Los hombres revolución, el fetiche de los Oscar.

Lincoln, Malcolm X y Martin Luther King, son algunos de los hombres mas resaltables de la historia social y política de Estados Unidos, que lucharon incansablemente por los derechos de los afroamericanos, y contra la abolición de la esclavitud.
Estas 3 gigantescas figuras tuvieron su retrato cinematográfico en diversas producciones, pero mas recientemente nos encontramos con ¨Malcolm X¨ (1992) de Spike Lee, ¨Lincoln¨ (2012) de Steven Spielberg, y ahora ¨Selma¨ (2014), de Ava DuVernay.
Los retratos cinematográficos sobre presidentes, y luchas sociales (como la de los afroamericanos) son un fetiche de los Oscar, y es que todos estos films han sido nominados en sus respectivas ediciones, y todo eso teniendo en cuenta que además el anteúltimo film ganador a mejor película del año fue la gran ¨12 años de esclavitud¨ (2013), una cinta que relata (como bien dice el título) la época de la esclavitud en los Estados Unidos.
Martin Luther King, un pastor afroamericano se puso al frente de unos movimientos pacíficos que reclamaban el derecho a voto de los afroamericanos, la no discriminación y todo tipo de derecho que a la raza negra se le era negada hasta esa época. Tras mucha lucha, consiguió que su raza sea considerada de la misma manera en los Estados Unidos, y con eso ya fue suficiente para que King merezca el respeto de todo un país que revoluciono junto a otros héroes humanos como Malcolm X y Lincoln.
La marcha de Selma a Montgomery fue una de las mas importantes de King, no solo porque se repitió en 3 ocasiones, si no porque fue una de las mas significativas que realizo el pastor King.
De eso va ¨Selma¨, esta nueva película sobre Martin Luther King, que pertenece al cine independiente a pesar de que figuras ricas como Brad Pitt (igual que en ¨12 Años de esclavitud¨) u Oprah Winfrey pusieron un importante dinero.
A ¨Selma¨ le falto mucho marketing, y es por eso que solo alcanzo ser nominada en 2 ternas para los Oscar, el de mejor película (que obviamente no ganaría) y la terna de mejor canción.
La jugada no termino de ser nada comercial, y eso que el guionista Paul Webb es el mismo que escribió la película de Spielberg, ¨Lincoln¨.
Esta crónica sobre la lucha del político y activista Martin Luther King Jr. en defensa de los derechos civiles se centra en la marcha desde Selma a Montgomery (Alabama), en 1965, que llevó al presidente Lyndon B. Johnson a aprobar la ley sobre el derecho al voto a los ciudadanos de color.

La afroamericana Ava DuVernay, con ¨Selma¨ quiere hacer justamente lo contrario que se hizo en ¨12 años de esclavitud¨, evita en todo momento caer en el exhibicionismo de la degradación humana, y busca otras opciones duras pero no explicitas, aún apesar de que en el film de Steve McQueen funciona formidablemente.
¨Selma¨ no se presenta como una biografía de Martin Luther King, si no como una representación a una etapa especial que son los movimientos realizados en el pueblo de Selma, y de como King piensa estratégicamente cada movimiento.
La dirección del film es sólida, valiente, dura y con mucho sentimiento para una historia que significa mucho para la raza negra. Algún plano interesante y un ingenioso juego de la cámara.
La película tiene un guión muy bueno, con algunos diálogos de King con el presidente que son un lujo y otros momentos bastante demoledores.
La prolijidad predomina en este producto que fluye con naturaleza y tocando la fibra sensitiva pero nunca forzando la lágrima fácil.
David Oyelowo hace un papelón encarnando a Luther King, con esa firmeza que lo caracterizaba en sus discursos, y con una elegancia maravillosa, tuvo que haber sido nominado.
Los encargados de la fotografía hacen un trabajado bello y cuidado, dándole un espíritu triste a los Estados Unidos de los años 60, sobretodo en la escena del puente.
La canción ¨Glory¨ cantada por John Legend, es un rap extraordinario con una letra social y política que acompaña escenas importantes del film. Es justa la victoria de ¨Glory¨ en la terna de mejor canción, no solo por su letra si no por lo pegadiza que es.
Emotivo trabajo de Ava DuVernay que mereció con ¨Selma¨, al menos obtener un par de nominaciones mas, ya que es un film que en varios sectores destaca mucho. Una indagatoria nueva dentro de lo que fue la lucha de Mr. King.
Actuaciones:7.0
Música:7.0
Historia:6.5
Final:7.0

Mi nota para ¨Selma¨ es un 7.5/10. Muy buena.



Lo mejor: La fotografía y la canción de ¨Glory¨.
Lo peor: El inicio del film es algo raro, no muy articulado.

El hotel Anderson.

Manteniendo siempre un estilo (visual, narrativo, etc), y unas pautas de trabajo, Wes Anderson es en la actualidad uno de los mas talentosos cineastas de la industria, con unas comedias que siempre tienen su sello latente.
Con Wes Anderson, el género de la comedia sutil a encontrado su rumbo, y eso lo saben los críticos especializados, Hollywood, y el público, que cada vez comienza a tomar con mas seriedad a un director con interesantes aportaciones en el género.
Anderson, con 45 años, ya no pasa mas desapercibido en los Oscar, si bien nunca gano (por ahora) una sola estatuilla, con su nuevo film vuelve a estar entre los elegidos y sus posibilidades de llevarse varios apartados son bastante grandes, por no decir que son casi un hecho.
Sus anteriores trabajos, ¨Moonrise kingdom¨ (2012), ¨Fantastic Mr. Fox¨ (2009) y ¨The Royal Tenenbaums¨ ya habían sido nominados para los premios Oscar, pero Anderson con su nuevo trabajo estaba dispuesto a mas.
¨El Gran hotel Budapest¨, lo nuevo que presenta el virtuoso Wes Anderson, es una comedia de crimen muy ambiciosa que para esta edición de los premios Oscar ha logrado ser nominada en 9 rubros, siendo el film de Wes el mas nominado de toda la edición junto a ¨Birdman¨.
Para este universo amplificado que crea en ¨El Gran hotel Budapest¨ Wes Anderson, pudo contar con un reparto sumamente extraordinario, lleno de mega figuras, y si empiezo por decir los nombres no quedan dudas de que lo nuevo del texano quiere ir por todo.
Esta comedia de 100 minutos tiene en su poder a figuras como: Ralph Fiennes, Willem Dafoe, Tom Wilkinson, Owen Wilson, Jude Law, Jeff Goldblum, Edward Norton, Bill Murray, Adrien Brody y Harvey Keitel (entre otros), ver para creer.
No cualquiera tiene a tantos extraordinarios actores en un solo film, y ya con solo eso vale la pena disfrutar de lo que es el nuevo film de Wes Anderson, quien arremete con fuerza para esta edición numero 87 de los Oscar.
Gustave H, un legendario conserje de un famoso hotel europeo de entreguerras, entabla amistad con Zero Moustafa, un joven empleado al que convierte en su protegido. La historia trata sobre el robo y la recuperación de una pintura renacentista de valor incalculable y sobre la batalla que enfrenta a los miembros de una familia por una inmensa fortuna.

Esta, la edición 87 de los Oscar nos ha presentado grandes films en la sección de ¨mejor película¨, y ¨El Gran hotel Budapest¨ es otra muestra mas de esta teoría.
Una obra de teatro en pantalla, eso es lo que es la comedia de Wes Anderson, que tiene el sello de su director de punta a punta, y que es además una comedia graciosa, fina y muy sofisticada, con unos gags bien trabajados que nunca dejan de ser absolutamente delirantes.
La producción de Anderson vuelve a dar cátedra, con un apabullante sentido de estética y con un apartado visual mágico y surrealista, que recrean este nuevo universo imaginario que el director construye, de verdad que cada fotograma de la película es un lujo a los ojos, va ganar con mucha comodidad esta noche.
Los colores predominantes son el rojo, naranja y violeta, que resaltan constantemente en la impecable y cuidada fotografía del film.
El término perfecto para atribuirle a ¨El Gran hotel Budapest¨ es el de que se asemeja al nivel de una obra grande de Broadway en todo su esplendor, en colores, glamour, calidad, fineza y desenvoltura.
La mejor dirección del año ha sido la de Anderson, pero es difícil que gane. Esta dirección no pierde frescura ni en su historia ni en su narración.
Su guión es fantástico porque juega con muchos géneros al mismo tiempo (comedia, crimen, drama, aventura), y en todos ellos lo hace de soberbia manera. Además, la trama se divide en 4 capítulos, cada uno de ellos viaja en distintas etapas cronológicas.
Semejante elenco en un solo film podría haber tenido dos resultados: o ser un desastre, o que estén todos bien incluidos, pero Anderson vuelve a lograrlo y es que con una plantilla tan extensa y de grandes actores logra un equilibrio extraordinario. Todos los personajes, si bien no tienen muchos minutos en pantalla (algunos) tienen mucha carisma, y con simplemente ver sus rostros tan conocidos es suficiente para que el público quede enloquecido.
Maquillaje, vestuario, y demás, son un apartado que brilla en ¨El Gran hotel Budapest¨, donde se recrea la época de los años 30 con suma prolijidad y calidad.
Excelente trabajo de Wes Anderson. Una obra de Broadway en cines, con un elenco lleno de figuras, y la calidad de siempre de un director que nunca defrauda.
Actuaciones:7.0
Música:7.5
Historia:7.5
Final:7.0

Mi nota para ¨El Gran hotel Budapest¨ es un 8/10. Muy buena.



Lo mejor: La dirección y el guión son un lujo.
Lo peor: No hay mucho para reprocharle a esta comedia tan elegante.

Amor y enfermedad.

Los cambios físicos son parte de lo que marcan una buena actuación, y los jurados del Oscar se deleitan todos los años con alguna de ellas.
La debilidad de los Oscar esta en aquellos films bélicos, biográficos y donde el protagonista sufre algún cambio físico u mental, y yo creo que hay films que son específicamente realizados para conmover a la masa y hacerse un lugar entre los nominados (al menos en interpretación).
Esto sirve de introducción para entender que hasta en esta edición (mas indie que cualquier otra), hay 4 films biográficos compitiendo en mejor película, es decir, la mitad de ellas son biopic, y la debilidad de los jurados se expone mucho.
Una de las mentes mas brillantes de la historia es la del genio Stephen Hawking, un físico (y muchas cosas mas) que divulgo múltiples teorías sobre la relatividad, los agujeros negros, y mas investigaciones que a día de hoy sigue realizando.
El excelentísimo alumno de Oxford cuando tenia una carrera encaminada se vio sorprendido por una enfermedad motoneuronal, que lo fue imposibilitando con el paso del tiempo hasta quitarle todo tipo de movimiento.
Su ex-esposa Jane Hawking escribió un libro sobre su relación con el genio Stephen, y como juntos lucharon contra la enfermedad. Obviamente que esta biografía tan interesante fue pedida por varios guionistas.
¨La teoría del todo¨ es el resultado final de adaptar el libro de Jane, y posee 5 nominaciones al oscar, incluyendo mejor película, y los rubros de mejor actor y actriz (etc).
Esto, mas allá de los resultados hace sospechar de que, el film de James Marsh fue filmado por encargo, para competir en los premios Oscar de este 2015, de hecho, se aprovecha del cambio físico de Hawking para hacer brillar a su actor.
Narra la relación entre el célebre astrofísico Stephen Hawking y su primera mujer, Jane, en la época en que ambos lucharon contra la enfermedad degenerativa que postró al famoso científico en una silla de ruedas.

Preciosa, mágica y elegante historia de amor, sobre una figura como Hawking que ya se tenia merecida una biografía sobre su vida y su enfermedad degenerativa.
Puede ser que ¨La teoría del todo¨ sea una película por encargo, pero indudablemente funciona con mucha potencia y soberbia, de eso no cabe ninguna duda.
Parte de lo bueno de la cinta esta en sus dos excelentes actores, que encarnan con fiereza sus papeles. Eddie Redmayne, hace el papel ideal para consagrarse en el Oscar este domingo, no creo que nadie pueda arrebatárselo, porque hace un papel colosal, conmovedor y brillante, poniéndose en la piel del genio Hawking en toda su transformación. Felicity Jones por su parte, queda algo eclipsada por el brillante labor de Redmayne, pero vaya que esta muy bien y acompaña fenomenalmente la historia.
¨The Theory of everything¨ no es una película totalmente biográfica sobre Hawking, si no centrada en el aspecto mas intimo de su vida, sobre su matrimonio y como va avanzando esta enfermedad en medio de una historia de amor adversa.
Es un relato triste, melancólico, que emociona, pero que nunca deja de perder la esperanza, ni el sentido del humor que el personaje de Hawking le proporciona.
El trabajo de James Marsh queda marcado con sus originales planos, virtuosos, y la perfecta inclusión de una banda sonora que llega al corazón.
Algo extraña me parece su fotografía, la cual no se entiende bien con sus contrastes de color, su imagen queda algo borrosa o no termina de cuajar, es rara.
El eje de la película es el cambio físico del actor, ese es el objetivo de esta biopic, ahora bien, el guión termina dejando huecos, preguntas sencillas que el film no sabe contestar, y además es una lastima que olvide aspectos del personaje como el sexual, el laboral, el trato con sus hijos, y esas cosas.
Si bien nos deja clavados con temas asi, vale reconocer que ¨La teoría del todo¨ es un precioso film dramático que nos deja conocer un poco mas de la mágica historia de Hawking.
Actuaciones:7.5
Música:7.0
Historia:7.0
Final:7.0

Mi nota para ¨La teoría del todo¨ es un 8/10. Muy buena.



Lo mejor: Imposible no elegir otra cosa que no sea el actor Redmayne.
Lo peor: Pasa por alto algunos temas importantes.

La magia a los 84.

La tendencia de los Oscar desde siempre y mas desde las últimas ceremonias, es la de nominar tanto biopics como films bélicos (reales), ahi tenemos películas como ¨Vivir al limite¨ o ¨La Noche mas oscura¨, que son puro patriotismo bélico gratuito, y en los Oscar 2015 no puede faltar una de ellas, para eso esta compitiendo ¨El Francotirador¨, un film dirigido por Clint Eastwood.
El incansable e inmortal Clint Eastwood esta de nuevo, y nuevamente en las grandes vitrinas con su versatilidad que tanto lo acostumbra.
Los yankis son patriotas y amantes de la guerra, como Eastwood, y con esta película el maestro ofrece lo que su nación quiere, su apabullante éxito en taquilla (embolso $361M) lo deja demostrado, y por supuesto sus 6 nominaciones al Oscar que incluyen el rubro a mejor película también son un indicio de que este director hizo todo bien.
Eastwood nunca se va, afortunadamente, porque es uno de los pocos directores vigentes que nos sigue sorprendiendo día a día, y su nueva pelicula ¨American sniper¨ demuestra por enésima vez que esta muy en forma.
Ahora el hombre vaquero se interesa por la guerra de Irak del 2003, bajo el mandato de George W. Bush, pero no específicamente sobre la guerra, si no sobre un hombre en especial, un soldado reconocido como héroe en Estados Unidos.
Chris Kyle fue un francotirador americano que actuó en la guerra de Irak, y que con sus precisos disparos liquido mas de 164 victimas, en su tierra es tratado como todo un héroe, por lo que allí aparece Eastwood para homenajearlo.
Bradley Cooper viene en racha con los Oscar, porque Eastwood clavo la mira fija hacía este actor para encarnar al soldado Kyle, y Cooper con este papel volvió a llamar la atención del jurado.
Salido a la fama por la comedia, ¨The Hangover¨, Bradley Cooper fue mostrado su buena calidad de actor y con esta, acumula su tercera nominación y en solo 3 años, las anteriores dos habían sido por ¨El Lado luminoso de la vida¨ y ¨La gran estafa americana¨.
Autobiografía del marine Chris Kyle, un tejano que batió el récord de muertes como francotirador del ejército norteamericano. Kyle fue enviado a Irak con la misión de proteger a sus compañeros. Su precisión milimétrica salvó incontables vidas en el campo de batalla, por lo que se ganó el apodo de “Leyenda”, pero la noticia de sus hazañas llegó hasta las filas enemigas. Se puso precio a su cabeza y se convirtió en objetivo prioritario de los insurgentes.

Muchas películas bélicas ya se hicieron, esa era mi primera impresión antes de ver ¨El Francotirador¨, pero esta tiene algo distinto y es que pone incomodo al espectador, una sensación que no se suele experimentar en una película comercial y bélica como esta.
Su desarrollo de por si es bastante matutino y nada impresionante, tenemos la guerra y luego los efectos de la post-guerra, algo que ya vimos en miles de producciones parecidas como ¨El Cazador¨, o sea que, ¨American sniper¨ no es de esos films que destacan justamente en explorar nuevos campos.
Pero Clint Eastwood hace un análisis de la psicología de este soldado que es impresionante, intima, y no con palabras si no con simples miradas como la de Cooper cuando apunta con su arma.
Alterna buenas y malas ¨El Francotirador¨, si bien destaca por su punto de análisis sobre la mente del soldado, también tiene cosas como errores groseros que de verdad son muy visibles, algunos de ellos los inserte en la sección de errores. Todas las películas cometen errores, pero esta es una producción de muy alto presupuesto que no puede cometer acciones tan visibles (véase el bebe, vergonzoso).
A Clint Eastwood se lo conoce por ser una figura muy patriótica y que apoya al partido Republicano, y sus ideales quedan muy reflejados en su película, que es igual de patriótica que el.
Ha empezado a formarse un debate amplio sobre ¨El Francotirador¨, y es que para muchos honorifica a un asesino, pero también es una película dura en el sentido de que Eastwood no se escatima a la hora de tapar sangre, y eso asombra mucho, porque la película es cruel (como se debe), basta con ver a niños cargando misiles y la suerte que estos corren.
Filmo algo muy respetable Mr. Eastwood, algo que si bien es patriótico lo recupera con sus nulos tapujos. No encuentro la razón por la que el director no fue nominado para su rubro, es que esta sencillamente bestial y vertiginoso en su dirección, algo bastante injusto.
Dentro del cine bélico no exagero si digo que el director nos ha dejado algunas de las mejores secuencias del género en este film. El manejo de la cámara es descomunal y para el recuerdo por la potencia y electricidad del relato mismo.
La preparación física de Bradley Cooper fue fenomenal para encarnar de la mejor manera su papel, engordando unos cuantos kilos, ha cumplido con una actuación buena.
Película bélica dura, ideal para debatir. Con un Clint Eastwood que esta en muy buena forma a la hora de dirigir films grandes y comerciales. ¨El Francotirador¨ tiene errores, pero lo compensa todo el tiempo, y hasta nos deja algunas de las mejores escenas de guerra antes vistas.
Actuaciones:7.0
Música:6.0
Historia:5.0
Final:6.0

Mi nota para ¨El Francotirador¨ es un 6.5/10. Buena.



Lo mejor: La edición de sonido es demoledora, debe ganar esta nominación.
Lo peor: En una producción como esta no pueden suceder cosas como las de ¨fake baby¨, es inadmisible.

Héroes del olvido.

La ¨black list¨ es una lista de supuestos guiones de muy buen nivel, que por alguna razón Hollywood no produjo nunca, o que va produciendo de a poco, y esta es una de las producciones que ha estado enterrada por mucho tiempo.
Hay guiones enterrados, como este, y como el héroe del que trata el film, Alan Turing, uno de esos hombres de escencial aportación en la historia pero que por alguna razón fue olvidado y condenado por la sociedad.
Alan Turing era un genio británico, y un pionero de la computación, que durante la Segunda guerra mundial descifro códigos que enviaban los Nazis, esto evito que la guerra continué y que hayan millones de muertos mas, pero no solo eso, Turing tuvo una importancia abismal (en lo tecnológico) que no fue para nada aplaudida, es que tras descubrir que era homosexual fue procesado penalmente y sometido a una terapia hormonal que culminó en un suicidio.
La historia de Alan Turing es apasionante, y uno de los libros que mejor trata su etapa descifrando el enigma es el de Andrew Hodges.
El guión de la adaptación del libro de Hodges estaba escrito, pero se quedo en la lista negra por mucho tiempo, paso por varias manos, hasta que definitivamente por una cifra millonaria adquirió los derechos The Weinstein Company y se puso en marcha.
¨The Imitation game¨ se quedo con la dirección del noruego Morten Tyldum, y con el protagonismo del actor del momento: Benedict Cumberbatch.
A los Oscar le encantan las biopics y ¨The Imitation game¨ cuenta una biografía que a simple vista es interesante, la de Alan Turing.
En la crítica de ¨Whiplash¨ comentaba que los Oscar este año habían posado sus ojos mas en el cine independiente, pero esta película es una de las excepciones en la lista.
Las dos películas mas nominadas compiten en 9 liguillas, pero ¨The Imitation game¨ es la segunda, con 8, o sea que estamos ante un peso pesado de esta edición.

Cuidada biopic sobre una vida complicada de llevar a los cines, pero tampoco una maravilla merecedora de sus 8 nominaciones a los Oscar, y a todos los premios cuasi-similares.
De las tres que ya evalué ¨The Imitation game¨ es quizá la película mas fría, y retracta bastante a medias una parte de lo que fue la apasionante vida de Turing.
Aunque la cinta de Tyldum esta bastante cuidada, noto un aire de película televisiva, desde sus planos exteriores algo cutres a su particular narrativa.
Sus dos actores, Benedict Cumberbatch y Keira Knightley, estan nominados como mejor actor y actriz de reparto, dos muy buenos interpretes que para mi gusto no brindan lo mejor de si en este film.
Keira no parece ser la correcta para ese papel y además su actuación tampoco asombra, mientras que Benedict lo hace muy bien pero el problema esta en su personaje, que no esta construido con la fidelidad real.
La verdad es que de a ratos se hace un drama bastante plano, poco explotado, y que representa una etapa de su vida de una manera algo ligera de papeles.
Pero entre sus virtudes encontramos que es una película muy llevadera, y es que una biopic con una historia de por medio que engancha y que no sofoca de datos inentendibles para el público en general.
El drama que Turing vive con respecto a su sexualidad en la sociedad, es un tema que ¨The Imitation game¨ casi no toca, lo hace de manera casi superficial en el final, y es algo sumamente fundamental que hubiera enriquecido bastante el material, pero la cinta es políticamente correcta, era obvio que no pasaría a mayores.
La intención de los flashbacks de Turing es marcar con mucha suavidad la tendencia homosexual del personaje, y si bien no son malos no alternan muy bien con la trama.
La puesta en escena es buena, elegante y una representación correcta de la época con algunos materiales originales de la Segunda Guerra mundial.
Biopic que no pasa a mayores por su propia timidez. Una correcta producción que pudo haber sido mucho mas rica y completa de lo que termina siendo. Alan Turing es un héroe de la historia que hay que recordar por siempre, pero con una historia compleja también y queda demostrada en esta pieza algo de ello.
Actuaciones:6.5
Música:6.5
Historia:6.5
Final:6.0

Mi nota para ¨The Imitation game¨ es un 6/10. Buena.



Lo mejor: Los minutos finales consagran a Cumberbatch.
Lo peor: La película nunca se atreve a criticar el sistema, y eso le juega en contra.

Pasión y sangre.

Las ceremonias del Oscar ya se estaban volviendo un desastre en todos los rubros, principalmente el de ¨mejor película¨ donde cualquier producción comercial como ¨El Lado luminoso de la vida¨, ¨Up in the air¨, ¨La Noche mas oscura¨ (y un etcétera abismal) arrasaban en premiaciones.
Para esta edición 2015, el jurado del Oscar parece querer dar un cambio bastante radical en cuanto al enfoque de las elegidas, y es que la lista se ha acortado de 10 films a 8, y además la mayoría de ellas son producciones independientes, con directores bastante nuevos.
¨Boyhood¨, ¨Selma¨, ¨Birdman¨, ¨Whiplash¨ y ¨La Teoría del todo¨, son 5 de los 8 films que integran la lista de este 2015 en el rubro de mejor película, y todas ellas son producciones totalmente independientes, una cifra que asombra mucho con solo compararla con las anteriores ceremonias.
No soy un defensor de los Oscar pero me gusta ver los films seleccionados al rubro principal por simple curiosidad, y este año la experiencia ha mejorado bastante ya solo por el hecho de ser film autónomos.
Damien Chazelle es carne nueva en la industria, un director de cine y músico de Jazz que desde su primera obra mezclo la música que a el le gusta y toca, con el drama (¨Guy and madeleine on a park bench¨), y en su segunda obra, ¨Whiplash¨, vuelve a repetir las dos mismas bases.
¨Whiplash¨, es cine 100% independiente y bueno, con 5 merecidas nominaciones al Oscar, que incluyen mejor película y mejor actor de reparto.
Las declaraciones del joven Miles Teller en contra del cine comercial que estaba haciendo (Divergente), lo ayudaron bastante para conseguir el papel en ¨Whiplash¨, donde encarna a un baterista de Jazz (como el director), que es perturbado psicológica y físicamente por la exigencia y perfección que su maestro le exige.
El eterno secundon, J. K. Simmons, que hace del jefe loco de Peter Parker en ¨Spiderman¨ de Sam Raimi, fue el hombre perfecto para interpretar un papel que parece hecho justo a su medida, y que le ha valido además la nominación como mejor actor de reparto (la cuál seguramente ganara).
Al director se le ocurrió llevar esta historia al cine basada en una vivencia personal, es que cuando el estudiaba como músico de jazz sufrió la violencia de un profesor suyo.

Es muy alta la pasión por el Jazz que tiene esta película y su personaje protagonista vaya que logra influir a la hora de plantear estos sentimientos.
Vuelve a dejar una grata impresión el director Chazelle, donde pone todo su amor por la música y el cine en un combo muy destacable.
¨Whiplash¨ electriza, y el sonido de la batería y su veloz narrativa la van haciendo cada vez mas potente y mas endemoniadamente eléctrica sin requerir de una duración extensa.
Los hilos que maneja Chazelle fluyen, con ritmo, naturalidad, potencia y mucha tensión, nunca cesan.
Se puede catalogar a ¨Whiplash¨ de ser una obra simplista, como ¨Boyhood¨, y si, esta cinta lo es, pero no precisa de mas, no cuenta mucho pero lo hace de una manera absorbente y notable en algunas ocasiones.
Esta bien filmada, con una cámara que ataca agresivamente con sus soberbios juegos de planos a Simmons, y también moviéndose bajo el ritmo de unos solos de batería extraordinarios.
La clave de esta obra recide en su montaje, muy escencial para la estructura de la película, y otra cosa mas, la pieza afortunadamente no se preocupa en explayarse en el sector del amor, casi que fue un elemento bastante injustificado que podría haber empañado el transcurso, pero eso no sucede.
El rubro que parece mas cantado que cualquier otro es el de actor de reparto, donde J. K. Simmons es el mismo, con naturalidad: griton, en un papel de loco, y absorbente. Descomunal y soberbia interpretación, repleta de energía como el film, realmente Simmons se brinda a todo y hace que su papel en ¨Spiderman¨ se eleve a la décima potencia.
¨Whiplash¨ es un reconfortable producto que nos deja ver en todo su esplendor el amor por la música y las exigencias para ser el mejor. Solida y electrizante.
Actuaciones:7.5
Música:8.0
Historia:6.5
Final:6.0

Mi nota para ¨Whiplash¨ es un 7/10. Muy buena.



Lo mejor: J. K. Simmons, y esos planos amenazantes y apasionantes.
Lo peor: Lo que se ve a veces parece exagerado o demasiado irreal.

La vida en 12 años.

Reconozcamos que el método de filmación del amado por los críticos especializados, Richard Linklater, para su film ¨Boyhood¨ fue muy original y hasta revolucionario, porque este film no deja de arrasar en premios y elogios.
En Mayo del 2002, Linklater se dispuso a llevar a cabo un producto y análisis profundo sobre la niñez y la adolescencia de un muchacho, era algo que anhelaba desde hacía bastante, pero que ahora quería concretar.
Nace asi ¨Boyhood: Momentos de una vida¨, un producto totalmente independiente, con las actuaciones de un Ethan Hawke, que estaba formando con el director una trilogía de amor (¨Antes de...¨ -1995-2013-), Patricia Arquette, un niño de 7 llamado Ellar Coltrane, y su propia hija, Lorelei Linklater, de casi misma edad que Ellar.
La exploración de la niñez y adolescencia de dos chicos (principalmente del protagonista), era la idea de Linklater para su ambicioso proyecto, pero todo hacerlo en escala real, sin usar maquillaje ni ningún truco para el cambio físico, y eso solo era posible con el paso del tiempo.
Durante 12 años, y en 39 días, el director registro con total naturalidad el cambio físico de sus actores. Cada año Linklater llamaba a todo su equipo para juntarse a filmar algunas escenas un par de días, una técnica bastante novedosa como original, que mostró la vejez y pubertad a la perfección, hasta el año 2013.
Mucho se habla de ¨Boyhood¨ como film, todo el mundo de la crítica la alaba, con adjetivos que van desde: ¨colosal¨, ¨magistral¨, ¨brillante¨, ¨la mejor del año¨, y toda esa locura que ha generado de opiniones se ve reflejada en la cantidad de premios que ha levantado: como los Globos de Oro, el festival de Berlín, y un largo etcétera que culmina ahora con 6 nominaciones al Oscar, incluyendo mejor película.
Es la historia de Mason desde los seis años y durante una década poblada de cambios: mudanzas y controversias, relaciones que se tambalean, bodas, diferentes colegios, primeros amores, también desilusiones, momentos maravillosos, de miedo y de una constante mezcla de desgarro y sorpresa.
Un viaje íntimo y épico por la euforia de la niñez, los sísmicos cambios de una familia moderna y el paso del tiempo.

La vida misma de un chico y su familia (con padres divorciados) pero hecho película y transmitido en 165 minutos, eso es ¨Boyhood¨, una obra que tiene como objetivo: el paso del tiempo, los acontecimientos, y como esto va repercutiendo en la vida social del muchacho.
La brillantez de la que todo el mundo habla yo no la encuentro, y nunca dije que ¨Boyhood¨ fuese una cinta mala, pero me parece totalmente normal y simple en toda regla, aunque con una técnica de filmación que la hace de alguna manera muy realista y natural, y ese es el gran cumplido de esta multipremiada cinta independiente.
El fuerte del film ya se dijo: el paso del tiempo, pero no solo por el cambio físico de sus actores, si no porque el film va pasando época sociales y políticas distintas, guerras como la de Irak, la presidencia de Bush, de Obama, elementos y acontecimientos que el director no pasa por alto.
En el rubro de actores tenemos nominados a sus dos actores de reparto, Ethan Hawke y Patricia Arquette, el primero no hace nada sorprende ni brillante, pero Arquette esta fabulosa y soberbia, con inclusive grandes cambios físicos y algunos momentos muy potentes, una actuación que llega.
Este director se maneja muy bien con las bandas sonoras de sus películas, y en ¨Boyhood¨ esa inclusión de temas no pasa nada desapercibida, repleta de temas conocidos.
Linklater ha dirigido bien, con fluidez, y traspasa muy bien los sentimientos de sus personajes en cada etapa, pero la gente se ha enciegado con su narratividad y en ese conjunto que es ¨Boyhood¨ la verdad es que no guarda mucho.
La calidad del guión es altamente buena y culta, con muchas referencias culturales del ámbito de la música, pero con algunas frases pretenciosas.
165 minutos no se hacen fáciles de llevar en algunas ocasiones, es que en su naturalidad a la película le queda mucho espacio vació y de a momentos si, se hace larga y monótona.
¨Boyhood¨ merece ser vista por la simple razón de que se hizo en 39 días, durante 12 años, ese es el atractivo mas grande de esta buena película sobre la adolescencia. Una película normal, simple pero si bastante profunda.
Actuaciones:7.0
Música:7.5
Historia:6.0
Final:6.0

Mi nota para ¨Boyhood¨ es un 6.5/10. Buena.



Lo mejor: Patricia Arquette es de lo mejorcito del film, su actuación es envolvente.
Lo peor: El vació en la terna de conflictos.

La tierra de la buena gente.

El continente sufrido, el de las guerras, la hambruna, las masacres, el dolor, ese continente es África, eternamente condenado a la tristeza y a la corrupción de sus políticos que dejan morir a su propia gente sin ningún remordimiento.
Las potencias como Estados Unidos usan los territorios africanos para probar las nuevas implementaciones como bombas, y aviones no tripulados, desatando un mar de sangre de gente inocente.
Sudán, es uno de esos territorios azotados por dos violentas guerras civiles, principalmente la segunda, la cuál duro desde 1983 hasta el 2005, llevándose consigo mas de 2,5 millones de muertos.
El convenio de paz llego luego de años de matanza en el 2005, y Estados Unidos realizo un acto bastante humanitario, el de ofrecer a los habitantes de Sudán la oportunidad de trabajar y estudiar en la tierra de ¨los sueños¨ apartir de una especie de sorteo por año.
¨Los niños perdidos de Sudán¨, asi se le llamo a esos pobres chicos que quedaron sin familia luego de la guerra civil y que estaban en los campos de refugiados.
Inflando el pecho de patriotismo, Estados Unidos años después de este acto heroico quizo llevar a la pantalla gigante la vida de una familia de hermanos de Sudán que se va a vivir a Norteamérica.
¨La Buena mentira¨ es el resultado final de esta nueva epopeya bélica y nacionalista que nos quieren contar desde Hollywood, escrita por Margaret Nagle, y dirigida por el francés Philippe Falardeau, que en el 2011 había filmado la reconocida ¨Profesor Lazhar¨.
Un refugiado de la guerra civil sudanesa convive en los Estados Unidos con otros niños sudaneses. Tras su llegada a América, los pequeños conocen a Carrie, una trabajadora social que, consciente de su tragedia, trata de enseñarles cómo deben desenvolverse en un mundo tan distinto al suyo.

Delicado y duro tema el que trata ¨La Buena mentira¨, sobre las guerras civiles y esos chicos sin familia, pero transmitido con una liviandad que asombra y a la vez es coherente porque estamos con una película de Hollywood que quiere solo inflar el pecho con ese supuesto gran país que tienen.
Una americanada total, que propone mucha ternura y momentos de lagrima fácil, para gente que se emociona con no mucho esfuerzo al ver cosas duras.
Roza en el ridículo la actuación de Reese Witherspoon, actualmente nominada para los Oscar 2015 por su papel en ¨Wild¨, pero que aqui nos ofrece una interpretación cero creíble.
Falla Reese porque su personaje mismo también lo hace, su metamorfosis de la manera de pensar cambia radicalmente de una manera poco drenada y eso si que no es realista, es un típico personaje de telefilm.
¨La Buena mentira¨ quiere darnos reflexión y no lo logra concretar, pero ademas cae en la debilidad de sus muy mediocres diálogos, obvios y torpes.
Película superficial, que nunca encuentra el punto dramático y que no deja de caer nunca en los lugares mas comunes de un drama patriótico.
Pudo haber sido una película con un mensaje político duro, pero no encontramos mas que corrección política al 100% y con el eterno abuso de gags que ya vimos como el del choque de culturas, Africana y Norteaméricana.
Mas análisis que ese no se le puede hacer a ¨La Buena mentira¨. Una cinta de medio pelo, que se hace amena, pero jamas dura ni creíble, y eso es una falencia muy grande, no llega a ninguna parte.
Actuaciones:5.0
Música:5.0
Historia:4.5
Final:6.0

Mi nota para ¨La Buena mentira es un 5/10. Regular.



Lo mejor: El comienzo es mas sugetivo que otra cosa, pero no deja de impactar.
Lo peor: Asombra la superficialidad de todo.

Moisés vs Ramsés.

Con casi 80 años, Ridley Scott es uno de los directores que mas ha probado géneros en su carrera, (como Clint Eastwood), y un cineasta que ha mantenido una carrera extensa como irregular desde un principio, con muchos altibajos.
La filmografía de Scott va de lo bueno a lo flojo, como si fuera una montaña rusa, el es asi, pero de ninguna manera se puede decir que es un mal director.
Cada film que se estrena de Scott siempre levanta expectativas, eso es porque evidentemente ha hecho las cosas bien, y el apellido de Scott sigue pensando como en 1979 cuando filmo ¨Alien¨.
Si algo podemos deducir de los gustos de Ridley Scott es que las historias épicas y de espada le encantan (¨Los Duelistas¨, ¨Gladiador¨, ¨Robin Hood¨, ¨1492¨, ¨Legend¨), y que cada vez que puede filma algo de ese corte.
Su última intervención en un cine asi fue con ¨Robin Hood¨, en el 2010, y ahora esta de regreso con ¨Éxodo: Dioses y reyes¨.
Hace poco, Darren Aronofsky, dirigió ¨Noé¨, la adaptación de la historia bíblica del arca de Noé. La película tuvo mala aceptación (en general), pero fue muy agradable desde mi punto de vista, con personalidad en todas sus líneas.
Ahora bien, ¨Noé¨ saco $362 millones en taquilla, y contó con un elenco de estrellas como Russell Crowe y Anthony Hopkins, y a que voy con esto? Que luego de eso a Sir. Scott le entraron ganas de algo parecido.
La historia de Moisés ya se contó en varias producciones, la mas popular fue ¨Los Diez mandamientos¨, pero ahora el britanico quería un film que reforzara la relación con Ramsés, y por supuesto la rebelión, el cruce al mar, etc.
¨Éxodo: Dioses y reyes¨ se movió similar a ¨Noé¨, no por adaptar libremente pasajes bíblicos, si no por haber convocando a un rico elenco, donde destacan hombres como Christian Bale, Ben Kingsley y Sigourney Weaver, un gancho comercial tremendamente importante.
La cinta narra la historia de Moisés, un hombre cuyo coraje desafió a un imperio cuando se rebela contra el todopoderoso faraón Ramsés, liberando a 600.000 esclavos en una épica huida a través de Egipto, llena de peligros y mortíferas plagas, en busca de la Tierra Prometida.

Tengo nulo conocimiento de las historias de la biblia, inclusive de esta, pero por lo poco que se Ridley Scott no respeto nada, a excepción de detalles demasiado importantes. Se que ¨Noé¨ hacía lo mismo pero tenia algo que agradaba mucho y que ¨Éxodo¨ no tiene.
Para arrancar por el buen sendero, visualmente es una película fabulosa, con una fotografía limpia y unos planos aéreos espectaculares de Egipto, que dejan ver el buen tacto de Scott como director.
Entrando al campo de la dirección, encontramos un trabajo a medias, apasionante a la hora de poner la cámara pero bastante deslucido ya desde el inicio.
Es un film bíblico con un principio de lo mas rutinario, mecánico y poco aceitado. Todo pasa tan rápido haciendo tropezar una y otra vez las bases y sin darle tiempo a que todo fluya por si solo.
La falencia mas grande es la de los guionistas, que entre 3 no han sido capaces de escribir un guión digno, sin tantas lagunas y vacíos. La película se queda sin relleno y por eso empieza a improvisar y a perder fuelle.
La mano del experimentado Ridley Scott se deja ver en su mejor forma con las espectaculares secuencias de las plagas o la división del mar, que son sencillamente extraordinarias y visualmente de lo mas creíbles.
El diseño de producción es correcto, referido en escenario, maquillaje, peinados y vestimentas.
Parece que ¨Éxodo¨ con su falta de contenido quiere de alguna manera mostrar el enfrentamiento de Moisés y Ramsés, una especie de venganza ida y vuelta, situando a los dos como protagonistas totales y perdiendo de vista por completo a sus actores secundarios. Los secundarios Kingsley y Weaver son floreros en el film, no valen nada y no dicen mas de 5 diálogos, un desastre serio.
Detalle interesante es que el director de alguna manera ha mostrado su forma de pensar acerca de Dios, donde lo represento como niño y con una actitud engreída y no tan santa.
Cumplidor cine de matiné, algo entretenida, con algunas secuencias bestiales, pero con mucho vació en su libreto y la poca funcionalidad de los secundarios.
Actuaciones:5.0
Música:6.0
Efectos:7.5
Historia:4.0
Final:6.0

Mi nota para ¨Éxodo, dioses y reyes¨¨ es un 5/10. Regular.



Lo mejor: La escena de las plagas.
Lo peor: Si el guión hubiera sido algo mas decente, puede que estuviéramos hablando de un film mejor.

Mujeres apasionadas.

Vislumbro ganando La Palma de oro, los Globos de oro, los premios César, los Goya, los Independent awards, y un extenso etcétera que puede continuar.
Hacía tiempo que un film romántico no cautivaba tanta cantidad de festivales y premios (excepto, claro, a los Oscar), pero luego de verla te das cuenta de que ¨La Vida de Adele¨ no es cualquier película romántica/dramática, si no algo bastante especial.
¨La Vida de Adele¨, nace como una novela gráfica francesa (llamada: ¨Le bleu est une couleur chaude¨) de Julie Maroh, que se publico en el 2010 para ser adaptada en el 2013 por el director tunecino Abdelatif Kechiche.
Kechiche se desarrollo en Francia haciendo cine de puro drama, pero hubo algo que le resulto llamativo de esa novela gráfica que contaba una historia de amor lesbico, ese algo lo indujo a llevarla a los cines.
Sabiendo como es el cine francés de liberal, sin escrúpulos, la posibilidad de encontrar una película de amor y drama sobre dos lesbianas prometia, y mucho.
Si se va contar algo asi, entonces, hay que hacerlo bien, mostrándose lo que se debe pero sin perder la prolijidad ni la elegancia característica.
En la fase de filmación, el director tomo algunas medidas necesarias para lograr potencial en sus actrices (como mostrarse desnudas recurrentemente), y tomo la decisión de modificar el nombre del personaje de la protagonista por el nombre real de la actriz, Adele, la cuál le da el título al film.
Adele tiene quince años y sabe que lo normal es salir con chicos, pero tiene dudas sobre su sexualidad. Una noche conoce y se enamora inesperadamente de Emma, una joven con el pelo azul. La atracción que despierta en ella una mujer que le muestra el camino del deseo y la madurez, hará que Adele tenga que sufrir los juicios y prejuicios de familiares y amigos.

Se siente como el seguimiento de la vida misma de dos chicas lesbianas, con un contacto casi real hacía el público.
Sin estas dos maravillosas actrices no estaríamos hablando del mismo film. Hay en ellas dos algo especial, algo que no es solo química, si no un talento despampanante, esto queda demostrado cuando en esta historia de amor (de mucho conflicto) son capaces de alternar e influir emociones juntas o por separadas.
Adele Exarchopoulos, encanta y enamora con su mirada, pero además de bella tiene una calidad de actriz que es impresionante, y que no deja de advertir que es una gran promesa en el cine moderno, o ya una actriz consagrada por esta actuación.
La duración de la cinta es de 3 horas, una abismal duración que por cierto no se hace sentir nada. Todos los acontecimientos estan bien equilibrados y sirven para hacernos una construcción maravillosa de los dos personajes, sus sentimientos y disgustos, pero todo paso a paso y desde los 15 años.
La magia del film esta en las interpretes, y en esos mismos personajes, que conectan tan bien que hacen olvidar que estamos viendo un film de amor lesbico no convencional.
La dirección es para aplaudir. Kechiche sabe colocar la cámara siempre bien, con mucha fineza y un carácter admirable que nunca pierde los estribos.
¨La Vida de Adele¨ es un magnifico y cronométrico estudio de la mirada de la sociedad hacía la sexualidad gay, la exploración del sexo, la adolescencia y el amor.
Se celebra que consciente de contarnos una historia de amor homosexual muestra todo lo necesario, algo que le ha valido algunas criticas y controversias de algunos sectores.
Las secuencias de relaciones sexuales son realmente largas, (llegan a durar hasta 10 minutos) y muestran sin pudor los cuerpos desnudos de las chicas. Afortunadamente no son desnudos gratuitos y mal filmados, si no la combinación del arte y el sexo, en una expresión maravillosa. Precisas y frontales, como se requiere.
Humaniza a los personajes filmándolos en situaciones tan cotidianas como comer. La relación de las dos mujeres es sumamente real, humana y autentica, un factor característico del cine europeo.
Destacadísima cinta fransesa que hay que ver. ¨La Vida de Adele¨ tiene el poder en el talento de su director, y de sus dos bellas actrices, talentosas como pocas.
Actuaciones:8.0
Música:6.5
Historia:7.0
Final:7.0

Mi nota para ¨La Vida de Adele¨ es un 8/10. Muy buena.



Lo mejor: Adele Exarchopoulos conquista las miradas.
Lo peor: Nada.

Hombres feroces.

Los juicios por jurado es un método polémico que se usa mucho en el sistema judicial de Estados Unidos, donde con un SI o un NO se puede decidir por la vida de una persona frente a un caso que no ha llegado a ninguna resolución por parte de los jueces designados.
Por aquellos tiempos y ahora mismo, un simple ciudadano que se ofreciera (aun sin tener conocimientos) ya obtendría dinero, como si fuese un trabajo, y además, el veredicto final solo importaría de lo que diga la mayoría: poder dejar libre a un asesino, o matar por pena de muerte a un inocente eran algunos de los peligros que podían suceder si se tomaba la decisión incorrecta.
Un hombre enojado con este injusto y casi cavernícola método quiso mostrar su fastidio escribiendo una obra dramática para televisión titulada ¨Doce hombres sin piedad¨, que salio en la cadena CBS en 1954, con mucha repercusión, luego vino la obra teatral.
Para el año 1957, Reginald Rose quizo ir mas allá y escribió un nuevo guion para una adaptación al cine que culminaría bajo la dirección del debutante y excelentísimo Sidney Lumet, quien mas tarde filmaría obras maestras como ¨Asesinato en el orient express¨.
¨Doce hombres sin piedad¨ no es solamente la primera película de Lumet, si no también uno de los mejores films de la historia del cine y uno de los mas adaptados.
Porque motivo ¨Twelve angry men¨ es una de las piezas mas tocadas en el medio? Porque además de ser excelente, no necesita de dinero, ni de escenarios, solo consta de 12 actores y un monoambiente.
La osadía de Rose se transformo en algo mas grande, mas comercial y eterno. ¨Doce hombres sin piedad¨ consta de 3 versiones de cine (incluyendo la original), dos televisivas, y múltiples obras de teatro por todo el mundo, que la reivindican como una de las historias mas adaptadas.
Mas allá de todo aliciente, en este film podemos ya apreciar la maestría de un Sidney Lumet en estado de gracia y destinado a ser uno de los sujetos mas respetables de Hollywood, como lo es en la actualidad.
En ¨Twelve angry men¨, hay un caso sin cerrar sobre un chico acusado de asesinar a su padre. El caso es llevado a un juicio por jurado donde 11 de los 12 integrantes estan convencidos de la culpabilidad del joven, todos menos uno de ellos.
El único que confía en la inocencia del adolescente dice tener los argumentos justos como para convencer a todos de tomar la decisión correcta.

Brillante e audaz, una de las películas mas redondas en todo sentido. Intenta y consigue enviar una crítica al sistema judicial estadounidense ferozmente agresiva, hasta el punto de dejar como patán al que cree que el juicio por jurado es el método mas acorde y justo ante un caso sin resolución.
La cosa mas fabulosa de ¨Doce hombres sin piedad¨ es que plantea un tremendo debate entre el público, una discusión sobre si realmente el juicio por jurado esta bien o no, bueno, la postura de Reginald Rose esta clara: si los jueces no hacen su deber correctamente la cosa a primera instancia no esta mal pero hay que ver lo mal ejecutada que esta, y eso nos quiere mostrar en su historia.
No se me escapan mas que elogios para esta magistral película de 1957, que con un escenario cerrado de cuatro paredes, y doce actores, logra semejante potencial. Una docena de caballeros sentados en una mesa, dialogando, y en busca de una resolución, esto es mas que suficiente para ser fascinante.
Los personajes de los 12 hombres son una clara expresión y reflejo de lo que es nuestra sociedad, asi lo quiere Rose y Lumet. La construcción y la personalidad que les va dando a los personajes es una maravilla, hay variopintos de sujetos, desde empresarios, abogados, un anciano y otros ciudadanos de todo tipo.
Hay un elenco muy bueno llevando el film, con interpretes como Henry Fonda, Lee Cobb y Ed Begley, que brillan por si solos (claro que también son los mas conocidos), y el guión les da la oportunidad de brillar porque estan excelentemente elegidos para sus personajes.
Comandando la batuta tenemos a un Sidney Lumet con una dirección extraordinaria. Su habilidad y calidad para llevar films por el buen sendero se transmite como nunca aqui. De una historia con un escenario, saca algo realmente interesante y que jamas aburre.
Ni que hablar de su guión, absolutamente estupendo y despampanante como audaz, mordaz, atrevido, profundo y sobretodo totalmente redondo.
Es uno de los mejores guiones de cine, o al menos uno de los mas redondos el que escribió Reginald Rose. Esta limpio y lleno de diálogos brillantes que salen de la boca de los doce hombres, siendo ese el factor mas atrapante y mágico de la película.
¨Doce hombres sin piedad¨ esta pensada de un modo teatral, para ser exhibida en los escenarios, pero en la pantalla se ha adaptado de una muy buena forma sin perder ese encanto de obra de teatro.
Placentera obra maestra de Sidney Lumet, que nos dice una vez mas que se puede hacer cine con poco. Un guión excelente, una dirección excelente, y un elenco muy bueno, no tengo nada para reprochar de esta pieza absolutamente imprescindible.
Actuaciones:8.0
Música:6.5
Historia:8.5
Final:7.0

Mi nota para ¨¨Doce hombres sin piedad¨ es un 10/10. Excelente.



Lo mejor: Sidney Lumet tiene talento y destreza para mantener intrigado.
Lo peor: Nada.

Enternece el ama.

El género romántico nunca me llamo la atención por una simple cuestión, el predominio de clichés y la superficialidad me agotaron por completo.
Buscar galanes y mujeres bellas no es ningún invento del cine romántico moderno, siempre existió en Hollywood y mas que nada en el cine de los 50.
Historias repetitivas, personajes muy vistos, ricos, lindos y lo de siempre, por eso no me agrada ni ¨Casablanca¨, ni los films mas representativos del género.
¨Marty¨, una película de mitad de los 50, se apunto a la explosión de films románticos de la década, pero resulto ser un film que quebró con las reiteradas y agotadas fórmulas, y eso es lo que me agrada de esta obra.
Hay films que el tiempo deja en el olvido y ¨Marty¨ es una de esas obras de mitad de los 50, que apesar de ser el segundo film americano ganador de la palma de oro en Cannes, y de ser nominada a 8 premios Oscar, ganando 4 de ellos (los mas importantes), ha ido olvidándose bastante, de hecho, me he topado por casualidad con ella, y he encontrado un film aun mejor de lo que esperaba.
La concepción de esta cinta fue tomando forma cuando el guionista Paddy Chayefsky tomo la idea de un capitulo televisivo escrito por el mismo en 1953.
La ampliación se llevo al cine con el título de ¨Marty¨, siendo dirigida por el debutante Delbert Mann, especialista en la materia de drama.
El protagonico fue una sorpresa, es que el papel de hombre sentimental lo tomo Ernest Borgnine, acostumbrado a sus papeles de tipo duro, poca expresión, y que encima termino llevándose la estatuilla a mejor actor.
Esta comedia romántica nos pone a Marty de protagonista, un carnicero de 35 años, soltero que vive con su madre y que solo espera a la mujer de su vida para casarse.
Una noche en una discoteca, Marty es testigo del desplante que le hace un hombre a una muchacha y este en un acto de generosidad decide hablarle, no sabe que aquella noche cambiara su vida...

Bella película que logra conmover y llenar el corazón del espectador. Es justamente una comedia romántica como se debe, de esas que se solventan con un buen guión y mas.
Lo que se celebra de ¨Marty¨ es su intención de romper los prototipos de siempre, con dos personajes que no son atractivos, son absolutamente normales, viajan en micro, se sienten al fin humanos.
La cosa mas maravillosa de esta cinta es su sencillez y ternura de la que dispone. Es que es un film muy sencillo, como su título, pero tan simple que emociona.
La forma en la que se va dando esta historia de amor es tierna, simple y con dos protagonistas muy carismáticos y que dan toda la pinta de buena gente.
El debut del director es arrollador realmente, tiene una calidad estupenda para mover los hilos de esta fabulosa pieza, siempre manteniendo esta historia de amor en los limites de lo real, lo humano.
La corta duración hace que todo encaje aun mas perfecto, sin que sobre metraje ni falte para desarrollar entramado y protagonistas, pero yo hasta diría que me he quedado con ganas de ver mas.
El elenco actoral esta maravilloso. Ernest Borgnine le da todo lo que necesita a su personaje, se amolda a sus características, tiene un carisma estupendo y de hecho hasta lograr borrarnos su imagen de tipo duro.
Los restantes actores estan muy solventes también, sólidos, firmes en sus personajes y recitando diálogos con la potencia necesaria.
Hay que decir que los personajes construidos son fascinantes, realistas, y que afrontan conflictos reales que se dan en las familias.
Pero hay que sacarse el sombrero con el estupendo guión de ¨Marty¨ que es para destacar. Pese a que se trate de una comedia/romántica la profundidad del libreto es impresionante y propone temas como la soledad, la vejez, la inmigración italiana, la discriminación, expuestas con unas escenas y diálogos fabulosos que denotan que es un gran film.
Nada para reclamar. ¨Marty¨ es todo una sorpresa de los 50 olvidada, pero que llena el corazón con una historia de amor muy tierna y bien guionizada.
Actuaciones:7.0
Música:6.0
Historia:7.0
Final:7.0

Mi nota para ¨Marty¨ es un 7.5/10. Muy buena.



Lo mejor: La dirección y el guión estan fabulosos.
Lo peor: Te quedas con ganas de seguir viendo algo mas.

Pasión de primer amor.

¨Lo que el viento se llevó¨ (1939), ¨Casablanca¨(1942) y ¨Titanic¨ (1997), son títulos revolucionarios del cine que muestran que las historias de amor en Hollywood rinden mucho y enamoran al público de grandes masas.
No importa la época, en los 30, en los 40, en los 70 (esta), en los 90, el éxito de las historias de amor siempre esta. Hace falta una historia empalagosa, unos protagonistas lindos, un par de frases de amor para el recuerdo y un pequeño conflicto, así tenemos al género romántico, uno de los mas efectivos, sencillos y pedidos.
Cada uno de los films mencionados antes, han marcado sus años y se consideran (para muchos) como imprescindibles para ver. En los 70 una de las películas pilares en llevar la bandera del romance fue ¨Love story¨, que tuvo un éxito apabullante y demoledor que revivió con fuerzas al género. Además, la crítica la califico como una de las mejores películas románticas de la historia, ni mas ni menos.
¨Love story¨ además de su reputación conseguida fue seleccionada para competir en 7 ternas de los premios Oscar, convirtiéndose en el cuarto film mas nominado de la edición de ese año, dato que termino glorificando mas su figura.
Surgida de una novela best-seller del mismo año, escrita por Erich Segal, asi nació ¨Love story¨ como adaptación al cine.
Arthur Hiller, con basto conocimiento del género de romance y comedia, fue el encargado de dirigirla, mientras que el guión fue escrito por el mismo autor de la novela, Erich Segal.
Los protagonistas seleccionados para encarnar esta historia de amor nacida de la mente del escritor del film ¨The Yellow submarine¨ son: Ali MacGraw y Ryan O¨Neal, ambos en su debut cinematográfico.
Luego de este tremendo hit y de ser nominados al Oscar, los dos actores saltaron a la fama total y formaron carreras exitosas (mas aún Ryan O¨Neal que Ali).
¨Love story¨ narra la historia de amor entre dos jóvenes universitarios de diferentes clases sociales. Oliver, un muchacho poderoso y próximo heredero de grandes fortunas, y Jenny, hija de un hombre panadero e inmigrante italiano.
La historia de amor entre estos dos jóvenes parece marchar bien hasta que un problema se entromete entre ambos...

Normal y agigantada por su participación en los Oscar, pero ¨Love story¨ no es ni de cerca la maravilla con la que la pintaron en 1970.
Hurgando en lo profundo del film no encontramos mas que una simple historia de amor, tan simple como su título, que admite lo que pretende narrar durante todo su metraje.
La película de Arthur Hiller actúa como una especie de refuncionalización moderna del cuento ¨Romeo y Julieta¨, o al menos su planteo la delata.
Exagerada y reiterada intención de apostar al efecto lacrimógeno en cada fotograma sobre el final, este intento repetitivo se acrecienta con su banda sonora que dramatiza mas las secuencias.
Hay un abismal abuso de lo lacrimógeno, pero ni hablemos de su acaramelada trama, empalagosa como pocas, con unos protagonistas que parecen pintar el amor perfecto de una manera muy irreal, comportándose como si fueran chicos de 15 años afrontando el primer amor.
Esa actitud adolescente que afrontan se ve no solo en las actitudes de los dos personajes, también en los diálogos que se entablan.
Todos los clichés que a usted se le ocurran de una película romántica estan en ¨Love story¨, desde la regla de las caras bonitas, hasta el conflicto y todo lo que implica.
El mensaje que la cinta nos quiere dar no terminar de entenderse, es que el protagonista es rico y no le molesta serlo, ni ser soberbio, en mas, el film con estas actitudes parece alabar la condición social.
En todo momento parece prevalecer lo material, Jenny viene de un sector social menor, pero no tiene problemas en cambiarse de una condición a otra de manera abrupta, de repente tiene un coche y una casa nueva, todo es normal en ¨Love story¨...
Las interpretaciones son correctas pero tampoco despampanantes ni merecedoras de un Oscar.
Ali MacGraw es hermosa y conquista con su mirada, y Ryan O¨Neal esta correcto, lo que si convence mas es la química que entre los dos presentan que es estupenda, sin vueltas.
La banda sonora esta compuesta de temas de Bach, Mozart y otros reconocidos compositores que le dan elegancia al film. Pero la canción principal de Francis Lai es tan exquisita como repetitiva en cierto instante, porque se usa demasiado, mas de lo necesario.
Una pena es que la cinta no le preste mucha atención a la relación conflictiva de padre e hijo, limitando todo detalle a un tercer plano prácticamente nulo.
Acaramelada, rendidora para las grandes masas y muy romántica. ¨Love story¨ se queda atrapada en la monotonía y los clichés del género, sin embargo, no deja de ser una entretenida y romántica apuesta que fue un suceso en los 70.
Actuaciones:6.0
Música:7.5
Historia:6.0
Final:6.5

Mi nota para ¨Love story¨ es un 6.5/10. Buena.



Lo mejor: La composición de Francis Lai es estupenda.
Lo peor: La actitud del film es materialista.

Una película de un grande hecha por un grande.

Coronando su carrera de director entre laureles, el cineasta, actor y cantautor argentino Leonardo Favio rodaba en 1993 ¨Gatica, El mono¨, una de las películas mas célebres de la historia cinematográfica de argentina y de las mas trascendentales de su filmografía, pero antes sucedió esto:
Las trabas que el INCAA le ponía a Leonardo Favio para distribuir y obtener subsidio de sus films fueron múltiples, tanto que en 1969 se hicieron imposibles de sostener, fue ahí cuando Favio se volcó al canto (afición que tenía desde antes), esto lo utilizo para obtener el suficiente dinero que pueda financiar nuevos productos.
El canto no fue nada pasajero para Leonardo Favio que forjo una poderosa carrera inmersa en ello y no fue casualidad que dejase un poco de lado el cine para enfocarse en su otra faceta.
1976, el golpe militar toca la puerta de Argentina llamándose como ¨Proceso de reorganización nacional¨, generando el exilio de muchos artistas, entre ellos de Leonardo Favio quién se asentó en Colombia.
Luego de años de ausencia de Leonardo Favio, en 1983 el golpe de estado finaliza con la elección de Raul Alfonsín como presidente, así el regreso de Leonardo a su país natal se concreta.
No obstante, su ausencia como director sigue estando hasta 1993 cuando aparece con su anteúltima cinta (sin contar el documental sobre Perón), ¨Gatica, el mono¨.
Un grande realizaba la biografía de otro grande que era: José María Gatica, uno de los máximos emblemas de la historia del boxeo argentino.
Gatica, al igual que Favio, tenían algo en común, los dos eran peronistas hasta la médula y les había sucedido algo parecido en los golpes de estado, asi que a Favio le pareció interesante recrear la vida de este magnifico boxeador que tiene un récord de 85 victorias y tan solo 7 derrotas, números que lo hacen uno de los deportistas mas gigantes de Argentina.
La película tuvo una extraordinaria taquilla y excelentes criticas que la postularon como la cinta argentina seleccionada a los premios Oscar en mejor película extranjera.
La segunda disputa con el INCAA apareció de nuevo. El director tenía enormes diferencias con el Instituto Nacional de cine y artes audiovisuales, básicamente porque reclamaba que los films nacionales tuviesen el mismo trato y facilidad (económica) que las cintas extranjeras, ante estas duras disputas Leonardo Favio retiro su film que no participo en la edición de los premios Oscar de aquel año.
Sobre la trama no hay mucho que explicar, se sabe que el film sigue la vida de Gatica desde su niñez, su desempeño como boxeador y llegando hasta su muerte.

Las historias de boxeadores siempre son duras, salvajes, problemáticas y hasta heroicas. Si bien la idea de contarnos la biopic de un boxeador esta miles de veces vista, siempre es seductora y mas cuando esta muy bien realizada como en este caso.
Martin Scorsese con su fenomenal film ¨Toro salvaje¨ ha sido de suma importancia para el film ¨Gatica, el mono¨, y eso esta muy a la vista principalmente en la brutalidad de las escenas en el ring, donde vemos en primer plano a un casi deformado protagonista bañado en sangre y sudor, como mismo su póster lo anuncia.
Vale decir que hay una sobria dirección que lleva a la historia en un punto tremendamente asfixiante y dramático, es que la historia de Gatica no es una de las mas impresionantes ni tristes del boxeo pero si es atractiva y aveces bastante trágica y frustrante.
Flaquezas y limitaciones técnicas las hay, se ven bastante, y ese es uno de los pocos aspectos que si le pasa algo de factura al film.
Hay un correcto maquillaje del golpeado boxeador, pero hay otros sectores que se ven muy endebles en cuanto a lo técnico.
Edgardo Nieva esta esplendido en su papel de Gatica, sensacional, fresco y obteniendo el carisma del personaje de manera muy satisfactoria junto a Horacio Taicher (también esplendido). Los demás del reparto tampoco estan del todo mal, pero si algo sobreactuados.
Arriba del ring las batallas estan muy bien rodadas pese a la época, con unos planos lejanos que permiten apreciar bien la acción y otros muy cercanos que muestran los golpes que va recibiendo el protagonista.
La banda sonora no es algo que me haya terminado de convencer del todo, creo que Leonardo Favio no ha elegido la musicalización adecuada para nada, sobretodo en los momentos de las peleas donde las escenas requerían, quizás, algo mas de intensidad.
La libertad que tiene este film es algo para celebrar, es que Leonardo Favio ademas de ofrecernos un interesante y potente recorrido por la vida de José Maria Gatica, también nos da un brillante panorama extendido de lo que era aquella época con el gobierno de Perón y luego con el golpe de estado.
Sensacional sin dudas la destreza con la que el director se va moviendo para narrarnos los hechos de esa actualidad política y social, y esto compone el factor mas fabuloso de esta biopic.
Una biografía llena de calidad poética y visual, con algunas grandes interpretaciones y con una clara influencia bien sacada de ¨Toro salvaje¨.
Uno de los últimos escalones en la carrera de Favio quién golpea la mesa en su gran regreso al cine y a la argentina luego de la dictadura. Hay que verla.
Actuaciones:6.5
Música:5.0
Efectos/maquillaje:6.0
Historia:6.5
Final:6.5

Mi nota para ¨Gatica, el mono¨ es un 7/10. Muy buena.



Lo mejor: Edgardo Nieva tiene toda la fluidez y el carisma para ser Gatica.
Lo peor: Las flaquezas técnicas y la banda sonora caribeña.

Un vídeo tranquilo.

Parece haberse puesto de moda en la farándula las fotos prohibidas o los vídeos íntimos, y también parece estar de moda la pérdida de esos datos por parte de la famosa nube de Google y otros sistemas de celulares.
En estos últimos años la lista de famosos del ámbito del espectáculo que han sufrido hackeos es cada vez mas larga, uno de los últimos ha sido el de Jennifer Lawrence, Rihanna, Scarlett Johansson entre otras, y la máxima sospechosa de todo ello es la llamada nube de Google que almacena los datos de cada usuario.
Aprovechando el tirón de un debate que esta dando mucho de que hablar en el mundo de la farándula, algunos guionistas de Hollywood se animaron a realizar una comedia que tratara el tema de una forma divertida.
Kate Angelo, Jason Segel y Nicholas Stoller, fueron los que se ingeniaron para escribir ¨Sex tape¨, esta comedia reciente que hizo una buena campaña de marketing jugando con todos esos casos.
Su director seleccionado fue Jake Kasdan, especialista en comedias (Bad teacher, Zero effect) que para apostar todavía mas en grande lanzo la idea de tener a Cameron Diaz en el plantel protagonizando la trama con Jason Segel.
La idea parecía factible, Cameron Diaz ya se había prestado a mostrarse en la anterior comedia de Kasdan, ¨Bad teacher¨ haciendo un papel subido de tono.
Finalmente Diaz aceptó ser parte de ¨Sex tape¨ y esto dio mas lugar a que el film tuviera un poderoso marketing por delante.
En ¨Sex tape¨ se nos cuenta la historia de una pareja de casados que luego de tener a sus dos hijos no ha podido reavivar las llamas de la pasión, ni tampoco han podido encontrar el tiempo y espacio.
Parecen haberlo intentado todo pero una noche se les ocurre una nueva idea, filmar un vídeo casero de ellos teniendo relaciones sexuales mientras practican todas las posiciones del kamasutra, la noche tiene éxito pero accidentalmente el material es enviado a todos los amigos de la pareja, asi la odisea por encontrar el material inicia...

La premisa promete, parece explosiva y graciosa, pero ¨Sex tape¨ no es nada de eso, si no mas bien una comedia de medio pelo y de las del montón que salen en el año.
La apuesta del film debería ser jugada, picante, pero el film no es nada de eso, es un producto tibio, conservador, con pocas ganas de arriesgar y moderado, ni siquiera las escenas del vídeo parecen ser nada reales.
Cameron Diaz y Jason Segal se desnudan, pero claro, sin mostrar nada, un plano de espaldas y no mucho mas, tampoco es que pretendiera que quedaran sin ropa expuestos al público, ya que aquí esta claro que es un film muy comercial y que efectivamente toma una premisa jugada, pero que lo que menos hace es ser eso.
En primera línea ya el producto es mezquino, amarrete, a eso le sumamos la para mi poca química que tienen los dos protagonistas, con una Cameron Diaz repetitiva de papeles, y un Segal nada expresivo y poco divertido.
¨Sex tape¨ esta carente de una fluidez en su dirección, todo parece muy forzado, áspero, rocoso, poco articulado y que esta obligado claramente a responder a réditos comerciales como Google, los iPoods y mas.
Hay una serie de personajes bruscamente desarrollados en la trama, torpes, desprolijos y poco relevantes como la misma presencia de Jack Black sobre el final, que es otro claro ejemplo de querer sacar chapa de marketing.
No obstante el personaje de Rob Lowe tiene su gracia, sorprende, y saca algunas risas, digo que sorprende porque tenía un papel que al inicio parecía que sería no mas que relleno puro de una trama flaca.
Cuando a la película ya no le quedan las suficientes armas en pantalla apuesta a un brusco y frenético disparo de chistes muy viejos y usados que hacen caer esta comedia en los lugares mas comunes donde cualquier film puede caer.
Ligerisima comedia, muy light -inclusive mas de lo esperado-, mal efectuada, muy comercial y poco divertida. ¨Sex tape¨ me dejo muy frío, había un buen argumento para explotar y me ha decepcionado, que lastima.
Actuaciones:5.0
Música:5.0
Historia:6.0
Final:5.0

Mi nota para ¨Sex tape¨ es un 4.5/10. Regular.



Lo mejor: Su premisa me gusta.
Lo peor: No pegan con nada Diaz y Segal.

Un día salvaje.

La furia se produce cuando el sistema de un humano estalla: la paciencia, esa que día a día se va perdiendo en cada uno, principalmente en las grandes ciudades donde el nivel de stress es mayor.
Las mentiras, un choque, una multa, una decepción, una frustración, una rueda pinchada en un lugar desértico y conflictos de todo tipo pueden llevar a un colapso total del humano, y con ello aparece el lado bestial, cuando uno ya no es capaz de mantener la logica y la templanza equilibradas.
Damián Szifron, creador de la mítica serie Argentina ¨Los Simuladores¨, y del film ¨Tiempos valientes¨ (2005), vuelve luego de 9 años para dar el golpe mas gigante de su carrera cinematográfica con la brillante ¨Relatos salvajes¨.
¨Relatos salvajes¨ fue una concepción que Szifron ya había ideado desde hacía largo tiempo pero no encontraba la manera de darle la total forma. Quería un film que representara de alguna forma como el ser humano llegaba a su punto de locura, su lado salvaje, ese que hacía estallar todo equilibrio con un desenlace brutal, pero tampoco quería caer en la óptica del film ¨Un Día de furia¨ con Michael Douglas, el buscaba algo mas interesante y vaya que lo logro.
El mundo habla de ¨Relatos salvajes¨, el film que cautivo todos los festivales europeos dejando a la gente de pie, que fue seleccionado como representante de Argentina para los Oscar y que se ha convertido en la cinta mas taquillera de la historia de Argentina, simulando casi los maravillosos pasos de ¨El Secreto de sus ojos¨.
La película termino siendo pensada como una antología de 6 historias, todas sin conexión alguna, y narrando en todas el conflicto y el descenso al lado salvaje de sus protagonistas.
Las seis historias (de las cuáles no daré sus sinopsis) estan compuestas de un elenco fenomenal, con actores como Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Rita Cortese, Dario Grandinetti, Nancy Dupláa, Erica Rivas y mas, todos ellos protagonistas en distintas historias y que te harán volar la mente en este plato delicioso que presenta el cine nacional en su máxima expresión.

El sexteto salvaje es brutal en toda regla, con historias a veces no muy creíbles por las situaciones en las que se va dando todo (situaciones exageradas) pero si muy brutales y negras. La violencia es la protagonista en todas ellas pero también el humor negro que hace un deleite total y se combina de una manera solvente y fantástica que la hacen mas digna de ser una comedía negra que otra cosa, y creo que es la mejor manera de definir la cinta.
Hay muchos puntos para analizar porque ¨Relatos salvajes¨ es una cinta que deja tela para cortar, mucha cosa para opinar, y es un film que además de estar perfectamente conjugado tiene una voraz y picante crítica a todos los sistemas, el social, el capitalista, el judicial (etc).
Cuando una película como ¨Relatos salvajes¨ tiene tanta repercusión y se habla tantas maravillas de ella sucede que el listón va quedando muy alto y esta expuesta a la decepción, siempre sucede, sin embargo apesar de haber leído excelentes opiniones sobre ella y tratando de mantener la neutralidad puedo decir que es un film sólido en todas las lineas y que no defrauda para nada.
Como bien se ha dicho ya, Szifron a su formato narrativo le introduce un estilo Tarantino, donde lo exagerado esta presente y el humor y la violencia también en toda su extensión.
Técnicamente la película es deliciosa, tiene unas tomas brillantes y esta muy bien rodada. Luego tenemos una excelente dirección, y unos también fenomenales actores.
-A la primera historia la llamo ¨Pasternak¨. Este primer capítulo es tan breve (el mas corto de todos) como perfecto para inaugurar la cinta. Es desopilante, delicioso y tiene una simpleza que es perfecta a su vez. Los personajes secundarios terminan siendo todos importantes para ofrecernos una conclusión lujosa. Mi valoración es un 7.
-¨Las ratas¨ es para mi el corto mas débil de todos. Sigue siendo muy precoz como el primero y tiene ya una interesante crítica a los políticos pero nunca termina de golpear de la forma correcta y le hace falta un mejor desarrollo. Floja pero tampoco mala, un 6.
-En ¨El mas fuerte¨ (tercera historia), Sbaraglia comanda un segmento ya algo mas largo y muy divertido. Aquí la crítica es aún mas clara, los ricos, formándose una especie de batalla entre clases sociales que resulta trepidante y asombrosamente filmada. Un ejercicio de reflexión social exquisito con una cuota de humor negro ya mucho mas fuerte que en los dos casos anteriores, en mas, el segmento este es uno de los menos serios. Mi puntuación es un 7,5.
-Vamos con la historia que mas fuerte pego en las redes sociales, la protagonizada por Ricardo Darín que se llama ¨Bombita¨. En primer lugar esta historia es de las que el espectador se puede identificar claramente si vive en una ciudad, todo lo que le sucede a Darín es normal y comprensible.
Una historia con la presente cuota de humor, un entretenimiento fantástico y una gran actuación de Darín. Mi nota es un 7,5.
-¨La propuesta¨ es la anteúltima historia de la antología salvaje de Szifron y a mi gusto la mejor de todas, lejos. Esta es la única historia además que borra totalmente su registro de humor negro, es una historia seria de pies a cabeza.
Ahora Szifron arremete contra el sistema judicial, los abogados, los policías, la corrupción, en una historia provocadora, desgarradora y donde el director se apoya en influencia a Hitchcock por su trato del misterio y de los personajes, fantástica. Mi valoración es un 8,5.
-¨Que la muerte nos separe¨ es la encargada de cerrar el telón con Erica Rivas de protagonista y con una boda de trasfondo, ya sabemos para donde van los tiros.
El caso es que la actuación de Rivas es tremenda, quizás la mejor de todas, y la historia tiene un tratado fascinante donde la violencia y el humor salpican por doquier. Atención que en cierto lapso de la trama la cosa empieza a tomar un olor a lo Almodóvar y eso no agrada mucho, también sucede que le termina sobrando algo de tiempo de metraje, esas cosas la condicionan y sobre el final ya el relato no da para mucho mas. Mi valoración es un 6,5.
¨Relatos salvajes¨ son seis potentes cortos psicológicos, audaces, y explosivos que reflejan muy bien lo que Szifron quería, descifrar la identidad animal del humano. Un trabajo estupendo y que en todas sus líneas brilla. Hay que verla.
Actuaciones:7.5
Música:6.5
Muertes:6.5
Historias:7.5
Final:6.5

Mi nota para ¨Relatos salvajes¨ es un 8/10. Muy buena.



Lo mejor: Erica Rivas es una actriz fabulosa que borda a su personaje.
Lo peor: La segunda historia no ha sido de mi agrado total.

Malcolm el revolucionario.

Reino Unido ya sufría mucho en los 50, el cine nacional estaba en gran baja, los espectadores no hacían mas que darle la espalda a sus producciones las cuales no paraban de perder comercialmente con los films norteamericanos que asomaban.
La Nouvelle vague ya estaba imponiéndose en Francia, este era un grupo de directores con pautas muy claras, salirse de lo técnicamente común y buscar enfocar historias con otra visión y planos nuca antes vistos, y había funcionado... La gente de Francia apesar de la crisis consumía su cine.
El instituto británico de cine apoyo a un cambio cinematográfico del país, un cambio que tres cineastas se postulaban a ofrecer a su tierra llamado el Free cinema.
El Free cinema nació casi paralelamente con la Nouvelle vague, y quería que las producciones sean de poco dinero, las tramas tendrían un disconformismo social, la critica para las clases sociales mas altas y mucha ironía y sátira (etc).
Lindsay Anderson es uno de los directores pilares y fundadores del Free cinema que entendió perfectamente el concepto propuesto y formo una trilogía social y de sátira arremetiendo contra el capitalismo y el modelo británico.
El primer peldaño de su trilogía fue ¨If¨ en 1968¨, que trajo el primer protagonismo de Malcolm McDowell como un joven rebelde ya desde su inicio. Este papel le valió a McDowell la mirada de un Stanley Kubrick que en 1971 lo haría protagonizar la extraordinaria ¨La Naranja mecánica¨.
¨Un hombre de suerte¨ (1973) y ¨Britannia hospital¨ (1982) serian las otras dos piezas que compondrían de forma individual y sin coherencia esta trilogía de Free cinema armada por Anderson y con el protagonismo en los tres casos de McDowell, aun después del éxito.
¨If¨ nos sitúa en un instituto britanico donde un grupo de alumnos, liderados por Mick Travis, se rebela contra el profesorado y la dirección, que mantienen una disciplina rayada en el terror. Para ello llevarán a cabo acciones de una desmedida violencia.

Los botines de punta y saliendo a arrematar contra la disciplina y el modelo británico, esto es ¨If¨, la interesante pieza y exponente del llamado Free cinema.
Nadie se libra de criticas en esta sátira vivaz y con muchas situaciones fascinantes entre los jóvenes y sus diálogos reflexivos.
Es un tanto extraña la película, tengo que decirlo, o al menos como desconocedor del Free cinema me resulto asi. ¨If¨ es algo minúsculo, de muy poco dinero, con escenarios muy limitados, personajes de lo mas particulares, pero eso no es lo raro si no que tiene un aire surrealista que se genera en momentos, no se si inadecuados, pero si raros o abruptos (mejor dicho).
Malcolm McDowell es todo un acierto de actor y de personaje. El joven sabe actuar, su mirada es de maldad pura y de rebeldía, no me extraña que Stanley Kubrick haya quedado loco por su trabajo, la verdad es que tiene una gran interpretación.
Dentro de este internado hay personajes y conflictos de todo tipo, no solo por el duro régimen si no por temas indirectos como los de la iglesia, el sexo, las drogas, el alcohol, la homosexualidad, el maltrato, el deseo de libertad y una serie de largas cosas que le dan a ¨If¨ un aroma siempre interesante y expectante.
La obra de Anderson propone un análisis reflexivo y profundo de la sociedad y la política británica de los 50 desde los ojos de adolescentes rebeldes y con bastante humor y surrealismo.
Evidentemente tiene buenos factores que intervienen pero el film se ha dejado envejecer algo. Tiene un ritmo que es cansino, sumamente denso y que no acaba por avanzar mucho en cuanto a dinámica y acontecimientos que a simple vista el film debería proponer.
Uno supone que luego de tantos acontecimientos que nos hemos comido la cosa estallara de forma grande pero (y se entiende el poco presupuesto invertido) tenemos un desenlace muy débil y precoz donde el director decide por cortarnos la cinta allí, una lastima total.
Es rara pero nadie niega que es buena. Una sátira de lo mas atrevida y valorable a la que le falta un buen punto de despegue alto, pero en general completa un aprobado total en todo, tiene buenos personajes, un guión prolijo y vivaz y un buen director detrás, recomendable.
Actuaciones:6.5
Música:6.0
Historia:7.0
Final:6.0

Mi nota para ¨If¨ es un 6.5/10. Buena.



Lo mejor: La maquina generadora de pequeños conflictos indirectos.
Lo peor: No se entiende bien que es lo que quieren conseguir algunas escenas surrealistas como la del bar.

Imponiendo moda.

Dorados 70 en Estados Unidos. La generación de adolescentes experimentaba un nuevo recambio de música, una nueva moda, la música Disco que a su vez trajo a sus espaldas no solo una forma de baile sino de peinados y de vestimenta.
El Rock & Roll sonaba en las discotecas desde los 50, por eso la música Disco llego como innovación a una nueva camada de jóvenes, y pego fuerte desde mediados de los setenta hasta los tempraneros años de los 80.
Los Bee Gees, Village People o ABBA, fueron algunos de los grupos que de alguna manera constituyeron estos gloriosos 70 para el ámbito musical de una generación.
Pero esta es la parte curiosa, por que el cine es mas que una historia y unas actuaciones, ha servido como fuente emisora que envía mensajes a una sociedad que trabaja como receptora, ya sea criticas sociales o el caso mismo que se nos presenta hoy.
¨Saturday night fever¨ fue una película revolucionaria para la década norteamericana y para el género Disco específicamente, una cinta que ponía de pie el espíritu musiquero de los setenta.
En este instante y gracias a esta cinta, la música Disco arraso las pistas de baile de todo el mundo en 1977.
El ritmo de la maravillosa banda sonora encargada por los inolvidables Bee Gees fue un antes y un después, y los movimientos de John Travolta y su vestimenta también lo fueron.
El estrellato de John Travolta también empezó aqui. Luego de su participación en el mítico film de horror, ¨Carrie¨, el carisma y la cara bonita de Travolta impulsaron a que un productor lo llamase para que protagonizara dos películas de baile, ¨Saturday night fever¨ y ¨Grease¨.
El muchacho poco sabia de movimientos en la pista pero lo que si sabia era que esta era su oportunidad de sobresalir, asi que se exigió a un elaborado entrenamiento de danza, y hasta creo pasos de Disco que terminaron quedando en las pistas.
El aventon no fue solo para John Travolta, su director John Badham tras semejante mega éxito pudo dirigir posteriormente films como ¨Cortocircuito¨, trabajar con actores como Michael J. Fox, Mel Gibson, John Cusack, John Goodman y dirigir la exitosa serie televisiva ¨Héroes¨ (2006-2010).
En Nueva York, después de trabajar toda la semana en una tienda de pinturas de Brooklyn, Tony Manero se prepara esmeradamente para disfrutar de la noche del sábado: se empapa en colonia Brut, se pone una camisa de flores ajustada, pantalones de tela de gabardina y zapatos de plataforma. En la discoteca de moda, Tony deslumbrará a todos con lo que mejor sabe hacer: bailar.

La adictiva banda sonora de los Bee Gees puede que sea la culpable de que ¨Saturday night fever¨ tenga el carisma que tiene, pero es que... como pelicula de baile me parece muy bien creada, y te hará bailar de manera instintiva.
Podrá flaquear en algunos sectores pero el carisma poseedor que tiene ¨Fiebre de sábado a la noche¨ es condenadamente envidiable y no hay nada que hacer ante ello, hasta un tipo como John Travolta que no me gusta para nada se muestra encantador y divertido en su papel.
Es exagerada su nominación al Oscar para Travolta?, si, de eso no tenemos dudas, y esa nominación es mas producto de lo que causo la cinta en la generación que otra cosa, aunque bien los premios de la academia podían haber recompensado con su magistral banda sonora que era digna de merecerlo.
Con cosas sencillas John Badham le da forma a esta historia de música, amor y drama.
La película tiene unos cuantos personajes variopintos con interesantes detalles, hay varias subtramas en el medio como el conflicto de la religión, la desesperación de un padre adolescente, la soberbia, el maltrato, la falta de optimismo, todo se aborda en esta cinta y eso es alucinante en verdad.
Afortunadamente ¨Fiebre de sábado a la noche¨ es un golpe a la realidad, un film con un guión realista y muy interesante pero que siempre intenta conservar la alegría del baile.
Criticar de simplona o vacía a esta cinta es un grave error. Las apariencias engañan y este es un film que brinda mucho argumentalmente, y que tiene sobretodo una solida base que resiste los cambios abruptos.
Las coreografías musicales estan muy bien, al igual que los inolvidables movimientos en pista del querido John Travolta que se acoplan a la vez con la extraordinaria banda sonora de los Bee Gees que mandan hit tras hit.
No merecía la pelicula con semejantes temazos un Oscar? Yo creo que si, me parece que posee una de las bandas sonoras mas emblemáticas y espectaculares del cine, solo disfrútenla.
Lograda, muy lograda. Disfrutable para los oídos y para los ojos.
Una cinta que en general lo tiene todo, un buen guión, buena música, buenos interpretes y mucho carisma...
Actuaciones:6.5
Música:8.5
Historia:7.0
Final:6.5

Mi nota para ¨Saturday night fever¨ 7.5/10. Muy buena.



Lo mejor: Las subtramas son muy buenas y abordan temas muy delicados.
Lo peor: El tiempo le ha pasado factura en ciertos detalles.

Medicina para la alegría.

La Happy Madison creció, la productora de Adam Sandler sumo mas poderío comercial, por que la comedia americana tonta se estableció como el pilar favorito del cine comercial moderno, y asi fue como también Sandler pudo relucirse como productor exhaustivo.
No es casualidad que veamos tan seguido a Adam Sandler en cartelera, para nada, y esto es por que la Happy Madison ha hecho crecer su bolsillo y ahora nos ensarta cada dos por tres al infumable de Adam Sandler.
Soy un sumo detractor del cine de este actor, no me agrada nada el como figura protagonica, pero tengo que admitir que en esta, su ultima cinta, ha clavado el clavo donde se debe, y mucho de ello es gracias a su compañía de dupla Drew Barrymore.
Como se sabe cuando una dupla funciona en pantalla? Mas allá de los personajes que puedan tener cada uno se ve con claridad esa fluidez y esa comodidad para trabajar que los actores pueden mostrar en pantalla, y Drew Barrymore y Adam Sandler son una gran dupla que se lleva bien, eso se ve a leguas.
¨Blended¨ es la nueva propuesta cómica-romántica-familiar de la Happy Madison. Un film lleno de amigos y viejos conocidos, empezando por su director Frank Coraci.
Coraci conoce bastante como trabaja Adam, de hecho su debut como director fue en ¨El Aguador¨ (1998), y mas tarde volvería a trabajar con Sandler en la divertida ¨The Wedding Singer¨, film donde descubre a la dupla Barrymore-Sandler.
Dicha dupla volvió a repetirse en la también muy divertida ¨50 primeras citas¨ (2004), dejando ese sabor y sensación de que aquellas dos cintas eran de los escalones mas altos que la carrera de Sandler había dejado.
Ya con una carrera por el traste, insalvable y llena de mediocres films, decidió volver a juntarse luego de 10 años con Drew, y el producto fue ¨Blended¨, con Coraci dirigiéndola, es decir, con 3 personas que se conocen bastante entre si...
Después de una desastrosa cita a ciegas, los padres solteros Lauren se muestran de acuerdo en una sola cosa: no desean volver a verse nunca más. Pero cuando contratan, unas vacaciones familiares con sus respectivos hijos, ambos se encuentran destinados sin remedio a compartir durante una semana una suite en un lujo resort en África.

Sin el potencial que ofrece esta dupla, ¨Blended¨ hubiera sido un producto mucho peor realizado, pero no lo fue afortunadamente y es mas que potable y entretenido, cosa no menor luego de tanta porquería de películas que suele hacer Sandler.
Haber, no sorprende, no hay mucho nuevo en ella, tenemos gags repetitivos y habituales en Adam Sandler que se dan de manera rápida cuando el actor ejecuta sus lineas, hay algunos chistes que son algo ingeniosos, con juegos de palabra y que sacaran algunas buenas risas, y eso tampoco es poco logro en la cinta en estos tiempos.
La pelicula cumple en toda regla, como comedia y como cinta romántica que sabe ser perfectamente, por que no olvidemos que ademas de las risas, ¨Blended¨ quiere ser un film romántico y Frank Coraci capta excelentemente bien el espíritu justo y aprovecha el pegue que tienen los dos actores cuando se miran para formarlo.
El Film es sensible pero no pesado en su sensibilidad y curceleria, algo habitual en las cintas de comedia-romántica modernas. Aquí no pasa eso tampoco, y hasta los guionistas han metido una mini subtrama dramática alli que es bastante reconfortante.
Los dos protagonistas dijimos que estan muy bien, tienen dupla, carisma, y gracia, pero los secundarios en lineas generales no estan mal para nada, se prestan mucho para la resolución de los chistes y para que estos funcionen de manera fluida durante los diálogos.
¨Blended¨ esta bien, es solida en la gran parte de las lineas, pero esta claro que no es una pelicula espectacular ni mucho menos y que tiene una estructura muy copiosa de ¨Sígueme el rollo¨, cambiando a Aniston por Barrymore.
La primera mitad es mejor que la segunda, no hay dudas creo. Esa eficacia y picardia de los chistes en la segunda mitad se diluye un poco y el aburrimiento debido a su exagerada y extensa duración le juegan una mala pasada.
Repasando, el film va entretener bastante, va causar algunos buenos momentos de gracia y va gustar por su dupla protagonica que esta fresca y picara. Bien.
Actuaciones:6.5
Música:5.0
Historia:4.5
Final:6.0

Mi nota para ¨Blended¨ es un 5/10. Buena.



Lo mejor: La dirección de Frank Coraci es bastante capaz de pasar de la comedia al romance con sobriedad.
Lo peor: La extensión de su duración pasa factura como sus parches argumentales.

Músculos en la cárcel.

El Exceso de testosterona estaba en lo mas alto del cine de acción, Schwarzenegger por un rincón, haciendo de las suyas de manera implacable en los 80, y en el otro rincón otro lleno de músculos y de cara inexpresiva que era Sylvester Stallone.
Las caras de Schwarzenegger y Stallone vendían indudablemente, y es por eso que todos los directores que querían dirigir algo de acción recurrían a uno de los dos, era la llave del éxito si es que lo que buscaban era dinero.
Stallone había pegado dos hits impresionantes como ¨Rambo¨ y ¨Rocky¨ que fueron destinados a transformarse en sagas que abarcaron los 80 enteros, pero aparte de eso la cantidad de cintas que rodaba eran interminables y asi se alimento una rivalidad entre Sly y Arnold.
El joven italiano que arranco en la industria del cine porno ya no era el mismo, en tiempo y con sacrificio pudo administrar y conseguir buenos papeles, como asi engrosar su billetera, y eso demostró inteligencia por parte del actor.
El hecho de que tener a Sly en el reparto sea una fuente grande de ingresos permitió que con el transcurso de su filmografía empiece a tomar control también de los guiones que aceptaba, es decir ya comenzaba a ser todo supervisado por el, al fin y al cabo el era la estrella.
Tras ¨Rambo III (1988) le enviaron el guión de un film de acción carcelero a Stallone, algo que combinaba mucho los elementos de ¨Escape de Alcatraz¨, la cinta de 1979 protagonizada por Clint Eastwood y otras mas, aprovechando claro, con mucha fuerza los músculos de Stallone.
¨Encerrado¨ se estreno en 1989, siendo dirigida por John Flynn (El Expreso de Corea y Brainscan). Pero sin embargo tanto nombre no la salvo de ser un tremendo fracaso cinematográfico, ni siquiera pudo recuperar lo gastado transformándose en uno de los grandes fracasos taquilleros de Stallone.
Frank Leone está a punto de cumplir su condena de reclusión por un delito menor. Sin embargo a punto de ser liberado, Warden Drumgoole se hace cargo de la prisión. Drumgoole fue reasignado a tan infernal presidio después de que su administración fuera públicamente puesta en entredicho por Leone, y ahora él se encargará de que nunca vuelva a ver la luz del día.

John Flynn hace de ¨Encerrado¨ un film con músculos, golpes, pero con cerebro, si, no solo una cinta de acción afortunadamente, de hecho Flynn no apuesta a los puños hasta el final, mientras tanto durante toda la cinta Sly se mantiene con una postura conservadora y mas argumental.
Prenderse al show de los golpes lo que provoca o genera es, en definitiva que el film pierda credibilidad totalmente, y eso no quiere el director Flynn, que propone asi un esquema mas interesante y que a la vez acaba siendo trepidante.
Otra mas de la elaboración de escape de una cárcel, pero con el fortachon Sly que la hace distinta absolutamente y con un grupo de personajes secundarios que no le dejan cargar todo el peso a la estrella de la cinta, como Donald Sutherland, es que el gran virtuosismo que posee ¨Encerrado¨ es ese, variedad de personajes secundarios que ademas de caer bien se van distribuyendo algo de peso entre todos.
Estamos aqui ante una cinta vertiginosa y excelente como producto de accion que tiene todo y ademas posee el carisma de un grande como Stallone.
Esta en los limites de lo coherente siempre afortunadamente. Nuestro héroe de accion empieza a hacer de las suyas sobre ese trepidante final donde toda la cárcel se voltea ante el.
La Dirección de John Flynn es muy buena realmente, logra traspasar el sufrimiento del protagonista, la angustia, esta todo muy bien conseguido.
La banda sonora estuvo a cargo del mítico Bill Conti, compositor de la también histórica canción de ¨Rocky¨, y que aqui no hace un mal trabajo musicalizando el fondo de ¨Encerrado¨.
Una de las mejores cintas de Stallone que esta mas carismático que nunca. Lo bueno es que todos los actores secundarios hacen buenos trabajos y hasta en el final rematan con un giro sorpresivo.
Actuaciones:6.5
Música:6.5
Historia:6.5
Final:6.0

Mi nota para ¨Encerrado¨ es un 7/10. Buena.



Lo mejor: Gran trabajo de John Flynn.
Lo peor: La narración aveces es muy de serie B y algo vacía.

El Día en que la comedia no existió.

Saber cuando fue el momento en el que la comedia casi dejo de existir o se remplazo por algo burdo, barato y sin gracia es algo incierto a decir verdad, pero que lo peor vino arrastrándose desde finales de los 90 no hay dudas.
Saturday night live fue un programa de sketchs de los 70 que tuvo una trascendencia muy importante en la comedia, fue ni mas ni menos que la cantera de humoristas y la cual gozo de una época de oro con tipos como Bill Murray, Dan Aykroyd, John Belushi y Chevy Chase.
Nombres de grandes actores que gracias a Saturday Night live se coronaron en la fama y pudieron formar exitosas carreras, algo que le sucedió de todas maneras a la gran mayoría de los citados para este programa, ya que esto era una llave muy grande al mercado.
Luego de una serie de cambios y de renovación de temporadas el programa de televisión fue decayendo y ante escases de humoristas nuevos a principios de los noventa, una serie de nombres comenzaron a figurar, tipos insoportables y nada graciosos que curiosamente resistieron el paso de los años y ahora llenan nuestras carteleras de cine con films malos que forman la ¨comedia comedia¨.
Ben Stiller, Eddie Murphy, Billy Crystal, Mike Myers, Will Ferrell, Rob Schneider, Adam Sandler, David Spade, Chris Rock, fueron la nueva y última camada importante de humoristas que Saturday Night Live saco y los motivos por los cuales el género esta como esta.
Adam Sandler sentó cabeza muy rápido, a finales de los noventa aparecía hasta en la sopa, y con todo el dinero que se movía pudo fundar su propia productora de comedia, la Happy Madison que lo desarrollo también como productor.
La fuerte amistad que había entre Sandler y Rob Schneider hizo que el primero le de lugar produciéndole films, y asi fue, Rob Schneider le debe todo a su amigo.
¨Gigoló¨ de 1999 fue producida por Sandler, protagonizada y escrita por Schneider (como es habitual) y Mike Mitchell fue el director debutante que llevo el sueño de Rob a la realidad mas pura.
Deuce Bigalow trabaja de limpiador en un acuario hasta que un día pierde su empleo. Más tarde consigue un empleo temporal en la casa de un gigoló, pero cuando accidentalmente la destruye se verá obligado a trabajar como chico de compañía.

Berreta y cutre comedia, como todas las que esta camada de actores puede protagonizar, y eso que la recordaba algo mejor a ¨Gigoló¨, pero revisionandola es mala e impresentable, un bodrio de primera linea.
Rob Schneider no es un tipo gracioso, puede gustarme algo mas que su infumable amigo Adam Sandler pero no es bueno, yo no le llamaría ni siquiera humorista, creo que es esa una palabra muy manoseada por todos.
La Diferencia esta en que Schneider protagoniza y el mismo se escribe sus chistes ya que es el guionista, hay veces que para acomodar la situación se dice que el guión no acompaño al actor pero con Rob eso no pasa, ya que casi siempre el es el dueño de las historias que protagoniza.
La historia al principio es medianamente entretenida y simpática, se lleva con algo de carisma la historia del Gigoló pero los chistes son tan repetidos, tan vistos y con un tipo inexpresivo como Rob que no funcionan.
Esos no son humoristas, insisto, no lo son, y no me digan que por que el argumento era malo, es que no lo era, había buen material pero como de costumbre muy mal plantado.
Si, es un humor americano, esto es lo que busca y a mi no me jode tanto que sean los chistes con un sentido tan torpe si no que no den risa.
Mentiría si dijera que algún gag me causo gracia suficiente como para destacar, eso es una mentira, puede generar alguna sonrisa tibia pero no llega a mayores.
Esta mal dirigida por el cineasta debutante mostrando lo endeble e incapaz que es de generar la situación y el clima justo para dar el golpe de gracia.
Mike Myers no es un tipo que me guste como actor, para nada y es de la misma camada de actores de Rob Schneider (Ambos salieron en Saturday night live), de hecho su exitosa ¨Austin powers¨ es una comedia ligerita y parodica que no esta nada mal, y es que Myers tampoco lo hace mal, es decir, su personaje sabe dar gracia apesar de lo malo que es el. A que voy con esto? Los dos son tipos de medio pelo pero Myers con un film tan ligero y de chiste fácil como ¨Austin powers¨ pudo hacer las cosas bien por lo bien que se desempeño, tan fácil como eso, eso tenia que hacer Rob pero no ha sido capaz de nada.
El Film es caótico en toda regla, no me ha dejado nada positivo y no hay manera de donde agarrarla como para darle mayor puntuación, hay comedias que son malas y esta es una de ellas, no hay mas vuelta.
Actuaciones:4.5
Música:4.5
Historia:5.0
Final:4.0

Mi nota para ¨Gigoló¨ es un 3.5/10. Mala.



Lo mejor: Las particulares clientas del Gigoló.
Lo peor: Los fallidos y recurrentes chistes fáciles.

Radiografía de los sesenta.

Había una banda que en Gran Bretaña hacia música extraña, si, experimentaba con nuevos sonidos jamas planteados anteriormente como sonido-ambientes, una joven banda que iba en crecimiento mediante presentaciones y que desde 1968 ya estaba plasmando un estilo experimental y diferente a cualquier otro, ellos eran los integrantes de Pink Floyd.
En la critica del dia de hoy mi simpatía hacia la banda Pink Floyd (mi grupo predilecto) me llevara a que me dedique unas cuantas lineas ha ellos, me es inevitable, aunque son cosas interesantes de todos modos.
Los 4 integrantes de Pink Floyd comenzaron a establecer un estilo propio, una identidad que mas o menos se mantuvo, con muchos ruidos, efectos de sonido y mas características establecidas que completaron al segundo álbum de la banda, el excelente ¨A Saurceful of secrets¨ (1968), que con solo 7 temas ya eclipsa totalmente a cualquier otro sonido que otra banda pudiese hacer, en otras palabras, Pink Floyd hacia música con ruidos.
En la llamada ¨nueva ola¨ del cine francés el cineasta Iraní Barbet Schroeder tuvo fundamentales aportes tanto de productor como de director, y su ópera prima de 1969 (como cineasta) fue ¨More¨, allí inicia la vinculación con la banda británica experimental, Pink Floyd.
La ópera prima ¨More¨, nos quería sumergir en una radiografía de los jóvenes de los sesenta con todo tipo de drogas, ya el director había rodado todo el material pero estaba en busca de una banda sonora acorde al film (no la encontraba por ninguna parte), esto fue asi hasta que le recomendaron una banda que ya mostraba fuerza de talento en Reino Unido, y que realizaba unas composiciones muy alocadas y raras que irian acorde al film.
Schroeder se comunico con el representante de Roger Waters, David Gilmour, Richard Wright y Nick Mason, para que compongan otro álbum experimental acorde a su cinta ¨More¨ que estaba ya rodada, lo único que les pedía era que si fuera posible estuviese preparada en el menor tiempo.
Así fue, el tercer álbum de la banda fue ¨Music from the film more¨ (1969), este trabajo dejo muy satisfecho a la banda y a Schroeder, quien quizo volver a contar con la banda en 1972 para ¨El Valle¨ (su segundo largometraje) que tuvo la banda sonora del álbum ¨Obscured by clouds¨.
Stefan un joven alemán, viaja en autostop hasta París. Allí conoce a Stelle, una hippie norteamericana que suele pasar sus vacaciones de verano en Ibiza. Stefan se reúne con ella en la isla, conoce a su amante, Cathy, se engancha a la heroína y acaba trabajando de camamero en el bar de un ex nazi que trafica con drogas, el Dr. Wolf.

Sobria cinta que pone de manifiesto una radiografía de la juventud hippie de los 60¨s, con una historia de amor muy enfermiza, donde el protagonista es sumergido por una chica al mundo mas duro de las drogas de todo tipo, heroína, marihuana, cigarrillo de hush, cocaína etc.
¨More¨ parece tener una narración alegre, feliz, pero se va hundiendo en lo mas oscuro del concepto de las adicciones y haciendo a la vez enfermiza la relación que se engendra entre los dos personajes protagonistas que son muy interesantes.
Definir claramente hacia donde se quiere enmarcar ¨More¨ no es tan sencillo, es una obra que apesar de todo es optimista pero oscura (claro), es complejo de explicar.
La película evita entrar en el mote de los films de drogas, este producto funciona como historia de amor, como drama y como trato del concepto de las drogas de los sesenta que se llevaron a tantos adolescentes, es entonces un film muy potente e interesante.
Parece broma pero a Pink Floyd se la tomo por una banda ¨porrera¨, donde el sonido pacifico de sus canciones y los sonido- ambientes constituían dichos efectos. Se ve que al director le dijeron que esta encajaba perfecto a la trama y los metieron.
Pink Floyd compone una banda que a mi me parece muy buena para el film, es tranquila, aveces se comporta como rock puro, no tan alocada en sonido-ambiente y a la vez combina muchos estilos musicales, creo que es un gran trabajo de la banda, que hace un estupendo aporte a la hora de resaltar los efectos de la drogadicción y la violencia, muchas cosas sin su banda sonora no hubieran sido lo mismo.
Los dos protagonistas de la historia hacen unos papeles muy buenos y que tienen como principal PRO haber conseguido unos personajes sencillos pero muy atractivos.
Ejemplar el director Barbet Schroeder manejado los hilos con naturalidad, sin aburrimiento alguno e intensificando la enfermedad de la relación y el maltrato que se apodera de ellos.
¨More¨ tiene un ojo exquisito sobre la droga, ve las cosas de manera feliz y linda y hace la ruptura ideal para mas tarde tomemos conciencia de lo que esta pareja no. La recomiendo.
Actuaciones:6.5
Música:7.5
Historia:6.5
Final:6.5

Mi nota para ¨More¨ es un 7/10. Buena.



Lo mejor: El perfil psicológico de los personajes y su interacción.
Lo peor: El guión flojea por momentos y su estructura no acaba de convencer.

Un codicioso y fresco intento.

La vida de Cristo, los mandamientos y las parábolas alrededor del universo católico son algo muy conocido para la industria del cine, sobretodo en el primer caso, no hay nada nuevo en ello, en mas, aprovechando que se viene semana santa saldrá este 2014 una nueva versión de Cristo y su camino hacia la cruz, es ¨Son of god¨, film dirigido por Christopher Spencer que viene recolectando duras criticas que no se esperaban, es entonce la religión una buena oportunidad comercial que el cine suele exprimir aunque ya no tan comúnmente.
Se aprovecha cada buena ocasión para volver a reeditar o mejor dicho rehacer nuevas y nuevas cintas religiosas y cerca de semana santa ni el arca de Noé se salva.
Una de las mas apasionantes historias que se narran en el ¨texto sagrado¨ de los creyentes es la del arca de Noé, historia que no quedo nunca exenta de adaptaciones al cine, de hecho tiene muchas de ellas con diversidad de actores y directores.
Un director que anhelaba desde hace mucho tiempo hacerse con la historia del arca de Noé era Darren Aronofsky (Requiem, Pi), que luego de ser nominado al Oscar en ¨El Cisne negro¨ (2010) pudo afianzarse y lograr la confianza que Hollywood necesitaba para darle un bultoso presupuesto.
Enseguida de ¨El Cisne negro¨, Darren Aronofsky puso en marcha su propia visión de el arca de Noé con la mirada particular y llena de fé.
¨Noé¨ se estreno luego de 4 arduos años de trabajo del cineasta Aronofsky, bajo el protagonismo del taquillero Russell Crowe, acompañado por el grandioso Anthony Hopkins, en su papel mas reciente, y la joven Emma Watson, conocida por encarnar el papel de Hermione en la saga juvenil ¨Harry Potter¨, aqui en un intento de salir nuevamente de ese papel que tanto la marco de por vida.
En un mundo asolado por los pecados humanos, Noé, un hombre pacífico que sólo desea vivir tranquilo con su familia, recibe una misión divina: construir un Arca para salvar a la creación del inminente diluvio. Todo comienza cuando, cada noche, Noé tiene el mismo sueño: las visiones de muerte provocada por el agua, seguidas de nueva vida en la Tierra.

Un centavo era lo que daba por ¨Noé¨ de Darren Aronofsky pero me he llevado un visionado de lo mas grato y disfrutable que me imagine poder encontrarme.
La versión de este cineasta es distinta a todas, totalmente distinta, aun apesar de tener el sello comercial de Hollywood con mucho efecto vanguardista de primera calidad.
No es un film fiel para nada a la biblia, el director no busca nunca eso, la historia del arca solo tiene de coincidencia el hecho final, nada mas, por que el director para todo lo otro le imprime su propia personalidad y me parece eso algo interesante de rescatar y que sin dudas es lo que consolida la cinta.
La trama se va dando con muchos tonos de surrealismo, escenas oníricas y distintas, con algunos planos novedosos y una mas que curiosa y extraordinaria forma de contarnos la historia de la creación de Adam y Eva.
En esta ¨Noé¨ se entremezcla de manera muy buena el espectáculo visual y comercial con lo artístico, como ya dije, se suceden cosas muy interesantes y novedosas que son pura impronta del director, hombre del que ya se sabe, tiene una potencia exquisita a narrar historias con algo de surrealismo y usando narrativas de lo mas curiosas.
La fotografía es excelente, con paisajes bellos y unos encuadres también muy buenos perfectos para las secuencias donde el director quiere destacarse.
Los interpretes estan todos a la altura, Russell Crowe es el musculito que lucha y salva a los animales, cumple muy bien, Anthony Hopkins no tiene muchos minutos en pantalla como Matusalén y lo mismo para Ema Watson, una que pasa casi desapercibida en el film.
Nadie dice que es fácil adaptar la biblia ni ningún hecho que se acontecede en ella, eso lo sabemos, es por eso mismo que el director cuenta como quiere una historia que considera casi propia, el momento de comportarse como film 100% de Hollywood esta marcado en partes, se meten monstruos de piedra, alguna que otra criatura y el diluvio final que es mas cercano al cine de catástrofes estilo ¨2012¨, es verdad, pero sumamente disfrutable por los fabulosos efectos especiales que ofrece.
A la cinta la fui a ver en 3D y es una de las cosas que voy a reclamar, me ha parecido algo asi como una estafa, realmente muy poco lo que ofrece, resulta hasta mas cómoda verla en 2D con sinceridad.
Grata sorpresa la de la dosis de violencia que la cinta posee, si, hay una buena cantidad de sangre y escenas crueles (tampoco tanto) que han hecho clavarle la mirada de furia de los devotos al director.
Mi conformidad ha sido total y juro que no lo esperaba pero esta versión de Darren Aronofsky me parece interesante y entretenida, no creo tampoco que sea una cinta de solo efectos, hay muchos mas alicientes en ella que me hacen darle un buen punto de vista, recomendable.
Actuaciones:6.0
Música:6.5
3D:4.5
Muertes:6.0
Historia:6.0
Final:6.5

Mi nota para ¨Noé¨ es un 6.5/10. Buena.



Lo mejor: Hay originalidad en la narrativa, gran virtud del director que divaga por todos los sectores.
Lo peor: Llegando al final la trama empieza a pesar y a resultar algo extensa.

Landis y una comedía para delirar.

Leslie Nielsen, Bill Murray, Robin Williams, Harold Ramis, Steve Martin, John Candy, son los nombres de algunos de los exponentes actorales de la comedia norteamericana de los ochenta, todos ellos sujetos fundamentales para comprender el sentido del humor para bien o para mal.
Que todos ellos sean considerados exponentes no significa que sean buenos humoristas, de hecho la escala de nombres que he dicho va variando bastante en cuanto a cualidades, lo que si, todos comparten una cosa principal, son sujetos que se han encargo de llenar la cartelera cinematográfica con divertidos films cómicos que conforman un poco el nuevo estilo de humor torpe que desde Hollywood se establecía como pilar definitivo.
Estos exitosos actores destacados en el campo del cine de comedia, fueron, según lógica, comandados por directores, y aqui es cuando entra en juego uno de los padres del humor yanki, el cineasta John Landis.
Recordar el nombre del director, guionista y actor John Landis, no creo que resulte muy complicado, es uno de los padres de este nuevo modelo de comedia, y los 80 brillaron para el, con films de variopintos géneros pero generalmente destacado por la comedia.
Fue tan bueno el arranque de los 80 para el que el famoso cantante Michael Jackson, lo llamo al propio Landis para que filme un videoclip de su tema ¨Thriller¨. Dicho clip resulto ser uno de los mas grandes de la historia de la música mas tarde.
¨Thriller¨ fue una espectacular apertura de 1983, seguida en el cine por ¨La Dimensión desconocida¨ y mas tarde con el film que hoy criticare, ¨De mendigo a millonario¨.
No hay cineasta que no tenga un actor fetiche, John Landis tiene dos, el ¨cazafantasma¨ Dan Aykroyd, al que el propio director dio a conocer en el medio antes de ¨Ghostbusters¨, con el film musical ¨The Blues brothers¨ (1980) (cuarta cinta de Landis), y el otro es Eddie Murphy.
Tanto Dan Aykroyd como Eddie Murphy fueron dos descubrimientos del director, el segundo por ejemplo hacia presentaciones en teatros haciendo stand-up pero fue este hombre quien le dio un lugar en el cine con ¨Trading places¨.
¨Trading places¨ fue el primer film donde se junto este equipo actoral, Aykroyd y Murphy, dos desconocidos por aquel entonces, bajo la batuta de John Landis como director, y con la compañía femenina de Jamie Lee Curtis en gran apogeo.
Dos hombres de negocios sostienen distintas tesis sobre las condiciones de la naturaleza humana. Para uno es cuestión de genética, para el otro es cuestión de educación. Para corroborar sus teorías hacen una apuesta para lo cual cambian los destinos de dos personas socialmente antagónicas.

Negar la existencia de la dirección de John Landis es un error claro en este film, ¨Trading places¨ es una película de corte como a el le gusta, con su propio sello personal y su propia perspectiva y enfoque de las historias.
Una especie de parábola sobre el dinero, con una critica social, muchas escenas de humor guarro y desnudos gratuitos que harán las delicias de los fieles seguidores del cine made in Landis.
Primero y principal, ¨Trading places¨ tiene un argumento muy sólido como interesante que varia un poco el tema que se toca a algo totalmente diferente y eso esta bueno, es uno de los mas firmes potenciales de la cinta.
El dicho mérito argumentativo ya no es del director, sino del guionista (que no es Landis extrañamente) y con ello recae también el peso al dúo de actores, Dan Aykroyd y Eddie Murphy que junto se acoplan con mucha química y hacen de lo mas llevadera la larga duración y bastantes graciosos chistes que dan justo en el clavo con un joven Eddie Murphy, moderado de vulgaridad pero no de estado de gracia.
Cabe mencionar y no olvidarnos de la hermosa Jamie Lee Curtis que aporta mucha sensualidad a un personaje bastante bien construido.
Una pena que en la cinta la critica social se vaya desmoronando poco a poco, lo que comienza siendo una postura firme del director termina siendo una lamentable y tópica resolución a lo Hollywood.
Muy buen punto para la banda sonora de ¨Trading places¨ que logro ser nominada al premio Óscar, encuentro esta una composición de lo mas acertada y divertida que da justo en el proyecto que el director quizo crear, muy bien por Elmer Bernstein.
Sumamente entretenida comedia ochentosa bien marcada por el estilo de John Landis y simpáticamente interpretada por Murphy y Aykroyd, los dos pilares de una original trama. Recomendable para reírse un rato.
Actuaciones:6.5
Música:7.0
Historia:7.0
Final:6.0

Mi nota para ¨De mendigo a millonario¨ es un 6.5/10. Buena.



Lo mejor: La comedia tiene ese tono aventurero que hace las casi dos horas muy rescatables y dinámicas.
Lo peor: Al final la dureza de la historia se va desmoronando y sobre el final la moraleja es ¨el dinero es lo mas importante¨.

Los Excesos y los peligros de ser adolescente.

Los Adolescentes estan expuestos a muchos peligros, es la edad mas complicada en la que cualquier ser humano pasa no solo por eso si no por los cambios, la pubertad y los cambios físicos llegan, sumado a eso aparecen los peligros de la calle que son inminentes.
Es inevitable que el adolescente comienze a pedir a sus padres para poder salir a una fiesta o con otra junta de amigos, allí es cuando en la edad entran en juego otro tipo de cosas como el deseo por querer conocer el ámbito de la sexualidad, el alcohol y en ello entra también todo tipo de drogas.
Las 3 cosas pueden transformarse en vicios y peligros para el adolescente que se esta desarrollando y que probablemente desconoce de dichos conflictos que traen como consecuencia.
Es una fase de experimentación la de los adolescentes y en la que muchos no salen airosos, a ello se debe la constante presencia actual del sida, los alcohólicos o los adictos a las drogas.
Toda esa serie de adicciones por lo general se dan desde la adolescencia claramente y es por ello que es una de las mas importantes etapas del humano.
Vinculando el tema con la industria del cine uno de los ejemplares mas conocidos es la muy buena cinta escosesa, ¨Trainspotting¨ (1996) dirigida por Danny Boyle, pero antes de ella vino otro film que abordaba los excesos de los adolescentes de origen americano.
La cinta ¨Kids¨ que salio en 1995 fue la que influencio a Danny Boyle a rodar dicha cinta.
¨Kids¨ con la intención concientizar a los padres llego en Estados Unidos, claro que no quedo excepta de criticas y polémicas por la crudeza cinematográfica que su director y guionista Larry Clark expone.
Larry Clark debutaba en la pantalla grande con un film que toca un tema que a el le apasiona bastante, la conducta de los adolescentes ante la perdición y los excesos, cosa que mostró posteriormente en ¨Bully¨, ¨Ken Park¨ o en ¨Another Day in Paradise¨
La película relata las frenéticas veinticuatro horas de un grupo de adolescentes neoyorquinos, de clase social baja cuyo horizonte vital se limita al sexo, la violencia y las drogas.

¨Kids¨ ingresa en la industria grande del cine con mucha polémica y controversia, no es para menos, es un film cargado de crudeza que rompe los esquemas del conservadurismo norteamericano.
Es de sobre destacar el trabajo como director de Larry Clark que logra un pulso realmente escalofriante en como va contando la historia.
No le busquemos muchas vueltas al argumento, a Clark no le interesa hacer una historia muy compleja si no narrar de forma escabrosa como es un día entero de los adolescentes adictos sin despegar la cámara un solo minuto de ellos, son los protagonistas absolutos y Clark quiere hacérselos sentir.
Potente visualmente no lo es tanto, si no en cuanto a diálogos, el guión es tremendamente cruel componiendo una serie de conversaciones de lo mas fuertes y expresivas.
Yo en lo personal me quedo toda la vida con ¨Trainspotting¨, da la sensación de que ¨Kids¨ es solamente un vídeo para mostrarle a los padres acerca de lo que sus hijos pueden hacer si no les prestan atención, la trama no tiene ningún sentido como película, no va a ningún lado, pero repito que es un relato lleno de impacto que dejara con la boca abierta a los mas sensibles.
No es que sea mala, de hecho para concientizar es un buen vídeo y hasta tiene una voz en off en ciertos momentos que le dan el aire a documental sobre la adolescencia y las drogas.
La cinta va planteando conceptos profundos que van quedando divagando por la ausencia social de una trama que sostenga la estructura de la cinta.
Dura película de adicciones que divaga en las adicciones y los malos entornos de los adolescentes de un barrio precario de Estados Unidos.
Actuaciones:6.0
Música:6.0
Historia:4.5
Final:5.0

Mi nota para ¨Kids¨ es un 6/10. Buena.



Lo mejor: Precisamente es un film que merece ser respetado por lo atrevido y punzante.
Lo peor: No tener una trama de fondo que sea solida para soportar tantos conceptos es lo que genera que no sea mas que una correcta cinta de critica social.