurren con ansias de conseguir buenos frutos, es que es un tema tan delicado como interesante que tiene mucho material para cortar y tantas historias para contar, el tema de las villas de emergencia, esa sociedad marginada de toda la otra que vive escondida entre la oscuridad y la tristeza o bien el trabajo infantil en los subterráneos, temas totalmente destinados a un claro critico social que es Pablo Trapero que siempre resalta en sus films las injusticias sociales y por que no económicas que tiene el país, o mejor dicho los suburbios del país ya que el se mete en lo profundo del territorio argentino, es un hombre que no se queda de brazos cruzados, busca e indaga entre las tierras mas profundas.
Inclusive yo me animaría a decir que las películas de Pablo Trapero son de lo mejor que el cine nacional tiene, esta bien, el prestigio del ganador del Oscar Juan Jose Campanella es muy alto pero yo me quedo con Trapero, si bien son 2 directores extraordinarios prefiero el cine critico de la sociedad que ejecuta siempre el nacido en La Matanza.
Ya expresado la primera parte de la critica y metiéndonos superficialmente en lo que es la película ¨Maria y la araña¨ es otro film de corte independiente que usa las bases del cine nacional sobre la critica social y bien aprovechado por su directora María Victoria Menis.
Maria es una nena humilde de 13 años de edad que vive en una villa de emergencia, es una excelente alumna con grandes notas y que por las tardes trabaja en la linea del subte vendiendo guías a los pasajeros hasta que un día conoce a un chico en el subte que es malabarista y se enamoran.

Durisimo drama, lo que conté en mi sinopsis es solo una introducción de la historia por que Maria Victoria nos introduce en un fondo de la pobreza y nos presenta a su personaje protagonista, esta chica de 13 años que parece vivir infiernos en la casa con su abuela y la pareja pero contando al principio relativamente muy poco de toda su vida, solo vemos sus movimientos rutinarios de trabajo y de escuela, y asi la trama va avanzando con algo de lentitud sin exponer mucho mas pero a esa base se le suma un romance, una brillante historia de amor entre dos personajes en condiciones similares, y de eso despuntan conflictos y criticas de temas delicados como el trabajo infantil, las villas, el abuso sexual, conflictos familiares y muchos problemas entonces ahi ¨Maria y la araña¨ produce un enorme salto a lo dramático, melancólico e impresionante, un film compacto de 90 minutos pero brillante en contenido y bien dirigido con una madurez a destacar.
Las interpretaciones son muy buenas absolutamente todas pero el papel de la chiquita Maria es para valorar, Mirella Pascual también destaca en ese elenco lleno de buenas actuaciones y de caras no conocidas.
La formalidad de la dirección de su directora le da ese impulso emotivo distinto pero ojo por que esta no es una película que necesite de mostrar escenas fuertes y explicitas para cautivar, el trabajo de la directora es brillante en ese sentido, a través de juego de sombras, cambios de planos y otras cosas expresa todo sin la verbalidad ni imágenes de fuerte impacto, eso es maravilloso, quiero destacar por ejemplo la escena del comienzo cuando muestran el contraste de lo que es la zona de Puerto Madero uno de los lugares de mas alto nivel de Argentina y del otro lado a metros una villa de emergencia donde predomina la droga, el alcohol y la violencia, son escenas donde no hacen falta diálogos para explicarlo, sorprende con solo una toma, es perfecto el laburo de María, una película dramática pero inteligente que nunca va a la lagrima fácil si no que piensa antes de hacerlo.
Actuaciones:6.5
Música:6.0
Historia:7.0
Final:7.5

Mi nota para ¨María y el araña¨ es un 7/10.Muy buena.



Lo mejor: Como todo arranca de un simple personaje y va despuntando tantos problemas profundos.
Lo peor: La película no explica muchas cosas, simplemente opta por dejarlas a la imaginación del espectador, podrá ser frustrante para muchos.

Sociedad de la discriminación.

La Nación norteamericana ademas de sus cruentas guerras a lo largo de su historia también ha establecido un prototipo de sociedad racista, que fue evolucionando en ataque a distintos tipos de clases sociales, judíos, comunistas, musulmanes, papistas, negros, sudamericanos, centroamericanos, los amigos mexicanos del norte y muchos grupos mas, pero el tiempo paso y no crean que esto disminuyo, para nada, creo que lo podemos apreciar perfectamente a la constante agresión a los mexicanos por ejemplo o la discriminación a los negros que siempre esta presente apesar de que Estados Unidos tenga ahora el primer presidente afroamericano.
Unos cuantos presidentes americanos han dado lucha para poner fin a tanta desigualdad social, uno de los iniciadores fue Abraham Lincoln con la abolición de la esclavitud afroamericana durante la guerra civil pero ya con la raza negra en libertad la sociedad siguió su historia del racismo de maneras igual de cruentas y brutales que antes por ejemplo con el surgimiento del Ku Klux Klan que definitivamente agarro una sociedad americana dividida entre los que apoyaban y los que discriminaban.
El Ku Klux Klan fue una organización de extrema derecha que se inicio por el 1865 con veteranos de guerra que quedaron perturbados pero luego de desaparecer un tiempo esta secta volvió a resurgir fuertemente por los 60 en las tierras americanas con una doctrina que planteaba la supremacía racial de los blancos, el antisemismo, racismo y anticomunismo donde recurrían ademas en violentos actos en los que ejecutaban y asesinaban brutalmente a los seres de raza negra.
Uno de los presidentes que sufrió fuertemente esta organización fue el también luchador y asesinado John F. Kennedy que finalizo su mandato en 1963 y otro constante luchador de los derechos de los negros que fue asesinado, Martin Luther King.
Basada en el asesinato a 3 activistas de los D.D.H.H. en 1964 el director de musicales como ¨Fama¨, ¨Pink Floyd: The Wall¨, ¨Evita¨ y ¨Bugsy malone¨ Alan Parker y aclamado por las criticas y los premios Oscar dirigió el drama ¨Mississippi burning¨ que como era de esperar tuvo 7 nominaciones al Oscar y contó con un gran elenco conformado por Willem Dafoe, Gene Hackman, Brad Dourif y Michael Rooker.

Mas que buen drama, convincente hasta el final y solido a la hora de tratar un tema delicado como tal, el Klu Klux Klan tiene el protagonismo que necesita sin sobrepasar y tapar a toda la construcción de personajes, es decir, ¨Mississippi burning¨ no abusa de meterle todo el peso a muertes y mas muertes ya sin justificación, algo que pasa bastante seguido en algunos films dramáticos si no que el principio de ideas de Alan Parker se basa primero en construir unos medianamente considerables personajes principales, y luego mostrar esa crudeza pero todo en su justa medida y justificado siempre pero nunca deja de ser un duro drama de esos que llegan apesar de ser moderados en cuanto a imágenes visuales.
La Solvencia de su extraordinario elenco hace la diferencia, le da la identidad a la cinta, un siempre solido y efectivo Willem Dafoe, una excelente interpretación de Hackman como detective, un fabuloso Brad Dourif y casi me olvido pero no podemos dejar de lado a la secundaria pero sensacional McDormand.
Me gusta los 2 personajes de Dafoe y Hackman por que tienen distintos métodos de trabajar, ideas y con distintos caracteres disparejos.
Buena dirección de Alan Parker y correcto guion de Chris Gerolmo pero que sin embargo puede con mucha tranquilidad ofrecer algo mas, si bien dije que es un film que no necesita mostrar crudeza visual esto hubiese sido un plus al relato no tengo duda alguna.
Me gusto mucho la fotografía de la cinta y una cosa que me encanto involucrada en el trabajo de Alan Parker y es la pasión con la que filma algunas escenas como los incendios, es fascinante el énfasis que le da con esa música es que ese simple plano transmite muchas cosas de la historia es una escena bella llena de tristeza y dolor.
Atrapante critica a la sociedad americana, una muy buena película digna de ser dirigida por Alan Parker que no le tiene miedo a nada.
Actuaciones:7.0
Música:6.5
Historia:7.0 Muy bien llevado el caso.
Final:7.0

Mi nota para ¨Mississippi burning¨ es un 7/10.Muy buena.



Lo mejor: Hackman ya fotografía del film.
Lo peor: Parker puede hacer mucho mas punzante la narración.

Honor y gratitud.

¨Las Cuatro estaciones¨ fueron escritas en 1982 por Stephen King con el simple motivo de demostrar que era un autor que no se había encasillado solo en el genero que le había dado la fama, el terror, y escribió asi 4 historias de otro tipo de géneros que en lineas generales fueron buenas y que tampoco se privaron de tener su adaptación al cine (Stand by me, Verano de corrupción y esta, Cadena Perpetua) pero había una con la que se había destacado notablemente en el genero dramático, era el primer relato ¨Rita Hayworth y la redención de Shawshank¨.
Frank Darabont y Stephen King eran grandes amigos entonces el segundo le ofreció la adaptación de uno de los relatos que componen ¨El Umbral de la noche¨, ¨The Woman in the room¨ que se juntaría mucho mas tarde como compilado en la antología de ¨Pesadillas nocturnas¨ (1994) basadas directamente en el libro recién mencionado (El Umbral...), este era el segundo labor como director de Darabont quien antes se dedicaba a escribir guiones de films como ¨Pesadilla 3¨, ¨La Mosca 2¨ y ¨The Blob¨ -remake.
Al gustarle bastante el trabajo a King este rechazo las ofertas que los directores le hacían en dinero para dirigir esa historia y dijo, bueno, ¨Entre amigos, te doy los derechos para uno de mis relatos dramáticos tan valioso, espero no me defraudes ¨ y no lo defraudo para nada.
1994, Frank Darabont estreno ¨Cadena perpetua¨ con Tim Robbins y Morgan Freeman como los estelares y protagonistas que no tardo en recibir los elogios de la critica especializada y algunos atrevidos hasta la catalogaron como una de las mejores películas de la historia- y no son términos exagerados-, fue nominada a 7 premios Oscar apesar de haber perdido todos ellos.
Stephen King estaba contento con el labor de Frank a la que llamo la mejor adaptación de sus libros seguida por ¨The Mist¨ que también estará dirigida por el.
El director y el escritor de libros formaron una dupla satisfactoria que se repitió en 1999 con ¨La Milla Verde¨ y en el 2007 con la ya mencionada ¨The Mist¨.
Andrew condenado a cadena perpetua por el asesinato de su mujer y el amante de ella es trasladado a la cárcel de Shawshank donde luego de sufrir los habituales maltratos que hay en las prisiones forja una fuerte amistad con un grupo de carceleros, la amistad puede estar en todos lados.

Es injusto que de las 7 nominaciones al Oscar no haya ganado nada ¨Cadena perpetua¨ que es una cinta mucho mejor que ¨Forrest Gump¨ pero vamos a lo nuestro, un film brillante y apasionante, ya el relato de King era fabuloso pero este es uno de los casos donde la película supera al libro por que Frank Darabont sabe describir todavía mejor las emociones de los protagonistas.
El objetivo que tiene como centro ¨Cadena Perpetua¨ es basarse en los valores de la amistad, la apreciación de la libertad, la injusticia y la corrupción dentro de las prisiones y lo consigue pero perfectamente, es un lujo ver los 140 minutos- que se hacen cortos- de este drama carcelario que si bien no se posiciona como uno de los mas crueles tampoco es que lo necesite para ser emotivo.
No puedo dejar de decir que es un film vibrante y extraordinario, la dirección de Frank es una maravilla que merecía por lo menos una nominación al Oscar pero hay una cosa con la que termina por destacar su trabajo y es cuando en medio de tanta cantidad de personas que se meten en la historia ninguno de ellos pierde peso en la trama, entendemos que Tim Robbins es el protagonista total de la historia pero todos los secundarios tienen mucho peso e importancia en la historia, no son simple relleno, lo mismo para aquel personaje que ingresa en la segunda mitad del film, su importancia es necesaria en la historia y asi muchos mas, es fascinante como dota de fuerza a todos y cada uno de ellos, es digno de reconocimiento.
La fotografía, el montaje y la banda sonora, 3 aspectos excelentes del film, primero la fotografía la encuentro similar al juego de cámaras que hace Clint Eastwood, fíjense si no, el manejo de cámaras y demás. La banda sonora es un punto que siempre termina siendo fundamental como acompañamiento de una historia, y mas si es una dramática, esta acentúa en los momentos necesarios.
Los interpretes brillantes, Morgan Freeman el mejor y el que tiene los mejores diálogos también, sus frases que hacen reflexionar y un montón de cosas brillantes de su personaje pero Tim Robbins esta esplendido también y los que le siguen no se quedan atrás.
¨Cadena perpetua¨ es una película magistral que hay que ver si o si también.
Actuaciones:8.0
Música:7.0
Historia:8.5
Final:8.0

Mi nota para ¨Cadena perpetua¨ es un 9/10.Excelente.



Lo mejor: Me gusta que todos los personajes tengan un peso equilibrado.
Lo peor: Nada.

Lazo de 2 hombres y de 2 actuaciones.

Ciertos temas cotidianos de la vida en el medio de Hollywood-esta gran industria del cine- pueden considerarse algo asi como tabúes, historias que por algún motivo no quieren llevarse nunca al cine para no romper con algunos tipos de esquemas que la industria posee de primera mano, son muchos los temas, pocos los directores que arriesgan, por ejemplo los retrasos mentales o el síndrome del autismo son los temas que se vienen a la mente y que tibiamente fueron tratados, destacan entre ellos 2 films comerciales que lo reflejan que son ¨Forrest Gump¨ y en el ultimo caso la cinta ¨Rain Man¨ pero quizá sea de los pocos casos donde la GRAN Hollywood haya promocionado este tipo de proyecto que traten temas asi de delicados, tal vez el simple hecho de estar apoyada por un famoso elenco fuera la verdadera excepción, pero aquí he nombrado solo dos casos por que hay decenas de temas que prefieren tener almacenados o dejarlos para industrias independientes que por lo general siempre son las que juegan a todo terreno sin importar limites.
Bien, los dos casos que he nombrado son films comerciales pero de esos que tuvieron el valor de contratar a un buen actor de protagonista y enfrentarlo ante un personaje con una dificultad mental y de construcción importante, en el caso primero Tom Hanks y en el caso segundo con el film de ¨Rain Man¨ a Dustin Hoffman.
Entre Barry Morrow y Ronald Bass hicieron la escritura de un film que trataba como tema el autismo, tabú total del cine pero muchos directores se bajaron del barco, algunos de ellos por miedo a como encarar el proyecto, los directores que sonaron durante un tiempo fueron Spielberg, Brest y Pollack pero todos se bajaron antes de tiempo hasta que tomo las riendas del equipo finalmente Barry Levinson, creador de películas como ¨God morning Vietnam¨ y ¨Acoso¨.
Después de la ardua elección de director hubo un dificultoso casting donde sonaron todo tipo de nombres pero los que finalmente acabaron quedándose con el papel fueron Tom Cruise post ¨Top Gun¨ y como el hombre autista quedo el duro papel a Dustin Hoffman, un actor consagrado que sumaria con este papel su 6 nominación al Oscar como mejor actor y la cual ademas levantaría. Todos ellos conforman ¨Rain man¨ el film de 1988.
Charlie es un empresario importante en una industria de autos que recibe la noticia de que su padre falleció con el que no tenia una buena relación.
Cuando le leen la nota del testamento que había dejado su padre se sorprende al saber que el se quedo solo con el auto mientras que toda la riqueza fue destinada a otra persona, un hermano del que el desconocía por completo de su existencia entonces Charlie comienza la búsqueda y se encuentra con algo todavía mas sorprendente, su hermano es autista.

Drama muy fuerte que sabe aprovechar su emotividad al máximo pero sin recurrir a la lagrima fácil tan típica ahora, pero a no confundir por que ¨Rain Man¨ es un film complicado de dirigir no solo por el tema del autismo si no por lo que requiere de 2 personajes en pantalla con sentimientos, que tengan igual peso en la historia, para ello se precisa de una muy buena dirección que la tiene, probablemente Barry Levinson haya conseguido la mejor dirección de su carrera, un labor extraordinario, si, pero la mayor carga emotiva se debe no solo a sus actores por que el merito también lo tiene el director y por supuesto su guión que mezcla la ternura, con el drama, la road movie y a la vez la comedia por que ¨Rain Man¨ no es un drama cruel del autismo si no uno que deja esperanzas y que dibuja cierta sonrisa.
Ahora vamos hablar detenidamente de lo que son las interpretaciones, que son la base de este gran film dramático, lo que faltan ahora son actuaciones jugadas como la de Dustin Hoffman, ya nadie interpreta este tipo de papeles y con la calidad, la actuación es maravillosa, Dustin Hoffman se interno un tiempo en clínicas mentales para investigar la conducta de cada una de estas personas autistas y el resultado de su trabajo es notable y conmovedor, conozco a personas autistas y puedo decir que Hoffman encarna con mas que perfección este papel, este esta secundado por Tom Cruise que realmente esta muy bien, sobrio en su interpretación-casi natural- de chico soberbio, con buen bienestar y egoísta.
La banda sonora de la cinta es bastante buena y esta siempre atenta con el transcurso del film para entrar en los mejores momentos y acompañando escenas memorables, lo mismo para los planos que opta la camara como sus lindos fondos.
Este es un verdadero drama de road movie, de esos que como dije pueden hacer desgarrar con simples escenas tocando el lado mas sensible del espectador, notable.
Actuaciones:8.0
Música:6.5
Historia:7.5 Simple es verdad pero toda la forma de ser contada es maravillosa.
Final:7.5

Mi nota para ¨Rain Man¨ es un 8/10.Muy buena.



Lo mejor: Dustin Hoffman y el trabajo del director.
Lo peor: ______

Humor sin limites.

La Serie animada para adultos por excelencia que mayor repercusiones y polémicas ha tenido en su historia es el genial producto de Trey Parker y Matt Stone de la Comedy Central, ¨South Park¨ que inicio en la televisión por 1997 con un masivo récord de audiencia que hasta el día se mantiene intacto con 17 temporadas ya a cuestas.
La gente adora la serie, sus personajes-unos chicos que parecen actuar como adultos pero que nunca dejan de ser nenes-, su chabacano humor vulgar, su critica a las políticas americanas, a la religión, a la cultura y a la sociedad, estos son los principales elementos que componen esta gran serie animada con un ácido e inteligente humor negro que hace de la delicia de todos los que aman la buena pizca de humor satírico contra las políticas y la sociedad.
En 1997 para su primera temporada la serie fue un autentico bombazo que no esperaba en lo absoluto la Comedy Central, en mas, tardo en dar luz verde a Trey Parker y Matt Stone por que consideraban este un producto que podía llegar poco a la gran masa pero todo termino por dándole la razón a los creadores que estaban convencidos de que esto era una joya.
Finalizada la segunda temporada y comenzando planes de una tercera con futuro a largo plazo para la serie se sugirió la idea de aprovechar el marketing y producir también la propia película de South Park a lo que los creadores dieron el visto bueno y finalmente llamaron ¨Mas grande, mas largo y sin cortes¨ pero Matt Stone uno de los creadores se bajo de la dirección al gustarle poco y nada realizar ese trabajo y entonces el film quedo totalmente bajo la conducción de Trey Parker.
En esta aventura de largometraje los chicos asisten al cine a ver una película de los comediantes canadienses que no es apta para menores por su obsceno lenguaje adulto lo que termina causando el cambio de conducta de los chicos y a la vez la indignación de los padres y en especial de la madre de uno de ellos quien propone una protesta y termina desatando una guerra bélica contra Canadá.

Argumento disparatado y digno de lo que es la serie desde sus raíces, lo asombroso y que me llama poderosamente la atención es que un producto de tanto marketing como este y que ya lleva 17 temporadas tenga un solo film, posiblemente sea por el tema de la censura que esta cada vez mas dura, pero es que debe ser de las pocas series que lucho contra la censura constantemente y tiene merito eso por que por lo general este tipo de series a corto plazo terminaban vendiéndose o moderando sus productos pero ¨South Park¨ es una serie descarada y ácida que no abandona nunca sus raíces.
Por lo general las películas de una serie- ejemplo Los Simpsons o Futurama- nunca suelen estar a la altura de lo que la serie representa obviamente y hasta a veces se hacen largas por que la formula del programa televisivo esta adaptada a no mas de 30 minutos y cuando estas superan la barrera como que se estira el chicle y este pierde sabor.
De todos modos ¨South Park: Mas grande, mas largo y sin cortes¨ no decepciona, cumple absolutamente todos los requisitos de la serie, una aventura bastante corta de duración (mejor, asi el chicle no se estira) y siempre muy entretenida, guarra y desubicada como la serie creo que los fanáticos no podrían sentirse decepcionados con ella.
El Punto en el que no coincido con Trey Parker es querer plantear el film como un musical que parodia a otros de Disney es que South Park la película esta mas que para eso, obviamente los musicales son degenerados pero con una historia narrativa el film podría ser aun mas interesante y exprimible, pierde energía llegando a por los 50 minutos.
¨South Park: La película¨ es apesar de todo una extensión de la serie animada muy divertida, se la pasa bien con momentos delirantes como los de Hussein con el Diablo, genial!
Humor:6.5
Historia:6.0
Final:6.5
Música:7.0

Mi nota para ¨South Park¨ es un 6.5/10.Buena.


Lo mejor: El Personaje del Diablo es la gran figura de la pantalla.
Lo peor: Los musicales hacen pesar la historia.

Mi nota

La frase de todo se puede se hace plástico.

Una de las cintas mas respetadas al día de hoy por los premios de la academia es la intocable ¨Forrest Gump¨ que logro 13 nominaciones a los dichos premios y que funciono como un impecable pasaje taquillero, pero lo que pasa con los Oscar es que hacen mas grandes ciertas películas que no lo merecen (no digo que esta no, OJO, pero si esta inflada), si uno las ataca le dicen ¨pero si gano tantos premios¨ cuando eso no tiene nada que ver, otra de esas cintas intocables que no me gusta nunca cada vez que las veo son ¨Casablanca¨ y ¨Blade Runner¨, cada uno con sus puntos de vista, el haber ganado o sido nominado a un Oscar no te da derecho a nada, solo prestigio a la vista de Hollywood.
¨Forrest Gump¨ principalmente surgió de la mente del historiador y escritor norteamericano Winston Groom que en 1986 escribió la historia de un hombre con retraso mental al que llamo Forrest Gump (libro que pude leer antes de ver el film) -años después tendría su secuela- pero a lo que vamos, Paramount compro los derechos finalmente y en 1994 lo traslado al cine.
Para directores surgieron 3 opciones, la primera era Terry Gilliam, la segunda Barry Sonnenfeld y en tercer lugar el amigo y para muchos imitador del estilo de Steven Spielberg, Robert Zemeckis quien sorpresivamente se quedo con la silla del director al mando de esta adaptación.
Robert Zemeckis estaba muy bien posicionado en el cine con sus hits ¨Back to the future¨(1985) y ¨Quien engaño a Roger Rabbit¨(1988), 2 auténticos peliculones, ah, la primera de ellas una de mis favoritas, ah, y no olvidemos que fue uno de los impulsadores de la mítica serie de horror con humor negro ¨Historias de la cripta¨, todo esto convenció bastante a los productores que ven a día de hoy aun un lado de su cara como la de Steven Spielberg.
El Rol interpretativo del protagonista fue otra elección compleja en la que sonaron nombres de todo tipo pero una de las ultimas opciones volvió a sorprender, papel protagonista para Tom Hanks un actor ya desarrollado con peliculones como ¨Filadelfia¨, ¨Apolo 13¨, ¨La Milla verde¨.

¨Forrest Gump¨ se plantea mas como un recorrido a la historia norteamericana que otra cosa, es decir, el personaje de Tom Hanks cuenta su historia con sus conflictos mentales, sentimentales con un fondo siempre histórico que va avanzando épocas, los 60, los 70, los 80 desde el surgimiento de músicos como John Lennon, Elvis Presley, guerra de Vietnam, recorrido de presidentes que van desde Kennedy, M. King, Nixon, surgimiento de Apple, los hippies, las drogas y ante tanta referencia que esta bien conseguida (sobretodo cuando el personaje interactua con presidentes y famosos) el film se hace algo plástico, frágil, raya la absurdez ver todo lo que hizo Forrest Gump en su vida y a todos los que conoció, suena irreal pese a que la película nos quiera plantear como principal enseñanza el ¨todo se puede¨, cuando algo pasa los limites se hace absurdo y esta cinta en un momento cruza esa linea pero yo admito que es imposible dejar de verla, si, es atrapante y es la llave de un film.
Sacando que la historia se hace plástico abollado tengo que admitir que los apartados técnicos de efectos para cambiar de épocas son notables, enserio, hay escenas que de verdad parece que el protagonista esta ahi, muy bien trabajado.
Tengo que decir que hace un tiempo leí el libro y como adaptación puedo decir que hay unas cuantas modificaciones considerables pero nada preocupante, creo que son para mejor, hay actitudes de Forrest Gump que quedan mejor como se cuentan en el cine que en la novela pero tampoco me voy a poner estricto para nada.
Los roles actorales son muy buenos, Tom Hanks interpreta con una sensibilidad maravillosa a su personaje, el personaje de Hanks puede emocionar porque lo consigue ya a los primeros minutos, provoca ternura y el publico con llantos fáciles quebrara rápido pero no olvidemos a Gary Sinise que también esta notable en su rol.
Robert Zemeckis trabaja bien en los hilos para alternar drama y humor, por eso consigue unos momentos de emoción con bastante fuerza como para causar algún efecto, y lo mejor de todo su trabajo es que no abusa a la hora de buscar lagrima fácil.
De la música esta detras el mago (uno de mis favoritos) Alan Silvestri, uno típico a la hora de ver un film de Zemeckis, que hace unas muy lindas partituras comprensibles al personaje y también tenemos de fondo un buen mix de canciones hits de cada época que va transcurriendo.
¨Forrest Gump¨ es un drama histórico, se nota que esta escrito por un historiador, la historia de EEUU plasmada de fondo y delante de el un chico con deficiencia mental y sus problemas, de todos modos es tan sensible que es querible y entretenida. Me gusta.
Actuaciones:8.0
Música:8.0
Efectos:7.0
Historia:6.5
Final:8.0

Mi nota para ¨Forrest Gump¨ es un 7/10.Buena.



Lo mejor: Me encanta lo de Tom Hanks en este film.
Lo peor: La historia que gira al rededor no me gusta del todo, en cambio si me gusta su amorío con la chica.