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Ficha La Semilla del Diablo

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

10



La Semilla del Diablo
Escalofriante y muy polémica obra que permanece en el tiempo como una de las mejores películas de terror, de gran influencia hasta nuestros días (fue de las favoritas de Stanley Kubrick), y que confirmó lo gran director que era Roman Polanski, quien tras la chufletera ¨El Baile de los Vampiros¨ dio vida, y muy fielmente, al ¨best seller¨ de Ira Levin, con gran maestría y audacia, siendo además la primera que dirigiría en EE.UU..

Aunque más que terror al uso yo la clasificaría como ¨thriller¨ de terror psicológico, porque el escalofriante elemento clave no es el de una mujer que vaya a dar a luz al hijo del Diablo, sino DONDE va a suceder tal cosa.
Así Polanski regresa a los códigos que estableció en ¨Repulsión¨ y lograr transmitir de nuevo esa sensación asfixiante que tan bien sabe. Y es que él disfruta ahogando al espectador del mismo modo que a sus personajes, recluyéndoles, cortándoles todas las salidas, y tal sensación se palpa en cada fotograma del largometraje. La dulce y delicada Rosemary se ve atrapada e incapaz de revelarse contra esa atmósfera viciada por la presencia de sus vecinos, quienes pertenecen a una secta de adoradores de Satán. Esa atmósfera, desagradable, áspera y casi pegajosa, es el factor decisivo para desatar el miedo, porque hay que reconocer que ¨La Semilla del Diablo¨ lo da, y no un miedo al uso, sino un miedo atávico, que es el peor de todos. Desde el mismísimo comienzo, con esa especie de nana que pone los pelos de punta, sabemos que el espectáculo al que vamos a asistir no nos va a dejar indiferentes.

Y no sólo el buen hacer de Polanski y todo su equipo técnico logran crear momentos difíciles de olvidar, sino el gran reparto, donde deslumbran John Cassavetes (quien fue elegido para el papel después de haberse considerado a Robert Redford y Jack Nicholson), Sidney Blackmer, Ralph Bellamy y esa genial Ruth Gordon que hasta consiguió el Óscar a mejor actriz de reparto. Pero la que pasará a la historia como Rosemary Woodhouse será una joven y macilenta Mia Farrow que, a pesar de que casi siempre resulta una empalagosa de mucho cuidado, en las garras de Polanski llega a sacar todo su potencial (papel que le costó su matrimonio con Frank Sinatra).
Como he dicho hay momentos que quedan para el recuerdo, como ese final donde Rosemary por fin ve la cuna del niño, cuando los vecinos en masa entran a su habitación para hacerla dar a luz o los mejores, que son las pesadillas que ella misma sufre, quedando esa en la que es violada por Satán como una de las escenas más terroríficas de la Historia del cine.

Hay detalles la mar de interesantes que envuelven al mismo film, como que la voz de Donald Baumgart es la de Tony Curtis o que la escena en la que Farrow atraviesa la calle mientras pasan los coches la hizo el franco-polaco cámara al hombro y con el tráfico real de New York, ante el asombro de la actriz, quien luego replicó que podría haber sido arrollada...pero el director le respondió ¨Tranquila, nadie atropellará a una mujer embarazada¨. Qué tío este Polanski.



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Ficha El Baile de los Vampiros

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

4



El Baile de los Vampiros
Se nota que Polanski también es un cachondo y que le gusta reírse, cosa que demostraría definitivamente en 1.972 con esa esperpéntica y erótico-festiva ¨¿Qué?¨.
Pero cinco años antes, con tres largometrajes a sus espaldas, también quiso dejarlo patente con este ¨Baile de los Vampiros¨.

El director nos presenta un cuento de terror que precisamente cabalga entre dicho género y el de la comedia, perteneciendo más a lo segundo que a lo primero. Una comedia, hay que decir, muy en clave paródica...que no me sorprendió como yo creía. Como bien dijo otro usuario yo esperaba ver algo a lo ¨Jovencito Frankestein¨, o por lo menos un film que al estar realizado, entre otras, con producción inglesa, tuviera ese toque de humor tan genuinamente británico. Pero no.
Polanski escribe su guión junto a Gerard Brach y no lo hacen demasiado terrorífico ni demasiado cómico, quedándose todo a medio camino en esta farsa donde no sobresalen precisamente unos ¨gags¨, situaciones de risa o diálogos que se puedan llamar ingeniosos. Hay algún que otro momento divertido, pero vamos, que no despega nunca. Aunque al director le tuvo que hacer gracia si lo dejó de esta manera (debe ser así el humor franco-polaco).
La culpa, en parte, es de esa pareja protagonista anodina y sin muchas luces, compuesta por Jack MacGowran y el propio Polanski apareciendo muy jovencillo; los dos sin actuar demasiado bien y con poco gancho, realmente.

Lo que sí sobresale de verdad es todo lo demás, una fotografía preciosista, una estética muy cuidada con toda la influencia de las obras de terror de la Hammer, un diseño y unos efectos ópticos buenísimos y unos personajes secundarios mucho más memorables que los protagonistas, como los que interpretan Alfie Bass, el veterano Ferdy Mayne, Iain Quarrier y esa hermosa Sharon Tate, la que fue mujer del mismo Polanski en aquella época.
En fin, una farsa como mucho simpática, pero ni graciosa ni tampoco demasiado memorable, del mito del vampirismo y de las clásicas películas de terror que trataron dichos temas. Una ocurrencia que le dio al director, situada entre dos de sus mejores películas: ¨Cul-de-Sac¨ y ¨La Semilla del Diablo¨.
Le sobran minutos, por qué no decirlo.

...si ésta la llegan a dirigir Blake Edwards o Mel Brooks sí que habría salido una comedia buena de verdad.



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Ficha Repulsión

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

10



Repulsión
De nuevo sólo necesitamos un pequeño escenario y un buen actor. Sin tanta pirotecnia, efecto o capital empleado.
Y así, con esos recursos, podemos asistir a la función que nos tiene preparada el maestro Polanski.

Una función protagonizada por Carol, una joven chica con un gran trauma a sus espaldas que poco a poco va degradándose mentalmente al tener que vivir en un mundo lleno de hombres, desagradables e inmundos a sus ojos (no se salva ni uno, cosa que no me hace mucha gracia, personalmente), hombres a los que ella repugna. Silenciosa, casi imperceptible, ella vaga por las calles de una ciudad normal y corriente y por los pasillos de su casa al tiempo que ve agrietarse la realidad y ser testigo de una auténtica pesadilla psicológica, causada por la soledad y el aislamiento autoimpuesto. Pesadilla atravesada por estremecedoras alucinaciones y secuencias impactantes para el espectador (la de las manos saliendo de las paredes...inolvidable), acompañadas de específicos sonidos (el tic-tac del reloj, el gemido de una mujer, la campana del convento) que aumentan la sensación de desasosiego.

Polanski rompe moldes y barreras con esta peculiar, extraña, dramática y experimental película, la segunda que realizó, en la que una inconmensurable Catherine Deneuve (cuyo personaje empecé a aborrecer desde el mismo comienzo hasta que llegó el final y lo entendí todo) demuestra que grande que era ya como actriz.
Puede que sea un ¨thriller¨ de suspense, o un intenso drama de connotaciones feministas, o quizá esté enmarcada en el terror psicológico. Esa es una de las mejores bazas de ¨Repulsión¨, ser inclasificable e imprevisible a todos los niveles. La atmósfera de la que dota el director a la película es asfixiante y desesperante, llena de elementos que remarcan esa intensa sensación de horror que está viviendo la protagonista (el conejo, las patatas, las manos, la navaja), además de otros aspectos técnicos muy importantes, como esa suave y preciosista fotografía en blanco y negro de Gilbert Taylor, la estridente música de ¨Chico¨ Hamilton, uno de los más grandes del ¨jazz¨, y la puesta en escena tan sencilla como sombría como surrealista donde Polanski refleja una precisión milimétrica y de lo más interesante en el manejo de la cámara. Se dan ecos del suspense más ¨hitchcockiano¨, de Luis Buñuel, cosa que queda clara con ese primer plano del ojo de Deneuve, del Ingmar Bergman más críptico, donde se pueden ver similitudes con ¨El Silencio¨ o ¨Como en un Espejo¨ (ese tic-tac tan característico ya lo había oído yo en algún sitio), e incluso hay referencias literales a héroes del director como Chaplin o Fellini.

Así ¨Repulsión¨ queda como un compendio de atmósferas, detalles y sensaciones, muy desagradable, transgresor, innovador y realmente duro para espectadores sensibles, tanto emocional como psicológicamente.
En conclusión, una obra imprescindible de la filmografía de Polanski y de la Historia del cine, que sin duda tuvo que ser de importante influencia para futuros directores como Scorsese, Lynch, Ferrara o incluso Cronenberg (el tema del terror sexual siempre ha ido ligado a él).
Por cierto, buenísimas también las actuciones de Yvonne Furneaux y John Fraser.



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Ficha Snatch: Cerdos y Diamantes

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

9



Snatch: Cerdos y Diamantes
Guy Ritchie, un hombre que se convirtió en el director de moda a finales de los 90 ganó casi 30 millones con una peliculita llamada ¨Lock & Stock¨, una maravilla de film independiente que le dio a la generación ¨Trainspotting¨ su aventura de gangsters a la antigua usanza, llena de comedia, una trama de lo más enmarañada y una ristra de personajes que no dejaban de cruzarse en las situaciones más surrealistas.

Más o menos con las mismas pautas el director reanuda con el estilo de la anterior y nos planta ¨Snatch: Cerdos y Diamantes¨ apenas dos años después.
Las reglas del juego son las mismas. Hay un montón de gente metida en negocios muy sucios que va a acabar enfrentada y algo que todos quieren o con lo que no dejan de encontrarse. Antes eran dos escopetas, ahora es un diamante de 80 kilates, antes teníamos a cuatro chavales se metían en un lío de aúpa, un negro traficante, sus fabricantes de droga, un mafioso...ahora tenemos a dos promotores de boxeo, un ladrón, un proveedor de diamantes, tres atracadores de pacotilla, otro mafioso y hasta un perro con muy malas maneras.
En fin, otro embrollo de tres pares de cojones que el sr. Ritchie ingenia con mucha imaginación pero también llevando extremo cuidado para que la trama no resulte demasiado confusa a pesar de ser en toda regla un puto lío.
Para eso hace falta un don, señoras y señores. Es increíble ver a todos estos fulanos que se cruzan entre tiros, insultos, persecuciones y amenazas y cómo unos acaban quedándose en un extremo sin ver a los otros. Los del mundo del boxeo a un lado, los de los diamantes al otro, y sin embargo, todos acaban viéndose las jetas.

Este inglés vuelve a dar en el clavo con una ¨crook story¨ elaboradísima, repleta de una comedia negra afilada, diálogos descacharrantes de la más pura escuela de Shane Black, giros de argumento que marean tanto como los bizarros planos que nos regala Ritchie y unos personajes conducidos por su estupidez y malas decisiones, como en cualquier película de los Coen, todo despidiendo un aroma ¨tarantiniano¨ bastante pronunciado (yo siempre he dicho que Guy Ritchie es el Tarantino anglosajón). Es decir, como en ¨Lock & Stock¨ aunque elevando el tono oscuro del ¨thriller¨ por encima del de la comedia y contando, eso sí, con mucho más presupuesto que antes.
Uno de los puntos fuertes, aparte de su vertiginoso montaje, es el plantel que tenemos aquí, y menuda tropa es. Dennis Farina, Benicio del Toro, Mike Reid, Stephen Graham, Lennie James, un Rade Sherbedgia brutal en el papel de Boris, ¨el Navaja¨, ese duro Vinnie Jones que vuelve de matón como Tony, Jason Statham en uno de sus mejores papeles (tampoco es que haya tenido muchos) como Turco, ese magistral Alan Ford encarnando al ¨Ladrillo¨ y por supuesto un Brad Pitt que deja de piedra mostrando su faceta más graciosa y autoparódica como Mickey, el boxeador gitano al que no se le entiende ni papa.
¿Quién no quiere quedarse junto a estos personajes para siempre?

Siempre me gustará más el debut de Ritchie, pero le sigue muy de cerca esta brutal comedia negra llena de mala leche y tantos tiros como giros de guión.
Entre sus muchas escenas memorables la que más merece recordarse es aquella en la que Sol, Vincent y Tyrone entran en el bar, amenazan a Tony (dejando espacio para que Vinnie Jones se nos presente como un tremendo actor soltando un monólogo acojonante) y acaban metidos en el tiroteo del pasillo junto a Boris y Avi. La ejecución de esas dos increíbles secuencias es digna de elogio.
Si es que Ritchie es muy bueno en lo suyo...que lástima que por aquellas fechas conociera a Madonna...



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Ficha Lock & Stock

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

10



Lock & Stock
Guy Ritchie puede que ahora haya vuelto a la primera línea del cine con esas entregas de ¨Sherlock Holmes¨ que ha estado haciendo, incluso dio una lección a todos de que podía levantarse, sacudirse el polvo y el de su historial con ¨Rock n Rolla¨.
Pero nunca ha vuelto ha dirigir una película tan fresca, tan vibrante y sobre todo tan original como la que fue su debut ¨Lock, Stock & Two Smoking Barrels¨, que sigue siendo la obra clave de su filmografía.

La suerte pareció estar de parte del inglés, quien únicamente había hecho el cortometraje ¨The Hard Case¨ tiempo atrás, cuando fue por ahí junto a Matthew Vaughn (una alianza tipo Quentin Tarantino/Lawrence Bender) vendiendo una historia que tenía la fe de poder llevar a pantalla, ya que se cruzó en el camino de la productora Trudy Syler. Tal como ella admitió aquel guión era muy largo e intrincado, estaba mal escrito, había faltas de ortografía por doquier y un montón de frases coloquiales que eran difíciles de entender...pero se partió de risa mientras lo leía.
Algunos tejemanejes más tarde y moviendo muchos hilos por fin Ritchie, en el que pocos confiaban ya que era un director novel, parecía tener todo lo necesario para empezar la que sería su primera película. Y fácil no fue, desde luego, ya que a cada dos por tres se quedaban sin dinero para poder continuar, e incluso pocos creían que el largometraje finalmente acabaría o se estancaría para siempre; al principio hubo que esperar hasta dos años para tener financiación y que todo siguiera un curso normal. Y es que esto poco tenía que ver con un rodaje en Hollywood, ¨Lock & Stock¨ era una peli independiente sin actores conocidos, para el que no fuese inglés, claro.

El argumento del film era realmente lo más increíble de todo. Guy Ritchie demuestra que tiene talento para realizar tramas enrevesadas, repletas de personajes y giros estrambóticos, pero una vez te sumerges en dicha trama no te resulta difícil entenderla; a todo esto se le añaden grandes dosis de violencia, acción y un humor negro ágil, donde aparecen chistes fáciles y que circulan tan rápidos como balas. En ella se nos cuenta la peripecia de cuatro chavales metidos en negocios sucios por las calles de una Londres corrupta que ven como su suerte se esfuma tras deber una deuda de 500 mil libras al mafioso local Harry ¨el Hacha¨ Lonsdale, y en el ajo se meten sus vecinos, que son unos chorizos de cuidado, un grupo de negros traficantes, unos pijos cultivadores de hierba, el cobrador de deudas de Harry, dos ceporros atracadores de oficinas de correos y un par de escopetas que a todos amargaran la vida.
Ritchie elabora una historia divertida aunque la mar de escabrosa donde hace un tributo al cine de gangsters en la más pura onda ¨tarantiniana¨ e influenciado por la técnica de Danny Boyle, incluso se aprecia el gusto del director por el cine de explotación de los 70 (Rory Breaker y su pandilla parecen sacados de una ¨blaxploitation¨) y el ¨western¨. No obstante, lejos de influencias, el joven Ritchie, de 27 años de edad, supo darle a todo su sello característico y crear un estilo propio.

Es cierto, todo el imaginario del director se gestaría aquí, y ya quedaría en su obra a partir de este, su debut, para la posteridad, un estilo innovador para la época del cual muchos futuros directores bebieron y tendrían de referencia. Y se basa en ofrecer una sucesión de planos vertiginosos, bizarros, utilizando a la vez cámara lenta y rápida, con un ritmo de videoclip y cuasiexperimental influenciado por el ¨Trainspotting¨ de Boyle, haciendo uso de una fotografía, iluminación y puesta en escena muy particulares, para alejarse de un aspecto natural y convencional y rayando lo surrealista, todo regado con una banda sonora de infarto llena de buen rollo.
En el apartado artístico tenemos lo que sería el distintivo cuadro de personajes de una película de Guy Ritchie. Nick Moran, Jason Flemyng, Dexter Flecther y un jovencillo Jason Statham, que da comienzo al film con esa escena mítica del mercadillo, demuestran una gran capacidad de interpretación y sobre todo de química entre ellos. A estos les acompañan los grandes P.H. Moriarty (Harry), Lenny McLean (Barry, ¨el Bautista¨), unos brutales Frank Harper (¨Dog¨) y Vas Blackwood (Rory), el polémico futbolista Vinnie Jones como Chris, haciendo un tipo de papel que luego repetiría en ¨Snatch¨, y contando con la presencia del legendario Sting como J.D., el padre de Eddie y dueño del bar que quiere quedarse Harry.

Con la tontería fue un exitazo en Inglaterra, funcionó bien en los EE.UU. y todos los críticos se rindieron ante ella, y por su inventiva e innovadora propuesta ya está considerada uno de los films más importantes de los 90. Es difícil no rendirse ante momentazos tan memorables como el tiroteo entre los negros y el grupo de ¨Dog¨ sonando el tema de ¨Zorba, el Griego¨ de fondo, el asalto de estos últimos a los porreros, la escena de la partida de cartas en el ring o ese sorprendente e hilarante final que tantos giros inesperados contiene como personajes la película. Eso sí, hagan el favor y véanla en versión original; no saben lo que pierde con el doblaje, y más si la narración está llevada por el mismísimo Santiago Segura.
Sigue siendo mi favorita de Ritchie. Cien veces que la habré visto y nunca me cansa, por mucho que me sepa al dedillo los diálogos y los giros de guión que no dejan de sucederse.

No se puede negar. ¨Lock & Stock¨ es una joya de culto por la que no pasa el tiempo y con la que ya hubieran querido muchos haber debutado en el mundo del cine.



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Ficha La Madre del Mal

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

5



La Madre del Mal
No creáis que todo acabó con la muerte de las Madres Tenebrarum y Suspiriorum, porque una maldición milenaria está a punto de ser liberada y expandirse.
En Roma, la tercera de las antiguas brujas va a despertar y hacer que comience una era de caos y oscuridad.

Habían pasado nada menos que diecisiete largos años desde que Dario Argento hiciera ¨Inferno¨, segunda entrega de su Trilogía de las Madres basada en el ¨Suspiria de Profundis¨ de Thomas de Quincey, con la que entró en la década de los 80 y concibió junto a su inseparable Daria Nicolodi.
Con ¨Suspiria¨ el italiano logró un éxito inesperado e inmediatamente se preparó para una secuela, pero tras esto, el guión que se pensaba usar para una tercera parte quedó un tanto en suspenso a la espera de poder escribir una buena historia y perfeccionar el resultado final. Y ahí se quedó la cosa, con Argento parando el proyecto e inmiscuyéndose en otros más personales, dándonos así obras muy notables de su filmografía como ¨Tenebre¨ o la genial ¨Terror en la Ópera¨. Parecía que el director se había olvidado del tema por completo cuando pasaron los 90, llegó el nuevo siglo y la trilogía no despegaba; sin embargo, allá por 2.003, anunció al fin que se reanudaría, dando forma posteriormente al argumento, nada menos que junto a cuatro guionistas más, el cual trataría la llegada de la tercera (y más cruel) de las brujas: Mater Lachrymarum.

Esta vez, cuando en unas obras realizadas cerca de un cementerio aparece el ataúd de un oficial de la Iglesia llamado Oscar de la Valle, un sacerdote interesado en el hallazgo descubrirá la espantosa verdad que se oculta no en el féretro en sí, sino en una urna encadenada a éste que contiene algunos utensilios y figuras antiguas y una misteriosa túnica roja con una inscripción.
Más tarde, en el Museo de Arte Moderno romano, las restauradoras de arte Sarah y Giselle, en un gesto inocente y de lo más impertinente (vamos, que no se podían estar con las manos quietecitas, las tías) abren dicha urna y examinan el contenido de su interior, liberando así el espíritu condenado de la Madre de las Lágrimas, la última del ancestral trío de brujas negras. A partir de ese momento, se desata en Roma una ola de caos, desconcierto y anarquía que pronostica el principio de una nueva era de las brujas; la única que puede detener esto es la joven Sarah, quien posee un increíble poder para ella desconocido heredado de su madre Elisa, una hechicera blanca que fue asesinada tiempo atrás por la Madre de los Suspiros.

La película sigue exactamente por donde se quedaron las dos entregas anteriores, mencionándose literalmente hechos de aquellas, y no puede comenzar de manera más clásica y trillada: con una reliquia maldita enterrada cuyo mal que lleva dentro queda liberado al ser descubierta por accidente. No así, el sr. Argento deja bien claro que muy pocos directores pueden ganarle actualmente en cuanto a poner los pelos de punta se refiere, y no es para menos afirmar esto; no pasan ni diez minutos de película cuando ya vemos cómo le rompen los dientes a una pobre mujer, la destripan y luego la ahorcan con sus propios intestinos...con mucha delicadeza, sí señor, así es Dario Argento.
Como otros experimentados realizadores en el género de horror, el italiano no pierde facultades a la hora de crear atmósferas terroríficas y macabras, y en ¨La Madre del Mal¨ el director hace, sin duda, lo que mejor se le da: poner el estómago del revés al público con una serie de secuencias impactantes. Se tratan temas tan poco apreciados por la Iglesia como la magia negra, el esoterismo o la alquimia en una trama a la vez aventuresca, fantástica, repleta de violencia y mucha mala leche, recurriendo al conocido terror apocalíptico que tantas veces hemos visto ya en el cine para unificarlo todo.

Lo malo es que el film no está a la altura de los grandes clásicos del director, aun poseyendo un poder visual arrollador. Vale como producto de entretenimiento pero quedan atrás los años de ¨Suspiria¨ e ¨Inferno¨ para Argento, quizá por lo tópico de su historia, de algunos personajes, por ciertos momentos innecesarios o absurdos o porque se toma demasiado en serio.
El director vuelve a meter a su hija Asia de por medio dándole el mismo papel de siempre (nunca me cae bien esta tía cuando actúa a las órdenes de su padre), contando de nuevo con Daria Nicolodi, Udo Kier y Coralina Cataldi. El mejor del plantel: el veterano Philippe Leroy como Guillermo de Witt.

...si no le doy más nota es por su precipitado y sumamente estúpido final. Ahí Argento mete la pata pero bien.



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Ficha Ópera

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

8



Ópera
Tras un par de años en los que estuvo ayudando al hijo de Mario Bava, Lamberto, en ¨Demons¨ y su secuela, el sr. Argento, muy decepcionado por sus experiencias al no poder dirigir como quería una ópera de Giuseppe Verdi, se cascó poco después este ¨giallo¨ que, al menos en mi opinión, se ha llegado a quedar entre los mejores trabajos de su filmografía.

En él nos cuenta las penurias que pasa la cantante de ópera Betty para sustituir a la principal, ya que ésta había sufrido un accidente, en ¨Macbeth¨, la obra maldita de Shakespeare, cuando de repente es acosada por un misterioso y sádico asesino que se va cargando a todos sus compañeros y además la obliga a presenciar los hechos...ahí es nada. Una vez más el italiano nos deleita con una historia llena de sensibilidad.
Ni por forros. ¨Terror en la Ópera¨ es un ejercicio visceral y salvaje de suspense, de nuevo demostrando el director lo bueno que es en el género, ofreciendo impactantes momentos donde logra transformar la violencia extrema en algo artístico, en algo que merece la pena visionar sin parpadear. Además consigue un elaborado trabajo con la cámara para hacer más atractiva la puesta en escena, destacando esos minuciosos planos rodados con steadycam que se combinan con otros muy aberrantes tomados cámara en mano, sobre todo los concernientes a las escenas de los asesinatos, los cuales, por cierto, dejan con la boca abierta por su ferocidad y por estar ejecutados con ese ¨heavy metal¨ tan estridente de fondo. Lo corrobora ya el primero, el del novio de la chica (bien apuntado por varios), que tras un diálogo ridículo en la cama, ésta es atada y le son colocadas las agujas bajo los ojos para ver cómo el otro es fundido a puñaladas...acojonante. Yo ahí ya flipé.

La trama, retorcida y frenética, pilla algunas influencias del ¨Asesinato¨ de Hitchcock (lo de desenmascarar al asesino mediante la obra lo deja claro), pero Argento logra confeccionar también una buena historia, a veces no muy brillante, sí, pero se hace amena, desconcertante, entretenida y muy interesante gracias a algunos giros de guión buenísimos (el del final es la leche), a esos elementos tan efectistas y atractivos como las armas del crimen, los cuervos y los juegos de colores y sombras, a la estupenda fotografía de Ronnie Taylor y a las interpretaciones que brindan unos inspirados Ian Charleson, la española Cristina Marsillach (una de las menos pavas que han protagonizado un film de Argento), Urbano Barberini o Daria Nicolodi.
Todo en su sitio parece...pues no. Las supersticiones que siempre se han tenido con eso de la mala suerte que da la obra de Shakespeare pasaron al set de un rodaje inundado de problemas y dificultades, cosa que al pobre Argento le costó más de un disgusto.

Con todo eso, al menos en Italia, la película fue un exitazo. No tanto como en otras partes del Mundo donde se hicieron cortes excesivos de metraje. Hoy por hoy pasa por ser de las más queridas por los fans del italiano, y eso que sólo es uno de tantos ¨giallos¨ que se hacían en los 80...¡pero joder, que ¨giallo¨!
Influencia directa para gente como Tarantino, Eli Roth o el japonés Takashi Miike, cosa que demostró en su ¨Audition¨...en la escena de la tortura final, para los que se acuerden y vean el parecido.



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Ficha La Forma del Agua

el sombra

  • 20 Feb 2018

2


La Forma del Agua
Le pongo un dos, por su dirección artística y el trabajo de los actores.
Por que lo demás no hay por donde cogerla, el guión absurdo e inverosimil, la banda sonora aburrida y nada emotiva.
No acabas de empatizar con ningún personaje, y lo peor provoca indiferencia ya que cuando sales del cine solo recuerdas los 10 primeros minutos de la película.
(y lo de la masturbación en la bañera, con una vez es suficiente Guillermo).
Lo dicho, abstenerse los que pretendan llorar en el cine.
Y los que se piensen que van haber una obra maestra también.

Si se quiere ver al cara pescado. (La mujer y el monstruo, una pandilla alucinante, hellboy e incluso la reciente la piel fria) todas ellas superiores a esta.
Pero como digo siempre esto es una opinión subjetiva, saludos.



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Ficha Tenebre

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

8



Tenebre
A veces es horrible ver que tu propia obra se traslada a la realidad, que hechos escabrosos simplemente imaginados cobren vida de la manera más salvaje y que parezca que el hallar una solución sea algo imposible.
El escritor Peter Neal tiene que contemplar cómo los crímenes descritos en su novela ¨Tenebre¨ se materializan mientras él pasa unos días en Roma, y nadie sabe quien demonios es el autor.

Un retorcido ¨thriller¨ que Dario Argento nos planta en la cara como un hachazo directo a las entrañas y que puede pasar por ser uno de sus mejores trabajos y un referente en el ¨giallo¨. En realidad todo viene de una interesante situación en la que el propio director se vio metido.
Tras el increíble éxito que cosechó ¨Suspiria¨ tras su estreno, Argento viajó a Los Ángeles por un tiempo, y vivió una experiencia la mar de terrorífica cuando un fanático empezó a amenazarle por teléfono alegando que sus películas le habían afectado mucho psicológicamente (en este mundo se ven toda clase de cosas). Por supuesto no le ocurrió nada al italiano, pero tal incidente fue lo suficientemente efectivo para que decidiera volverse a Italia. El otro fue que se encontró con que dispararon a un turista japonés en la recepción del hotel Beverly Hilton, donde se hospedaba. Sucesos que le dieron la inspiración necesaria: una sociedad donde sólo hay asesinatos sin motivo e intimidación personal. Para echar más leña al fuego, fue criticado por muchos por lo violento y aberrante de sus films, donde al parecer sólo había brutales crímenes sin sentido y chicas jóvenes bañadas en sangre, y viendo que la segunda obra sobre lo que iba a ser su Trilogía de las Madres, ¨Inferno¨, no cosechó el esperado éxito, tomó la decisión de retornar al ¨giallo¨ para sacar de dentro todo lo que tenía y para demostrar a aquellos que le imitaban tanto por aquellas fechas que él era el maestro del género.

Se puede decir que el siguiente proyecto que estaba por venir fue más que un simple film. Fue la venganza que Argento tomó contra todo, y es algo que se puede apreciar en sus muy autobiográficas referencias, usando un escritor y su libro como álter ego suyo y de sus películas como premisa para la trama.
En este contexto, más o menos provocativo y crítico, Argento despliega toda su rabia creativa en ¨Tenebre¨, de nuevo un oscuro e imaginativo ejercicio de suspense, recargado de extrema agresividad y giros de guión que confunden mucho, que hacen de este ¨thriller¨ algo nada convencional. Algunos de sus más destacados puntos son el trato del sadismo, el ¨voyeurismo¨, las inclinaciones sexuales más anómalas, la violencia por violencia, el fanatismo y algo que siempre interesó a Argento: la idea del ¨doppelgänger¨. Heredado sobre todo de su querido Hitchcock, el aspecto de la doble figura tiene gran peso en la historia, y todo ello recae en el personaje del escritor y del criminal, ya que mientras uno expresa su ira ¨asesinando¨ en sus libros en el otro lo hace en la realidad, llevando a cabo el deseo interior del primero.

El director reconoció las influencias de otros muchos directores tanto en aspectos técnicos como para el desarrollo de la historia, como por ejemplo las que le dieron Bava, Hitchcock y Antonioni (muy apreciable en la ejecución de algunas escenas), y la que pilló de clásicos como ¨Más Allá de la Duda¨ de Fritz Lang o el ¨Ángel Negro¨ de Roy W. Neill, aparte de la que está claro tuvieron en él escritores como Agatha Christie o Arthur Conan Doyle, literalmente mencionados en el film. Pero lo que al final sobresale por encima de todo esto es el feroz espectáculo al que nos somete el italiano que es sin duda su más característico sello, y eso quiere decir que también nos encontramos ante una obra muy visual, como siempre es habitual en el cine de este hombre.
En efecto, aquí nuestros ojos son bombardeados por una sucesión de escenas impactantes y tan elaboradas a la hora de retratar lo grotesco que es imposible no reconocer el arte intrínseco que posee Argento para hacerlo mejor que nadie. Si hay que destacar una escena en particular que me haya dejado pasmado es la que corresponde a la que se desarrolla en los diez minutos finales, cuando ya sabemos quien es el asesino, que transcurre entre varios golpes de hacha, sangre a borbotones, miembros cercenados y estómagos atravesados...¡la virgen, qué numerito final prepara el andoba para sus fans! Argento está completamente desatado y lo demuestra con creces.
Anthony Franciosa está más que bien en su interpretación de Peter Neal, y no está mal acompañado de esos Daria Nicolodi, Giuliano Gemma, John Steiner y Mirella DAngelo. Y en un papel un tanto más secundario hasta podemos disfrutar del siempre eficiente John Saxon, que protagoniza la increíble escena del asesinato en la plaza, ¨hitchcockiana¨ total, por cierto.

¨Tenebre¨ sufrió, por desgracia, la maldición del corte y censura, pero aunque no fuera bien vista por los críticos de la época hoy es una de las imprescindibles del italiano y del género del ¨giallo¨. Y si no tiene más puntuación de la que debiera es porque también se hace muy increíble en ciertos momentos. Por ejemplo, que alguien me explique lo del perro asesino ese persiguiendo a la chiquilla...si es que, cuando este Argento se lanza, no hay quien lo pare.
Gran influencia para directores como Carpenter, DePalma y Kenneth Branagh, que vieron en ella una inspiración para sus obras ¨En la Boca del Miedo¨, ¨En Nombre de Caín¨ y ¨Morir Todavía¨, respectivamente.



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Ficha Inferno

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

6



Inferno
La llamada Mater Suspiriorum, la más anciana, fue vencida en Alemania, pero eso sólo fue la punta del iceberg.
Dario Argento vuelve a desempolvar el ¨Suspiria de Profundis¨ para hablarnos de la leyenda de la Mater Tenebrarum, la Madre de las Tinieblas, la más bella y cruel, cuyo escondite se sitúa en New York.

Seguro que ni el mismo Argento se lo esperaba, pero ¨Suspiria¨ se convirtió en un gran éxito en su momento, tanto en Europa como en América, donde la comercializó la 20th Century Fox, y pese a su inexplicable y poco elaborado argumento (¿para qué nos vamos a engañar?) hoy está considerada una de las mejores y más influyentes películas de terror...aunque yo, perdónenme, discrepo sobre eso. Sea como fuere, el italiano no podría estar más contento con la recepción de su film, del cual reveló al poco tiempo que se trataba de la primera entrega de una trilogía basada en el escrito de Thomas de Quincey sobre las Tres Madres del Mal.
Para sacarle mayor partido al éxito de ¨Suspiria¨, el plan del director fue volver a juntarse con Daria Nicolodi y preparar una secuela, esta vez centrando la trama en la Mater Tenebrarum y en la ciudad de New York, a la que bautizaría ¨Inferno¨ (curiosamente llamaría ¨Tenebre¨ a su siguiente largometraje, que nada tenía que ver con la Trilogía de las Madres). Según Argento, este es uno de sus menos apreciados films, y la razón está en el rodaje tan pésimo que vivió, durante el cual pilló hepatitis. Los resultados saltan a la vista.

¨Inferno¨ nos habla de cómo la joven poetisa Rose Elliott descubre un antiguo libro escrito por un arquitecto llamado Varelli, ¨Las Tres Madres¨. En él se revela que estas Madres son tres brujas, las cuales poseen diabólicos poderes y dominan las fuerzas del Mal, además de morar en residencias que el propio Varelli construyó para ellas: la Madre de los Suspiros reside en Alemania, la Madre de las Lágrimas en Italia, y la tercera, la Madre de las Tinieblas, en EE.UU.. Con la sospecha de vivir en el edificio donde supuestamente se halla la tercera de las Madres, Rose escribe a su hermano Mark, quien reside en Italia como estudiante de musicología, instándole a viajar a New York lo antes posible.
A partir de que la carta enviada por la chica llegue a su destino, se irá desencadenando una serie de acontecimientos, a cada cual más increíble, inverosímil y estremecedor, dejando un reguero de víctimas en el camino, las cuales, de algún modo u otro, se hallan conectadas por el libro de Varelli. Todo parece indicar que alguien, o algo, está intentando liberar a la Madre de las Tinieblas en New York, aunque lo único que le importa Mark, por supuesto, es dar con el paradero de su hermana.

Clásica y muy extraña película de horror con la que el director de ¨Suspiria¨ se inició en la década de los 80, una etapa en la cual daría vida a algunas de las mejores obras de su filmografía, a destacar ¨Tenebre¨ y ¨Terror en la Ópera¨. Lo malo de ¨Inferno¨ es que fracasa en su intento de ponerse a la altura de su antecesora, y las razones son fáciles de apreciar: en aquella, Argento demostró que poseía un don especial para crear atmósferas de terror, atmósferas llenas de color, de sonidos, de formas, con el objetivo de impactar al ojo humano, y vaya lo consiguió. La historia, sin embargo, parecía no importar, quedando en segundo plano y sin contener un desarrollo por lo menos algo inteligible en favor del poder visual.
Aquí se repite ese esquema, se vuelve a hacer hincapié en ese aspecto, en los colores (sobresaliendo el rojo y el azul), las luces y el escenario, contando Argento para ello con la colaboración del veterano Mario Bava, amigo y mentor, y hasta del hijo de aquél, Lamberto, en las labores de asistente de dirección. Sí, somos bombardeados por secuencias impactantes en todo momento, pero la trama queda aún más abocada a la inverosimilitud, como si el único propósito del director fuese imbuir al espectador en un universo de pesadilla sin explicación alguna, tal como hiciera Lucio Fulci en ¨El Más Allá¨.

Durante casi una hora y media la película es un devenir de muertes, violencia, sangre y bizarros hechos de cuento de terror, con los personajes siendo asesinados uno tras otro, como si de un ¨giallo¨ se tratase; los últimos veinte minutos de ¨Inferno¨ la hacen ganar algo de fuerza, cuando vemos que por fin Mark se decide a investigar en el edificio. Aunque eso no es suficiente, y el resultado, por desgracia, queda un tanto mediocre.
Los protagonistas dejan mucho, pero mucho que desear (aunque nunca sabes, realmente, quién es el protagonista). Irene Miracle, Leigh McCloskey, Eleonora Giorgi y Gabriele Lavia no están bien guiados (¡como para estarlos, sufriendo el realizador de hepatitis!). Gracias a estupendos actores secundarios como Daria Nicolodi, Sacha Pitoëff, Feodor Chaliapin Jr. y la gran Alida Valli, la cosa mejora bastante.

Mejor que ¨La Madre del Mal¨ y por supuesto inferior a ¨Suspiria¨, aunque el tiempo ha colocado a ¨Inferno¨ en la lista de las 50 Mejores Películas de Terror de la Historia.
Yo no diría tanto, la verdad. De todos modos su influencia ha llegado a directores como John Carpenter, Wes Craven y Don Coscarelli o a los otros italianos Lucio Fulci y Lamberto Bava, cuyas respectivas obras ¨Demonia¨ y ¨El Ogro¨ contienen secuencias tremendamente similares (¿homenaje o plagio?) a algunas de las que se ven en el film de Argento.



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Ficha Suspiria

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

7



Suspiria
¨Bienvenidos y bienvenidas a una escuela de danza como nunca habíais visto. Una prestigiosa academia llevada con mano de hierro y que sobrevive en pie tras décadas. Y preparaos también para entrar en un mundo de pesadilla y enfrentaros a fuerzas desconocidas que jamás hubierais pensado que existirían, enterradas bajo siglos de oscuridad. No sé si llegaréis a resistir tanto¨...
Eso no lo se lo dicen a la recién llegada Suzy Bannion, pero joder si deberían hacerlo.

¨Suspiria¨ fue la primera película que descubrí de ese genial cineasta italiano Dario Argento, con suficientes galones para ser considerado uno de los maestros del terror. Un director que hoy por hoy es una referencia para prácticamente todos aquellos que se dedican al género.
Tras la que fue para muchos la obra maestra del ¨giallo¨ (suspense italiano), ¨Rojo Oscuro¨, el hombre se muestra con muchas ganas de seguir dando caña y en esta ocasión prepara una historia con la que da comienzo a su trilogía de las Madres, basándose en la obra ¨Suspiria de Profundis¨ de Thomas de Quincey y creando una mitología alrededor de las ¨madres¨ Lacrymarum, Tenebrarum y la que aquí nos ocupa: la madre Suspiriorum, llamada Nuestra Señora de los Suspiros, y representada, en cierto modo, en la figura de la directora de la academia, Helena Markos. Argento, ya con experiencia tras cinco largometrajes, decide regalarnos un cuento de terror apabullante disfrazado de ¨slasher¨, plasmado en pantalla con un estilo sorprendente y un despliegue de medios envidiable, donde vuelve a dejar patente su obsesión por crear ambientes de pesadilla únicos, atmósferas sobrenaturales y surrealistas de gran fuerza visual que parecen sacadas de una novela de Lovecraft, con especial atención en movimientos de cámara impactantes, en el gusto por el ¨gore¨ más grotesco y repulsivo, en la ejecución de una banda sonora tan estresante como estimulante y en el uso de las luces y sus colores, sobre todo el rojo (que manía tiene este hombre con el rojo), colores que se perfilan intensos, que ayudan a recalcar el ambiente enfermizo y malsano en el que están atrapados los personajes y en el cual nosotros también vamos a penetrar. Hay que reconocer que este señor es un experto en la materia visual...
con respecto a la historia y la trama en sí ya no se puede decir lo mismo. Pero en fin, no creo que importe mucho.

Es de pura y entrañable serie ¨B¨ lo que se nos plantea aquí, vamos: una chica joven que aterriza en una escuela de baile donde pasan cosas extrañas, donde al parecer la directora es una bruja con poderes maléficos que tiene como discípulos a los mismos profesores y que está acabando con las alumnos y alumnas. Lo dicho, serie ¨B¨ total.
De hecho, aunque la película me ha gustado y visualmente me haya dejado de piedra, también tengo que decir que me ha resultado algo pesada en ciertas ocasiones con la sensación de que le costaba avanzar horrores. Además, mira que hay actrices jóvenes en la misma que lo hacen bien, y han tenido que pillar de protagonista a Jessica Harper, la más sosa y cansina de todas, cuando Stefania Casini (Sara) o Barbara Magnolfi (Olga) hubieran sido una mejor elección. Por lo menos, rodeando a esta insípida chavala que parece estar dormida todo el film, se disponen actores de la talla de Joan Bennett, Alida Valli (genial en su papel de la jodida profesora Tanner), Udo Kier, Renato Scarpa o Flavio Bucci. Y como dato interesante para los compatriotas tenemos el placer de ver (bueno, tanto como placer...) a un jovencísimo Miguel Bosé que intenta como buenamente puede ofrecer una actuación que al final resulta un tanto mediocre, para qué vamos a engañarnos...pero es que verle en leotardos pegando brincos a lo Anna Pávlova no tiene precio.

El director parece influenciarse de otros como Stanley Kubrick en ciertas ocasiones (esos planos largos de los pasillos con música clásica de fondo lo dejan claro), Roman Polanski en otras (se pueden ver bastantes similitudes entre ¨Suspiria¨ y ¨La Semilla del Diablo¨) y Hitchcock la mayoría de veces, sobre todo por ese uso tan pronunciado del rojo. Pero lejos de referencias y guiños hay que decir que Dario Argento consiguió destacar dentro del ¨thriller¨ y el terror como una mente la mar de innovadora, como un cineasta a tener en cuenta en años venideros. Creo que, hoy por hoy, para iniciarse en la filmografía de este hombre, ¨Suspiria¨ es la más indicada.
Lo mejor: el final. Aluciné literalmente...joder, flipé en colores. Sólo por ese increíble cuarto de hora de final ya la película merece la pena verse, y muchísimo.

...tengo entendido que ya está realizado el ¨remake¨ con Dakota Johnson como prota (sí, sí, la de esa p**a mierda de ¨50 Sombras de Grey¨, sí)...bueno, yo no seré de los que se lo vean.



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Ficha El Gato de las 9 Colas

Mad Warrior

  • 20 Feb 2018

7



El Gato de las 9 Colas
Segundo largometraje de Dario Argento como realizador y segundo perteneciente a su conocida Trilogía de los Animales.
No es precisamente de las más requeridas por los fans del italiano, pero merece serlo porque lo cierto es que es un buen ¨thriller¨ a descubrir.

Tras su debut un año antes con ¨El Pájaro de las Plumas de Cristal¨, el director se reafirma y nos vuelve a demostrar que en eso del cine de suspense sabe manejarse muy bien, construyendo poco a poco una intrigante historia escrita entre él y Bryan Edgar Wallace llena de un suspense de la más pura escuela de Hitchcock y aderezada con ciertas dosis de erotismo y extrema violencia que se nota heredado de su otro mentor y compatriota, Mario Bava, y hasta con un ligero toque de humor muy italiano.
No destaca precisamente por su rapidez ni por sus alardes técnicos, aunque ya se aprecian ciertos detalles y técnicas que se irían repitiendo en el cine de Argento, como el uso de esa mencionada escabrosa y vistosa violencia, de la intensidad de los colores o de la elaboración de algunas secuencias, además de ya ofrecernos aquel plano subjetivo indicándonos el punto de vista del asesino o enfocando en un primer plano en los ojos del mismo, recursos que iría utilizando en todas sus posteriores obras. Hablamos de su segundo largometraje y todavía quedan muchas, muchas cosas, pero ya apuntaba maneras el hombre.

La enredada trama que nos ofrece no concierne a un felino de nueve colas, como se puede pensar, sino a un robo cometido en una clínica, y en el caso se inmiscuyen el audaz periodista Carlo Giordani y un hombre ciego muy perspicaz, Franco Arno, anteriormente reportero, que es en realidad el protagonista del film. Entre claves y enigmas va avanzando el metraje mientras se suceden los asesinatos que acaban con las pistas de los dos personajes principales y, al contrario de las muchas muertes gratuitas que harían acto de presencia en el cine de Argento en años venideros, aquí únicamente son eliminadas aquellas personas que están metidas en el ajo, eso sí, con gran brutalidad. Pero si por algo se me hizo más interesante que otros films de la misma época y estilo fue por ese sutil toque psicológico y científico que alberga (mostrado en aquella escena en la que el joven Dr. Casoni habla a Giordani de esa mutación en los genes del ser humano que lo llevan a convertirse en asesino), un elemento que acerca al film al género del ¨body horror¨ que por aquellos años practicaría David Cronenberg.
Estamos ante un ¨giallo¨ muy convencional, muy de los 70, nada que ver con la magnífica y próxima al terror ¨Rojo Oscuro¨, pero concebido por un director que innovaría dentro del género.

James Franciscus encarna al periodista Giordani, la guapas Catherine Spaak y Rada Rassimov a Anna y Bianca, respectivamente, y la pequeña Cinzia de Carolis a Lori, todos muy competentes en sus respectivos papeles, aunque a Pier Paolo Capponi como Spimi no me lo creo. Pero el que ofrece la mejor actuación es ese gran Karl Malden como el ciego Arno.
Algunas de las más impactantes secuencias, todas regadas con la música del gran Morricone, son aquella memorable del tren arrollando a Calabresi, que me dejó con la boca abierta, el estrangulamiento de la srta. Merusi o esa en la que vemos a Giordani llevando los dos vasos de leche envenenada a Anna, indiscutible homenaje que el director hace a Hitchcock (y sobre todo a su ¨Sospecha¨).

Parece ser que ¨El Gato de las Nueve Colas¨ es la película que menos gusta a Argento de su filmografía, pero yo la considero un muy interesante y entretenido ¨thriller¨, de los más elegantes de su primera etapa, además de que sirvió de influencia a muchos coetáneos de su época.



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Ficha Black Panther

Tabo

  • 20 Feb 2018

8



Black Panther
Película: ¨Black Panther¨ (2018).

La última película de Marvel Studios antes de la tan esperada ¨Infinity War¨. La verdad es que me lleve una grata sorpresa con esta cinta que igual espere mucho. El tema de que los actores son casi todos de piel morena es por las políticas de Marvel últimamente de la inclusión social que ya se vio en series como Luke Cage con el tema de personajes morenos, el tema de la homosexualidad en Runaways, la mujer empoderada en Jessica Jones, entre otros. Ahora volviendo a la critica de la película, esta cuenta con un gran argumento, con muy buenas escenas como las de persecución a Ulysses Klaue en Corea del Sur o la batalla final entre Killmonger y TChalla. Buen manejo de personajes, pero más que sobresalir el principal que era Black Panther yo creo que sorprendió mucho su hermana, Shuri, que puede ser muy bien utilizada dentro del UCM en un futuro no muy lejano. El personaje de MBaku si bien tuvo un rol secundario fue un personaje también que me gusto y que puede ser interesante más adelante.

La música dentro de la cinta es muy buena, al igual que los efectos, el ambiente en Wakanda fue otra cosa me gusto, ya que antes de ir a ver la película era una de las cosas que me preocupaba, pero quede totalmente conforme como fue representado. Las escenas de humor no fueron tan excesivas como en antecesoras, si no que fueron en los momentos justos y quedaron muy bien.

Mi puntuación para ¨Black Panther¨ es 8 de 10 posibles, la verdad es que no le puedo poner mejor nota por el hecho que por momentos se hizo larga y que se desperdicio a Klaw de mala manera (al asesinarlo), fue un villano carismático y de hecho me gusto más que Killmonger. Una cinta totalmente recomendable.

PD: No olvidar las escenas post créditos, esta cinta cuenta con dos.

Tabo.



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Ficha III

alejandropadula

  • 20 Feb 2018

2


III
Si bien la pelicula dura 75 minutos,a mi se me hizo eterna a mas no poder.No me gustan estas peliculas que en un principio es bastante conversada,hasta que el padre decide contarle el ritual que esta en el libro.Hasta ahi la peli es aburrida sin nafa por destacar.Pero despues cuando debetia empezar lo mejor,como es sabido se descubriran secretos encerrados en la mente de la chica,y a partir de alli no entendi mas nada de lo que quisieron ofrecer en esta pelicula.Cuando en un momento esa cosa dice que quiere hacer como Adan y Eva,ahi ya aguante,y no preste mas atencion a esta pelicula que mucho no me convencia en verla.Las actuaciones tampoco fueron de mi agrado,y esta peli pasara en mi caso como una estadisticas.Mi puntuacion es un 2.



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Ficha Zafarrancho en la Universidad (Las Desventuras de Merlin Jones)

Parnaso

  • 20 Feb 2018

6


Zafarrancho en la Universidad (Las Desventuras de Merlin Jones)
Merli Jones es un chaval al que le gusta la ciencia, un cerebrito que sabe crear inventos y demás, en una de estás uno de sus inventos le deja secuelas a causa de una electrocución y empieza a escuchar lo que los demás piensan, es así que con una principal sospecha de la policía el muchacho ayuda a los agentes a dar con los maleantes aunque se mete en varios líos, como en la segunda historia donde juega con el hipnotismo y le sale alguna chapucilla, la peli, siendo de aquella época es original, simpatiquilla y poco aburrida, eso si, tampoco es que sea la repanocha.



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Ficha Las aventuras de Hols, el Principe del Sol (La Princesa Encantada)

Parnaso

  • 20 Feb 2018

6


Las aventuras de Hols, el Principe del Sol (La Princesa Encantada)
Buen manga en el que aparece el típico heroe al que le encomiendan una misión para salvar el mundo y así poder ser el rey del reino. Como no podía ser de otra manera, tiene como rival al villano que desea extinguir a la humanidad y gobernar el mundo, mas como vé que Hols se interpone en su camino intenta matarlo como sea, entonces le manda un montón de desastres.
Pues bien, la peli tiene buena animación, una historia sencilla pero efectiva y unos momentos interesantillos, como la invasión de las ratas o la desconfianza de los paisanos hacia Hols siendo hechizados por la hermana infiltrada del villano. Está bien, no es para lanzar cohetes pero se vé a gusto.



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Ficha Cazadores de Mentes

Parnaso

  • 20 Feb 2018

7


Cazadores de Mentes
Ha bajado levemente su grandeza pero sigue cundiendo sin problemas. Esto es mas o menos como el juego de los 10 negritos, unos cuantos policias son enviados a una isla para superar una prueba, crecer como polis y así poder entrar a una academia. En esto que lo que parecían unas minis vacaciones entra en juego un asesino y los polis empiezan a juntar cabos para dar con quien es él. Pues bueno, siguen estando los despistes bien formulados y el desenlace que es inesperado también. Claro que ya sabiendo que es lo que pasa ya no causa la misma sensación, nada mas. Interesante.



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Ficha Ángeles

Parnaso

  • 20 Feb 2018

4


Ángeles
Nada del otro jueves, mas bien todo lo contrario, un tostonaco importante de la Disney en la que aparece un joven Joseph Gordon Levitt interpretando a un niño que ve ángeles que le da pistas para que el su equipo de mala reputación lo gre ganar la liga. En ningún momento emociona y muchas veces aburre, lo mejor de todo es ver a Mathew Maconahiu( o como se escriba) y Adrien Brody haciendo de extras sin apenas abrir la boca, seguro que muchos dirían con solo verlos que ya se les veía un futuro prometedor...en fin... que la peli no sirve ni para entretener a los niños.



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Ficha La Casa de la Abuela

juampis99

  • 20 Feb 2018

3


La Casa de la Abuela
La verdad es que la vi sin muchas pretenciones y tambien sin prestarle demasiada atencion, solo lei la sinopsis y me intereso... la pelicula es mala, eso no lo pueden discutir nadie, sera de los 80s lo que uno quiera, pero la verdad es que me aburrio por completo, quizas en otro momento o en otra vida, la vuelva a ver con mayor atencion, pero en este caso le doy un 3... Gracias. Malita.



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Ficha Funland

Gilles De Rais

  • 20 Feb 2018

0


Funland
Una comedia malísima a rabiar. Con un supuesto humor negro de lo peor. Si hay algo mínimamente que se pueda rescatar de esta porquería, quizá sería las dos veces que sale el mismísimo Humphrey Bogart... Esto ni es un thriller. Ni, como dice el anterior crítico, un slasher. Ni tampoco payaso homicida ni leches... Hasta sale un tipo imitando a Vito Corleone que, por lo menos para mí, tiene la gracia y originalidad en el culo. Os aseguro que este film es de lo peor que he visto. Y os lo dice alguien que da muy pocos ceros. Aparte de que me la he visto enterita y del tirón. Así que sé de lo que hablo.



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