AVISO: Utilizamos cookies propias y de terceros para mejorar la experiencia de navegación, y ofrecer contenidos y publicidad de interés.
Al continuar navegando entendemos que aceptas el uso de cookies. Más información.

Ultimas críticas insertadas



Ficha La Forma del Agua

zeroelcapo

  • 20 Feb 2018

6


La Forma del Agua
Es una linda pelicula pero NO ES UNA PELICULA DE TERROR, no se porque la tienen categorizada como tal si es una pelicula ROMANTICA DE FANTASIA, nada mas, y nada menos, muy buenas las actuaciones (especialmente la de Michael Shannon, que siempre hace ese papel que nos encanta), buen desarrollo, pero ES ROMANTICA, no esperen otra cosa o se pueden ir decepcionados (y hasta aburridos).
PD- yo ya intente editar la info en esta pagina sobre el genero, espero que acepten el cambio...



Me gusta (0) Reportar

Ficha Demonic

mikelangeru

  • 20 Feb 2018

7


Demonic
de esta pelicula que desconocia totalmente incluso que la hubiera producido y escrito james wan, no esperaba nada mas bien lo contrario me esperaba una pelicula soporifera a mas no poder.De echo la puse para echarme a dormir.
la pelicula empieza como cualquier otra historia de camara en mano pero pronto se convierte en una grata y intrigante historia policiaca con asesinatos en una casa donde ya ocurrio algo similar en el pasado. las entrevistas al unico superviviente y todo lo que va contando a traves de flashbacks me engancho como pocas teniendo en cuenta su bajo presupuesto que se nota desde el minuto cero.
el final no me lo esperaba asi que me sorprendio para bien. recomendable si no la has visto no te defraudara, aunque si lo que buscas es una cinta de terror aqui solo veras algunos pequeños sustos, lo bueno es la historia o como esta narrada.



Me gusta (0) Reportar

Ficha Most Likely To Die

Onethirtyeight

  • 20 Feb 2018

5


Most Likely To Die
Most LIkely to Die o ¨Más propenso a morir¨ es una Mala película pero entretenida. Este slasher no cuenta con buena historia o actuaciones pero he decir que la simpleza de los asesinatos y la crudeza de los mismos son lo que más impactan en el film.

Argumento: Después de 10 años del día de su graduación un grupo de jóvenes deciden reencontrarse en una fiesta organizada en la casa de campo de uno de sus compañeros. Algunos llegan un poco antes. Dicho reencuentro sacará antiguas rencillas a la luz. Mientras alguien que parece conocerlos busca eliminarlos.

Lo Bueno:
Es un film de Serie B en todo sentido de la palabra que no busca mayor publicidad. El film sabe de sus limitaciones se muestra simple al espectador.
Los asesinatos no son espectaculares pero si muy visuales.
Sin expectativas se convierte en una buena opción para pasar la tarde.
Buena caracterización del asesino que sin ser intimidante es genial.
Poco o cero screamers.

Lo Malo:
Actuaciones malas. Mucha sobreactuación en los sustos gritos y llantos.
Diálogos demasiado simples que dejan al aire lo mecánico y cliché de las actuaciones.
De hecho que no es película hecha para ver el cine ¿por qué? es muy básica y con muchos clichés y no da esperanzas de crear incomodidad o miedo al espectador. Si bien es directa muchas actuaciones dejan mucho que desear y desestabilizan el status quo que tiene una trama tan simple.

Es posible verla sin muchas expectativas, la trama al ser simple NO aburre y las actuaciones a pesar de ser malas son algo divertidas. Buena opción para distraerse por su sencillez.



Me gusta (0) Reportar

Ficha Star Wars: Episodio 2 - El Ataque de los Clones

joseone

  • 20 Feb 2018

6


Star Wars: Episodio 2 - El Ataque de los Clones
Diez años después del conflicto entre la Federación de Comercio y el planeta de Padmé Amidala, Naboo, la República continúa envuelta en luchas y en caos, más cuando intentan asesinar a la senadora Padmé Amidala en su habitación, ese intento de asesinato fue cometido por los separatistas, formados por centenares de planetas y poderosas alianzas encabezadas por el misterioso conde Dooku que amenaza a la galaxia, donde se cree que están gobernados por un Sith. Por lo que para evitar que asesinen a Padmé, su seguridad es encomendada a dos caballeros Jedi que mejor conoce Padmé, además e intentar averiguar quién está detrás de la conspiración y acabar con ellos antes de que la galaxia sea comprometida.

-Segundo episodio de la trilogía precuela de la original, una segunda entrega donde tenemos a Ewan McGregor, Hayden Christensen y a Natalie Portman como grandes protagonistas de la película en esta ocasión, lanzada tres años después la primera y siendo dirigida también por George Lucas, en una película que sigue la historia 10 años después de lo que pasó en la primera algo que ya chirría cuando vemos que solo ha envejecido Anakin el que ahora lo protagoniza Hayden Christensen, lo que hace que se iguale en edad a la senadora Padmé y adivinad lo que sucede, algo que le quita realismo, pero aparte de eso la película se mueve bien con una trama conspiranoica para matar a la senadora, algo que los Jedi intentarán evitar, en concreto Anakin, ya que Obi-Wan irá por su cuenta a otro sitio de la galaxia para investigar por su cuenta algo que será de vital importancia en el final de la película, por lo tanto estamos ante una segunda entrega de la saga entretenida, nunca te llega a aburrir, con una trama que aunque es menos interesante que en la primera porque pasan pocas cosas, siempre te mantiene atento a ella, con los grande efectos que tiene, así como su gran banda sonora y las buenas actuaciones de todos los protagonistas, poniendo su punto de emoción en la trama solitaria de Obi-Wan y que tiene que ver con el Jedi anterior que lo encarnó Liam Neeson, ya que la trama de Anakin con la senadora es algo empalagosa, eso de meter una relación irrealista donde solo ha envejecido Anakin y que rotundamente niega que vaya a tener alguna relación con Anakin para que luego se besuqueen cada poco tiempo pues merma la película, la hace algo más lenta que la primera, aparte de que en esta hay pocas escenas de acción, aunque la recta final es muy buena con bastante acción con los clones, monstruos y luchas de sables con Yoda de protagonista y Christopher Lee aunque de nuevo lo dejan para el final de la trilogía, se te queda un poco la miel en los labios, pero ofreciendo un final bastante decente y con una gran frase de Yoda “¿Victoria?, nada de victoria, el lado oscuro el velo ha caído, la guerra clon ha empezado ya”, pero dejando una nueva sensación de que no ha sido una película de Star Wars como debería, parece como si se siguen dejando tramas para la siguiente película, está claro que tiene algunas escenas memorables y en conjunto es una película muy entretenida y disfrutable para los fans, pero sigue sin tener ese punto que la caracterizaban a las primeras películas, han metido tramas y minutos innecesarios por ejemplo al romance de Anakin con Padmé, una duración excesiva para lo que cuentan, tiene poca acción, tampoco tiene un villano que sobresalga y a veces se hace algo lenta, además de que algunos efectos especiales se siguen notando ese cgi de ordenador, pero lo que no cabe duda es que estamos ante una buena película del mundo de “Star Wars”, sigue sin ser un peliculón porque no explotan ni las tramas ni a los actores, pero es entretenida y seguro que a los fans de la saga les gustará pero no les agradará en exceso porque tampoco es gran cosa lo que cuenta, por eso la pongo medio punto menos que la primera. De momento la más flojita. Nota más justa: 6,5.



Me gusta (0) Reportar

Ficha Walking Out

reptilenin

  • 20 Feb 2018

6


Walking Out
Dudaba entre darle un cinco o un seis,la película esta bien,me estaba gustando lo que estaba viendo pero según avanzaba tenia la sensación de que la olvidaría en el momento que acabase.

La película gira principalmente sobre la relación del padre con el hijo,lo demás es secundario,tiene unos cuantos planazos de montañas y nieve y toca el tema de la caza de animales salvajes aunque personalmente me hubiese gustado mas acción y acecho por parte de los osos porque al final tanto como drama y como survival las hay mejores.

Pero bueno,no molesta y como curiosidad el niño tiene la misma cara que la actriz Hilary Swank.



Me gusta (0) Reportar

Ficha El Vacío (The Void)

alejandropadula

  • 20 Feb 2018

7


El Vacío (The Void)
Durante tres cuartos del film la pelicula venia muy buena,con muertes sangrientas,monstruos,intriga,una serie de eventos que a mi siempre me gusto ver en un film.Pero pareciera que sus ultimos 20 minutos el director perdio las ideas y llego una serie de situaciones que empañaron un poco al film.Por empezar la falta de explicacion alguna es un defecto del film,no entendi para nada lo de los triangulos,y el final me resulto algo apresurado.Igualmente a mi la pelicula me gusto,pero podia haber sido mejor todavia.Mi puntuacion es un 7.



Me gusta (0) Reportar

Ficha Sennentuntschi

mahotsukai

  • 20 Feb 2018

8



Sennentuntschi
Sorprendente thriller psicológico dirigido por el suizo Michael Steiner (Nacht der Gaukler”, 1996; “Mein name ist Eugen”, 2005).

Tres hombres, un pastor de ovejas, su sobrino mudo y un joven citadino de oscuro pasado, tras emborracharse con ajenjo artesanal, deciden fabricar una “sennentuntschi”, una muñeca de paja que según la leyenda puede convertirse en una mujer real y satisfacer sus deseos sexuales, pero a cambio de un horroroso final.

Sennentuntschi constituye una de las más reconocidas leyendas de la Europa Germánica, entiéndase Norte y Central, en concreto Los Alpes, extendiéndose desde los Alpes de Berna a través de Uri, Graubünden, St. Gallen Oberland a Liechtenstein, Vorarlberg, Tirol en Suiza, y Carintia, en la actual Austria. También se conocen algunas versiones en el Alto Valais (Austria), Estiria (Austria y Eslovenia) y la Alta Baviera (Alemania). Sus orígenes se remotan a la Edad Media y congenian aspectos psicológicos referentes al efecto Pigmalión, el mito griego del rey que, cansado de no encontrar a la mujer perfecta, se enamora de una estatua de sí mismo que él creó, y aspectos moralistas asociados a la Iglesia Católica Medieval, en donde la lujuria se paga muy caro, incluso con la vida.

Básicamente, corresponde a una efigie femenina fabricada de paja y tela de aspillera que, de acuerdo a la leyenda, los solitarios hombres alpinos fabrican para satisfacer sus deseos sexuales, luego de alimentarla, beber y bailar con ella. Se supone que, en algún momento de la madrugada, la muñeca cobra vida y se convierte en una bella y joven mujer, que pasa de la sumisión absoluta a la rebeldía, ya que puede convertirse en la peor pesadilla de sus creadores y asesinar, desollar y convertir a sus abusadores en sendos muñecos de paja, como venganza por su lujuria y pecados.

Sin embargo, a pesar de ser una leyenda muy conocida especialmente en Suiza y Austria, sería recién en 1972 cuando cobraría interés mediático en las artes escénicas tras el estreno de la obra teatral erótica estrenada por el dramaturgo suizo Hansjörg Schneider, que sería llevada a la televisión suiza en 1981 en la forma de una ópera de 5 actos a cargo de Jost Meier, provocando una enorme polémica, al considerarla la Iglesia Católica un ataque a su imagen como nido de hipocresía y abusos sexuales y auténtica blasfemia por la figura demoníaca de la muñeca de paja. Posteriormente, el novelista austríaco Felix Mitterer y el alemán Tim Krohn utilizarían algunas referencias del sennentuntschi en su saga “The Wild Woman” (1986) y “Der Roman Quatemberkinder”, respectivamente.

Entre tanto, el primer acercamiento al cine lo haría el director alemán Georg Tressler en el film “Sukkubus – Den Teufel im Leib” (1989) a fines de la década de los 80s, pero en la forma de un explotation de bajo presupuesto. No obstante, sería el joven realizador suizo Michael Steiner, quien lograría adaptar la leyenda finalmente en 2010, tras el éxito local de taquilla y éxito del drama “Grounding-Die Letzten Tage der Swissair” (2006). Sin embargo, y a pesar de su reconocimiento como director independiente, Steiner se enfrentaría con un difícil camino, que se iniciaría en 2003 cuando Steiner y su entonces esposa Stefanie Japp fueran contactados para desarrollar el guión, y luego las desvaniencias que sacarían al productor Peter Christian Fueter en 2007.

Lamentablemente, los aportes de la Zurich Film Foundation no serían suficientes y obligarían a la productora C-Films a buscar financimiento alemán que no pudo reunir, abandonando el proyecto y permitiendo a Steiner comprar la totalidad de los derechos. Steiner insistiría con la Zurich Film Fundation y lograría aportes adicionales de la Oficina Federal de la Cultura de Suiza, lo que agregado al Austrian Film Institute y la ORF, le permitió reunir un total de SFR 5,5 millones. No obstante, en el intertanto, Steiner tendría problemas de liquidez que casi empantanaron definitivamente el proyecto, más aún con la salida de su productor Hans G. Syz hasta que la incorporación definitiva de Constantine Films a fines de 2009 le permitiría al director suiza culminar su complicada aventura fílmica.

Como thriller psicológico basado en una oscura leyenda medieval, los mayores méritos de “Sennentuntschi” (2010) se encuentran en un guión que sabe especular y profundizar efectivamente en la psique de personajes atormentados por la culpa y reprimidos por convenciones religiosas y sociales castrantes. Porque si bien es cierto el guión desarrollado por el propio director, Michael Sauter y Stefanie Japp juega durante prácticamente todo el metraje con la ambigüedad del personaje de la chica salvaje misteriosa y su hipotética identidad monstruosa, en la práctica nunca pretende ser una película de temática fantástica al narrar una cruel historia de sexo, abandono y culpa, que sin embargo sí termina proponiendo algún rompimiento con la realidad. Steiner, entonces, nos enseña que no necesita una figura diabólica del folklore alpino para horrorizar al público, porque es el trasfondo inteligentemente desarrollado en un supuesto plano el que no sólo sustenta la narrativa del film, sino su contenido.

A pesar de alguno que otro problema de confusión, Steiner sitúa la trama en un doble plano temporal, que tomará mayor importancia en el epílogo, y que inicia con el espeluznante descubrimiento en la actualidad de unos restos óseos en las inmediaciones de un pueblo suizo cercano a los Alpes Grisones, por parte de una niña que dice haber visto a un extraño muchacho, que resulta ser una de las víctimas, y luego un relato en flashback que se remonta a mediados de los 70s, que narra los acontecimientos tras la aparición de una bella y joven mujer salvaje en el funeral del sacristán del pueblo, que acaba de suicidarse aparentemente. La chica, que sólo puede gruñir para comunicarse, apenas cubre su cuerpo con una manta y porta una pequeña oveja de madera esculpida por el difunto sacristán, termina por ser rechazada por la fanática y supersticiosa comunidad pueblerina, quien la acusa de ser la responsable de la muerte del sacristán debido a su supuesta naturaleza diabólica.

No obstante, será especialmente el cura de la iglesia local el que insista en atacarla, primero acosándola con un crucifijo y luego con una daga cuando el sheriff del pueblo se la haya encargado al alcalde mientras realiza diligencias para averiguar quién es la chica. En principio, parecerá que las razones del párroco tienen que ver con el fanatismo religioso y la ignorancia cultural del pueblo, pero luego veremos que algo siniestro y oscuro lo une a ella, un crudo secreto más real que sobrenatural. Así, Steiner se deleita jugando a la ambigüedad cuando la esposa del alcalde pierda al hijo que espera por supuesta culpa de la chica, el descubrimiento de un caso no resuelto en que murieron tres hombres quemados y cuya única pista es una fotografía de una mujer idéntica a la chica salvaje tomada hace 25 años, el misterio del suicidio del sacristán y la aparición de la chica cuando el trío de pastores crea e invoca el espíritu de una sennentuntschi. De esta forma, si bien tiene todo para presentar un personaje sobrenatural, a media cruza del monstruo de “Frankenstein o el moderno Prometeo” (1818) de Mary Shelley y la legendaria efigie de barro de “El Golem” de Gustav Meyrick” (1915), para escandalizar al público, opta por un realismo crudo que conmueve e incómoda más que la aparición de monstruos sobrenaturales.

Además de elementos como la hipocresía, la culpa y el abuso, Steiner explora otros elementos conductuales como la sexualidad reprimida ya sea por la religión o por cuestiones circunstanciales como la soledad, que termina por desatarse en las formas más cruelas y brutales a través del sometimiento y la violación. En cierta medida, además de la correcta ambientación misteriosa sobre lo que sucede en el pueblo y la enigmática figura de la chica salvaje, otro de los grandes motores del film es su innegable e inteligente exposición de tensión sexual que la mayoría de los personajes tiene con la chica. Desde el sheriff que se enamora de ella y que prefiere cuidarla y protegerla a responder a sus insinuaciones sexuales hasta las violaciones de los tres pastores, podemos advertir el tratamiento de la sexualidad como un elemento que no conviene reprimir y que puede conducir al desencadenamiento de tragedias inesperadas.

Y es que “Sennentuntschi” (2010) también propone una cuestión bastante reflexiva sobre el karma y ésta no tiene que ver la imposición de lecciones morales: ¿qué puede impedir que un grupo de hombres pueda abusar de una joven y bella mujer, frágil y salvaje al mismo tiempo, en la soledad de Los Alpes? Pero también permite preguntarse ¿qué puede impedir que el comportamiento abusivo y cruel de los hombres termine por atraer un karma fatal e inesperado? El resultado será un remolino de consecuencias con curas pagando sus tropelías con féminas, asesinos pagando sus crímenes impunes y abusadores sufriendo donde más les duele, su propia familia.

Steiner utiliza el gran trabajo del fotógrafo Pascal Walder para hacer hincapié en la inaccesibilidad de Los Alpes, tanto en la zona urbana del pueblo como en la destartalada choza de Erwin y su sobrino mudo Albert con los majestuosos Alpes de fondo, y que rememora los Highlands escoceses de “The Wicker Man” (1973) de Robin Hardy. Sacando el mejor provecho de locaciones naturales como el Uri Schächental, los pueblos suizos de Soglio, Bondo y Stampa y Tirol en Austria, Walder da cuenta de un lugar tan hermoso como remoto, que sirve de escenario perfecto para los más horrendos crímenes y una impunidad que sirve tanto para cometer fechorías como para pagar por ellas.

Otro de los grandes méritos de “Sennentuntschi” (2010) es la decisión de Steiner de prescindir de efectos especiales para las sórdidas escenas, especialmente en el final, que nos regala al mostrarnos el destino de los tres pastores. Al respecto, bien vale la pena destacar el trabajo de maquillaje de Giacomo Peier que puede entregar tanto logradas escenas de descueramiento de animales y seres humanos a partes iguales, como resultados más sencillos pero efectivos, como la atractiva y sugerente apariencia de la chica salvaje, que logra proyectar su naturaleza indomable y frágil, a la vez.

En cuanto a las interpretaciones, cabe señalar que Steiner acierta decididamente en la inclusión de la bella actriz gala Roxane Mesquida, quien representa el punto más alto en este aspecto. Consciente de que no se fácil interpretar un papel como el de la chica salvaje, en especial por la ausencia de parlamentos, Mesquida logra proyectar un personaje que cautiva por su fragilidad e ingenuidad tanto como por su salvajismo e implacabilidad, que evoca al gran trabajo realizado también por la chilena Valentina Vargas en “El Nombre de la Rosa” (1986) de Jean-Jacques Annaud.

El reparto lo completan la tríada masculina conformada por el hispano-suizo Carlos Leal (“James Bond 007: Casino Royal”, 2006) como Martin, el experimentado actor suizo Andrea Zogg (“Viaje a la esperanza”, 1990) como Erwin y el austríaco Nicholas Ofczarek (“Tatort”, 2008) como Sebastian Reusch, representando cada uno paradigmas interpretativos diferentes, como el citadino que abandona la ciudad por un oscuro pasado, el viejo huraño que guarda un secreto familiar y el policía honesto que pone la razón por delante la pasión. El joven, pero efectivo actor suizo Joel Basman (“Jimmie”, 2007), que ya tenía experiencia interpretando a jóvenes autistas o con problemas psicológicos, interpreta a Albert, el sobrino mudo de Erwin, que le ayuda en sus tareas cotidianas.

El compositor Adrian Frutiger, que ya había trabajado con Steiner en “Nacht der Gaukler” (1996) y “Mein name ist Eugen” (2005), aporta con una banda sonora que se pasea por las clásicas cuerdas misteriosas y una ambientación old wave industrial.

“Sennentuntschi” (2010) fue estrenada con gran éxito en Berna el 14 de octubre de ese año, recibiendo en 2011 el Premio a la Mejor Película del Festival de Cine Locarno.

En resumen, un muy interesante thriller psicológico cuyo mayor mérito radica en su inteligente juego de ambigüedad narrativa y su acertada exposición de una realidad cruda donde la impunidad y el karma se disputan el destino de personajes reprimidos, abusivos y atormentados por la culpa. La evalúo con un 8.5.



Me gusta (0) Reportar

Ficha La Enviada del Mal

ilustrador.tk

  • 20 Feb 2018

5


La Enviada del Mal
Lo mejor logrado de esta película, es la oscuridad del relato, esta posesión tan bien conseguida, sin cabezas girando ni vomitinas verdes, si no que con la insanidad de no saber que no tras de una mirada inocente, existe una asesina salvaje.

La ambientación, fría y nevada, son el marco perfecto para ello.

Pero los cabos sueltos, el difuso y disperso objetivo de la película, no es claro, es su punto débil.



Me gusta (0) Reportar

Ficha Un Dios Salvaje

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

8



Un Dios Salvaje
Thomas Hobbes sostenía eso de que ¨el hombre es un lobo para el hombre¨.
Jean Rousseau defendía que ¨el hombre es bueno por naturaleza pero la sociedad acaba corrompiéndole¨.
¿Habrían respaldado sus palabras amigablemente o habrían empezado a tirarse los trastos a la cabeza una vez alcanzado un punto límite? Eso mismo contemplamos durante 79 minutos en este interesante film de Polanski, que adapta la obra teatral de Yasmina Reza.

Puede que lo que nos plantea el cineasta no sea muy extraordinario visualmente, pero sí que es muy interesante observar su idea. La idea de cómo cuatro supuestos individuos con buenos modales y que pertenecen al marco de seres humanos que, supuestamente, se dictan por las muy morales normas de conducta de la sociedad occidental, van degradando su educación y correctas maneras a cada minuto que pasa. La verdadera cara de dos matrimonios se empieza a mostrar cuando entran en conflicto por un problema antecedente (el hijo de uno ha agredido al hijo del otro con un palo) y que poco a poco va quedando como relegado al salir todo el rato problemas y discusiones de otras naturalezas. Problemas que ponen a esos seres humanos al límite de sus nervios y que se olvidan de modales, de educación y de todo. ¿Son lobos por naturaleza o la sociedad les ha convertido en seres reprimidos y faltos de emociones reales?

Realmente me encantan esas historias que se desarrollan en un reducido espacio donde unos personajes son sometidos gradualmente a momentos de tensión que van de menor a mayor nivel, degenerando todo al fin en un estallido de violencia, tanto física como verbal.
Aunque me haya gustado mucho nunca será la película que yo esperaba. Será porque iba con la expectativa de asistir a un show mucho más violento, cruento o atroz, teniendo en cuenta que el director es quien es. Quizá pensaba encontrarme con algo a lo ¨2LDK¨, con algo más ¨tarantiniano¨ o ¨cronenbergiano¨, por así decirlo. ¨Un Dios Salvaje¨, sin embargo, tiene ese regusto del humor negro de los Coen o del Woody Allen más ácido, incluso por momentos recuerda al Ingmar Bergman de ¨De la Vida de las Marionetas¨, lo que se percibe por ese toque europeo de la obra. Carece de un verdadero clímax explosivo, pues la tensión está todo el rato fraguándose.
Es decir, toda la película es un clímax lleno de emociones y situaciones que van sin pausa de un extremo a otro. Esa atmósfera angustiante y sobrecargarda, ausente de música y efectismo, de belleza plástica y seca, siempre la ha sabido transmitir muy bien el franco-polaco, desde su ópera prima ¨Un Cuchillo en el Agua¨, con la que ésta guarda alguna que otra relación. Un entorno insano en el que John C. Reilly, Jodie Foster, Kate Winslet y Christoph Waltz llegan a ofrecer viscerales actuaciones, repletas de matices y variedad. Que grandes que son estos actores.

No será una obra maestra, pero su cuidada ejecución, precisión y manejo del suspense psicológico son envidiables.
Su mayor error es dejar al espectador con la agria sensación de que podía haber ocurrido algo más. No quiero ni pensar cómo de brutal hubiera sido si la llega a adaptar Cronenberg.



Me gusta (0) Reportar

Ficha El Escritor

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

8



El Escritor
El escritor Robert Harris, en un momento de su vida en el que estaba envuelto en varios proyectos, vio por casualidad en las noticias cómo el británico Tony Blair estaba siendo acusado por crímenes de guerra y sus financiaciones para la invasión de Irak. El grueso de la trama para un libro que había dejado a medio crear, ¨The Ghost¨, lo ideó de repente.

Nunca he sido gran aficionado a los ¨thrillers¨ políticos, pero por alguna razón esta película de Roman Polanski me sedujo bastante. Realmente el director, a sus más de 70 años, sabe manejar con un pulso firme y un dominio de la narrativa sobrio, pero lleno de electrizante suspense. Bueno, estamos hablando de un gran cineasta como Polanski, director de algunos de los mejores títulos de la Historia del cine. ¨El Escritor¨, adaptada muy fielmente de la novela de Harris, se adentra en los entresijos más polémicos de la política y de las diversas y manipuladoras mentes que la ejercen (aunque debo ser de los pocos que está de acuerdo con lo que hace el personaje de Brosnan en el film, que no es otra cosa que condenar duramente a aquellos que tengan que ver con el terrorismo...a cualquier puñetero precio).
Adam Lang es el prototipo de líder del gobierno al que la suerte le ha abandonado y que pierde el poder, quedando indefenso ante todos los que le respetaban o temían. De hecho él y su mujer Ruth se asemejan bastante a Blair y su esposa Cherie. La película aborda temas actuales y candentes sin que los ingredientes del clásico ¨thriller¨ queden obsoletos. La influencia de Hitchcock siempre estará ahí, incluso se aprecian similitudes entre la obra del director franco-polaco y las que realiza, de un tiempo a esta parte, el veterano Clint Eastwood.

Pero el matiz más destacable que otorga Polanski es el de la fidelidad al relato original (aunque con un final un poco cambiado), además de ese trato tan especial de sus personajes o ese humor tan ácido marca de la casa siempre subyacente entre reflexivos diálogos y digresiones.
Tras las direcciones que toma el complejo argumento podemos ver a unos muy entregados Ewan McGregor, Kim Cattrall, Olivia Williams y el mejor, un Pierce Brosnan clavando al atrapado y desesperado Adam Lang y, sobre todo, lo que representa (teniendo al ex-ministro inglés muy presente en su interpretación), acompañados de algunos veteranos de lujo como Timothy Hutton, un irreconocible Jim Belushi, un Eli Wallach de 90 años, sorprendente de ver todavía en el negocio, o el siempre brillante y eficaz Tom Wilkinson...diablos, es un hombre que, por sutil que sea su actuación, consigue transmitir una fuerza y oscuridad arrolladoras.

En general nada para olvidar. La intriga está bien conducida de principio a fin, sus muchas lecturas subliminales siguen siendo enigmáticas y guarda tres giros finales increíbles.
Una de las imprescindibles de la carrera de Polanski. Para mi gusto es lo mejor que ha hecho desde ¨Frenético¨, mi 3.ª favorita de su filmografía después de ¨Repulsión¨ y ¨Chinatown¨, claro.



Me gusta (0) Reportar

Ficha Frenético

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

10



Frenético
Richard Walker llega con su mujer a París, la ciudad del amor, como muchos la llaman, pero él únicamente encuentra desesperación cuando de repente su mujer está desaparecida.
Se encuentra solo, en una ciudad en la que le es imposible comunicarse, y nadie parece ayudarle como es debido.

Con esa trama Roman Polanski desenvuelve todo su talento y destreza como guionista y director en un ¨thriller¨ de suspense que está entre lo mejor de su filmografía y del género en la década de los 80. Bueno, a este hombre siempre se le ha dado muy bien los films de intriga, cosa que quedó demostrada con ¨Chinatown¨.
Tras la aventura que supuso ¨Piratas¨ el director recogió todas las influencias del cine negro clásico, y las que le había dado Alfred Hitchcock en particular, y desplegó por las calles de París una historia enrevesada, llena de giros, embrollos y su particular tono de comedia negra. En definitiva, un gran ejercicio de cine negro que durante sus dos horas te mantiene pegado a la pantalla sin que el ritmo decaiga.
¨Frenético¨ fue de las primeras que me vi del franco-polaco (la tercera, concretamente) y me sigue impresionando como la primera vez. ¿Qué a veces podemos encontrarnos con situaciones un tanto increíbles y más aventurescas que realistas? Bueno, ¿y qué?, también pasaba en las de Hitchcock. ¿Alguien se ha visto ¨Con la Muerte en los Talones¨ o ¨Inocencia y Juventud¨?

Aparte de su cantidad de detalles en homenaje al maestro (la pulsera, la maleta, la estatua como elemento desencadenante, la mujer fatal, el hombre inocente metido en una situación desesperada), la inolvidable banda sonora de Morricone y la gran habilidad que hay tras la cámara lo mejor es sin duda disfrutar de la presencia del gran Harrison Ford, que aquí nos brinda una de sus mejores actuaciones como ese pobre doctor Walker en busca de su mujer Sondra (más tarde volvería como médico, pero de apellido distinto, en ¨El Fugitivo¨...curioso, ciertamente). Hay que reconocer que este señor siempre ha sabido elegir en qué proyectos participar y que ha estado presente en grandes ¨thrillers¨ de acción y suspense, tales como ¨Juego de Patriotas¨, ¨Peligro Inminente¨, la anterior ¨El Fugitivo¨ o esta misma que nos ocupa...y es que Ford no sólo ha sido Han Solo o el jodido Indiana Jones, aunque muchos ni lo sepan.
Por otro lado también podemos disfrutar del intento de gran papel dado a, la por entonces reciente esposa de Polanski, Emmanuelle Seigner, que ya había hecho tres películas antes de esta, entre las que se cuenta ¨Detective¨, de Godard. Aunque su atractivo y belleza no se le puede negar (si en ¨La Venus de las Pieles¨ está tremenda no digamos en el 88, cuando sólo contaba 22 añitos) no es que sea muy satisfactorio verla haciendo el papel que hace, de hecho es un poco incomprensible que Ford siga a su lado y protegiéndola tras ocurrirle tantas desgracias por su culpa.

Creo que quizá ahora pueda quedar un tanto desfasada, lenta o pesada para muchos, pero a mí eso me da igual. A mí me sigue poniendo en vilo, y cada vez que me la veo más me gusta.
Está entre mis favoritas del director, sólo por debajo de ¨Repulsión¨ y ¨Chinatown¨.



Me gusta (0) Reportar

Ficha La Semilla del Diablo

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

10



La Semilla del Diablo
Escalofriante y muy polémica obra que permanece en el tiempo como una de las mejores películas de terror, de gran influencia hasta nuestros días (fue de las favoritas de Stanley Kubrick), y que confirmó lo gran director que era Roman Polanski, quien tras la chufletera ¨El Baile de los Vampiros¨ dio vida, y muy fielmente, al ¨best seller¨ de Ira Levin, con gran maestría y audacia, siendo además la primera que dirigiría en EE.UU..

Aunque más que terror al uso yo la clasificaría como ¨thriller¨ de terror psicológico, porque el escalofriante elemento clave no es el de una mujer que vaya a dar a luz al hijo del Diablo, sino DONDE va a suceder tal cosa.
Así Polanski regresa a los códigos que estableció en ¨Repulsión¨ y lograr transmitir de nuevo esa sensación asfixiante que tan bien sabe. Y es que él disfruta ahogando al espectador del mismo modo que a sus personajes, recluyéndoles, cortándoles todas las salidas, y tal sensación se palpa en cada fotograma del largometraje. La dulce y delicada Rosemary se ve atrapada e incapaz de revelarse contra esa atmósfera viciada por la presencia de sus vecinos, quienes pertenecen a una secta de adoradores de Satán. Esa atmósfera, desagradable, áspera y casi pegajosa, es el factor decisivo para desatar el miedo, porque hay que reconocer que ¨La Semilla del Diablo¨ lo da, y no un miedo al uso, sino un miedo atávico, que es el peor de todos. Desde el mismísimo comienzo, con esa especie de nana que pone los pelos de punta, sabemos que el espectáculo al que vamos a asistir no nos va a dejar indiferentes.

Y no sólo el buen hacer de Polanski y todo su equipo técnico logran crear momentos difíciles de olvidar, sino el gran reparto, donde deslumbran John Cassavetes (quien fue elegido para el papel después de haberse considerado a Robert Redford y Jack Nicholson), Sidney Blackmer, Ralph Bellamy y esa genial Ruth Gordon que hasta consiguió el Óscar a mejor actriz de reparto. Pero la que pasará a la historia como Rosemary Woodhouse será una joven y macilenta Mia Farrow que, a pesar de que casi siempre resulta una empalagosa de mucho cuidado, en las garras de Polanski llega a sacar todo su potencial (papel que le costó su matrimonio con Frank Sinatra).
Como he dicho hay momentos que quedan para el recuerdo, como ese final donde Rosemary por fin ve la cuna del niño, cuando los vecinos en masa entran a su habitación para hacerla dar a luz o los mejores, que son las pesadillas que ella misma sufre, quedando esa en la que es violada por Satán como una de las escenas más terroríficas de la Historia del cine.

Hay detalles la mar de interesantes que envuelven al mismo film, como que la voz de Donald Baumgart es la de Tony Curtis o que la escena en la que Farrow atraviesa la calle mientras pasan los coches la hizo el franco-polaco cámara al hombro y con el tráfico real de New York, ante el asombro de la actriz, quien luego replicó que podría haber sido arrollada...pero el director le respondió ¨Tranquila, nadie atropellará a una mujer embarazada¨. Qué tío este Polanski.



Me gusta (0) Reportar

Ficha El Baile de los Vampiros

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

4



El Baile de los Vampiros
Se nota que Polanski también es un cachondo y que le gusta reírse, cosa que demostraría definitivamente en 1.972 con esa esperpéntica y erótico-festiva ¨¿Qué?¨.
Pero cinco años antes, con tres largometrajes a sus espaldas, también quiso dejarlo patente con este ¨Baile de los Vampiros¨.

El director nos presenta un cuento de terror que precisamente cabalga entre dicho género y el de la comedia, perteneciendo más a lo segundo que a lo primero. Una comedia, hay que decir, muy en clave paródica...que no me sorprendió como yo creía. Como bien dijo otro usuario yo esperaba ver algo a lo ¨Jovencito Frankestein¨, o por lo menos un film que al estar realizado, entre otras, con producción inglesa, tuviera ese toque de humor tan genuinamente británico. Pero no.
Polanski escribe su guión junto a Gerard Brach y no lo hacen demasiado terrorífico ni demasiado cómico, quedándose todo a medio camino en esta farsa donde no sobresalen precisamente unos ¨gags¨, situaciones de risa o diálogos que se puedan llamar ingeniosos. Hay algún que otro momento divertido, pero vamos, que no despega nunca. Aunque al director le tuvo que hacer gracia si lo dejó de esta manera (debe ser así el humor franco-polaco).
La culpa, en parte, es de esa pareja protagonista anodina y sin muchas luces, compuesta por Jack MacGowran y el propio Polanski apareciendo muy jovencillo; los dos sin actuar demasiado bien y con poco gancho, realmente.

Lo que sí sobresale de verdad es todo lo demás, una fotografía preciosista, una estética muy cuidada con toda la influencia de las obras de terror de la Hammer, un diseño y unos efectos ópticos buenísimos y unos personajes secundarios mucho más memorables que los protagonistas, como los que interpretan Alfie Bass, el veterano Ferdy Mayne, Iain Quarrier y esa hermosa Sharon Tate, la que fue mujer del mismo Polanski en aquella época.
En fin, una farsa como mucho simpática, pero ni graciosa ni tampoco demasiado memorable, del mito del vampirismo y de las clásicas películas de terror que trataron dichos temas. Una ocurrencia que le dio al director, situada entre dos de sus mejores películas: ¨Cul-de-Sac¨ y ¨La Semilla del Diablo¨.
Le sobran minutos, por qué no decirlo.

...si ésta la llegan a dirigir Blake Edwards o Mel Brooks sí que habría salido una comedia buena de verdad.



Me gusta (0) Reportar

Ficha Repulsión

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

10



Repulsión
De nuevo sólo necesitamos un pequeño escenario y un buen actor. Sin tanta pirotecnia, efecto o capital empleado.
Y así, con esos recursos, podemos asistir a la función que nos tiene preparada el maestro Polanski.

Una función protagonizada por Carol, una joven chica con un gran trauma a sus espaldas que poco a poco va degradándose mentalmente al tener que vivir en un mundo lleno de hombres, desagradables e inmundos a sus ojos (no se salva ni uno, cosa que no me hace mucha gracia, personalmente), hombres a los que ella repugna. Silenciosa, casi imperceptible, ella vaga por las calles de una ciudad normal y corriente y por los pasillos de su casa al tiempo que ve agrietarse la realidad y ser testigo de una auténtica pesadilla psicológica, causada por la soledad y el aislamiento autoimpuesto. Pesadilla atravesada por estremecedoras alucinaciones y secuencias impactantes para el espectador (la de las manos saliendo de las paredes...inolvidable), acompañadas de específicos sonidos (el tic-tac del reloj, el gemido de una mujer, la campana del convento) que aumentan la sensación de desasosiego.

Polanski rompe moldes y barreras con esta peculiar, extraña, dramática y experimental película, la segunda que realizó, en la que una inconmensurable Catherine Deneuve (cuyo personaje empecé a aborrecer desde el mismo comienzo hasta que llegó el final y lo entendí todo) demuestra que grande que era ya como actriz.
Puede que sea un ¨thriller¨ de suspense, o un intenso drama de connotaciones feministas, o quizá esté enmarcada en el terror psicológico. Esa es una de las mejores bazas de ¨Repulsión¨, ser inclasificable e imprevisible a todos los niveles. La atmósfera de la que dota el director a la película es asfixiante y desesperante, llena de elementos que remarcan esa intensa sensación de horror que está viviendo la protagonista (el conejo, las patatas, las manos, la navaja), además de otros aspectos técnicos muy importantes, como esa suave y preciosista fotografía en blanco y negro de Gilbert Taylor, la estridente música de ¨Chico¨ Hamilton, uno de los más grandes del ¨jazz¨, y la puesta en escena tan sencilla como sombría como surrealista donde Polanski refleja una precisión milimétrica y de lo más interesante en el manejo de la cámara. Se dan ecos del suspense más ¨hitchcockiano¨, de Luis Buñuel, cosa que queda clara con ese primer plano del ojo de Deneuve, del Ingmar Bergman más críptico, donde se pueden ver similitudes con ¨El Silencio¨ o ¨Como en un Espejo¨ (ese tic-tac tan característico ya lo había oído yo en algún sitio), e incluso hay referencias literales a héroes del director como Chaplin o Fellini.

Así ¨Repulsión¨ queda como un compendio de atmósferas, detalles y sensaciones, muy desagradable, transgresor, innovador y realmente duro para espectadores sensibles, tanto emocional como psicológicamente.
En conclusión, una obra imprescindible de la filmografía de Polanski y de la Historia del cine, que sin duda tuvo que ser de importante influencia para futuros directores como Scorsese, Lynch, Ferrara o incluso Cronenberg (el tema del terror sexual siempre ha ido ligado a él).
Por cierto, buenísimas también las actuciones de Yvonne Furneaux y John Fraser.



Me gusta (0) Reportar

Ficha Snatch: Cerdos y Diamantes

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

9



Snatch: Cerdos y Diamantes
Guy Ritchie, un hombre que se convirtió en el director de moda a finales de los 90 ganó casi 30 millones con una peliculita llamada ¨Lock & Stock¨, una maravilla de film independiente que le dio a la generación ¨Trainspotting¨ su aventura de gangsters a la antigua usanza, llena de comedia, una trama de lo más enmarañada y una ristra de personajes que no dejaban de cruzarse en las situaciones más surrealistas.

Más o menos con las mismas pautas el director reanuda con el estilo de la anterior y nos planta ¨Snatch: Cerdos y Diamantes¨ apenas dos años después.
Las reglas del juego son las mismas. Hay un montón de gente metida en negocios muy sucios que va a acabar enfrentada y algo que todos quieren o con lo que no dejan de encontrarse. Antes eran dos escopetas, ahora es un diamante de 80 kilates, antes teníamos a cuatro chavales se metían en un lío de aúpa, un negro traficante, sus fabricantes de droga, un mafioso...ahora tenemos a dos promotores de boxeo, un ladrón, un proveedor de diamantes, tres atracadores de pacotilla, otro mafioso y hasta un perro con muy malas maneras.
En fin, otro embrollo de tres pares de cojones que el sr. Ritchie ingenia con mucha imaginación pero también llevando extremo cuidado para que la trama no resulte demasiado confusa a pesar de ser en toda regla un puto lío.
Para eso hace falta un don, señoras y señores. Es increíble ver a todos estos fulanos que se cruzan entre tiros, insultos, persecuciones y amenazas y cómo unos acaban quedándose en un extremo sin ver a los otros. Los del mundo del boxeo a un lado, los de los diamantes al otro, y sin embargo, todos acaban viéndose las jetas.

Este inglés vuelve a dar en el clavo con una ¨crook story¨ elaboradísima, repleta de una comedia negra afilada, diálogos descacharrantes de la más pura escuela de Shane Black, giros de argumento que marean tanto como los bizarros planos que nos regala Ritchie y unos personajes conducidos por su estupidez y malas decisiones, como en cualquier película de los Coen, todo despidiendo un aroma ¨tarantiniano¨ bastante pronunciado (yo siempre he dicho que Guy Ritchie es el Tarantino anglosajón). Es decir, como en ¨Lock & Stock¨ aunque elevando el tono oscuro del ¨thriller¨ por encima del de la comedia y contando, eso sí, con mucho más presupuesto que antes.
Uno de los puntos fuertes, aparte de su vertiginoso montaje, es el plantel que tenemos aquí, y menuda tropa es. Dennis Farina, Benicio del Toro, Mike Reid, Stephen Graham, Lennie James, un Rade Sherbedgia brutal en el papel de Boris, ¨el Navaja¨, ese duro Vinnie Jones que vuelve de matón como Tony, Jason Statham en uno de sus mejores papeles (tampoco es que haya tenido muchos) como Turco, ese magistral Alan Ford encarnando al ¨Ladrillo¨ y por supuesto un Brad Pitt que deja de piedra mostrando su faceta más graciosa y autoparódica como Mickey, el boxeador gitano al que no se le entiende ni papa.
¿Quién no quiere quedarse junto a estos personajes para siempre?

Siempre me gustará más el debut de Ritchie, pero le sigue muy de cerca esta brutal comedia negra llena de mala leche y tantos tiros como giros de guión.
Entre sus muchas escenas memorables la que más merece recordarse es aquella en la que Sol, Vincent y Tyrone entran en el bar, amenazan a Tony (dejando espacio para que Vinnie Jones se nos presente como un tremendo actor soltando un monólogo acojonante) y acaban metidos en el tiroteo del pasillo junto a Boris y Avi. La ejecución de esas dos increíbles secuencias es digna de elogio.
Si es que Ritchie es muy bueno en lo suyo...que lástima que por aquellas fechas conociera a Madonna...



Me gusta (0) Reportar

Ficha Lock & Stock

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

10



Lock & Stock
Guy Ritchie puede que ahora haya vuelto a la primera línea del cine con esas entregas de ¨Sherlock Holmes¨ que ha estado haciendo, incluso dio una lección a todos de que podía levantarse, sacudirse el polvo y el de su historial con ¨Rock n Rolla¨.
Pero nunca ha vuelto ha dirigir una película tan fresca, tan vibrante y sobre todo tan original como la que fue su debut ¨Lock, Stock & Two Smoking Barrels¨, que sigue siendo la obra clave de su filmografía.

La suerte pareció estar de parte del inglés, quien únicamente había hecho el cortometraje ¨The Hard Case¨ tiempo atrás, cuando fue por ahí junto a Matthew Vaughn (una alianza tipo Quentin Tarantino/Lawrence Bender) vendiendo una historia que tenía la fe de poder llevar a pantalla, ya que se cruzó en el camino de la productora Trudy Syler. Tal como ella admitió aquel guión era muy largo e intrincado, estaba mal escrito, había faltas de ortografía por doquier y un montón de frases coloquiales que eran difíciles de entender...pero se partió de risa mientras lo leía.
Algunos tejemanejes más tarde y moviendo muchos hilos por fin Ritchie, en el que pocos confiaban ya que era un director novel, parecía tener todo lo necesario para empezar la que sería su primera película. Y fácil no fue, desde luego, ya que a cada dos por tres se quedaban sin dinero para poder continuar, e incluso pocos creían que el largometraje finalmente acabaría o se estancaría para siempre; al principio hubo que esperar hasta dos años para tener financiación y que todo siguiera un curso normal. Y es que esto poco tenía que ver con un rodaje en Hollywood, ¨Lock & Stock¨ era una peli independiente sin actores conocidos, para el que no fuese inglés, claro.

El argumento del film era realmente lo más increíble de todo. Guy Ritchie demuestra que tiene talento para realizar tramas enrevesadas, repletas de personajes y giros estrambóticos, pero una vez te sumerges en dicha trama no te resulta difícil entenderla; a todo esto se le añaden grandes dosis de violencia, acción y un humor negro ágil, donde aparecen chistes fáciles y que circulan tan rápidos como balas. En ella se nos cuenta la peripecia de cuatro chavales metidos en negocios sucios por las calles de una Londres corrupta que ven como su suerte se esfuma tras deber una deuda de 500 mil libras al mafioso local Harry ¨el Hacha¨ Lonsdale, y en el ajo se meten sus vecinos, que son unos chorizos de cuidado, un grupo de negros traficantes, unos pijos cultivadores de hierba, el cobrador de deudas de Harry, dos ceporros atracadores de oficinas de correos y un par de escopetas que a todos amargaran la vida.
Ritchie elabora una historia divertida aunque la mar de escabrosa donde hace un tributo al cine de gangsters en la más pura onda ¨tarantiniana¨ e influenciado por la técnica de Danny Boyle, incluso se aprecia el gusto del director por el cine de explotación de los 70 (Rory Breaker y su pandilla parecen sacados de una ¨blaxploitation¨) y el ¨western¨. No obstante, lejos de influencias, el joven Ritchie, de 27 años de edad, supo darle a todo su sello característico y crear un estilo propio.

Es cierto, todo el imaginario del director se gestaría aquí, y ya quedaría en su obra a partir de este, su debut, para la posteridad, un estilo innovador para la época del cual muchos futuros directores bebieron y tendrían de referencia. Y se basa en ofrecer una sucesión de planos vertiginosos, bizarros, utilizando a la vez cámara lenta y rápida, con un ritmo de videoclip y cuasiexperimental influenciado por el ¨Trainspotting¨ de Boyle, haciendo uso de una fotografía, iluminación y puesta en escena muy particulares, para alejarse de un aspecto natural y convencional y rayando lo surrealista, todo regado con una banda sonora de infarto llena de buen rollo.
En el apartado artístico tenemos lo que sería el distintivo cuadro de personajes de una película de Guy Ritchie. Nick Moran, Jason Flemyng, Dexter Flecther y un jovencillo Jason Statham, que da comienzo al film con esa escena mítica del mercadillo, demuestran una gran capacidad de interpretación y sobre todo de química entre ellos. A estos les acompañan los grandes P.H. Moriarty (Harry), Lenny McLean (Barry, ¨el Bautista¨), unos brutales Frank Harper (¨Dog¨) y Vas Blackwood (Rory), el polémico futbolista Vinnie Jones como Chris, haciendo un tipo de papel que luego repetiría en ¨Snatch¨, y contando con la presencia del legendario Sting como J.D., el padre de Eddie y dueño del bar que quiere quedarse Harry.

Con la tontería fue un exitazo en Inglaterra, funcionó bien en los EE.UU. y todos los críticos se rindieron ante ella, y por su inventiva e innovadora propuesta ya está considerada uno de los films más importantes de los 90. Es difícil no rendirse ante momentazos tan memorables como el tiroteo entre los negros y el grupo de ¨Dog¨ sonando el tema de ¨Zorba, el Griego¨ de fondo, el asalto de estos últimos a los porreros, la escena de la partida de cartas en el ring o ese sorprendente e hilarante final que tantos giros inesperados contiene como personajes la película. Eso sí, hagan el favor y véanla en versión original; no saben lo que pierde con el doblaje, y más si la narración está llevada por el mismísimo Santiago Segura.
Sigue siendo mi favorita de Ritchie. Cien veces que la habré visto y nunca me cansa, por mucho que me sepa al dedillo los diálogos y los giros de guión que no dejan de sucederse.

No se puede negar. ¨Lock & Stock¨ es una joya de culto por la que no pasa el tiempo y con la que ya hubieran querido muchos haber debutado en el mundo del cine.



Me gusta (0) Reportar

Ficha La Madre del Mal

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

5



La Madre del Mal
No creáis que todo acabó con la muerte de las Madres Tenebrarum y Suspiriorum, porque una maldición milenaria está a punto de ser liberada y expandirse.
En Roma, la tercera de las antiguas brujas va a despertar y hacer que comience una era de caos y oscuridad.

Habían pasado nada menos que diecisiete largos años desde que Dario Argento hiciera ¨Inferno¨, segunda entrega de su Trilogía de las Madres basada en el ¨Suspiria de Profundis¨ de Thomas de Quincey, con la que entró en la década de los 80 y concibió junto a su inseparable Daria Nicolodi.
Con ¨Suspiria¨ el italiano logró un éxito inesperado e inmediatamente se preparó para una secuela, pero tras esto, el guión que se pensaba usar para una tercera parte quedó un tanto en suspenso a la espera de poder escribir una buena historia y perfeccionar el resultado final. Y ahí se quedó la cosa, con Argento parando el proyecto e inmiscuyéndose en otros más personales, dándonos así obras muy notables de su filmografía como ¨Tenebre¨ o la genial ¨Terror en la Ópera¨. Parecía que el director se había olvidado del tema por completo cuando pasaron los 90, llegó el nuevo siglo y la trilogía no despegaba; sin embargo, allá por 2.003, anunció al fin que se reanudaría, dando forma posteriormente al argumento, nada menos que junto a cuatro guionistas más, el cual trataría la llegada de la tercera (y más cruel) de las brujas: Mater Lachrymarum.

Esta vez, cuando en unas obras realizadas cerca de un cementerio aparece el ataúd de un oficial de la Iglesia llamado Oscar de la Valle, un sacerdote interesado en el hallazgo descubrirá la espantosa verdad que se oculta no en el féretro en sí, sino en una urna encadenada a éste que contiene algunos utensilios y figuras antiguas y una misteriosa túnica roja con una inscripción.
Más tarde, en el Museo de Arte Moderno romano, las restauradoras de arte Sarah y Giselle, en un gesto inocente y de lo más impertinente (vamos, que no se podían estar con las manos quietecitas, las tías) abren dicha urna y examinan el contenido de su interior, liberando así el espíritu condenado de la Madre de las Lágrimas, la última del ancestral trío de brujas negras. A partir de ese momento, se desata en Roma una ola de caos, desconcierto y anarquía que pronostica el principio de una nueva era de las brujas; la única que puede detener esto es la joven Sarah, quien posee un increíble poder para ella desconocido heredado de su madre Elisa, una hechicera blanca que fue asesinada tiempo atrás por la Madre de los Suspiros.

La película sigue exactamente por donde se quedaron las dos entregas anteriores, mencionándose literalmente hechos de aquellas, y no puede comenzar de manera más clásica y trillada: con una reliquia maldita enterrada cuyo mal que lleva dentro queda liberado al ser descubierta por accidente. No así, el sr. Argento deja bien claro que muy pocos directores pueden ganarle actualmente en cuanto a poner los pelos de punta se refiere, y no es para menos afirmar esto; no pasan ni diez minutos de película cuando ya vemos cómo le rompen los dientes a una pobre mujer, la destripan y luego la ahorcan con sus propios intestinos...con mucha delicadeza, sí señor, así es Dario Argento.
Como otros experimentados realizadores en el género de horror, el italiano no pierde facultades a la hora de crear atmósferas terroríficas y macabras, y en ¨La Madre del Mal¨ el director hace, sin duda, lo que mejor se le da: poner el estómago del revés al público con una serie de secuencias impactantes. Se tratan temas tan poco apreciados por la Iglesia como la magia negra, el esoterismo o la alquimia en una trama a la vez aventuresca, fantástica, repleta de violencia y mucha mala leche, recurriendo al conocido terror apocalíptico que tantas veces hemos visto ya en el cine para unificarlo todo.

Lo malo es que el film no está a la altura de los grandes clásicos del director, aun poseyendo un poder visual arrollador. Vale como producto de entretenimiento pero quedan atrás los años de ¨Suspiria¨ e ¨Inferno¨ para Argento, quizá por lo tópico de su historia, de algunos personajes, por ciertos momentos innecesarios o absurdos o porque se toma demasiado en serio.
El director vuelve a meter a su hija Asia de por medio dándole el mismo papel de siempre (nunca me cae bien esta tía cuando actúa a las órdenes de su padre), contando de nuevo con Daria Nicolodi, Udo Kier y Coralina Cataldi. El mejor del plantel: el veterano Philippe Leroy como Guillermo de Witt.

...si no le doy más nota es por su precipitado y sumamente estúpido final. Ahí Argento mete la pata pero bien.



Me gusta (0) Reportar

Ficha Ópera

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

8



Ópera
Tras un par de años en los que estuvo ayudando al hijo de Mario Bava, Lamberto, en ¨Demons¨ y su secuela, el sr. Argento, muy decepcionado por sus experiencias al no poder dirigir como quería una ópera de Giuseppe Verdi, se cascó poco después este ¨giallo¨ que, al menos en mi opinión, se ha llegado a quedar entre los mejores trabajos de su filmografía.

En él nos cuenta las penurias que pasa la cantante de ópera Betty para sustituir a la principal, ya que ésta había sufrido un accidente, en ¨Macbeth¨, la obra maldita de Shakespeare, cuando de repente es acosada por un misterioso y sádico asesino que se va cargando a todos sus compañeros y además la obliga a presenciar los hechos...ahí es nada. Una vez más el italiano nos deleita con una historia llena de sensibilidad.
Ni por forros. ¨Terror en la Ópera¨ es un ejercicio visceral y salvaje de suspense, de nuevo demostrando el director lo bueno que es en el género, ofreciendo impactantes momentos donde logra transformar la violencia extrema en algo artístico, en algo que merece la pena visionar sin parpadear. Además consigue un elaborado trabajo con la cámara para hacer más atractiva la puesta en escena, destacando esos minuciosos planos rodados con steadycam que se combinan con otros muy aberrantes tomados cámara en mano, sobre todo los concernientes a las escenas de los asesinatos, los cuales, por cierto, dejan con la boca abierta por su ferocidad y por estar ejecutados con ese ¨heavy metal¨ tan estridente de fondo. Lo corrobora ya el primero, el del novio de la chica (bien apuntado por varios), que tras un diálogo ridículo en la cama, ésta es atada y le son colocadas las agujas bajo los ojos para ver cómo el otro es fundido a puñaladas...acojonante. Yo ahí ya flipé.

La trama, retorcida y frenética, pilla algunas influencias del ¨Asesinato¨ de Hitchcock (lo de desenmascarar al asesino mediante la obra lo deja claro), pero Argento logra confeccionar también una buena historia, a veces no muy brillante, sí, pero se hace amena, desconcertante, entretenida y muy interesante gracias a algunos giros de guión buenísimos (el del final es la leche), a esos elementos tan efectistas y atractivos como las armas del crimen, los cuervos y los juegos de colores y sombras, a la estupenda fotografía de Ronnie Taylor y a las interpretaciones que brindan unos inspirados Ian Charleson, la española Cristina Marsillach (una de las menos pavas que han protagonizado un film de Argento), Urbano Barberini o Daria Nicolodi.
Todo en su sitio parece...pues no. Las supersticiones que siempre se han tenido con eso de la mala suerte que da la obra de Shakespeare pasaron al set de un rodaje inundado de problemas y dificultades, cosa que al pobre Argento le costó más de un disgusto.

Con todo eso, al menos en Italia, la película fue un exitazo. No tanto como en otras partes del Mundo donde se hicieron cortes excesivos de metraje. Hoy por hoy pasa por ser de las más queridas por los fans del italiano, y eso que sólo es uno de tantos ¨giallos¨ que se hacían en los 80...¡pero joder, que ¨giallo¨!
Influencia directa para gente como Tarantino, Eli Roth o el japonés Takashi Miike, cosa que demostró en su ¨Audition¨...en la escena de la tortura final, para los que se acuerden y vean el parecido.



Me gusta (0) Reportar

Ficha La Forma del Agua

el sombra

  • 20 Feb 2018

2


La Forma del Agua
Le pongo un dos, por su dirección artística y el trabajo de los actores.
Por que lo demás no hay por donde cogerla, el guión absurdo e inverosimil, la banda sonora aburrida y nada emotiva.
No acabas de empatizar con ningún personaje, y lo peor provoca indiferencia ya que cuando sales del cine solo recuerdas los 10 primeros minutos de la película.
(y lo de la masturbación en la bañera, con una vez es suficiente Guillermo).
Lo dicho, abstenerse los que pretendan llorar en el cine.
Y los que se piensen que van haber una obra maestra también.

Si se quiere ver al cara pescado. (La mujer y el monstruo, una pandilla alucinante, hellboy e incluso la reciente la piel fria) todas ellas superiores a esta.
Pero como digo siempre esto es una opinión subjetiva, saludos.



Me gusta (0) Reportar

Ficha Tenebre

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

8



Tenebre
A veces es horrible ver que tu propia obra se traslada a la realidad, que hechos escabrosos simplemente imaginados cobren vida de la manera más salvaje y que parezca que el hallar una solución sea algo imposible.
El escritor Peter Neal tiene que contemplar cómo los crímenes descritos en su novela ¨Tenebre¨ se materializan mientras él pasa unos días en Roma, y nadie sabe quien demonios es el autor.

Un retorcido ¨thriller¨ que Dario Argento nos planta en la cara como un hachazo directo a las entrañas y que puede pasar por ser uno de sus mejores trabajos y un referente en el ¨giallo¨. En realidad todo viene de una interesante situación en la que el propio director se vio metido.
Tras el increíble éxito que cosechó ¨Suspiria¨ tras su estreno, Argento viajó a Los Ángeles por un tiempo, y vivió una experiencia la mar de terrorífica cuando un fanático empezó a amenazarle por teléfono alegando que sus películas le habían afectado mucho psicológicamente (en este mundo se ven toda clase de cosas). Por supuesto no le ocurrió nada al italiano, pero tal incidente fue lo suficientemente efectivo para que decidiera volverse a Italia. El otro fue que se encontró con que dispararon a un turista japonés en la recepción del hotel Beverly Hilton, donde se hospedaba. Sucesos que le dieron la inspiración necesaria: una sociedad donde sólo hay asesinatos sin motivo e intimidación personal. Para echar más leña al fuego, fue criticado por muchos por lo violento y aberrante de sus films, donde al parecer sólo había brutales crímenes sin sentido y chicas jóvenes bañadas en sangre, y viendo que la segunda obra sobre lo que iba a ser su Trilogía de las Madres, ¨Inferno¨, no cosechó el esperado éxito, tomó la decisión de retornar al ¨giallo¨ para sacar de dentro todo lo que tenía y para demostrar a aquellos que le imitaban tanto por aquellas fechas que él era el maestro del género.

Se puede decir que el siguiente proyecto que estaba por venir fue más que un simple film. Fue la venganza que Argento tomó contra todo, y es algo que se puede apreciar en sus muy autobiográficas referencias, usando un escritor y su libro como álter ego suyo y de sus películas como premisa para la trama.
En este contexto, más o menos provocativo y crítico, Argento despliega toda su rabia creativa en ¨Tenebre¨, de nuevo un oscuro e imaginativo ejercicio de suspense, recargado de extrema agresividad y giros de guión que confunden mucho, que hacen de este ¨thriller¨ algo nada convencional. Algunos de sus más destacados puntos son el trato del sadismo, el ¨voyeurismo¨, las inclinaciones sexuales más anómalas, la violencia por violencia, el fanatismo y algo que siempre interesó a Argento: la idea del ¨doppelgänger¨. Heredado sobre todo de su querido Hitchcock, el aspecto de la doble figura tiene gran peso en la historia, y todo ello recae en el personaje del escritor y del criminal, ya que mientras uno expresa su ira ¨asesinando¨ en sus libros en el otro lo hace en la realidad, llevando a cabo el deseo interior del primero.

El director reconoció las influencias de otros muchos directores tanto en aspectos técnicos como para el desarrollo de la historia, como por ejemplo las que le dieron Bava, Hitchcock y Antonioni (muy apreciable en la ejecución de algunas escenas), y la que pilló de clásicos como ¨Más Allá de la Duda¨ de Fritz Lang o el ¨Ángel Negro¨ de Roy W. Neill, aparte de la que está claro tuvieron en él escritores como Agatha Christie o Arthur Conan Doyle, literalmente mencionados en el film. Pero lo que al final sobresale por encima de todo esto es el feroz espectáculo al que nos somete el italiano que es sin duda su más característico sello, y eso quiere decir que también nos encontramos ante una obra muy visual, como siempre es habitual en el cine de este hombre.
En efecto, aquí nuestros ojos son bombardeados por una sucesión de escenas impactantes y tan elaboradas a la hora de retratar lo grotesco que es imposible no reconocer el arte intrínseco que posee Argento para hacerlo mejor que nadie. Si hay que destacar una escena en particular que me haya dejado pasmado es la que corresponde a la que se desarrolla en los diez minutos finales, cuando ya sabemos quien es el asesino, que transcurre entre varios golpes de hacha, sangre a borbotones, miembros cercenados y estómagos atravesados...¡la virgen, qué numerito final prepara el andoba para sus fans! Argento está completamente desatado y lo demuestra con creces.
Anthony Franciosa está más que bien en su interpretación de Peter Neal, y no está mal acompañado de esos Daria Nicolodi, Giuliano Gemma, John Steiner y Mirella DAngelo. Y en un papel un tanto más secundario hasta podemos disfrutar del siempre eficiente John Saxon, que protagoniza la increíble escena del asesinato en la plaza, ¨hitchcockiana¨ total, por cierto.

¨Tenebre¨ sufrió, por desgracia, la maldición del corte y censura, pero aunque no fuera bien vista por los críticos de la época hoy es una de las imprescindibles del italiano y del género del ¨giallo¨. Y si no tiene más puntuación de la que debiera es porque también se hace muy increíble en ciertos momentos. Por ejemplo, que alguien me explique lo del perro asesino ese persiguiendo a la chiquilla...si es que, cuando este Argento se lanza, no hay quien lo pare.
Gran influencia para directores como Carpenter, DePalma y Kenneth Branagh, que vieron en ella una inspiración para sus obras ¨En la Boca del Miedo¨, ¨En Nombre de Caín¨ y ¨Morir Todavía¨, respectivamente.



Me gusta (0) Reportar

Páginas de resultados:




Noticias destacadas

75
‘Pantera Negra’ recaudó la noche del jueves 25 millones de dólares
61
Especial: La crudeza del cine de Corea del Sur
59
El rodaje de la segunda parte de ‘It’ arranca este verano
56
Taquilla USA: ‘Pantera Negra’ se marca el primer taquillazo del año