¨Hell or high water¨ no estaba en los planes de los Oscar, pero a fuerza de voluntad y convirtiéndose en una grata sorpresa de cine independiente logro obtener 4 nominaciones que la meten en el tumulto de los competidores. Sera complicado que gane, pero el hecho de estar ya es su gran premio.
David Mackenzie nos narra una pequeña historia de atracos ambientada en Texas, y al servicio de lo que el cine independiente exige construye un gran film sostenido por solo 4 personajes bien expuestos en pantalla.
Hay mucho mas allá de la simple cara de ¨Hell or high water¨, hay una pelicula que coquetea con el western contemporáneo, con la buddy movie, el road-movie, con el humor negro, con el viejo genero de atracos, con una crítica a la resquebrajada economía de Estados Unidos, a la vivencia de los tejanos y la relación de dos hermanos.
Jeff Bridges compone una actuación endiabladamente fantástica, estudiando movimientos, habla y gestos típicos de un alguacil tejano. Merece ganar su nominación a mejor actor de reparto.
La música es maravillosa, la fotografía prolija en cada encuadre y dándole una aire entre amarillo y marrón a la vieja Texas.
La película de David Mackenzie no es una de esas que avanza argumentalmente avasallando con todo, si no que posee una narrativa mas bien pausada, ordenada y mas constructiva que dinámica.
¨Hell or high water¨ es una película fantástica y una de las mejores que compite en los Oscar 2017 (detrás de ¨LA LA Land¨ y ¨Hacksaw ridge¨), pero su poca caratula industrial y su mero argumento pausado delimitan sus chances.

¨Hidden figures¨ es de esas películas que a Hollywood y a los Oscar le encanta ver, posee todos los componentes, una historia heroica, la lucha por los derechos, la discriminación, protagonistas que se oponen a las adversidades, este filme es eso y poco mas.
En general se puede decir que es una película entretenida, si, con buenos efectos, una historia que rinde, subtramas que se sostienen, una ligereza argumental poco reprochable. Un mas que digno producto hollywoodense que se ha encontrado con la tremenda sorpresa de haber sido nominado a 3 Oscar (demasiado).
No malinterpretar, ¨Hidden figures¨ es una buena cinta que toma firmeza gracias al gran carisma de sus tres protagonistas femeninas, pero no es un film del que hubiera esperado nominaciones.
Rinde, entretiene, y esta bien dirigida por el creador de la divertida ¨ST. Vincent¨. ¨Hidden figures¨ sera la película fantasma de los Oscar, eso seguro, pero es una simpática producción americana para ver en familia.

Una de las películas mas independientes de los Oscar 2017, y a su vez la mas insulsa. No entiendo tanta nominación para un film tan chato y blando en todas sus lineas.
La historia es llana, básica, con algunos toques sutiles de humor inglés que no terminan de cuajar en el conjunto que se quiere narrar. El director se enreda con demasiados flashbacks y racontos que entorpecen y confunden la ya floja linea narrativa. Casey Affleck brinda una interpretación sencillamente fria, desangelada, inexpresiva (como las de su hermano Ben), y resulta casi una fantasía creerse que este tipo es el gran candidato a ganar la categoría. Es cierto que su papel requeria una interpretacion de esta cualidad pero es que no hay posibilidad de ser nomimado por algo asi. Sin dudas bochornoso.
Cuesta una bestialidad terminar de ver ¨Manchester by the sea¨ porque es un drama tan pesado, tan innecesariamente largo, y tan simple que termina aburriendo y transformándose en él filme mas soporífero y sobrevalorado del 2016, que no quepan dudas.

Si ya con ¨Whiplash¨ Damien Chazelle había logrado un sobrio y potente producto que había conquistado a la crítica del mundo, ahora con su tercer film ¨La La Land¨ logra establecerse como uno de los directores mas talentosos del panorama, todo esto con tan solo 32 años recién cumplidos (realmente alucinante).
Este film se merece todo lo que le esa ocurriendo en cuanto a repercusión, es que Chazelle crea una película que dirige con el alma y con la que rinde un homenaje no solo a su apreciado Jazz (recordemos que el es músico), si no al género musical y al cine.
¨La La Land¨ es una película magnífica que retorna a la estructura de los mejores clásicos de Hollywood con una pureza noble. Cuesta imaginarse en esta ceremonia de los Oscar que otro film le quite el codiciado premio, y si es asi sera injusto.
Chazelle resucita a lo grande un género que parecía muerto, el musical, y lo hace brillar con maravillosas coreografías estudiadas al máximo, y un diseño de producción digno de ¨Cantando bajo la lluvia¨.
Ryan Gosling y Emma Stone brillan por si solos, pero cuando estan juntos el potencial de sus actuaciones se multiplica. Poseen una química inolvidable y componen dos personajes realmente carismáticos y comprometidos con el argumento del film.
La fotografía es un lujo a los ojos, imposible que pierda. Chazelle exige que cada fotograma sea una pintura colorida apoyada por unos vestuarios fabulosos y una decoración que embellece los encuadres. Una de las mas delicadas fotografías que se ha visto en cines durante mucho tiempo, hermosa.
Chazelle no se queda en las referencias al cine si no que en base a esto crea un film propio con todo su sello (por momentos hasta parece ¨Whiplash¨) y una grandilocuencia magistral.
El guión de la película es realmente muy bueno por que Chazelle presenta unos diálogos solventes que expresan toda su pasión y su pensamiento sobre el jazz exteriorizado bajo el personaje de Gosling.
La creatividad visual de ¨La La Land¨ es apabullante a cada minuto y en cada coreografía. Chazelle forja una producción colorida, disfrutable, y que deseas que nunca termine. No soy fanático de los musicales pero la película me ha hecho olvidar todo prejuicio para con el género, ahí esta el verdadero logro de Chazelle.
La banda sonora es brutal, compuesta por temas pegadizos como ¨City of stars¨ (que ganara con toda seguridad), y otras canciones también destacables, de hecho es la primera vez que un film presenta en los Oscar dos temas a mejor canción.
La película trabaja constantemente con logradisimos planos-secuencia (algunos falsos, otros no), unos movimientos rápidos de cámara que van y vienen (característicos ya en ¨Whiplash¨), y la intención de imprimir una naturalidad en medio de tanto artificio (se ve eso hasta cuando bailan Gosling y Stone).
Al fin y al cabo el jazz y los musicales estan casi iguales, al borde del abismo, y ¨La La Land¨ es el esfuerzo y el amor por intentar que estos dos géneros sobrevivan un tiempo mas.
¨La La Land¨ es una producción de dos horas llenas de entretenimiento y calidad garantizada. Damien Chazelle se sube a la cima de Hollywood con su tercer film y se coloca junto a los mejores cineastas del panorama actual. Una película de tremendo vuelo artístico y que esta destinada a llevarse un gran porcentaje de las estatuillas (por lo menos 8). Film que debe verse en cines, otra plataforma no podrá igualar la experiencia de verla en pantalla grande.
Actuaciones:8.0
Música:10
Historia:7.5
Final:8.0

Mi nota para ¨La La Land¨ es un 8/10. Muy buena.



Lo mejor: Ryan Gosling y Emma Stone emocionan y hacen sentir un amor verdadero.
Lo peor: El prejuicio por el musical puede jugar una mala pasada en el visionado del film, hay que dejarse llevar.

Regresa Mel Gibson a dirigir luego de 10 años de ausencia y lo hace con una de esas producciones épicas/bélicas que tanto le gustan filmar. ¨Hacksaw ridge¨ es un vigoroso espectáculo narrado con un pulso endiablado que permite demostrar el talento que Gibson posee como director.
¨Hacksaw ridge¨ se mueve bajo esquemas muy clásicos y habituales del cine bélico, combinando la fé, el patriotismo, y el lado mas humano de los soldados, pero bajo una dinámica que no da respiro y que permite empatizar con todos los personajes.
Tenemos una primera mitad que es antesora a la guerra y que funciona como presentación de los personajes (el pasado tortuoso, la infancia, la adolescencia, el amor, etc), no brilla pero esta bien narrada y entretiene. Luego de esto viene el espectáculo, es que la segunda mitad es donde verdaderamente Mel Gibson se luce y asfixia al espectador con secuencias extraordinariamente narradas.
Hace mucho que no veo un film bélico que funcione tan bien como ¨Hacksaw ridge¨ (desde ¨Rescatando al soldado Ryan¨), Mel Gibson tiene muy en claro como llevar adelante las producciones de acción pese a todo tipo de excesos que suela incluir en la narración.
El sonido del film es impresionante, absorbente, te hace sentir dentro a pleno, y las imágenes tienen una potencia maravillosa que pocos directores pueden concebir como Gibson.
Andrew Garfield rinde en el argumento, su cara da mucho al perfil que el personaje intenta traspasar aunque resulta algo irreal verlo en plena guerra con la cara de buenachon que tiene. En este caso excesiva su nominación.
Notable regreso de Gibson al cine con ¨Hacksaw ridge¨, componiendo una bélica violenta que no tiene miedo a mostrar sangre combinada con el lado mas artístico posible y apoyada con movimientos de camara lenta colosales e inolvidables.
Dudo que el film de Gibson gane otro Oscar que no sea los de sonido, pero eso no resta el tremendo trabajo que ha hecho como director. ¨Hacksaw ridge¨ es puro espectáculo, un film entretenido, atrapante, y narrado a la vieja usanza.
Actuaciones:7.0
Música:6.5
Efectos:7.5
Historia:6.5
Final:7.0

Mi nota para ¨Hacksaw ridge¨ es un 7.5/10. Muy buena.



Lo mejor: Las secuencias que Gibson monta son maravillosas.
Lo peor: Alguna bajada de ideología forzada y los excesos habituales del patriotismo.

¨Moonlight¨ aborda temas recurrentes del nuevo cine dramático como las drogas, el abuso escolar, la homosexualidad y la vida en los barrios mas bajos, pero ahora desde un punto de vista muy personal e intimo del director Barry Jenkins.
No es que el film sea una obra maestra (como se lo ha intentado pasar), pero si es un producto de corte independiente llevado con lentitud y un pulso sumamente inteligente.
El banquete esta servido para este drama que ha conquistado al jurado de los Oscar logrando 8 nominaciones. Jenkins propone un drama lleno de temas que bien podrían funcionar como golpes bajos pero que no lo hacen gracias a la sutileza del realizador detrás de las cámaras.
A destacar la enorme interpretación de Naomie Harris como sufrida madre adicta a las drogas, merecida nominación a los Oscar pero poco probable que triunfe.
El film se divide en las 3 etapas de la vida del protagonista, la niñez, la adolescencia, y la de adulto, funcionando asi ¨Moonlight¨ como una especie de ¨Boyhood¨ de los barrios bajos pero con un entramado algo mas dramático y duro.
Se puede cuestionar un poco que el film olvide muchos personajes secundarios que aparecen en la historia (como Patricia o su marido) para dejarlos a la deriva, sin un cierre, es que en general el guion padece esa falta de conclusión en cada episodio de la vida del protagonista.
La película regala algunas imágenes bellas pero ninguna inolvidable, por lo que la categoría de mejor fotografía le queda algo grande y tiene un claro ganador que sera ¨La La Land¨.
¨Moonlight¨ es un film que poco arriesga en material, y se mantiene bajo los estandartes del correccionismo político que rodea a Hollywood. No hay escenas jugadas y mantiene el dilema de la homosexualidad bajo un plano secundario y muy maquillado sin entrar jamas a fondo.
Un film respetable, realizado con mucho sentimiento y amor pero que pocas chances tiene de llevarse las estatuillas principales. No es una obra maestra, tampoco un fiasco, es una valerosa producción con algo de pudor pero mucha elegancia. Recomendable visión de Jenkins sobre la vida en los barrios bajos de Estados Unidos. Un film que sirve para exorcisar los demonios del pasado en Jenkins.
Actuaciones:7.0
Música:6.5
Historia:6.0
Final:7.0

Mi nota para ¨Moonlight¨ es un 7/10. Muy buena.



Lo mejor: Jenkins afortunadamente evita hacer de esto un show de golpes bajos.
Lo peor: ¨Moonlight¨ tiene un ritmo demasiado lento y pesado.

Cambiar y explorar.

Los años 20 fueron tiempos de cambio para el cine, aparecieron vanguardias en todo el mundo para contradecir lo que el maestro Griffith (¨El nacimiento de una nación¨) ya había institucionalizado, una forma de hacer cine.
Nuevos cineastas jóvenes se atrevían a imponer otras formas, y asi nacen las 4 mas importantes vanguardias cinematográficas del momento, que fueron el Dadaísmo con Man Ray a la cabeza, el Surrealismo con Breton y Buñuel, el fugaz Expresionismo Alemán con los maestros Fritz Lang y Murnau, y la vanguardia Rusa con Vertov, Pudovkin, y Sergei Eisenstein.
El puntapié inicial de la Vanguardia Rusa fue la Revolución Rusa de Octubre de 1917. Lo que venían a hacer estos cineastas era combatir con el cine que hacia Griffith, introduciendo un peso político en el argumento y mostrando historias que reflejaran la realidad del momento, la lucha obrera.
La vanguardia Rusa se hace el movimiento oficial del Estado Soviético, y se pone a trabajar a los estudiantes con el montaje, de ahi que el uso de la técnica del montaje sea la mayor peculiaridad y rasgo reconocible de la vanguardia.
Dentro de la vanguardia nacieron tres cineastas que se destacaron por sobre todos, y fueron Vertov, Einsenstein, y Pudovkin, cineastas que operaban de maneras totalmente distintas entre si, y utilizaban el montaje para expresar distintas cosas.
En lo personal, creo que Eisenstein es el mejor de estos cineastas. Su debut se produjo en 1924 con ¨La huelga¨, y en 1925 con su gran obra maestra, ¨El acorazado Potemkin¨.
Sergei Eisenstein pensó que sacando un plano de su entorno y poniéndolo en un entorno cualquiera podía crear una especie de diegesis dialéctica, y allí reside una de las genialidades del cineasta y de su film.
¨El acorazado Potemkin¨ fue un antes y un después no solo en la propaganda si no a nivel cinematográfico con las históricas imágenes que ha dejado en la retina.
Narra como la tripulación del acorazado Príncipe Potemkin de Táurida se cansan del tratamiento vejatorio e injusto de los oficiales.
El detonante de la situación es la carne podrida que éstos quieren que los marineros se coman. Con este motín comienza el reguero revolucionario por Odesa y toda Rusia.

Eisenstein es un genio por naturaleza, un tipo con un don y una mirada futurista y avanzada para la época. La respuesta esta viendo el ¨El acorazado Potemkin¨, un ejemplar de lo que es un blockbuster actual en el año 20 pero con profundidad y suma inteligencia en cada plano.
Eisenstein trabaja constantemente con los planos intentando enviar un extraordinario mensaje metafórico desde la simple idea de que en el barco le otorguen a los marineros carne podrida de comer.
Luego Eisenstein lo que hace es dividir su película en 5 episodios: Hombres y gusanos, Drama en el golfo Tendra, El muerto clama, La escalera de Odesa, y Encuentro con la escuadra. Todos estos episodios conducen a la revolución paso por paso de la tripulación.
¨El acorazado Potemkin¨ es un gran film no solo por su metáfora si no por las escenas que nos regala, y la aventura en enorme escala que ofrece, sin olvidar su genial final del choque de titanes en el agua.
Nadie puede olvidar tampoco el genial episodio de La escalera de Odesa, una escena apabullante, violenta y totalmente cruda, sin tapujos, hasta hoy en día resulta chocante ver gente aplastada y pisada, o un bebé cayendo, y eso es por que el cine nos ha mal acostumbrado a todo eso.
Eisenstein tuvo la inteligencia para darse cuenta también que si inclinaba la cámara hacía arriba podía generar el ángulo contrapicado que le da un sabor algo mas imponente y abismal al barco. Con ese simple recurso, Eisenstein logro algo distinto que además le dio a ¨El acorazo Potemkin¨ otra clase de potencia.
No hay mucho mas para analizar. Hay que verla si o si. Gran obra de la vanguardia Rusa y del genial Eisenstein.

El antes y el después.

La fecha precisa del comienzo del cine es incierta, se sabe que el 28 de Diciembre de 1895 los Lumière proyectaron en Paris ¨La llegada del tren¨, que se la considera de alguna manera como el punto de nacimiento del cine primitivo, pese a que antes de ese año ya se realizaran muchos cortos sin tanta trascendencia.
El cine primitivo se moverá principalmente entre las manos de los Lumière, Edison, el ilusionista George Méliès, Porter y Griffith, quienes experimentaron hasta 1915 con nuevas formas de perfeccionar este arte pasajero (así definían al cine los hermanos Lumière).
David Wark Griffith, no obstante, era el cineasta mas talentoso y capacitado de este aglutinado grupo de realizadores. Griffith siempre parecía ir un paso mas adelante de ellos, se arriesgaba a la actualización e inclusión de nuevas formas de filmar, tanto es así que en cada uno de sus nuevos cortos imprimía su sello de autoría (DG) al inicio de los mismos, como pre-anunciando que estaba cerca de hacer algo grande.
Para el cine fue un lapso de experimentación, y ese arte pasajero se extendió a 20 años de vida (si consideramos a ¨La llegada del tren¨ como el inicio). La fase de experimento concluyo cuando en 1915 la industria tomo un revés, el mas importante que jamas le ocurrió, y de la mano de D.W. Griffith, quien concluye con el cine primitivo para dar los indicios y pautas del cine moderno.
El disparador principal de influencia en Griffith fueron las novelas de Dickens. Allí comenzó a pensar la idea de que en el cine se podía hacer algo similar, y darle una profundidad y una psicología a los personajes que aparecían en pantalla. El resultado fue su consagratorio y mas trascendental film.
¨El nacimiento de una nación¨ fue una producción no menos que ambiciosa, pues, Griffith se propuso documentar parte de la historia de Estados Unidos: la esclavitud, la presidencia de Lincoln, la guerra de secesión, la abolición de los esclavos, y la aparición del Klu Klux Klan, todo eso en un film mudo del año 1915, minado de actores, extras, decorados, carros, escenarios, vestuarios, y un discurso ultra derechista y discriminatorio. Un film revolucionario e histórico en la historia del cine.
Apartir de ahora, todo lo que se había creado por y para el cine antes de 1915 se junta de una manera sublime en un solo pote, el de Griffith, quien se consolida como maestro absoluto y padre de lo que hoy llamamos cine propiamente dicho en términos estructurales.
Por primera vez el cine se transforma en una conjunción de escenas con un sentido narrativo y que responden a un lenguaje cinematográfico como el que se conoce ahora. Hasta antes de ¨El nacimiento de una nación¨, las experiencias visuales guardaban poca relación entre sus escenas, todo parecía desenganchado y con poco sentido, pero Griffith soluciona todos estos conflictos básicos que planteaba la industria con este film.

Apesar de su aborrecible mensaje discriminatorio, el film de Griffith es el mas importante de la historia del cine, es la concepción definitiva de la estructura narrativa de una película, y es por demás, un manual perfecto de como filmar una mega-producción.
Su peso histórico es valiosisimo, y marca un antes y un después dentro del arte cinematográfico. Básicamente, ¨El nacimiento de una nación¨, es el cine que veremos de aquí en adelante, nadie podrá variar al completo todo lo que Griffith nos enseño.
Griffith le quita por primera vez ese aspecto teatral que ponía al espectador y la cámara siempre frontales a la situación. ¨El nacimiento de una nación¨ reúne los experimentos sueltos, y los sistematiza a una estructura.
Pone la cámara entre los actores, los filma en todos los planos (detalle, medio, primer plano, etc.), establece patrones, utiliza cambios de decorados, incursiona la idea de continuidad de espacio, profundidad de campo, el uso del montaje paralelo (dos acciones diferentes en espacios distintos), los cortes en el eje, raccord de direcciones, de miradas, de eje, y una larga lista de mas elementos vistos por primera vez juntos.
¨El nacimiento de una nación¨ juega a la controversia de una manera violenta e impactante para su época, tanto por los temas que trata como también por el tono discriminatorio que su director le imprime al relato cinematográfico.
Griffith tuvo las agallas de hacer algo que ningún otro realizador -ni siquiera Spielberg en su film- se animo a hacer -: la secuencia del asesinato de Lincoln en el teatro. Esa escena es impresionante y la manera en que el director unifica las partes en el montaje para darle ese dramatismo es brillante.
En contra le juega que el film de Griffith dura 3 horas 15 (extensión original), que en cine mudo se hace bastante arduo de visionar. Queda larga la película, y se ensancha acentuando demasiado cosas ya sabidas y obvias para el público actual que tiene muy incorporado el lenguaje cinematográfico. Claro que adaptándolo a 1915 era todo un desafío, pues Griffith debía enseñarle, cual si fuera un bebé, la continuidad de acciones al espectador. Inevitablemente a Griffith no le quedaba opción que remarcar las escenas y hacerlas duraderas.
Las batallas son revolucionarias y brillantes. Griffith trabaja con soltura y logra manipular miles de extras, decorados y efectos al mismo tiempo, dando un aspecto digno de imitar.
La banda sonora incluida posteriormente en las ediciones modernas ayuda bastante a agilizar el ritmo del film, y hasta tiene algunos temas bastante pegadizos. Esta ocasión ha jugado a favor en el film.
El repudiable trasfondo discriminatorio que el film hace los esclavos negros, y la glorificación del Klu Klux Klan como libertador de Estados Unidos, son detalles y perlas que tiene este primer gran film fundamental, y creador de todo el cine posterior.
¨El nacimiento de una nación¨ y Griffith, su creador, dejan la huella inmortal de un patrón inmodificable y revolucionario. Obligatorio visionar si te consideras amante del séptimo arte.
Actuaciones:5.0
Música:6.5
Efectos:8.0
Historia:8.0 definiendola estructuralmente y por su complejidad.
Final:7.0

Mi nota para ¨El nacimiento de una nación¨ es un 8/10. Muy buena.



Lo mejor: Me quedo con la capacidad de Griffith por lograr algo tan gigante en el año 1915.
Lo peor: Su racismo es abominable.

Un robo no muy redondo.

Uno de los artes mas caros es el cine, tanto para estudiarlo como para filmarlo. Por este motivo todos los países del mundo (salvo Estados Unidos e India) tienen por ley que el Estado Nacional subsidie un porcentaje de sus producciones fílmicas para que a los directores no les cueste tanto llevar a cabo un proyecto.
Dado que el dinero otorgado por el Estado no es suficiente, se apuesta muy seguido a las co-producciones, y la colaboración de Argentina- España es mucho mas habitual de lo que uno se imagina.
Inspirado por el robo del siglo (denominado asi al atraco de Acasuso en el banco Río), el guionista Jorge Guerricaechevarría, habitual colaborador de Álex de la Iglesia, decidió concebir ¨Cien años de perdón¨, la última co-producción de España y Argentina.
Daniel Calparsoro, el director, para llevar a cabo ¨Cien años de perdón¨ y obtener dinero tuvo que pedir prestado del subsidio nacional de España, y unificarse con el Estado argentino mediante otro subsidio mas. Para justificar este último préstamo (de Argentina), el director tuvo que contratar el servicio de varios actores de reputación en Argentina.
Así entonces, ¨Cien años de perdón¨ formo un elenco estrella con Luis Tosar (actor del momento en España), Rodrigo De La Serna (¨Tetro¨, ¨Revolución¨), Joaquin Furriel (¨El patrón¨) y Luciano Cáceres.
Una mañana lluviosa, seis hombres disfrazados y armados asaltan la sede central de un banco en Valencia. Lo que parecía un robo limpio y fácil pronto se complica, y nada saldrá como estaba planeado. Esto provoca desconfianza y enfrentamiento entre los dos líderes de la banda, “El Uruguayo” y “El Gallego”. Pero ¿qué es exactamente lo que buscan los atracadores?

Compuesta por un equipo de técnicos profesionales mayoritariamente españoles, y un par de actores argentinos, esta historia de atracos y robo a bancos al estilo ¨Duro de matar¨ tiene la linea de una producción 100% hollywoodense, comercial y grandilocuente.
¨Cien años de perdón¨ se mueve con soltura entre chistes y gags apoyados por el personaje de Joaquin Furriel (haciendo de argentino villero), y una comparación constante entre lo que son los ladrones reales y los que van con traje y corbata (abogados, banqueros y políticos).
Esta película apunta a llegar al público español y al argentino en partes iguales, y lo puede lograr muy bien con diálogos relacionados, el comportamiento de personajes y desde la misma locación.
Tosar y De la serna hacen de los líderes de este atraco, con actuaciones bastante rendidoras como intensas. Furriel hace del ladrón tonto, sobreactuando un poco, y Cáceres con un papel diminuto.
Lamentablemente lo que parece un guión tradicional de robos se va hundiendo en la verosimilitud de la realidad, cuando la trama recae demasiado entre la corrupción política, casi como una carta de crítica al gobierno de Rajoy.
La película va tomando y entretejiendo una serie de péndulos políticos que la hacen pesada y enredosa, demasiado. Quizás la ruta mas fácil estaba en buscar un simple thriller.
Interesante como el director busco dos ciudades arquitectonicamente tan parecidas como Buenos Aires y Valencia, para que en sus planos aéreos no se note casi la diferencia.
Muchas subtramas innecesarias y engorrosas a lo que pudo ser un film clásico de atracos. El guión se engorda de denuncias, moralina y algunas situaciones muy obvias.
Producción española-argentina destinada a ir al público masivo. ¨Cien años de perdón¨ es un portentoso film con un adinerado despliegue de medios, pero con carencias argumentativas que la estancan en otro film que no llega muy lejos.
Actuaciones:6.0
Música:5.0
Historia:4.5
Final:6.0

Mi nota para ¨Cien años de perdón¨ es un 5/10. Regular.



Lo mejor: Buenos travelling aéreos entre la ciudad de Valencia y Buenos Aires.
Lo peor: El transcurso se traba totalmente entre denuncias livianas y críticas a la política.

Cenizas de posguerra.

El 2 de Septiembre de 1945 finaliza la espantosa Segunda Guerra mundial, y con ello también el fascismo y el nacismo, los cuales habían dejado un inmenso legado y una forma de hacer cine con propaganda política.
Nuevas corrientes cinematográficas comenzaron a nacer apartir de allí, una de ellas fue la del Neorrealismo italiano, que tuvo como padre y fundador a Roberto Rossellini.
El Neorrealismo consistía en conseguir un tipo de cine cercano a la realidad, alejado de los estudios, aprovechando escenarios naturales y verdaderos, y sin contratar a actores profesionales.
En términos de contenido, esta forma de hacer cine quería exponer los desastres de la guerra, y lo que había quedado en la posguerra, buscaba ser una herramienta de compromiso social, de crítica, y terminar con los ¨finales felices¨ tan típicos y asentados en el cine americano.
Se acredita al film ¨Roma, ciudad abierta¨ (1945), de Rossellini, como el primer film del Neorrealismo, y que ademas constituye la primera entrega de la trilogía del mismo director sobre la posguerra.
La segunda entrega de la trilogía fue ¨Paisਠ(1946), y la encargada de finalizarla fue ¨Alemania, año cero¨, en 1948. Este último film tiene la particularidad de que fue íntegramente rodado en Berlín, Alemania y sigue las pautas del Neorrealismo tano.
El film narra la historia de Edmund, un niño de 12 años, que intenta sobrevivir en las duras condiciones de la Alemania de la posguerra, concretamente en Berlín, una ciudad completamente derruida tras la Segunda Guerra Mundial.

¨Alemania, año cero¨ tiene un peso histórico inegable, y una gran cantidad de simbolismos dentro suyo, pero es un film que no me termina de llegar ni apasionar como tanto hablan.
El film se palpa muy natural en su composición, los actores del film no eran profesionales ni conocidos, entonces eso la saca de lo cotidiano y estrictamente interpretativo. Por otra parte, pareciera que Rossellini pusiera su cámara en la calle para filmar un documental de lo que quedo luego de Hitler, impresionante.
Es complicado entender (sin leer la sinopsis) hacía donde va el film, es que en sus precoces 70 minutos se profundiza y se arma muy poco un argumento solido. Básicamente es ver al protagonista (el niño) vagando por las calles de Berlín como herramienta de observación a los efectos de la guerra.
Se puede apreciar la utilización de tomas mas extensas, evitando cortes de secuencias para darle aun mas naturaleza y continuidad con lo narrado ya hasta ese entonces.
Complicado evaluar este film, que posee muy interesantes detalles cinematográficos pero que como película argumental no me acaba de llenar.
El verdadero conflicto de ¨Alemania, año cero¨ esta en apreciar como el niño debe afrontar la vida luego de semejante guerra que los ha sometido a la pobreza absoluta.
Rossellini crea un film terrible y visualmente duro con sus planos de la devastada ciudad, mientras que propone una reflexión genial con una estética muy prolija.
La composición musical corre con un peso muy grande en la película, aveces es muy chillante y en otras acentúa demasiado momentos donde no pasa nada.
Como baluarte histórico es escencial. Un film extraño que no se sabe a donde va, pero que alterna momentos interesantes, planos fantásticos y un final impresionante y apabullante.
Actuaciones:6.0
Música:5.0
Historia:5.0
Final:7.0

Mi nota para ¨Alemania, año cero¨ es un 6/10. Buena.



Lo mejor: La naturalidad de la apuesta y el impacto de las imágenes.
Lo peor: La película consume su tiempo y no puede construir un argumento algo firme.

Drama motion.

La técnica de animación stop-motion llego para quedarse y perfeccionarse en la industria del cine. Este bello recurso animado comenzó siendo utilizado para los efectos especiales de algunos films, y luego ya como películas individuales para toda la familia.
Es casi inevitable no situar a Tim Burton como uno de los grandes artífices que popularizo dicha técnica, se vio esto mas marcado que nunca en su corto ¨Vincent¨ (1982) y el film ¨Pesadilla antes de navidad¨ (1993), entre otros títulos que quedan en el tintero.
El imaginativo realizador Charlie Kaufman, creador de los guiones de ¨Como ser John Malkovich¨ (1999), ¨Adaptation¨ (2002) y ¨Eterno resplandor de una mente sin recuerdos¨ (2004), junto a Duke Johnson, vieron con buenos ojos realizar un film de drama con la particularidad de utilizar la técnica animada de stop motion, es decir, el gran desafío era demostrar que ese estilo de animación perfectamente podría constituir un film adulto y maduro.
Para evitar que los grandes estudios modificasen su visión, el bueno de Kaufman y su co-director, pidieron dinero por la pagina web Kickstarter (sitio donde la gente dona dinero) para poder financiar su nuevo film, ¨Anomalisa¨.
Consiguieron una suma de dinero reconfortante y comenzaron con el ambicioso proyecto. El resultado final fue asombroso y alabado por los críticos mundiales, tanto asi que ¨Anomalisa¨ fue nominada en los Oscar 2016 a mejor película animada (perdió casi por obviedad con ¨Inside out¨, otro film brillante como este).
¨Anomalisa¨ seguirá a un experto orador motivacional que, cuanto más ayuda a la gente, más monótona y anodina es su vida; todo el mundo le parece y le suena igual. Hasta que la voz de una chica le suena diferente y está dispuesto abandonarlo todo y a todos por alcanzar la felicidad con ella.

Stop-motion como nunca antes lo vimos, conformando un drama totalmente adulto, cuyos personajes animados se comportan cual si fueran actores de carne y hueso.
Es colosal y emocionante el trabajo de Kaufman y compañía, le dan a ¨Anomalisa¨ y a sus dos protagonistas una sensibilidad y un tacto emotivo que nunca antes se había conseguido con esta intensidad.
¨Anomalisa¨ sigue de manera parecida la mecánica del film de Sofia Coppola, ¨Lost in traslation¨, pero con esta técnica. Abordara tópicos como la soledad, la lujuria, lo monótono, y una feroz crítica contra un sistema que tiene a alienar a la gente.
Todo es inteligente en la película de Kaufman, desde ese drama existencial planteado hasta lo de darle un significado al rostro de todos los personajes (suenan y se ven iguales para el protagonista).
Los protagonistas mantienen relaciones sexuales (primera vez que se ve sexo en un film animado), insultan y discriminan. Estas son algunas de las cosas que tiene guardadas este brillante guión duro como audaz.
La animación es mas que excelente. El stop-motion ha llegado a su tope máximo de perfección, captando la expresividad y la gesticulación de los personajes, en especial aquellos dos protagonistas.
La banda sonora de la película es hermosa -de hecho merecía una nominación-. La secuencia donde Lisa canta a capela ¨Girlls just want to have fun¨ esta perfectamente armada y suena fantásticamente delicada y bella.
¨Anomalisa¨ es una película algo depresiva y pesimista, pero que dentro suyo aborda una calidad magnifica y una belleza artística preciosa como admirable.
El trabajo de Kaufman es extraño, peculiar y fascinante. Una película hecha para pensar en las pequeñas cosas. Un autentico peliculon dramático cristalizado bajo las miradas de personajes de stop motion muy humanos y reales. Impresionante film.
Música:7.5
Animación:10
Historia:7.5
Final:8.0

Mi nota para ¨Anomalisa¨ es un 8/10. Muy buena.



Lo mejor: Su poderosa animación y su apabullante guión lleno de originalidad y profundidad.
Lo peor: Nada para objetar. Un film grandioso.

Pequeña gran película.

Se conoció mundialmente en el año 2008 el caso de una mujer austriaca llamada Elisabeth Fritzl, que paso secuestrada por su padre 24 años en un sótano (1984-2008), y que este además de violarla desde que tenía 11 años la había dejado embarazada de 7 niños.
Esta impresionante atrocidad fue representada por la novelista irlandesa Emma Donoghue en 2010, con un libro que adaptaba muy libremente los hechos reales (es decir, solo tomo la base del caso).
La novela intereso sumamente al talentoso director Lenny Abrahamson (también irlandés), que conmocionado se unifico con la autora del libro, Emma Donoghue, para que esta escriba un guión acorde al film, dado que había investigado exhaustivamente el caso.
El director de films como ¨Frank¨ (2014) y ¨Garaje¨ (2007), Lenny Abrahamson, se saco de la galera ¨La habitación¨, un film independiente de Irlanda que rápidamente se fue aclamado por la crítica y directo a los premios Oscar.
¨La habitación¨ fue seleccionada para competir en 4 rubros (película, actriz, guión adaptado y director), uno mas que su compatriota ¨Brooklyn¨ que tiene 3, -ambas de nacionalidad irlandesa-, y si bien no es la favorita de La Academia en la sección Mejor película, lo cierto es que si llegara a ganar no sería injusto.
El gran descubrimiento de Lenny Abrahamson ha sido la contratación de la joven actriz Brie Larson (hasta antes de este film desconocida), que con solo 26 años ya tiene su primera nominación al Oscar (seguramente triunfara) y un futuro mas que prometedor que le dará grandes satisfacciones al mundo del cine.
Para Jack, un niño de cinco años, la habitación es el mundo entero, el lugar donde nació, donde come, juega y aprende con su madre. Por la noche, mamá lo pone a dormir en el armario, por si viene el viejo Nick.
La habitación es el hogar de Jack, mientras que para su madre es el cubículo donde lleva siete años encerrada, secuestrada desde los diecinueve años.
Con gran tesón e ingenio, la joven ha creado en ese reducido espacio una vida para su hijo, y su amor por él es lo único que le permite soportar lo insoportable.
Sin embargo, la curiosidad de Jack va en aumento, a la par que la desesperación de su madre, que sabe que la habitación no podrá contener ambas cosas por mucho más tiempo.

Hace mucho tiempo que no tenia una experiencia como esta en el cine, ¨Room¨ emociona, perturba y llena de impotencia al espectador, padecemos como los protagonistas y su director nos atrapa y escabulle en su oscuro film del que no podemos despegarnos.
El director fragmento la cinta en dos partes, la primera centrada en el secuestro y el efecto que causa el cuarto en el chico, la segunda mitad trabaja la parte psicológica y es ya muy distinta a la primera.
¨La habitación¨ es en conjunto una película excepcional que te tiene al borde del asiento en su primera hora, con una dirección maestra que apabulla, la otra parte es ya algo mas liviana de tensión pero igual de fantástica, abordada con un talento maravilloso y evocada mas al dramatismo.
La fortaleza madre-hijo es magistral, la forma en que mantienen el optimismo y como la madre debe rebuscarselas para mantener en un mundo de fantasías al pequeño es emotivo.
Lenny Abrahamson consigue un clima claustrofobico, una sensación constante de encierro, temor y agobio, es digno de ser nominado al Oscar, aunque probablemente su película debería haber obtenido mas.
La que seguramente ganara es Brie Larson, su papel es excelente, conmueve, logra empatía, y nos hace padecer también todos sus dolores.
Brie Larson esta además muy bien secundada por el niño Jacob Tremblay de 8 años, que hace una interpretación sacrificada y madura, impresionantes actuaciones dignas de estrellas consagradas y veteranas.
Cuesta creer que la hermosa banda sonora de Stephen Rennicks no se encuentre entre las seleccionadas al Oscar, es armónica, bella y emocionante, trascendental en el trayecto del film.
La dirección -excelente- regula y evita transformar a esa primera hora en un espectáculo morboso, de violencia y perversión gratuita, es pulcro y ordenado para ello, toda la dureza esta confinada a un guión estructura y adulto.
¨La habitación¨ es una pequeña pero grande proeza que irrumpe entre tanto cine comercial. Un peliculón con todas las letras que expresa la unión y el amor de una madre dispuesta a todo, y de un niño que debe entender la realidad.
Lenny Abrahamson asfixia y consigue el equilibrio entre la crueldad, la brutalidad y el buen cine, todo lo terrible pasa primero por un buen guión estudiado y resistido por dos actuaciones sublimes. La película del año.
Actuaciones:8.5
Música:8.0
Historia:8.0
Final:7.0

Mi nota para ¨La habitación¨ es un 8.5/10. Muy buena.



Lo mejor: Brie Larson y Jack Tremblay consiguen generar algo inigualable en pantalla.
Lo peor: Nada para objetar.

Amor inmigrante.

El tantas veces nombrado sueño americano (The American dream) tiene sus orígenes allá en los dorados años 30, justo cuando Estados Unidos se instauro como una de las máximas potencias mundiales.
Este sueño americano tiene o tenia una premisa bastante clara: Estados Unidos, una tierra con abundancia y oportunidades laborales mas grandes que las de otros países, esto convoca a las susodichas corrientes migratorias de por aquel entonces.
Una de las corrientes migratorias mas trascendentales que tuvo Estados Unidos en su historia ha sido la de los irlandeses, que llegaron luego de que una epidemia azote sus tierras, y ya mas tarde por una cuestión de oportunidades.
Para Estados Unidos el lema del ya esfumado sueño americano sigue vigente, y es por ello que tantas producciones de cine siguen insistiendo hacía este tema.
Hace mucho que Irlanda esta intentando instaurarse definitivamente en la cúpula del cine y en este 2015 lo ha acabado de hacer de una vez por todas, es que en la edición de los Oscar 2016 han metido 2 films a competir en Mejor película, y uno de ellos es ¨Brooklyn¨.
¨Brooklyn¨ es una producción cuasi 100% irlandesa que trata sobre la corriente migratoria proveniente de ese país, y el duro sueño americano, por lo que resulta interesante el proyecto tan solo de ver que óptica plasmaría el director quien adapto la novela de Colm Toibin.
John Crowley simultáneamente con este film co-dirigió ¨Carol¨, (otro film nominado al Oscar 2016), y luego el guión corrió a cargo del ya muy reputado Nick Hornby, guionista reconocido por sus trabajos en ¨An education¨ y ¨Alma salvaje¨, ambas nominadas al Oscar.
¨Brooklyn¨ competirá en 3 segmentos: Mejor película, mejor actriz, y mejor guión adaptado, y no es claramente la favorita a ganar ninguno de ellos, pero solo por ser un proyecto independiente es valorable el hecho de ingresar y pelear con tantos films caros como ¨Revenant¨, ¨The martian¨ o ¨Mad Max¨.
En los años 50, la joven Eilis decide abandonar Irlanda y viajar a los Estados Unidos, concretamente a Nueva York, donde conoce a un chico del que se enamora.
Pero un día, a Eilis le llegan noticias de un grave problema familiar y tendrá que decidir entre quedarse en su nuevo país o volver a su tierra natal.

¨Brooklyn¨ es cine romántico del estilo mas clásico, con una impronta tan prolija, madura y poco forzada que resulta imposible no encontrarla como una cinta valorable aunque no gustes tanto de este género tan histórico y rico.
Las peripecias de esta inmigrante irlandesa en Estados Unidos resultan chistosas, tiernas y a veces duras, es que el proceso de adaptación y las decisiones tomadas son muy reales, el director sabe plantear los dilemas de manera sólida y creíble.
El trasfondo del guión de ¨Brooklyn¨ tiene un aroma a patriotismo americano y bastantes elogios, pero por su parte también presenta un respeto muy grande para Irlanda, y eso esta bien, no es un film que se incline por ninguno de los dos lados, intenta ser equitativo.
El baluarte del film es la sensible actuación de Saoirse Ronan, (segunda vez nominada al Oscar), esta justa y fantástica en su papel, le da ese brillo y esa ilusión al personaje que la hace impresionante, sera muy fácil empatizar con ella y sentir pena u alegría.
Digamos que ¨Brooklyn¨ no es precisamente uno de esos films originales, pero utiliza su simpleza como una herramienta para priorizar la belleza artística del film y plasmar unos cuantos personajes con los que uno de verdad queja familiarizado.
La producción y fotografía han recreado las calles de Irlanda y Brooklyn en los 50 de una manera excepcional, con unos vestuarios y maquillaje extraordinarios que representan a viva voz la manera de ser y pensar de la gente de por aquel tiempo.
La banda sonora no fue reconocida en los Oscar pero es muy sentida, y acompaña a este drama romántico en la misma sintonía, dándole delicadeza, dulzura, y fineza al relato.
La química entre Saoirse Ronan y Emory Cohen es fabulosa, congenian de una manera brillante, se transmite esa sensación de amor mutuo mas que nada reflejados en los ojos de la sensible actuación de Ronan.
La llegada de dos films irlandeses a los Oscar es un síntoma, pues Irlanda ha prosperado y este es el resultado final, un apabullante avance en la industria cinematográfica.
¨Brooklyn¨ no coronara con ninguna estatuilla, pero es un trabajo prolijo, maduro y de una envidiable narrativa que la hace un film romántico que desborda de calidad y tacto de sensibilidad.
Actuaciones:7.5
Música:7.0
Historia:6.0
Final:7.0

Mi nota para ¨Brooklyn¨ es un 7/10. Muy buena.



Lo mejor: Saoirse Ronan y la fotografía.
Lo peor: Siempre el sueño americano se ve bien.

La maldad y la demencia, los protagonistas.

Pasaron 71 años del final de la Segunda guerra mundial, de la caída del Tercer Reich, y del suicidio de Hitler, pero todos estos acontecimientos históricos en Alemania siguen siendo una mancha negra que no se puede olvidar (y que no se debe olvidar jamás).
Hablar de Hitler o de Nazis es un tema tabú en este país, y mientras Hollywood se regocijaba filmando films del nazismo (a mansalva), Alemania guardaba mesura y silencio tras tantos años horribles y nefastos que sufrió la sociedad.
Recién tímidamente en el siglo XXI, Alemania comenzó a explorar en el ambiente cinematográfico dicho tema, dando a entender que este país con respeto intentaba salir adelante, traspasando sin heroísmo (como muchos films americanos con los Aliados) y con realismo todo lo ocurrido, sin pelos en la lengua.
Fue un síntoma que en 1997 Italia haya estrenado ¨La vida es bella¨, esto incentivo a que Alemania como país hermano se motive para filmar algo relacionado a ello.
Alemania golpeo la mesa para decir presente con ¨El hundimiento¨, en el 2004, film distinto que fue reconocido siendo nominado a 1 premio Oscar en el apartado de Mejor película extranjera.
Del 2004 en adelante, Alemania no ha hecho mas que ser elogiado por los premios de la Academia y otros festivales, con films como ¨La cinta blanca¨ (2009), ¨Lore¨ (2013) y ¨La ola¨ (2008), dejando en claro que estos son nuevos tiempos para las frías tierras alemanas, y que el temor se ha dejado un poco de lado.
¨El hundimiento¨ retumbo en los premios de la Academia, Alemania se animaba después de mucho tiempo a tocar el tema de los Nazis, de la mano del director Oliver Hirschbiegel (¨The experiment¨, 2001), y con el guión de Bernd Eichinger (¨El perfume¨, 2006).
Los creadores del film se basaron en dos libros particulares, ¨El hundimiento: Hitler y el final del Tercer Reich¨, y ¨Hasta el último momento¨, que narra las memorias de quien fue la secretaria personal de Adolf Hitler, Traudl Junge.
Tomar las memorias de una mujer como Traudl Junge parece una decisión inteligente, quien pudo conocer mejor a Hitler que su propia secretaria? Esto le da a la trama y al personaje el realismo requerido.
En las calles de Berlín se libra una encarnizada batalla. Hitler y sus fieles se han atrincherado en un búnker. Entre ellos se encuentra Traudl Junge , la secretaria personal del Führer. En el exterior, la situación se recrudece. A pesar de que Berlín ya no puede resistir más, Hitler se niega a abandonar la ciudad y, acompañado de Eva Braun, prepara su despedida.

Una charla intima y personal con el Führer en su debacle política y expansiva, ¨El hundimiento¨ funciona como eso, una entrevista dura, real e impactante.
Los moldes habituales del cine sobre los Nazis se destruyen con este film que pone su mirada no tanto en la tortura que estos ejercían, si no mas en la pérdida de poder y el avance del Ejército Rojo y los Aliados.
¨El hundimiento¨ es un film estratégico, de guerra, bélico, y también un drama personal interno de Adolf Hitler, estos son los engranajes que funcionan y que la hacen mas atractiva que otras películas de Nazis.
La acción de la película, como film independiente que es, se sitúa casi íntegramente en el Bunker de Hitler, donde el protagonista planea formas de detener el avance, su amor con Eva Braun, y su delirio. Luego hay un puñado de exteriores reflejando la guerra y la muerte de soldados. Esos dos son los escenarios en los que se mueve la película.
La película es densa, pero un magistral trabajo de analisis sobre dicha caída. El actor Bruno Ganz tuvo la complicada tarea de interpretar a Hitler y lo hace de una forma inolvidable, como ninguno otro actor lo hizo antes. Una actuación digna de merecer un Oscar (nominación que ni siquiera logro), y una de las mejores de la década.
Ganz desilacha talento, potencia, fuerza y maldad en su papel, a estudiado y trabajado paso a paso con la figura de Hitler, y eso es lo que los grandes artistas hacen, estudiar lo que van a personificar.
La cosa que no me agrado es el personaje de la secretaria, intrascendente, plano, e innecesario en la película, ya que el único protagonista allí es Ganz, lo demás poco importa.
Un fragmento documental/charla con la secretaria real de Hitler es lo que abre y cierra la película, y no me gusta como queda, parece abrupto y desenganchado con el film, no queda bien.
También se puede sentir un aura de heroísmo y homenaje para con Hitler y los soldados, pero creo que va mas relacionado con que el director al tener una película rodeada de personajes Nazis quizo mostrar el amor y la fidelidad que estos tenían para con el.
Hay tanto excedente de films sobre Hitler iguales, que ¨El hundimiento¨ se destaca por ser distinta, y una exploración documentalista y aguda de tan nefasta figura.
Impecable y sobria película que va mejorando con los minutos luego de un comienzo algo rancio, demasiado directo y bruto. Recordable film en la historia del cine Alemán moderno, y memorable actuación de Ganz. Muy buena película.
Actuaciones:8.0
Música:6.0
Historia:7.0
Final:5.0

Mi nota para ¨El hundimiento¨ es un 7.5/10. Muy buena.



Lo mejor: Bruno Ganz.
Lo peor: Entiendo que el film se base en las memorias de la secretaria, pero el personaje no funciona nunca ni aporta nada a la película.

Rebeldía noventera.

Hay películas que marcan años, épocas, y hasta décadas para generaciones de adolescentes, y en la mayoría de los casos se dan con aventuras de ciencia ficción como ¨Star Wars¨, ¨Star trek¨, y en otros casos con películas familiares como ¨Home alone¨ o ¨Los Gremlins¨ de Joe Dante (por ejemplo).
¨Mentes peligrosas¨ pertenece a uno de esos casos, un film que nació a mitad de los noventa y que llego en un momento clave de los Estados Unidos de América, un momento histórico en el que la marginalidad, la violencia y los dramas adolescentes llegaron a su pico mas alto y duro.
La ex-marine LouAnne Johnson, quien supo ser profesora de una escuela estatal, publico una autobiografía llamada ¨My Posse Dont Do Homework¨ con todos los dramas que vivió ella en su experiencia como docente de una escuela llena de muchachos marginales y violentos de los suburbios mas peligrosos de Estados Unidos.
Los exitosos productores Jerry Bruckheimer y Don Simpson le compraron los derechos a LouAnne y se dispusieron a llevar al cine una adaptación con John Smith como director, Ronald Bass de guionista, y Michelle Pfeiffer (luego de su papel haciendo de Catwoman en ¨Batman returns¨) como la encarnación de LouAnne.
El resultado de ¨Mentes peligrosas¨ fue un mega éxito descomunal de 179 millones de dólares, mucho marketing adicional y un film que marco una generación de adolescentes rebeldes.
El popular rapero Coolio hasta compuso una canción para el film, el gran tema ¨Gangstas Paradise¨, que ayudo también a marcar tendencia y popularidad en la cinta de John Smith.
La rentabilidad de los números de ¨Dangerous mind¨ hizo posible que entre 1996 y 1997 se de la existencia de una serie de televisión de mismo nombre con Annie Potts (profesora de turno). La serie de TV no tuvo la aceptación esperada entre el público y no renovó para una segunda temporada, de hecho la primera concluyo en 17 episodios.
Una inexperta maestra es contratada como profesora de un grupo de chicos difíciles, cada uno de los cuales es un problema social en sí mismo.
Pero aunque la tarea es difícil y la rigidez de la dirección del centro no ayuda, la voluntariosa maestra intentará que los chicos lleguen a graduarse.

Adolescentes marginales y una profesora que intenta restablecer sus valores y el interés por la escuela, no hay nada novedoso dentro de ¨Mentes peligrosas¨, pero fue el film sensación de los 90 y además el influenciador de todas las películas parecidas que vinieron luego.
No es fabulosa ¨Dangerous mind¨ pero tiene un toque y aroma especial que la hace placentera y disfrutable de visionar una tarde sin muchas pretenciones. Drama con guión convencional y sin mayores sorpresas dentro suyo, obviamente sin faltarle la clásica moralina de los films Hollywoodenses.
Michelle Pfeiffer no cuadra mucho como Marine, desde ya no han seleccionado muy bien, pero es una buena actriz y en su papel tiene el carisma suficiente como para salvar su desempeño en la cinta.
Hay muchos extra en la clase que son solo eso: relleno en el film, una lastima total dado que hubiese sido de sumo interés atractivo profundizarlos mas a todos.
Los 3 o 4 personajes desarrollados dentro del aula estan muy bien, y es muy valorable como pasan de ser unos malditos a jóvenes tan simpáticos.
Este drama social adolescente dentro de su simplismo y su mecánica lineal esta bien, va directo a lo que quiere lograr: entretenimiento con alguna lagrima no comprometida.
El rap ¨Gangstas paradise¨ de Coolio es fantástico, lejos lo mejor del film de John Smith. La canción (al igual que la película) también fue una sensación de la época y recolecto decenas de premios.
¨Mentes peligrosas¨ es un emblema de finales de los 90s y no es ninguna obra maestra pero es divertida pese a tan trillado guión que además es excesivamente liso.
Vale la pena mirarla, una película con moralina y las lineas narrativas tradicionales de un film comercial de Hollywood de los noventa.
Actuaciones:6.0
Música:7.0
Historia:4.5
Final:6.0

Mi nota para ¨Mentes peligrosas¨ es un 6/10. Buena.



Lo mejor: El hit de Coolio y el carisma de algunos de los alumnos.
Lo peor: Plana y directa.

Precipicio de emociones.

El segundo Spielberg del cine pochoclero y familiar es Robert Zemeckis, eso no debe estar en discusión nunca, el tipo es tremendamente virtuoso rodando y es creador de unas historias mágicas con personajes que a uno lo acaban por identificar y emocionar.
Creador de la mítica trilogía ¨Back to the future¨ (1985-1990), ¨¿Quién Engañó a Roger Rabbit?¨ (1988), la multipremiada ¨Forrest Gump¨ (1994) y ¨Náufrago¨ (2000), Zemeckis se ha puesto en los últimos tiempos dentro de la élite del cine comercial, destacando como uno de esos realizadores que filman buenas películas pochocleras de calidad (son pocos los que pueden y Zemeckis es uno).
Abocado al cine de animación en los últimos tiempos (2004-2009), Zemeckis se ausento por bastante tiempo del cine personificado que tan bien le había sentado en su trayectoria para regresar en el 2012 con ¨The Flight¨.
Luego de la exitosa consagración que tuvo ¨The Flight¨ en los premios Oscar (con 2 nominaciones), Robert Zemeckis se puso detrás de otra producción basada en hechos reales que es la mas reciente cinta del director.
Philippe Petit es un equilibrista francés que estuvo en la boca del mundo en 1974 cuando viajo desde Francia a Nueva York (Estados Unidos) con un objetivo claro e histórico: cruzar las Torres Gemelas sobre un cable de 8 metros de largo.
Dicha proeza se pudo ver a fondo en el documental ¨Man on wire¨ del 2008, que fue ganadora del Oscar a ¨Mejor documental¨.
Por si el libro biográfico de Petit y el retrato documentado del equilibrista no haya sido suficiente, el realizador Robert Zemeckis se puso a escribir un guión para una adaptación cinematográfica de la epopeya conseguida por el equilibrista Petit.
Así entonces el nuevo material traído por Zemeckis, ¨The Walk¨¨, llego a la pantalla grande en 2015 bajo su propia dirección y guión.

Vigoroso y esplendido el nuevo trabajo del cineasta Zemeckis, que con unas cuantas imágenes combina lo mejor del cine comercial y el arte.
¨The Walk¨ tiene la impronta de su padre Zemeckis, quien deja demostrado que es el segundo Steven Spielberg en el orden piramidal. La producción esta filmada de una manera deliciosa, con unos planos muy originales y una puesta de escena fantastica.
La dirección de arte es bellisima, casi digna de una nominación al Oscar (sin exageración), esa dirección artística deja en evidencia el intento del director por otorgarle un tono europeo (como el personaje lo requiere), bordeando mas el cine francés que el americano (este último se reluce en el final).
La narración es sumamente dinámica, no da espacio al aburrimiento, y a lo largo del film podemos disfrutar de la odisea que vive el protagonista para llegar a los minutos finales que pagan la entrada.
La secuencia de la caminada sobre el cable dura 17 minutos y es sensacional, hay un manejo soberbio de la tensión y de la cámara que son dignos de mirar en pantalla grande. Un disfrute total de cine pochoclero.
Siempre se llevo bien Zemeckis con la tecnología y las narraciones mas europeas, y ¨The Walk¨, como dije, es arte de pies a cabeza.
Petit cruzo las -ahora- desaparecidas ¨Torres Gemelas¨, entonces dentro de lo que es el nacionalismo americano la película es una forma y oportunidad de rendirle un homenaje a las mismas (recreadas sensacionalmente por los FX).
La composición musical corrió a cargo del histórico Alan Silvestri, el habitual musicalizador en la filmografía de Zemeckis. Su música vuelve a sonar espectacular, le da un espiral de grandilocuencia y fantasía a la trama que es muy bueno.
La edición de sonido es un elemento primordial (sobretodo en el final) en esta proeza y belleza visual llena de arte de Robert Zemeckis.
La magnitud del film se eleva con la buena utilización del 3D, tecnología a la que el director le saca el máximo jugo posible. Vale la pena visionarla en 3 dimensiones, Zemeckis ha realizado un gran labor en ello, y este recurso suma a la espectacularidad de las secuencias finales.
¨The Walk¨ es una caminata por la grandeza de un cine pochoclero de calidad, de esos que ya no se realizan actualmente. Aplausos a Zemeckis que demostró seguir vigente a la hora de realizar producciones de alto calibre.
Actuaciones:6.0
Música:7.5
Efectos:8.0
Historia:7.0
Final:6.5

Mi nota para ¨The Walk¨ es un 7/10. Muy buena.



Lo mejor: La narrativa es trepidante y vigorosa, imposible que aburra.
Lo peor: Kingsley se repite mucho en sus roles y aporta poco como personaje, pudo haber dado mas de si.

Griswold, siguiente generación.

La alocada comedia ¨Vacation¨ (1983) de Harold Ramis llegó para quedarse en la cultura norteamericana, siendo un éxito colosal de taquilla que permitió que la franquicia se extienda en 3 entregas mas.
La familia Griswold quedo enterrada en 1997, con una regular cuarta parte directa al mercado doméstico (luego de exhibirse unos días en cines), que se situaba en Las Vegas, pero ya con un tono de humor mucho mas familiar que otra cosa, es que los Griswold desde la tercera entrega comenzaron a obtener un estilo de humor mas moderado e infantil que la abrió hacia todos los públicos.
Ya pasados 18 años de la última aventura de una de las familias preferidas por los americanos, Hollywood decide desempolvar la longeva franquicia de comedia que había quedado en el olvido.
Para catapultar la atención del público mas joven, los productores estaban obligados a darle un lavado de cara la saga, y la solución fue la contratación de una cara conocida como la de Ed Helms (¨Hangover¨) protagonizandola (en reemplazo del mítico Chevy Chase).
La nueva ¨Vacaciones¨ no es ningún remake ni reboot, es la quinta entrega de la saga, que propone continuar las peripecias de los Griswold pero con el ¨hijo¨ de Clark.
Los encargados de devolver a la vida a la saga iniciada por el fantástico Harold Ramis fueron los directores y guionistas John Daley y Jonathan Goldstein.
Este dúo debutante de directores obtuvo la confianza de los productores de Warner por su buen trabajo en el guión de la comedia ¨Como acabar con tu jefe¨, con eso fue suficiente para hacerse con esta secuela de tan adorada saga.
La historia se centrará en Rusty Griswold, ahora un hombre adulto, que decide, junto a su esposa e hijos, realizar unas vacaciones a “World Wally”, antes de que se cierre para siempre.

Comedia básica y gamberra, que destroza el material de la original dejando de lado el ingenio y el alma que la caracterizaba.
¨Vacaciones¨ apela a la nostalgia, copia sus escenas mas importantes, que la acercan un poco mas a una nueva versión 5.0 remodelada que a otra secuela.
Los directores no le dan sutileza al tirón de chistes, los hacen toscos y blandos. La película entonces no sacara mas de dos risas en toda su duración, y es que ni el cameo de Chase y D¨Angelo la salvan.
Ed Helm (predecesor de Chase) intenta a toda costa ser simpático y gracioso, pero el tipo no le paga a un solo chiste. Esta remodelada familia Griswold tiene cero en simpatía.
La mítica banda sonora (Holiday Road) regresa, y allí es donde esta el mayor factor de nostalgía. Se celebra el regreso de la clásica canción que representa la saga.
Humor americano total, desbordado y poco brillante. ¨Vacaciones¨ es una pésima comedia individual, y un paupérrimo retorno a una saga legendaria que ya con 5 secuelas pide a gritos descansar para siempre.
Actuaciones:5.0
Música:6.5
Historia:4.5
Final:5.0

Mi nota para ¨Vacaciones¨ es un 2.5/10. Mala.



Lo mejor: El retorno de su música y el cameo de Chase y D¨Angelo que suman a la nostalgia.
Lo peor: El guión es un espanto.

Lágrimas sin culpa.

La anorexia/bulimia es un tema complicado y cada vez mas frecuente a nivel mundial en los adolescentes, que perturbados por una sociedad que busca constantemente la perfección del cuerpo y el rostro los va obligando a que estos también la busquen para no quedar marginados o discriminados.
Se ve en el cine, se ve en la música, se ve en las propagandas, todo el mundo comercial es asi, busca lo bello para vender, y Cielo Latini fue una de esas victimas que sufrió la anorexia a finales de los 90.
Latini publico su historia de vida en un blog, y luego con muchos mensajes de apoyo e incentivación se animo a escribir su propia biografía que se publico en el 2006 y que con el tiempo ha ido tomando mucha fuerza dentro del público mas teen.
La triste historia de Latini conmovió a los mas jóvenes hasta catapultarse como una especie de ¨best seller¨ biográfico que arraso en todas las editoriales del país.
Tiempo mas tarde se adquirieron los derechos reservados del libro para una futura adaptación en la que la propia escritora intervendría como una de las guionistas.
Finalmente ¨Abzurdah¨ (título del film) se completo con el primer protagonismo en el cine de una de las ídolas de las adolescentes argentinas, María Eugenia Suarez (La China), habitual actriz de las novelas ¨teen¨ de El Trece, que encarnaría el papel de Cielo Latini.
Esteban Lamothe acompaño a Eugenia Suarez en la pantalla, y ¨Abzurdah¨ fue dirigida por una directora (como no podía ser de otra manera), Daniela Goggi, y guionizada por Alberto Rojas y la propia Cielo Latini.
Abzurdah cuenta la historia de Cielo, una adolescente de clase media acomodada que conoce por internet a un chico nueve años mayor que ella, con quien inicia una relación y se enamora perdidamente.
Sumergida en un ambiente superficial, sin amigas y en un mundo adulto que poco comprende del universo adolescente. La relación se vuelve una obsesión para Cielo..

¨Abzurdah¨ hizo lo que Hollywood hace todo el tiempo: ser una historia dura convertida en algo MUY ¨teen¨, comercial, liviano, poco duro y conservador.
Esto pudo ser algo que a la industria nacional de cine le sumara bastante, un relato crudo sobre la anorexia es algo bastante arriesgado en el cine argentino, pero ha salido lo contrario (resta mas que sumar).
La directora Daniela Goggi se escabulle demasiado en los reiterativos primeros planos a Eugenia Suarez, como para dejar mas que satisfechas a las fanáticas ¨teen¨, y hay que tener en cuenta que pocos son los actores que resisten tantos primeros planos (actoralmente hablando).
Lamothe y Suarez son dos actores muy limitados, sobretodo el primero, pero hay un exceso de sobreactuación de ambos que se hace mas notorio cuando la directora (como ya dije) reitera tanto los primeros planos a Suarez.
Todo resulta forzado y abrupto en ¨Abzurdah¨, el amor y sus consecuencias se dan rápido, no te crees como puede amarla y hacer tantas cosas al apenas conocerlo.
Las secuencias que Goggi quiere darle sensualidad a la historia y a Suarez estan espantosamente rodadas, y realmente demuestran la limitada dirección de esta mujer.
La película no juzga lo que la protagonista hace, lo muestra como la solución y como la sociedad no la comprende (igual que nosotros como espectador), son cosas que no acaban de cerrar en el guión.
Carece de tensión la cinta, y sobra de límites. ¨Abzurdah¨ pudo ser mas dura, mas madura, pero la intención por el dinero pudo mas.
Nunca llegue a creerme lo que el film contaba. La película busca auxilio en la cara de Suarez y en sus escenas de amor reiteradas.
Actuaciones:4.5
Música:4.5
Historia:4.0
Final:4.5

Mi nota para ¨Abzurdah¨ es un 4.5/10. Regular.



Lo mejor: La intención al principio va encaminada.
Lo peor: Guión mal escrito y actuaciones sobreactuadas.

El espejo de lo real.

Cumpliendose tiempo del fallecimiento de Eva Perón, -una de las máximas figuras políticas de la historia argentina junto a su marido-, el director Alan Parker para ¨homenajearla¨ rodó en 1996 ¨Evita¨ (protagonizada por Madonna), un musical biográfico que repasaba de forma floja y superficial la vida y obra de la mujer mas trascendental que tuvo la política argentina en su vida democrática.
Conocida como ¨La abanderada de los pobres¨, Eva Perón tuvo vital importancia en lo que fue la segunda presidencia del peronismo (1952-1955), donde sin ocupar ningún cargo de gobierno influyo en: la sanción de la ley del voto femenino, la formación del partido peronista femenino, la industrialización, la construcción de fundaciones, y otras cosas mas que la convierten en el baluarte del peronismo.
Juan Domingo Perón y Eva Perón son el elemento mas Nac & Pop de la Argentina (como Maradona o Carlos Gardel), son aquello popular y amado por las masas. Pero además de eso, dejaron un interminable legado político con un partido (Partido Justicialista- Partido Peronista) que perdura hoy en día con candidatos de variopinta calidad.
Argentina en 1996 estaba bajo el gobierno del peronista Carlos Menem, el peor presidente que tuvo la argentina. Como ese año se cumplía el aniversario de la muerte de Eva y viendo que Hollywood ya estaba rodando un film, Menem ordenó la financiación de una biopic sobre Eva que estrene en paralelo con la de Parker.
Menem de peronista tenía poco, mas bien hizo todo lo contrario que Juan había realizado pero para demostrar su carácter de peronista fue a la disputa directa con Hollywood en el cine.
¨Eva Perón¨ se filmo con rapidez, dirigida por Juan Carlos Desanzo, y protagonizada por dos grandiosos actores como Esther Goris (Eva), y Victor Laplace (Juan).
El film estreno en un mes muy especial para los peronistas: Octubre, mes donde el peronismo se consolido como movimiento político, mas específicamente el 17 de Octubre donde Perón sale al balcón a dar su histórico discurso.
La película narra la vida de Eva Perón (1919-1952) tomando como eje del relato los sucesos históricos de 1951, especialmente su propuesta como candidata a Vicepresidente de la Nación por parte de la CGT y la renuncia a la misma una semana después.

La película se filmo para honrar la figura de Eva Perón en la presidencia de otro gobierno peronista, pero ha salido una biopic justa y diferente a lo que pensaban muchos.
¨Eva Perón¨ lejos esta de glorificar su figura, a Desanzo y Feinmann las cosas le salieron distintas pero mejores, es que el film representa 100% tal cual es todas las cosas, las buenas y las malas, y esos son los biopics que resultan ser mas valiosos al final de cuentas.
Hasta hoy en día es la mejor representación histórica del segundo mandato de Perón y de la relación con su mujer. Es sencillamente un film brillante y cuidado.
El film por lejos es superior a ¨Evita¨, el musical norteamericano, y sin ánimos de exagerar es una película que tranquilamente podía haber estado compitiendo en el rubro de ¨mejor película extranjera¨ del 97¨.
Esther Goris encarna de manera colosal su papel de Eva con un realismo puro que la ha dejado marcada en su carrera, al igual que Victor Laplace, otro que no ha podido salir del papel de Juan, los dos estan impresionantes.
La pelea con la iglesia, la oposición, el apoyo de la CGT, y lo que representa la figura de Perón-Perón esta magníficamente recreada y conseguida en este film.
Si funciona por algo ¨Eva Perón¨ es por ser completa en todos los sentidos, y por tener unos actores que hacen posible dicha recreación.
Feinmann en su guión no deja ningún tema sin tocar dentro del periodo, encima su director tiene la fórmula para que esta película resulte todo el tiempo llevadera, entretenida, informativa, y con unos toques de dramatismo muy buenos que llegan al público.
Clásico total del cine argentino, una producción populista realizada para el pueblo peronista, que conmemora la seductora historia detrás de esta segunda presidencia.
Producción de alto calibre, con excelentes actuaciones y un gran guión que no deja pasar por alto nada. Sin dudas, ¨Eva Perón¨ es la mejor biografía realizada hasta el momento, un hito de la cultura argentina.
Actuaciones:8.0
Música:6.0
Historia:8.0
Final:7.5

Mi nota para ¨Eva Perón¨ es un 8/10. Muy buena.



Lo mejor: Goris y Laplace se complementan de una manera fabulosa.
Lo peor: Cuando la película intenta forzar alguna lágrima fácil no sirve.

Los Griswold pasados de moda.

La longeva franquicia cómica de la familia Griswold llega a su última entrega (antes del regreso actual), con una cuarta aventura que no se aleja tanto del tono familiar de la tercera parte sobre navidad.
Para que un título de comedia se convierta en una saga tan extensa como esta, debe contar con un masivo apoyo del público y un carismático protagonista que haga reír, como ocurre en ¨Vacation¨, y otras películas de misma índole humorística (humor americano).
Leslie Nielsen lo consiguió con ¨Naked gun¨ (1 a 3), Jason Biggs en ¨American pie¨ (1 a 4), Mike Myers en ¨Austin Powers¨ (1 a 3), Eddie Murphy en ¨Superdetective en Hollywood¨ (1 a 3), y la lista se puede prolongar mucho mas con actores de lo mas dispares que tuvieron la fama allí.
Chevy Chase encontró su papel encarnando a Clark Griswold en 1983, y gracias al furor del film ¨Vacaciones¨ en la cartelera, el futuro prolongo todo a 3 entregas mas de igual éxito.
La fórmula se estiro demasiado, pero la tercera tuvo una recepción extraordinaria que la convirtió en un clásico de la navidad y evidencio que no era el fin de los Griswold como parecía.
Luego de 8 años sin ¨Vacation¨, en 1997, y sin el habitual guionista John Hughes, se estreno por pocos días en el cine una cuarta parte que situaba a la familia Griswold en Las Vegas.
¨Vegas vacation¨ repitió a Chevy Chase, Beverly D¨Angelo, Randy Quaid. Mientras que fue dirigida por Stephen Kessler (director por encargo), y escrita por Bob Ducsay y por Elisa Bell.
Nadie planea unas vacaciones mejor que Clark Griswold, un fiel marido y generoso padre de familia. En esta ocasión ha elegido un destino perfecto, Las Vegas, capital del juego donde los Griswold podrán disfrutar de unos días en familia. Pero cuando Clark pone empeño en algo, todo se estropea.

La peor de la colección. ¨Vegas vacation¨ no es amena de ver como comedia, y evidencia las flaquezas de una franquicia demasiado estirada.
El escenario ahora es Las Vegas, pero ni tan interesante lugar puede aportar a esta comedia descafeinada, floja de papeles y de ideas aportativas.
La cuarta parte de ¨Vacation¨ huele a ser una película de televisión, una de esas comedias americanas berretas que poco honor le hace a su film original.
Ni Randy Quaid, ni Chevy Chase pueden causar gracia con un guión malo hasta la médula que no acompaña para nada. Poco mas se puede decir de esta bastante deplorable última parte de la conformación original.
La familia Griswold ha perdurado desde el 83 hasta 1997, eso es mucho tiempo (14 años), entonces sera que ya ha quedado algo vieja? Puede ser, los Griswold pasaron de moda y los chistes cada vez son menos efectivos.
Si una comedia no es graciosa (principal objetivo) y ni siquiera es entretenida, entonces estamos hablando de un film incompleto, que no cubre las expectativas.
Randy Quaid se destacaba con su rol, pero ahora es imposible que siga causando gracia, porque el guión lo desaprovecha por completo. Chase se repite en sus gestos, en los chistes que lo volvieron famosos.
En síntesis, ¨Vegas vacation¨ es una especie de agujero, donde el film se repite y muestra los mas tópicos puntos que hicieron de esta una saga famosa y popular.
Actuaciones:4.5
Música:5.0
Historia:4.5
Final:4.5

Mi nota para ¨National lampoon¨s vegas vacation¨ es un 4/10. Regular.



Lo mejor: La película se intenta tomar con humor algunas incoherencias de la saga.
Lo peor: La calidad del film, digna de una de DVD.

Una navidad bien americana.

La carismática familia Griswold comenzó a hacer de las suyas en 1983, luego viajo a Europa en la secuela de 1985, y ante un público fiel (pese al flojo resultado de calidad de la segunda) pidió por mas.
La navidad para las familias americanas tiene un condimento especial, una mezcla de patriotismo, regalos y unión de la familia (asi lo pintan en los films), entonces, una familia tan representativa en el cine para los americano como los Griswold debía tener su propia película navideña.
Para el cine americano de comedia de los años 80, el director, guionista, y productor John Hughes fue importante. Fue el hombre que guionizo las dos películas anteriores de ¨Vacation¨, y films como ¨Home Alone¨, ¨The Breakfast club¨, ¨Mejor solo que mal acompañado¨, y otras tantas decenas de producciones familiares que han marcado la risa de la generación ochentosa, y la navidad de las típicas familias americanas, con mucho patriotismo de por medio.
El regreso de los Griswold al cine viene nuevamente debajo del ingenio de Hughes, que escribió la tercera parte de la franquicia con un marco navideño, y preparada para lanzarse en el Invierno de 1989.
¨National Lampoon¨s: Christmas vacation¨ no modifico su guionista (como ya comente), pero si nuevamente el mando del director, ahora abarcado por Jeremiah S. Chechik, director hasta ese instante debutante, que posteriormente filmara ¨The Avengers¨ (1998).
En ¨Vacaciones de navidad¨ Chevy Chase repite, Beverly D¨Angelo también, reaparece la figura de Randy Quaid (que en la segunda no estuvo), pero los ¨hijos¨ de la familia Griswold vuelven a cambiar de actores.
La tercera parte de la saga no defraudo en la recaudación, y gano $71 millones de dólares. Al público le gusto y hoy se la considera una película clasica para la Navidad.
Clark Griswold, movido por un generoso y sentimental espíritu navideño, quiere sorprender a toda su familia con una gran fiesta. La suerte no suele acompañarlo y esta vez no va a ser diferente. Una sucesión de disparatados desastres convertirán la sorpresa de Clark en un verdadero caos.

Es algo mejor que ¨European vacation¨, pero de ahi a considerarse una buena comedia no me parece, creo que esta tercera cae mas o menos en los mismos clichés de siempre sin escatimar en grandes variantes.
El marco navideño fuerza a que la producción caiga en un sentimentalismo único, no tan anunciado en aquella primera parte y que en esta se va de las manos.
¨Christmas vacation¨ dispara a la comedia familiar, no esperes ningún chiste vulgar, negro y desubicado, porque lo que quiere esta producción es ser considerada un clásico para la navidad de cada año.
John Hughes ha hecho eso mismo, crear una película especial para navidad, que toda la familia pueda disfrutarla sin restricción alguna.
Esto del cambio de actores para los niños de la familia Griswold es inaceptable ya. En la segunda parte nos colaron que Rusty tenia 15, y era alto, la hermana tenia pelo negro y tenia su misma edad. Ahora en esta, la hermana es mayor que Rusty, es rubia, y parece que tiene unos 19, mientras que su hermano ya no es mas rubio ni alto y aparenta de 12.
Digo, no es tan difícil mantener un poco de fidelidad cronológica en cuanto a las edades y a las apariencias, por eso digo que en ese sentido ¨Christmas vacation¨ toma el pelo.
El retorno de Randy Quaid ayuda mucho al film, vuelve a estar fascinante en su papel de hombre de campo y salvaje. Hasta antes del ingreso de Quaid el film no funcionaba de manera eficaz en su engranaje de humor.
Algunos gags chistosos, la gracia de un personaje como el de Quaid, y el siempre carismático Chase le dan a este film (bien americano y patriota) gracia suficiente para ser al menos entretenida.
¨Christmas vacation¨ es una de esas películas rendidoras e ideales para una típica navidad americana, y como film de comedia algo mejor que ¨European vacation¨.
Actuaciones:6.0
Música:6.0
Historia:4.5
Final:6.0

Mi nota para ¨National lampoon¨s: Christmas vacation¨ es un 5.5/10. Regular.



Lo mejor: Randy Quaid brilla en su hilarante personaje.
Lo peor: Las restricciones humorísticas limitan cada vez mas al film.

Ramis huye de los americanos.

National Lampoon¨s se popularizo como una revista de humor absurdo que lidero desde los años 70 a la sociedad norteamericana a la cual, además, la marco con un sentido del humor característico que producciones cinematográficas explotaran hasta el día de hoy.
Esta revista desprendió numerosas franquicias y films, como ¨Animal house¨ (en sus comienzos), pero la mas importante fue la película de Harold Ramis, protagonizada por un Cheavy Chase en desarrollo.
¨Vacation¨ fue un funcional éxito de taquilla, con críticas muy correctas, y un sentido del humor en pleno auge que vuelve a potenciarse con esta cinta americana del 83.
El patriotismo, el sentido del humor, y su desparpajo la hicieron a ¨Vacation¨ un clásico americano, con un elenco que quedo en el memorial de muchos: Cheavy Chase, Beverly D¨Angelo, Johnny Galecki y Dana Barron, son la típica familia norteamericana, y por ello la sociedad se sintió representada en esta producción.
Los $61.399.552 de dólares exigieron el nacimiento de una saga que el público y los números pedían. Matty Simmons, el productor de la primera, e iniciador de los films marca ¨National lampoon¨s¨, volvió a encargarse de llevar nuevamente a la familia mas americana del cine.
Aquel guionista de la primera película, John Hughes, con Robert Klane, guionizaron la segunda parte de ¨Vacation¨, que tuvo un cambio de dirección.
Sin Harold Ramis como director, la experta en la materia Amy Heckerling se hizo con la dirección de esta secuela estrenada en 1985 (2 años después).
¨European vacation¨ repite en su elenco a Cheavy Chase y Beverly D¨Angelo, mientras que los chicos son remplazados por Dana Hill y Jason Lively.
Esta nueva aventura, como su título lo da a entrever, pone a la familia Griswold en un viaje a Europa. Luego de ganar un concurso, obtienen el gran premio que se rifaba: Vuelo a los principales países europeos, asi las locuras de la familia se desencadenaran.

Harold Ramis brindaba un humor singular y funcional, que se echa de menos en esta secuela que ha perdido mucho y ha ganado poco.
Las dificultades de ¨Vacaciones europeas¨ estan en que se anhela su director, pero también la composición original de la familia, que es remplazada por unos poco carismáticos muchachos.
Chevy Chase estaba en estado de gracia en aquella primera entrega, pero aqui no ofrece una performance sólida ni con chispa. Poca frescura, poca gracia, para un film que recae demasiado en el peso del humorista que ya no tiene la ayuda de ningún otro.
Las limitaciones humorísticas de Chase se ven a leguas en ¨European vacation¨, donde falta un guión con algo de mejor sentido del humor que este.
Reiteraciones abusivas de gags se ven constantemente en toda la película, haciendo que lo que en un momento era efectivo pase a resultar agobiador y poco gracioso.
La dirección es regular, no es pésima pero si pierde mucho la decencia de la original, es decir, en esta secuela ahora hay mucho uso de topless innecesario (eso que es directora) que mas que resultar graciosos estan para simple exhibición.
No negaré que la película tiene buenos momentos, pero falla mucho en cosas donde debería ser algo mejor, una lastima porque es una secuela que por su escenario podía ser mil veces mejor de lo que ha resultado, pero esto es mas producto de realizar un film a las apuradas que cualquier otra cosa.
Corriente comedia de los ochenta, de esas del montón que se producían por aquel entonces. Chase salva al film de una calificación todavía peor.
Esta secuela anhela a Ramis, a Quaid, a la familia en su composición original, pero sobretodo exigía algo mas de tiempo.
Actuaciones:5.0
Música:5.0
Historia:4.5
Final:5.0

Mi nota para ¨National lampoon¨s: European vacation¨ es un 5/10. Regular.



Lo mejor: Me gustan los créditos finales que juegan con el patriotismo americano.
Lo peor: La canción lema, aunque buena, se repite mucho.

El morbo pide mas.

El grado de manipulación que un simple medio de comunicación puede lograr en el consumidor es alucinante (tv, diarios, radio), tanto en la forma de pensar (religiosa, política, social), como en la morbosidad.
Los noticieros ya no solo son solo informativos de la actualidad, ahora son programas diarios o canales que trabajan las 24 hrs intentando ofrecernos morbosidad constantemente.
Aquel noticiero que llega mas rápido es el que tiene la primicia, pero aquel que tiene los mejores planos o los planos mas detallados es aun mejor, esto es cuestión de ir mas allá, porque con ser primero no alcanza.
La gente por naturaleza nace con morbo, cuando ocurre un accidente, se produce un conglomerado de gente esperando ver detalladamente que sucedió y como ha quedado el sujeto.
La medición de rating es un negocio que cambia minuto a minuto, y el que se la juega mas y ofrece lo que la gente quiere ver es el que gana, por eso los noticieros alimentan nuestro morbo interior hasta un punto casi escalofriante.
No existen límites en la tele, hay que mostrarlo todo parece, la primicia y el riesgo, son lo que la gente quiere ver, por eso los noticieros cada vez que muestran algo (en lo que son primeros) le clavan el sello del canal, el mérito es de ellos y solo ellos tienen ese material que la persona esta esperando ver.
De eso se trata el film ¨Nightcrawler¨, que arremete contra los medios de comunicación que alimentan el morbo de la sociedad con violencia y muertes.
¨Nightcrawler¨ es una de esas cintas de la que se hablo muy bien en los festivales, y que logro obtener una nominación a los Oscar en el rubro de mejor guión original (un apartado muy importante).
El reconocido guionista, Dan Gilroy (¨Gigantes de acero¨, ¨El legado de Bourne¨, ¨Freejack¨) debuta por primera vez como director de cine, con este oscuro film que logro muy buenas opiniones a nivel internacional.
¨Donnie Darko¨ hizo popular a un actor muy raro y joven, al que le gustan los buenos guiones, ese es Jake Gyllenhaal. Este muchacho ama hacer papeles oscuros, y créanme que ¨Nightcrawler¨ es en parte un acierto gracias a el.
Tras ser testigo de un accidente, Lou Bloom, un apasionado joven que no consigue encontrar trabajo, descubre el mundo del periodismo criminalista en la peligrosa ciudad de Los Ángeles.

Colectivamente ¨Nightcrawler¨ funciona de buena manera, y es que este conjunto es sobretodo audaz y una ópera prima con personalidad total.
Esta mordaz sátira sobre los noticieros de tv y el morbo que estos implementan en sus móviles es el planteo del primerizo Gilroy, que ya muestra buenos dotes en su primer labor detrás de las cámaras.
Bien urbana es esta película, situada en el explosivo California, centro de muchos noticiarios, que si bien no es la capital vive con mucha intensidad el día a día como si asi lo fuera.
La película de Gilroy es muy oscura, opresiva, hasta casi diría que perturbadora, asemejando a los trabajos del maestro Lynch, es que todo lo que pasa en esta película es en la noche, y la manera en la que el periodista se sumerge en los casos es muy escalofriante, el tipo necesita alimentar al público y a los noticieros, eso hace que vaya mas allá hasta rozar el límite y comenzar a meterse en problemas.
Lo que pasa en ¨Nightcrawler¨ es demente, malvado e inhumano, pero lo peor es que es real. Gilroy no se prende mucho a la hora de mostrar sangre innecesaria, pero el mismo se permite también jugar con ese morbo que nosotros queremos ver.
A esta mordaz crítica se le complementa una grata dosis de sentido del humor en el personaje protagonista, y en las situaciones, algo que en parte le quita veracidad o credibilidad al film.
Pareciera que nada hubiera funcionado con el mecanismo correcto si Jake Gyllenhaal no protagonizaba esta historia. Jake es un interprete muy bueno, y su actuación es notable. Parece ser un tipo frío, sin sentimiento alguno por el ser humano, y dispuesto a ir siempre por mas con un auto y una cámara casera.
Sabe elegir buenos guiones Jake, un joven muy inteligente, y un actor autenticamente versátil, se adapta a cualquier papel, pero lo mejor es que siempre lo hace bien.
La fotografía es el rol clave de esta producción independiente, dotando cada escena de oscuridad y maldad, como asi de un mal espiral.
Inmejorable ópera prima de Gilroy, que con una hábil dirección y un extraordinario guión consigue una sátira dura y real de la actualidad televisiva.
¨Nightcrawler¨ no es de terror, pero tiene momentos tan agobiantes y crueles que pareciera que si lo fuera. Pura inteligencia de guión y de dirección. Interesante film.
Actuaciones:7.0
Música:7.0
Muertes:6.5
Historia:6.5
Final:7.0

Mi nota para ¨Nightcrawler¨ es un 7/10. Muy buena.



Lo mejor: El final deja que hablar y calentando la polémica sobre lo que es correcto y no.
Lo peor: A veces la película cruza lo irreal.

Vidas de perros.

Le devolvió la vida al cine mexicano, y no es casualidad que Iñárritu fuese elegido por los Oscar como el mejor director del 2014, y el que dirigió el mejor film del año (¨Birdman¨), los méritos los hizo a lo largo de toda su filmografía.
Es un director de los buenos Alejandro, y la verdad que el apartado de ¨mejor pelicula extranjera¨ le ha quedado corto parece (ha ido cuatro veces a los Oscar, dos de ellas como extranjero).
Hacía 25 años que un film mexicano no iba a los Oscar, pero Iñárritu revirtió la historia con su ópera prima del año 2000, ¨Amores perros¨.
La relación Oscar-Iñárritu ya se dio por comenzada en el pleno debut del hombre nacido en México, es que ¨Amores perros¨ fue nominada a mejor película extranjera, y tuvo un imponente paso por el admirable festival de Cannes.
¨Amores perros¨ representa la primera entrega de lo que titularan como la ¨trilogía de la muerte¨, que esta compuesta por las posteriores obras del mexicano: ¨21 gramos¨ (2003) y ¨Babel¨ (2006).
Que tiene esta ¨trilogia de la muerte¨ ? Estos tres films entrelazan historias dramáticas, con distintos personajes que de alguna manera acaban cruzándose casi sin querer queriendo.
El cine nacional mexicano perdió reconocimiento, y parte de eso es porque Hollywood mismo lo eclipso, para que esa industria no tenga mas reconocimiento.
Ahora parece que México vuelve con todo, y hasta los Oscar estan dando el brazo a torcer, claro que nada de esto hubiera sucedido si esta obra no hubiera estrenado y no tuviera la calidad que tiene.
Esta importancia e influencia es abismalmente grande, pero la cosa no acaba ahi, porque el film mexicano contó con el debut actoral de Gael García Bernal.
Gael García Bernal desde ¨Amores perros¨ ha forjado una carrera muy exitosa como reconocida a nivel mundial, moviéndose en el cine mexicano, argentino, chileno y americano (este último actualmente con la serie televisiva ¨Mozart in the jungle¨), un actor muy convocante.
En Ciudad de México, un fatal accidente automovilístico afecta trágicamente a tres personas. Octavio, un adolescente, decide escaparse con Susana, la esposa de su hermano; el Cofí, su perro, se convierte en el instrumento para conseguir el dinero necesario para la fuga. Al mismo tiempo, Daniel, un hombre maduro deja a su esposa y a sus hijos para irse a vivir con Valeria, una hermosa modelo.

Excelente cine mexicano es ¨Amores perros¨, un duro drama de 3 historias que tienen como núcleo, el amor, los perros y un accidente automovilístico que las conecta como disparador estructural.
Los tres segmentos son: ¨Octavio y Susana¨, ¨Daniel y Valeria¨, y ¨El Chivo y Maru¨, tres parejas que por alguna razón la acaban pasando muy mal, y como ya dije los puntos de similitud estan en los perros, el amor y un accidente.
Cada historia nos ocupa alrededor de 45 minutos o 50, permitiendo que el director Iñárritu se explaye mas en el drama que hay y asi poder entremezclar a los personajes de forma maravillosa (para que se crucen y vayan)
¨Amores perros¨ es un cruel drama, en todos los sentidos de la palabra, uno duro de ver, con imágenes que sensibilizan mucho al espectador por la violencia (sobretodo en la matanza de perros). Al director no le causa remordimiento alguno exponer estas imágenes y utiliza este recurso como la base de su película, la crueldad y realidad.
Iñárritu filma con una intensidad exuberante, cada uno de estos mediometrajes es igual de interesante como desgarrador y adrenalínico, claro que la cámara a pulso ayuda en ese sentido (le dota ese sentido de nervio constante).
Tiene un largo metraje la película, es verdad, pero el director se las ingenia con pulso firme y nervioso para que no resulten sobre el final algo pesadas.
En los suburbios del DF se sumerge esta cinta para narrar todas sus historias, porque los personajes estan todos allí (a excepción de los de la segunda). Entonces ¨Amores perros¨ dosifica el asunto a un tema muy urbano, muy cotidiano, muy real.
Yo encuentro ciertos parentescos en esta película, y la reciente ¨Relatos salvajes¨. Es que además de ser historias diferentes, el carácter de las últimas dos historias es muy parecida a las propuestas por Szifron, es que aqui los personajes pierden los cabales y en ¨Wild tales¨ también.
Gael Garcia Bernal ofrece en la primera historia una actuación totalmente solida, que controla perfecto el timing y que lo ha llevado al estatuto de la fama. Los restantes actores lo hacen de manera correcta, como Goya Toledo.
Santaolalla compone la música ordenada por Iñárritu con maestría. Es sensible, y parece todo el tiempo haberle pegado al clavo para cada situación.
Potentes historias de amor y dolor entrelazadas en un ambiente muy urbano y real. ¨Amores perros¨ es la representación de la oscuridad y la tristeza de los suburbios, el vació de la burguesía y la superficialidad del mundo de las bellezas.
Exquisita cinta, con un soberbio pulso del director y una mecánica bien aceitada que nunca permite que la película sea dificil de digerir. Ha cambiado la industria mexicana con su estupenda calidad, hay que verla.
Actuaciones:6.5
Música:7.0
Historias:7.5
Final:7.0

Mi nota para ¨Amores perros¨ es un 8/10. Muy buena.



Lo mejor: La primera historia creo que cautiva la atención, es la que mas potencia posee de las tres y Bernal es el aliciente mas grande que tiene.
Lo peor: 160 minutos son un metraje bastante extenso, y con ver solo lo que dura ya asusta, afortunadamente no es pesada.

La fama: la cosa que cambia las cosas.

Segundo año consecutivo donde otro director mexicano arremete con fuerza en los premios Oscar. En el 2014 Alfonso Cuarón con ¨Gravity¨, había sido nominado a 10 rubros, ganando el de mejor director (inclusive), pero no el de mejor película, y ahora en la edición del 2015 el afortunado es Alejandro Iñárritu, que con su film ¨Birdman¨ cosecha 9 nominaciones al Oscar (la película con mas nominaciones).
¨Gravity¨ había sido la mas nominada, y ahora ¨Birdman¨ con 9 nominaciones también lo es, acompañada por el film de Wes Anderson. Pero la cosa se amplifica mas de elogios, porque el film del mexicano gano el premio a la mejor película y al mejor director, todo un acontecimiento.
Hace mucho no quedaba tan satisfecho con las seleccionadas a mejor película, vuelvo a repetirlo, es que hemos visto producciones muy buenas, y con una merecida consagración a ¨Birdman¨.
Creo que Alejandro ha hecho un excelente film que le da mil vueltas a la máxima candidata y mas alabada, ¨Boyhood¨ de Linklater.
Esta locura salio del cerebro de Iñárritu, Alexander Dinelaris, y sus dos guionistas argentinos Armando Bo y Nicolás Giacobone, que basándose en una serie de elementos fueron ideando lo que es hoy la película del 2014.
El director de ¨Amores perros¨ y ¨Babel¨ supo con su nuevo trabajo también dividir las críticas, con algunos que golpean contra ella y otros que la consideran una gran pieza.
Casi como si fuera un retrato de su propia vida, Michael Keaton protagoniza esta tragicomedia que nos relata la historia de un actor que en los 90 interpreto a un héroe llamado Birdman (puede tomarse como ¨Batman¨ hasta con el parecido del traje) en una trilogía.
El actor fue quedando en el olvido luego de abandonar la saga, y ahora quiere reinventarse con una obra de teatro en Broadway, la cuál espera que sea alabada por la crítica, la gente, y que por supuesto comience a ser tomado en serio.
Lo mismo que le pasa al personaje, le paso a Keaton que vuelve en grande al cine de Hollywood con este film, y hasta ligando una nominación como mejor actor.
¨Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)¨ tiene un elenco extraordinario encabezado por Michael Keaton, y que continua con Edward Norton, Naomi Watts, Emma Stone y Zach Galifianakis.

Muy personal la obra de Iñárritu, o la amas o la odias, a eso se debe tanta opinión dividida de la crítica especializada para este film que es osado y arriesgado presentando nuevas variantes al cine que conocemos.
¨Birdman¨ tiene infinitas cosas de las que hablar, porque como dije, es una obra completamente distinta, y un retrato surrealista, negro y fantástico de lo que es el concepto de la fama actual y el sentido del éxito.
Reflejar lo que uno piensa no esta mal, y hasta puede que el otro también comparta tu visión, y eso hace que ¨Birdman¨ sea una obra personal donde los guionistas plantean su propio panorama, ya no solo del sentido de la fama, si no del cine comercial, el arte y hasta de los críticos, nadie se salva de esta película en la que muchos se sentirán identificados, principalmente si desean ser directores/guionistas/actores de cine, yo al menos me he identificado.
La trama se planta en Broadway casi completamente, todo ocurre allí, y ahi es donde la obra del mexicano se teatraliza, hasta parecer que estamos viendo toda una puesta en escena de teatro, pero en la pantalla grande, parecido a lo que Wes Anderson hace con su ¨El Gran hotel Budapest¨.
Hábilmente el film nos intenta hacer creer que los 120 minutos de duración se grabaron en un plano-secuencia, donde nos da la sensación de que la cámara no para un solo momento de filmar, y sigue paso a paso a su protagonista.
Este trabajo es impresionante, y ahi entra a jugar un rol importante el montaje, que cuidadosamente incluye las escenas que fueron filmadas con corte de una manera casi despistada, hasta verse como un plano-secuencia entero de 2 horas, maravilloso.
Michael Keaton hace un papel soberbio interpretando casi lo que fue su carrera, con un personaje delirante que tiene chispa, gracia, carisma y que a veces hasta sale volando...
El soporte a Keaton, apesar de que este no lo precise, es Edward Norton que congenia excelentemente, hasta dejarnos escenas de lujo como la de la primera práctica, mas que maravillosa.
En casi menor envergadura tenemos a Emma Stone, con un papel bastante logrado, Zach Galifianakis cumpliendo su rol, y una Naomi Watts casi intrascendental en la historia.
Hablemos del guión de los mexicanos y argentinos. Que se puede decir? Rebalsa de originalidad, frescura, humor, surrealismo y unos diálogos colosales, brillante libreto.
La parte mas débil de ¨Birdman¨ a mi gusto esta en su musicalización, que consiste todo el tiempo en un solo de batería que persigue (como el plano-secuencia) casi todo el tiempo al film. Después de un rato no se hace disfrutable a los oídos y la exhaustiva repetición agota.
Otro punto donde creo que Iñárritu le pifio fue a la hora de culminar su película, y hasta me hubiera gustado que terminara unos minuto antes para que acabara con aquel final, una lastima. La conclusión que le quedo es algo extraña, como la película misma, y con libre interpretación.
La mejor película del 2014 es ¨Birdman¨, una pieza única, personal, fresca, negra, audaz y que además trae de regreso a lo grande a un Michael Keaton soberbio.
Actuaciones:8.0
Música:5.0
Efectos:6.0
Historia:8.0
Final:6.0

Mi nota para ¨Birdman¨ es un 8.5/10. Muy buena.



Lo mejor: La extraordinaria edición de montaje.
Lo peor: Ver a Keaton volando puede enojar a mas de uno.