Casi como una carta de despedida o un homenaje en vida, ¨Lucky¨ se transformó en la última película del extraordinario actor Harry Dean Stanton, quien falleció a los 91 años (en Septiembre del 2017), poco tiempo después de que la película se estrenará.
Lo curioso de todo esto, es que Stanton se dio el lujo de cumplir en vida uno de sus anhelos: compartir pantalla con su amigo personal, el cineasta David Lynch.
Hubo una apuesta dando vuelta entre ellos durante mucho tiempo. Stanton actuaba en casi todas las películas de Lynch, así que una vez le pidió para que fuese actor junto a él en alguna película. Esa oportunidad se pudo dar recién con ¨Lucky¨, donde comparten pantalla en algunas escenas memorables.
En otro curioso juego de inversión de roles, el actor John Carroll Lynch ejerció de director por primera vez, y la historia se repite en el rubro de guionistas, donde están Drago Sumonja y Logan Sparks, dos intérpretes explorando el terreno del guion cinematográfico.
-El anciano Lucky, afronta sus últimos años de vida en soledad, haciendo una vida rutinaria, con ciertos recelos para con el mundo exterior. Pero su modo de ver la vida irá poniéndose en jaque cuando entre en una etapa autorreflexiva y de descubrimiento.

Es arduo filmar una película que permita al espectador reflexionar acerca de la vida, la guerra, la muerte, la vejez y los lazos humanos. Se necesita de una gran sensibilidad a la hora de dirigir y escribir todas esas intenciones y emociones que se quieren obtener. ¨Lucky¨ logra alcanzar todo eso sin alardear, sin subrayar y sin ser exageradamente pretenciosa. La parte más difícil, está superada.
John Carroll Lynch abre su obra con una serie de planos generales imponentes que nos sitúan en el pueblo, en ese paisaje desértico como fondo, y un encuadre ancho como el de los western por donde vemos cruzar con lentitud a una tortuga, la pequeña excusa de la que el film más tarde hablará solo para derivar en otros temas.
¨Lucky¨ es eso, una película noble, íntima y sencilla. El guion de Drago Sumonja y Logan Sparks es sensacional por su simpleza y profundidad. La cinta va narrando la rutina del personaje día a día, y dentro de esos bloques encuentra cosas mínimas en su camino que le permiten plantear potenciales charlas o escenas reflexivas.
El drama y el humor se entrelazan también de manera brillante a la hora de construir el personaje de Lucky, un anciano que pese a su testarudez, da ternura en su soledad y tristeza interna.
¨Lucky¨ se siente como lo que terminó siendo: la despedida. Harry Dean Stanton es el alma de una película realizada casi íntegramente en función de él. Se mueve por los espacios con su cuerpo delgado, su sombrero y la vestimenta de un cowboy agotado, viejo, pero lleno de experiencias de vida.
Es extraordinario lo que transmite en pantalla con sus miradas, y los secundarios son solo eso, un grupo de amigos congregados en un bar, charlando de la vida y mirando con admiración a una verdadera leyenda que deja su última gran muestra interpretativa.
Auspicioso y noble debut de John Carroll Lynch. ¨Lucky¨ es un film bello, emotivo sin ser forzoso, y un regalo para dar conclusión al cierre de una carrera que supo ser magistral.

Una de las figuras políticas más importante de Latinoamérica es, sin dudas, José Pepe Mujica, quien fue uno de los tantos que sufrió en carne propia los horrores de la dictadura militar uruguaya, y que luego se convertiría a la edad de 75 años en presidente de su país.
El bajo perfil y la humildad, caracterizaron y conformaron la figura pública de Mujica, ampliamente valorada y respetada en el resto del mundo. Pero este año parece ser aún más especial, ya que en el Festival de Venecia están presentes dos films sobre su vida.
El legendario realizador serbio, Emir Kusturica, filmó el documental ¨El Pepe, una vida suprema¨, y por el otro lado, el uruguayo Álvaro Brechner hizo ¨La noche de 12 años¨, cinta que retrata el lapso de tiempo en el que Mujica estuvo en cautiverio durante la dictadura.
¨La noche de 12 años¨ es una coproducción entre Uruguay, Argentina y España, lo que hace levantar -en principio- ciertas sospechas sobre la conformación del elenco, dado que esto fuerza a que el film tenga intérpretes de dichos países.
Del trío principal de la película, el Mujica cinematográfico lo interpreta Antonio de la Torre (España), luego está el Chino Darín (Argentina), y Alfonso Tort (Uruguay). Es decir, ya hay como disparador todo un desafío: ¿De qué manera puede ingeniarse la película para camuflar los acentos?

¨La noche de 12 años¨ no es una película biográfica del todo convencional. Hay una decisión de Álvaro Brechner por acercar el film a lo que sería una experiencia casi en primera persona, un ensayo claustrofóbico y agobiante sobre el encierro y la locura que ello desata.
El acontecimiento que sufrió José Mujica (y sus otros dos compañeros) le sirve a Brechner para trabajar con un sonido excepcional que acentúa ruidos pequeños hasta hacerlos incómodos, una fotografía por momentos onírica, el fuera de foco, y demás recursos estilísticos funcionales a la narración.
El film, -que no tiene grandes cargas de diálogos-, debe arreglárselas para llevar adelante casi dos horas de duración con tres personajes aislados entre sí. A razón de darle un poco más de respiro al relato, Brechner incluye pasajes humorísticos (que se agradecen), y unos flashbacks que permiten reconstruir un poco del pasado de los personajes.
Quizás en esos flashbacks se pierda un poco la fuerza del relato, cayendo en un mayor convencionalismo y una cierta estética publicitaria que le juega en contra. Pero hay en su mayor parte un riesgo que es de agradecer.
La cinta retrata 12 años de encierro con un muy buen empleo del montaje. Irene Blecua esconde el tiempo (más allá de los carteles que anticipan el cambio de año) bajo la perspectiva de los tres prisioneros sumidos en la locura.
¨Un condenado a muerte se ha escapado¨ de Robert Bresson, es claramente la primera influencia que tiene el film, sobretodo al momento de comprender la psiquis de los prisioneros. La película pocas veces se vuelca a mostrar en exceso la violencia física, si no más bien la psicológica, y es ahí donde Brechner vuelve a marcar la diferencia con la decisión que tomaría otro film.
El reparto está verdaderamente bien. ¨La noche de 12 años¨ sale airosa en ese desafío de las tonalidades, y Antonio de la Torre se muestra comprometido en su rol. El Chino Darin no se queda atrás, en otro papel de riesgo que le permite salirse del mote de galán para mostrar sus cualidades interpretativas. La que si está totalmente desaprovechada es Soledad Villamil, que encarna un personaje sin vuelo y sin importancia, que está allí solo por las exigencias que implica una coproducción.
¨La noche de 12 años¨ es una muy agradable sorpresa, realizada con un talento visual y auditivo impresionante. La mejor parte esta cuando se acerca al cine más experimental. Álvaro Brechner encontró interesantes herramientas para construir un ensayo sobre la locura, y en ese sentido, la película te permite vivirlo casi en primera persona. Es de agradecer encontrar films que se arriesgan a ir por más.

Obra extraordinaria que rebalsa de cine por todos sus costales. ¨Lunas de hiel¨ es un melodrama, es literatura, es cine de Hitchcock (¨Vértigo¨, ¨La ventana indiscreta¨), es algo de comedia negra y también cine erótico. Polanski hace una conjunción maravillosa y nos deleita con un film estupendo que está construido casi en su mayoría por flashbacks del pasado y un narrador que se asemeja al típico narrador de las novelas.
Emmanuele Seigner y Peter Coyote llevan el mando con grandes actuaciones y un riesgo absoluto en este producto plagado de emociones y una dirección absolutamente superlativa. Hay que verla.

El título ¨Las más famosas estafas del mundo¨ condensa todas las búsquedas de esta película de 1964, narrar varias estafas producidas en algunas de las principales ciudades del planeta. Con ese disparador básico, el film reunió a 4 cineastas europeos muy reconocidos (en sus inicios) y uno asiático para rodar este film antológico dividido en 5 episodios.
1-Tokio, de Hiromichi Horikawa: Una joven se acuesta con un hombre adinerado con el fin de obtener algo de dinero. Fatalmente este muere, y entonces ella comienza a idear el plan para quedarse con todas sus ganancias.
2-Ámsterdam, de Roman Polanski: Una joven mujer es seducida por un diplomático rico que le deja su tarjeta de visita y hace una cita. Ella va a una tienda de joyería y, con la ayuda de la tarjeta, le pide que finalice una venta de joyas en la casa de su supuesto marido.
3-Nápoles, de Ugo Gregoretti: Una joven prostituta tiene prohibido quedarse en Nápoles, entonces clandestinamente intentara casarse con un napolitano y obtener su estadía.
4-París, de Claude Chabrol: A un hombre adinerado lo convencen de poder comprarse la Torre Eiffel, pero no sera mas que un chantaje...
5-Marrakech, de Jean-Luc Godard: Una periodista estadounidense es arrestadoaen un mercado de Marrakech en posesión de dinero falso.

1-El corto juega hábilmente en la tragicomedia, partiendo del disparador de una prostituta que se acuesta con un anciano. Horikawa construye con minuciosidad las piezas para hacer un muy divertido y delirante trabajo que con poco consigue demasiado. Cada decisión formal de Horikawa ayuda a que la película por sus propios medios pueda generar hipótesis entre los policías. Es genial. Un 7,5.
2-El trabajo de Polanski es un thriller muy nouvelle vaguero. La acción transcurre en las calles de Ámsterdam (sustituyendo a París), y se van dando pequeños periplos que refuerzan el interés y mantienen las principales constantes de la anterior historia. La extensión de esta historia en particular es mucho más grande, y eso hace que se difumine por momentos su atractivo, su fuerza, aunque nunca deje de ser un buen material. Un 6,5.
3-Naples, de Gregoretti es un divertido episodio que se postula como una comedia ligera sin mayores preocupaciones. Con un tono alegre y sin entrar en mayor espesor, Gregoretti narra un cortometraje eficaz que aprovecha sus materiales disponibles. Un 6,5.
4-Chabrol se sostiene con una trama bien simple pero absolutamente graciosa. Como único punto negativo podría señalar al insoportable y griton protagonista, pero Chabrol aprovecha su dinámica y su interpretación física para construir un corto eléctrico y perspicaz. Un 7.
5-Relato irrelevante, somnífero y bajo la lupa del siempre peculiar y sobrevalorado Godard. 4,5.
¨Las más famosas estafas del mundo¨ es una, en general, buena película que recopila 5 cortos entretenidos y disfrutables. Sirve como antecedente de directores que tendrán grandes carreras como el propio Polanski, Godard o Chabrol. Mi nota es un 6,5.

¨Oliver Twist¨, la célebre novela publicada en 1838 por Charles Dickens, contó con no menos de 5 adaptaciones cinematográficas (animadas y en acción real) que se sucedieron desde 1922 en adelante.
La última de ellas la filmo el célebre realizador Roman Polanski, que con 72 años se puso al frente de una adaptación compleja y que necesitaba de un intenso despliegue de producción.
Esta ¨Oliver Twist¨ de Polanski esta muy bien narrada, pendulando entre una historia amable, cándida, pero también dura y oscura, que hace que este enfoque sea un tanto difuso y para nada familiar.
La precisión artística del film, la notable puesta en escena, y la enorme capacidad de Polanski para crear encuadres pintorescos, la convierten en una mas que atractiva producción llena de bellas imágenes pero también mucho talento detrás.
Quizás el desenlace resulte apresurado o muy condensado, y ahí es cuando Polanski pierde un poco de precisión en su dirección, y recurre a una serie de acontecimientos forzados y azarosos para concluir la trama, pero es innegable que toda la construcción para llegar hacia esos puntos se da de una gran manera.
Polanski despliega a personajes caricaturescos, con actuaciones muy físicas (como la de Ben Kingsley), para rodear a la historia de una gota de estilización impulsada también por la propia puesta en escena.
¨Oliver Twist¨ es una película muy poco Polanski, pero eso no quita que este narrada de muy buena manera, con un estupendo pulso, y brutales encuadres. Polanski se propuso acercar el cine a la pintura, y aquí lo ha hecho como los dioses. Mi nota es un 7.

Pensábamos que luego de ¨La lista de Schindler¨ volver a filmar algo sobre el nazismo seria complicado y difícil de igualar. Pero llego en el 2002 ¨El pianista¨, de Roman Polanski, una extraordinaria, monumental y voraz película dirigida con el corazón y talento necesario.
¨El pianista¨ elude la tradicional mirada sobre los campos de concentración, para narrar una épica historia que se fragmenta en dos bloques argumentales que se distribuyen en dos horas y media realmente memorables.
La primera parte del film se centra en ese aislamiento de los judíos en Varsovia, separados por un muro del resto de la sociedad. El film nunca se despega del punto de vista de su personaje principal, y somos testigos de momentos truculentos y desgarradores, acentuados por una fotografía con tonalidades grises que produce un cambio lumínico con respecto al afuera.
Ya la segunda parte esta narrada desde afuera, y es neorrealismo puro. Roman Polanski deleita con planos colosales, una precisión narrativa abismal, y un personaje que vagabundea en un desierto de escombros que antes fueron ciudad.
La cámara bien apegada al pianista nos permite vislumbrar solo una parte del terror. La desesperación, el hambre y la supervivencia se adueñan del relato de una manera brillante, sostenida por una superlativa interpretación de Adrien Brody.
Un enfoque impresionante y desgarrador sobre el holocausto. Roman Polanski filmo una verdadera obra maestra. Para mi, una cinta inolvidable.

Las trampas de un guión maestro

La situación política-económica de Argentina estaba atravesando un momento muy delicado y a punto de desembocar en la mayor crisis de la historia del país, todo producto del pésimo gobierno de Menem, seguido por De La Rua, y mas tarde con los interinos Puerta, Rodriguez Saa, Camaño, y Duhalde.
Se dice que los grandes films nacen de la necesidad de una sociedad por expresarse, y en el año 2000 llego ¨Nueve reinas¨ a la Argentina, uno de los clásicos mas importantes e influyentes de la historia del cine argentino.
¨Nueva reinas¨ fue el nac y pop del momento en la Argentina, pero por méritos propios tomo reconocimiento mundial, y hasta tuvo un remake norteamericano en el 2004, titulado ¨Criminal¨.
Fabian Bielinsky fue un cineasta talentoso sin suerte, que dedico gran parte de su vida a ser un asistente de director en decenas de largometrajes, y dirigiendo comerciales publicitarios. Como fanático empedernido de Borges y Cortázar, dirigió y escribió numerosa cantidad de cortometrajes basados en sus cuentos, y su debut en la gran pantalla se dio con ¨Nueve reinas¨.
A Bielinsky le costo mucho llegar. Los productores creían que no era un cineasta con el suficiente talento, ni la experiencia, pero Bielinsky lejos de achicarse pulió un guión que venía escribiendo desde hacía tiempo y lo presento en el concurso ¨Nuevos talentos¨.
El guión de Bielinsky resulto ganador por sobre otros 354 guiones mas, y asi consiguió la financiación necesaria para llevar a cabo su primer largometraje.
Luego de su debut, Bielinsky se puso a trabar con su segunda y última película, ¨El aura¨ (2005), donde confirmaba sus cualidades. De repente, sin previo aviso, su carrera se vio interrumpida tragicamente cuando con tan solo 47 años falleció de un infarto en Brasil en el año 2006, poniendo asi fin a una breve pero talentosa carrera de un cineasta que tenía mucho mas para dar.
¨Nueve reinas¨, con presupuesto irrisorio, contó con las actuaciones de un Ricardo Darín en pleno vuelo, y un Gastón Pauls apunto de hacerse conocido gracias a este film.
La película trata sobre dos estafadores de poca monta, que casualmente se ven envueltos en un asunto que les puede hacer millonarios: tienen menos de un día para hacer una estafa que no puede fallar.

Genialidad del gran Fabian Bielinsky, que filma con maestría y precisión un baluarte de la cinematografía argenta al que solo le basta tomar una historia mas de atracos para imprimirle su sutileza y calidad.
La crítica hacía ¨Nueve reinas¨ debe comenzar destacando su guión el cual es descomunal, lleno de trampas y giros que hacen ir al film de un lado a otro con una astucia fabulosa y envidiable.
Luego, la construcción de los personajes es increíble, se empieza a formar una especie de ¨Clue¨, donde no sabemos quien es quien, y donde todos parecen inocentes. El espectador, cumpliendo el rol de detective, intentara deducir pero fallara ante las trampas de un guión brillante.
La química de la dupla protagonica, Darín-Pauls, es dinámica, inolvidable y graciosa. Los dos encajan perfecto en sus papeles, como si estuvieran tallados a medida, y hasta se animan a improvisar con total solvencia y naturaleza, recitando geniales y memorables diálogos llenos de chispa.
¨Nueve reinas¨ parece un film nacido para representar la caótica situación de una Argentina a punto de colapsar, y en ese sentido, los personajes luego de un rato de film comienzan a ser seguidos por la cámara sin ningún propósito, como el neorrealismo italiano, es decir, la excusa son las 9 reinas, pero Bielinsky toma esos factores para representar la corrupción, los problemas financieros, la duda, la violencia, la pérdida de bienes, y el declive de un país, pasando las 9 reinas a un segundo plano.
Por ello digo que ¨Nueve reinas¨ es mas que un thriller con tintes de humor, es un neorrealismo trasladado a la actualidad, que fortalece la motriz emocional de sus personajes y el trasfondo de la ciudad.
La fotografía de Marcelo Camorino es muy buena, trabaja con algo muy complicado que es la hora mágica (6 a.m. aproximadamente), y cambiando la iluminación acorde a cada hora del día, ya que el film de Bielinsky simula ocurrir en un día entero.
Bielinsky mete decenas de planos secuencias y giros de 360 grados complicados de lograr, y que le dan otro tipo de ritmo y naturaleza al film, no tan plástico ni falso.
¨Nueve reinas¨ tiene un inmejorable guión que da cátedra, una dirección excelente, dos grandiosos actores que lo hacen fenomenal en una de las mejores duplas de la historia del nuevo cine argentino, y mucho talento por detras que la hace una obra maestra cumbre del cine nacional. A no perdérsela. Gracias Bielinsky!
Actuaciones:7.5
Música:6.5
Historia:7.5
Final:8.0

Mi nota para ¨Nueve reinas¨ es un 8.5/10. Muy buena.



Lo mejor: El guión y su final son indudablemente lo mejor del film.
Lo peor: Nada para reprocharle al film.

Una película pequeña e intimista, en donde Adrian Caetano regresa al cine más independiente desde ¨Bolivia¨.
El recurso elíptico va tejiendo el hilo narrativo de un film que además va y viene con escenas del pasado y del presente.
El desnivel interpretativo de los no actores perjudica un poco el peso de algunas escenas dramáticas, pero ¨Francia¨ gana también en esa naturalidad y esa monotonía que pretende la película.
Caetano no cae nunca en la dureza que la trama podría ofrecer, y ese es también uno de los aciertos a la hora de mantener esa mirada del mundo infantil.
Pero la película está lejos de ser redonda. El subrayado en algunos pasajes donde la voz en off se hace presente, y la poca precisión a la hora de alternar la visión del mundo adulto y el infantil, la hacen un tanto floja.
Caetano nunca se la juega del todo por una de las vertientes y el conjunto termina siendo frió.
¨Francia¨ tiene la estética de videoclip, algo del cine experimental, la insinuación de un drama realista, la mirada del mundo infantil, el collage, y hasta pasajes literarios. Hay muy buenas intenciones que bien pudieron haber dado un resultado aún más alto.

Belleza cinematográfica dirigida por el italiano Luca Guadagnino, quien filma un drama profundo, prolijo, desprejuiciado y que nunca cae en los golpes bajos donde habitualmente estas temáticas tropiezan en el cine.
¨Call me by your name¨ es una historia de breve amor adolescente que se desarrolla con paciencia y lentitud para llegar con la suficiente entereza a los momentos mas intensos de un film excepcional y emocionante, que no obstante, no seria lo mismo sin la frágil, natural, y carismática actuación del joven Timothée Chalamet que se manda la interpretación del año. Con una simple mirada Chalamet logra capturar todo lo que no dice en sus diálogos, y soporta largos minutos en donde la cámara se posa justo frente a el para absorber todo su poder actoral. También vale mencionar que Armie Hammer lo secunda de maravilla y establece una conexión asombrosa entre ambos personajes.
Es increíble ver la capacidad y el tempo de Luca Guadagnino para ir construyendo sus dos personajes principales al máximo posible y situar con sutileza y paciencia esos pequeños gestos que irán desencadenando esta apasionada historia.
Guadagnino hace con ¨Call me by your name¨ esculturas en movimiento, desde la elección de sus actores, a los encuadres elegidos, la importancia de los cuerpos, las piernas, y unos fondos que son solo espacios sin valor por los que deambulan estos dos personajes destinados a vincularse con una intensidad apabullante.
Para mi, hasta el momento, la mejor película de los Oscar. Notable. Un 8.

La sobrevalorada del año llegó y es ¨Lady bird¨, la nueva coming of age que se robó los elogios de los festivales y la crítica.
Nadie puede decir que es una película mala, en lo absoluto, pero está lejos de la brillantez con la que la han pintado. Un cuento adolescente tierno sobre crecer, bien dirigido, con buenas actuaciones, con un guion doblegado por una estructura de cine moderno sin un conflicto marcado y un montaje que trabaja con paciencia y delicadeza.
¨Lady bird¨ es una buena película pero no mucho más que eso. Una comedia optimista y respetuosa dirigida con elegancia y transitada por una correcta Saoirse Román. Ahora, dígame cuál es la diferencia de este film teen a otro ? Ninguna o más bien poca. Un correcto 6.

Una biopic política realizada al pie de la letra como a los Oscar le gusta. No es demasiado incisiva en sus objetivos e intenta resaltar el heroísmo de la figura política que en este caso nos concierne: Winston Churchill.
Hay una fotografía realmente extraordinaria, un virtuosismo de movimientos de cámara, una física y enorme interpretación de Gary Oldman (seguro ganador en su terna) y el apoyo de una producción gigantesca e imponente.
¨Las horas más oscuras¨ entretiene pese a su densidad de temas políticos. Es un acercamiento liviano a la figura política de un auténtico líder. Nunca muy arriesgada en sus intenciones pero es suficiente para construir una elegante producción política que hace incapie en las horas más oscuras de la vida política de Churchill, el avance del nazismo. Un film que funciona como antesala perfecta de ¨Dunkerque¨, ambas competidoras que abordan temas similes desde distintas perspectivas, una desde el lado político y la otra del lado bélico. Se disfruta. Un 6,5.

El sueño de Joe Dante de poder rodar una película con los Looney Tunes se hace realidad luego de tanto tiempo, y llega en un momento casi conclusivo de la carrera de un cineasta que acababa de cumplir los 57 años en el 2003.
¨Looney Tunes¨ es un proyecto que parece haberle llegado muy tarde a Joe Dante, cuando su mejor época de creatividad se había acabado, y el resultado del film no deja de ser mas que el reflejo de la debacle cinematográfica de su director.
La película se plantea de entrada como un auto homenaje en vida a la Warner Bros (productora del film), ya que aquí se hacen presente todo tipo de invenciones cinematográficas y animadas que el estudio ha tenido, luego si, la película responde a su función de ser una aventura de los Looney Tunes principales, aunque sin chispa ni gracia.
Hay que admitir que la historia tiene su cierto encanto al comienzo, pero eso se pierde rápido por lo mal actuada, animada y ejecutada que esta, sumado a esa idiota justificación argumental que enreda a los personajes en una trama de espionaje espantosa y olvidable.
Los personajes son intolerables todos, desde los humanos a los animados, pero principalmente los de Brendan Fraser y el tontisimo papel de Steve Martin que hacen muy cuesta arriba el digerir esta mala película.
Los gags son pobrisimos no tienen gracia ni imaginación, y es una pena porque a lo largo de la carrera de Dante estos fueron una gran basa de su entretenimiento.
La cordura de la narrativa se altera rápidamente con un ritmo eléctrico y espantoso que irrita al punto de llegar a que nunca empaticemos ni con los míticos personajes porque el guión los hace pesados y odiables.
Lejos la peor película de la carrera de Joe Dante. Un film donde la reina la tontería, y que esta pre-fabricado con ninguna migaja de cerebro. 3,5 para ¨Looney Tunes¨.

¨The post¨ fue la película mas ignorada de la temporada de premios y de los Oscar, (siendo nominada en este último tan solo como mejor película y mejor actriz), pero todo esto resulta irrisorio cuando vemos el esplendido trabajo en dirección que realiza el inoxidable Steven Spielberg y la calidad del film en si.
Los Oscar de este año presentan hasta el momento un nivel alto y parejo en cuanto a films, y ¨The post¨ no quiere ser la excepción siendo una película clásica tremendamente construida, de esas que Hollywood ya no suele hacer.
Los méritos de un director aparecen cuando pese a que el film trate sobre temas que a uno pueden no interesarle este logre atrapar igual al espectador con artilugios narrativos, y eso es lo que hace Spielberg cuando fabrica esta fenomenal carta de amor al periodismo critico y combatiente.
Hay escenas con una intensidad maravillosa, y están acentuadas por la solida actuación de Tom Hanks, y la enorme interpretación de Meryl Streep que con solo una mirada lo dice todo. Los leves travellings in y cada uno de los movimientos de cámara están planteados y pensados para sucumbir y reposar en unas actuaciones magistrales.
Banda sonora genial, un ritmo lento pero jamas aburrido, unos diálogos excepcionales, unas actuaciones de alto nivel, y una dirección de Spielberg colosal, son las basas de ¨The post¨, un film que llega en un momento y contexto justo para la crisis del periodismo a nivel global. Cine clasico con todas las letras. 7,5 para lo último de Spielberg.

Partiendo de una premisa simple, Martin McDonagh configura en ¨Tres anuncios por un crimen¨ un universo tan pesimista, como cínico y plagado de un humor negro que impregna a esta tragicomedia de una -por momentos- brillantez única.
Protegida por las enormes actuaciones de la inoxidable Frances McDormand y el sorprendente Sam Rockwell, ¨Tres anuncios por un crimen¨ expone su influencia directa sacada del cine de los hermanos Cohen, pero no se limita jamas a quedarse encasillada en dicho trono, si no que toma la fisonomía de un film personal y único.
Jamas del todo drama, pero jamas del todo comedia. Martin McDonagh logra un equilibrio justo entre ambos polos que van llevando la narrativa por un camino impredecible y ácido.
Woody Harrelson, es cierto, vuelve a hacer de si mismo en su pequeña interpretación, pero es justo mencionar que el film esta compuesto de un elenco realmente excepcional que brinda lo mejor de si en unas actuaciones fabulosas.
Aderezada por una banda sonora magistral (seguramente ganadora), y un guión simple en trama pero brillante en diálogos, ¨Tres anuncios por un crimen¨ se instala como una propuesta realmente atractiva de ver aprovechando la temporada de premios.
Encuentro que quizás la película tiene un par de problemas a nivel montaje, (categoría a la que justamente esta nominada), pero eso se debe a una construcción apresurada de algunas tomas y la resolución poco fina de algunas escenas.
Mas allá de eso, Martin McDonagh logra conquistar a Hollywood con una película dirigida con gran pulso, solventada por enormes actuaciones, y que presenta lo mejor del bagaje cinematográfico de los hermanos Cohen. Un 7,5.

Película valiente que no cae en la típica biopic con corrección política que a Hollywood le gusta ver. Divierte con su crudo humor negro, y se sostiene con las solidas interpretaciones principales.
Margot Robbie sostiene su actuación con una enorme intensidad y un gran cambio de matices que la hacen meritoria de los elogios, y Allison Janney haciendo del típico rol de madre villana se encasilla por lejos entre una candidata segura a mejor actriz secundaria en los Oscar próximos. Sencillamente genial lo de Janney.
¨Yo, Tonya¨ esta lejos de ser una película biográfica mas, y eso es bueno. Es un film políticamente incorrecto, duro y con un humor tan perverso como cruel. Sorprendente.
Como único pero, se puede decir que el guión por momentos tiende a dejar un poco de lado la parte de su carrera como patinadora (sus entrenamientos, por ejemplo), para centrarse mas en lo conflictivo de su relación amorosa, pero en general el equilibrio es mas que satisfactorio e interesante. Un 6,5.

James Franco hace con ¨The disaster artist¨ su propia ¨Ed Wood¨ (aquella excelente biopic dirigida por Tim Burton), recreando un pasaje de la vida del enigmatico director/guionista/actor/productor Tommy Wiseau que en 2003 rodó la peor película de la historia, ¨The room¨.
Hay que reconocerlo: James Franco le ha cerrado la boca a todo Hollywood con una tragicomedia realmente notable, que intenta re-configurar con cariño (y sin faltar el respeto) la epopeya de este olvidable rodaje.
El trabajo de James Franco como director es muy bueno porque nunca deja que la película caiga en la fría y despiadada parodia de un director desastroso, si no que, al igual que Tim Burton, lo intenta comprender con un tratamiento cuidado y realizado desde el corazón.
Como un arma de doble filo, ¨The disaster artist¨ logra ser una comedia fantástica que hará reír pero también emocionar apelando a la sensibilidad del personaje de Wiseau.
James Franco esta absolutamente comprometido y logra la mejor la interpretación de su carrera, emula los movimientos, la dialéctica, y todo lo necesario para ser una excelente recreación del verdadero Wiseau.
¨The disaster artist¨ no cede a la tentación de burlarse despiadadamente de su figura y recrea una historia bella, magnifica, filmada con el corazón, y donde Franco se redime otorgándole un verdadero homenaje a la valentía de un tipo como Wiseau. Un 7,5.

Película que aborda todos los tópicos que a los Oscar y a Hollywood le gustan: la discriminación racial, la rebelión, el drama carcelario, la pobreza y otros clichés mas que se reúnen en ¨Detroit¨, un film bien realizado por Kathryn Bigelow que seguramente ligara algunas nominaciones en los Oscar.
¨Detroit¨ puede dividirse en tres grandes bloques que son la rebelión, la feroz represión en el hotel, y el juicio, pero la que se queda con los laureles es sin dudas la enorme escena en el hotel, que esta dirigida con tensión, intensidad, dramatismo y una violencia desgarradora que expone las mejores virtudes de Bigelow tras las cámaras.
La actuación secundaria de Will Poulter, digna de Oscar, es extraordinaria, sobresale por sobre el resto con gran diferencia y se devora cada una de las escenas en las que aparece.
¨Detroit¨ es un interesante acercamiento a los conflictos raciales y la represión policial constante en los barrios marginales. Bigelow quiso en este film abordar la problemática desde lo mas cercano posible, y lo consigue trabajando con una cámara inquieta y metida en el medio de la zona de conflicto. Un 7.

Difícilmente Woody Allen falle ofreciendo una mala película, y si bien ¨Scoop¨ esta verdaderamente lejos de lo mejor de Allen, es una pieza con toda la escencia propia del realizador neoyorquino.
En esta oportunidad, el melodrama se entrecruza con una pizca de fantasía que viene dada por el mundillo de la magia que adereza la producción para poder introducir un misterio, un asesino suelto.
Jazz, amor, asesino, magia, Woody Allen actuando, y un rico elenco son las bisagras que sostienen a ¨Scoop¨, una película autenticamente Allen.
Correctas interpretaciones y correcta dirección. Un film menor dentro de la extensa filmografia del director, pero eso si, altamente disfrutable como todo lo que filma. Un 6,5.

Cine bélico sin enemigo.

Christopher Nolan es el cineasta que divide las aguas desde hace casi dos décadas cuando inicio su carrera con la ultra independiente ¨Following¨ en 1998. Desde entonces, existe una legión de fanáticos que lo veneran como el Stanley Kubrick de la actualidad (Nolan se considera fanático acérrimo del director), mientras que hay otra mitad que lo detesta por su estilo y la forma de rodar que tiene.
No obstante, Christopher Nolan desplegó una carrera con altibajos (aunque muchos lo nieguen), y producciones tremendamente ambiciosas, incluyendo una trilogía de ¨Batman¨ que cambio por completo la perspectiva del héroe por una mas oscura y adulta.
Hollywood adora a Christopher Nolan porque jamas le da perdidas económicas a los estudios. Entonces, el premio es una total libertad creativa a la hora de hacer y pensar sus películas, cosa de la que muy pocos cineastas gozan en la industria comercial de Estados Unidos.
Yo personalmente no considero a Nolan un maestro, en mas, sin llegar a detestarlo me parece un cineasta absolutamente sobrevalorado, que intenta todo el tiempo forzar lo filosófico, lo metafísico, las complejidades temporales, y que luego quiere explicártelo con diálogos didácticos para dejar satisfecho a todos (aun cuando las cosas que plantea en sus películas sean estupideces enredadas innecesariamente). Todos esos excesos y esa pretensión tan marcada lo transforman en un realizador que intenta ser exclusivo y superior al espectador, pero que jamas lo es.
Este Nolan tan cargante y prepotente se ha mostrado mas que nunca en sus últimos trabajos que habían sido ¨El origen¨ e ¨Interestelar¨, dos bodrios monumentales con una duración exageradamente larga para lo que se narra que es mucho mas fácil de lo que parece a simple vista.
Pero eso si, hay que reconocer que Christopher Nolan es un director con un talento poderoso a la hora de trabajar la parte visual de sus películas, y también un guionista que construye bien las capas temporales, sobretodo en sus películas menos pretenciosas como la muy buena ¨Memento¨ (2000).
La décima película de Christopher Nolan es ¨Dunkerque¨, y llego 3 años después de ¨Interestelar¨. En esta oportunidad y por primera vez, Nolan se sumerge en el cine bélico y en una historia real, algo que a priori parece un limite para la imaginación argumental del director.
Como toda nueva película de Nolan se genero un aura de impaciencia por ver lo que el director británico había hecho, y por primera vez ocurrió algo impensado: fanáticos y detractores quedaron satisfechos por igual con el resultado final de esta película, que dicho sea de paso dura 100 minutos solamente, todo una epopeya para las películas de Christopher Nolan que suelen llegar a las casi tres horas de duración.
La película nos narra como en plena segunda Guerra Mundial, en las playas de Dunkerque, cientos de miles de soldados de las tropas británicas y francesas se encuentran rodeados por el avance del ejército alemán, que ha invadido Francia.
Atrapados en la playa, con el mar cortándoles el paso, las tropas se enfrentan a una situación angustiosa que empeora a medida que el enemigo se acerca.

¨Dunkerque¨ esta lejos de ser la obra maestra que los fanáticos de Nolan dice que es, pero si es una de las primeras veces en las que termino muy satisfecho con el trabajo del director británico, porque se desprende de los peores excesos de su filmografía, y construye un film tan diferente como poderoso.
Christopher Nolan invisibiliza al enemigo, lo hace abstracto, y le confiere al fuera de campo una importancia mayúscula, como pocas veces la industria de Hollywood lo hace actualmente.
¨Dunkerque¨ rompe con los clichés del género bélico, se aleja de la parafernalia de su realizador y compone una cinta riesgosa en sus intenciones pero eficaz en su ejecución.
Ya no hay aquí la pretensión filosófica forzada, tan solo tenemos una película audaz, intimista, y hecha para la vivencia de los soldados supervivientes mas que para las destrucciones. Es decir, Christopher Nolan aprovecha el entorno bélico para crear un film que humaniza a sus protagonistas, los soldados.
La película es una experiencia 100% audiovisual, en el sentido de que ¨Dunkerque¨ le da igual importancia a las imágenes que al sonido. Todo esta trabajado arduamente en cada detalle. Nolan sostiene su película y su narrativa tan solo con el poder de las imágenes y el sonido.
Hay actuaciones convincentes, pero no maravillosas, porque el film no lo requiere. Sin embargo, tenemos el debut actoral del cantante de One Direction, Harry Styles, que sorprende y obtiene un cierto peso en la trama con un personaje bien encarnado con compromiso.
La banda sonora de Hans Zimmer es deliciosa. Acentúa la oscuridad del film y el desazón. Zimmer comprende cada imagen con la música exacta y sin jamas lograr una composición pomposa. Merece su nominación.
La fotografía, con predominio del gris y el azul es impresionante, y resalta el valor de Christopher Nolan a la hora de exponer imágenes poderosas y maravillosas.
El trabajo de sonido es descomunal, sobretodo en un film como ¨Dunkerque¨ que posee pocas líneas de diálogos y mucho silencio. Las balas y las bombas suenan como si estuvieran al lado, y la respiración y pánico se sienten. Nolan da cátedra ofreciendo uno de los mejores sonidos en años (seguramente galardonado en los Oscar entrantes), y arriesgándose a una película casi muda de palabras y perfectamente narrada en imágenes.
¨Dunkerque¨ es una película que flota y donde no hay un protagonista marcado, eso provocara como punto negativo que no empaticemos con los personajes, una clave fundamental para atrapar al espectador, al menos en el cine comercial.
Creo que Christopher Nolan pensó el film mas bien como una especie de neorrealismo italiano ubicado en la guerra británica, pretendiendo que el público observe y se sumerga en el caos de una guerra terminada y en el drama de supervivencia de unos soldados que vagabundean por las costas y los mares intentando mantenerse con vida.
Hasta acá tranquilamente ¨Dunkerque¨ podría haber sido de otro realizador, pero tranquilos porque Nolan impone su sello en el guión proponiendo distintas lineas temporales y espaciales de los hechos.
La trama ocurre en tierra, agua y aire (3 espacios), con 3 distintos tiempos que complejizan -como siempre en Nolan- la linea narrativa. Así entonces, ¨Dunkerque¨ se va constituyendo como un rompecabezas complicado donde esta vez los personajes no explicitan las respuestas jamas.
Nolan lo logro. ¨Dunkerque¨ es una sólida e interesante propuesta que rompe con el clásico cine bélico y va un poco mas allá. Lejos de los excesos, cerca del triunfo.
Actuaciones:6.5
Música:8.0
Efectos:8.0
Historia:6.5
Final:6.5

Mi nota para ¨Dunkerque¨ es un 7/10. Muy buena.



Lo mejor: El sonido es apabullante.
Lo peor: Da la sensación de que a la narrativa le falta algo mas de fuerza, y no me refiero a explosiones.

Brillante. Woody Allen rodó en 1993, ¨Manhattan murder mystery¨, una película de estructura compleja que juega entre la comedia y el género de intriga con un resultado notable y atrapante.
Largos diálogos, una cámara que panea y trabaja en acompañamiento de los actores (mas que en su propio virtuosismo), unos actores endiabladamente geniales como el propio Allen y Diane Keaton (musa en la trayectoria del cineasta), y un guión que entretiene y construye con inteligencia la escena de un posible crimen que parece perfecto.
Esta claro que el crimen es una mera excusa argumental para exponer el cansancio de la rutina de una pareja que lleva años de cansada. Y, ¿quien entiende mejor del amor que Woody Allen?. Mi nota es un 7,5.

¨Hombre irracional¨ es un film de Woody Allen en toda regla, con los esquemas que usualmente trabaja, pero con aun mas simpleza, y es ese adjetivo el que hace de esta película una poco brillante pero si eficaz producción.
Woody Allen aborda en ¨Hombre irracional¨ un drama sobre un personaje en crisis existencial que, como siempre en Allen, encuentra un amor que parece polémico ante los ojos de la sociedad, o que producirá otras disputas amorosas.
Falta la magia de los grandes guiones del cineasta nacido en Nueva York, en cambio aquí, en esta oportunidad, la película posee en sus diálogos demasiada información, es como si los personajes escupieran los datos necesarios para completar la psicología de cada personaje.
Joaquin Phoenix calza muy bien en su personaje, y brinda una interpretación llena de grandes matices (depresión, alegría, sufrimiento). Emma Stone lo acompaña con soltura y carisma en cada momento del film, y sin tapar jamas el virtuosismo actoral de Phoenix.
Al principio la película parece que sera densa, pretenciosa, y plomo, pero termina resultando un film ligero y entretenido, con el sostén actoral de Phoenix y Stone, que tienen química a la hora de actuar.
La comedia de enredos que ¨Hombre irracional¨ es al inicio, no tiene mucha fuerza, pero posteriormente mejora de forma bastante interesante.
Vale mencionar que por ser una película de Woody Allen tiene un humor bastante mas oscuro del que presenta habitualmente el cineasta. Ese humor le ofrece a ¨Hombre irracional¨ una mirada diferente a la muerte y la depresión.
El guión se mantiene en la linea de la comedia hasta que la estructura se quiebra de forma abrupta y da un giro de 180 grados, para mutar en un thriller mucho mas interesante que lo que Allen narraba hasta ese momento.
Que pena que ¨Hombre irracional¨ acabe con un desenlace tan terrible y apurado. Es como si Woody Allen no supiera como finalizar su historia, y lo termina haciendo de forma penosa y bizarra.
Simpática cinta del maestro Woody Allen, que acumula aquí aciertos y errores, pero que triunfa con un conjunto solido que sorprende cuando rompe con los tópicos de la narrativa. Un 6,5.

La tragicomedia vuelve a la cima.

El prolífico y longevo cineasta neoyorquino, Woody Allen, es una suerte de mesías para la industria de Hollywood, porque con mas de 80 años posee la vitalidad para seguir rodando una película por año con la calidad y el estilo que lo han hecho famoso y emblemático en la historia del cine.
Multipremiado, amado, e idolatrado, Woody Allen inevitablemente ha ingresado en esta última década en una suerte de repetición y monotonía que invade cada uno de sus nuevos productos, los cuales sin llegar a ser malos no dejan de ser poco mas que aceptables.
Luego de gastar la financiación europea con films realizados en Barcelona, París, Roma (y casi Buenos Aires), Woody Allen regresa a su amado Nueva York con la película numero 45 de su carrera, ¨Blue Jasmine¨, que coincide casualmente con su repunte cinematográfico.
Como es siempre habitual en las películas de Woody Allen, ¨Blue Jasmine¨ fue protagonizada por una estrella famosa en el mundo de Hollywood, la 7 veces nominada al Oscar (ganadora en 2) Cate Blanchett, que gracias a su papel en este film logro esa segunda estatuilla que antes mencione.
Otros de los actores que figuran en este film son la siempre fiable Sally Hawkins, Alec Baldwin, y el sensacional humorista Louis C.K. en un papel bastante mas secundario que el resto.
Jasmine, una mujer rica de la alta sociedad neoyorquina, se encuentra de repente sin dinero y sin casa.
Decide entonces mudarse a San Francisco a vivir con su hermana Ginger, una mujer de clase trabajadora que vive con su novio en un pequeño apartamento.

¨Blue Jasmine¨ retorna al mejor Woody Allen de bastante tiempo con una tragicomedia extraordinaria que se solidifica con grandes interpretes, y un Allen en estado de gracia.
Esta, es una comedia de enredos amorosos, infidelidades, hombres nefastos, y una escencia muy de Allen, pero que también posee un vuelo propio que permite despegarse de lo que habitualmente el director realiza.
El jazz y Nueva York envuelven esta elegante cinta que aunque por momentos peca de ser un tanto telenovelesca, tiene una calidad autoral fantástica.
¨Blue Jasmine¨ avanza con dos lineas temporales/espaciales diferentes (una la del presente, otra la del pasado) que van armando el rompecabezas psicológico de cada uno de los personajes, sobretodo el de Jasmine, la protagonista.
La potencia de la interpretación de Cate Blanchett es asombrosa, y probablemente este sea el mejor papel de toda su carrera. Si el guión de Woody Allen funciona, es en parte gracias a la excelencia de matices que Blanchett le ofrece a su papel de anti-heroína. La transición de la riqueza al no tener nada, y los desvaríos psicológicos son brutalmente encarnados con elegancia y dramatismo, pero sin perder jamas el glamour que su personaje posee. Impresionante.
A no olvidar también a Sally Hawkins que hace una actuación muy lograda, convincente, y de un realismo maravilloso que también se lo otorga, claro esta, su personaje mismo.
Pocos escriben como Woody Allen la tragicomedia, al menos en Hollywood, y el guión de ¨Blue Jasmine¨ es prueba fehaciente de ello. El drama y la comedia se van construyendo con brillantes diálogos llenos de dureza, crueldad, sátira social y una estructura narrativa que da pie a chistes relacionados con las clases sociales.
Woody Allen nunca le da mayor relevancia a la fotografía que a su trama, y en ¨Blue Jasmine¨ sus ideales siguen intactos, buscando que jamas destaque pero que si acompañe la iluminación al flujo narrativo.
La película esta plagada de silencios incómodos y secuencias dramáticas en donde Allen con maestría logra dotarle un humor ligero que le quita espesor a la narración.
Los personajes, variopintos de todo tipo, van desde millonarios a héroes de la clase trabajadora, pero el espectáculo siempre tendrá un único sostén, y ese es Cate Blanchett, que oscila en este film dentro de las dos clases sociales con bastante gracia.
¨Blue Jasmine¨ no dejara indiferente ni siquiera a los no amantes de Woody Allen (que los hay). Es un film excepcional que levanta la últimamente algo caída carrera del maestro de Nueva York.
Entre planos secuencias nada pretenciosos, y encuadres que buscan a Blanchett, ¨Blue Jasmine¨ narra una tragicomedia que te consume y atrapa durante sus 90 minutos.
Woody Allen demuestra estar mas vital que nunca con ¨Blue Jasmine¨, donde dirige y escribe un guión brillante y digno de todo su genio. Un tour de force actoral y lingüístico que congenia un producto fiel a Allen pero también con vuelo propio. Con este regreso, la tragicomedia vuelve al lugar donde se siente mas cómoda, bajo los brazos del inoxidable Woody Allen.
Actuaciones:8.0
Música:7.0
Historia:8.0
Final:7.0

Mi nota para ¨Blue Jasmine¨ es un 7.5/10. Muy buena.



Lo mejor: El guión de Woody Allen, y la magnifica Cate Blanchett.
Lo peor: Hay algunas escenas donde la música es introducida de manera algo brusca e innecesaria para cortar rápidamente.

La segunda pieza en la carrera de Ed Wood es ¨Jail bait¨, un intento de cine noir que no presenta ninguna mejoría con respecto a su ópera prima, ¨Glen o Glenda¨, si no que empeora todo lo ya hecho.
Tenemos diálogos irrisorios, una música repetitiva y que parece sonar con notas azarosas (lo que sale sale) y una iluminación pobre que a veces hasta quema a las figuras humanas.
El guión y los diálogos sobrexplican constantemente cada situación, y los interpretes parecen aprender de memoria el dialogo y recitarlo mecánicamente.
Como bonus track Ed Wood nos regala una secuencia totalmente gratuita, burlona y discriminadora sobre un negro pintado pésimamente que no viene al caso de lo que se estaba narrando.
Para cerrar, el final es delirante y gracioso. Vergonzoso y abominable film dirigido y co-guionado por el simpático Wood.

La génesis del cine Z.

La historia del cine ha dejado el recuerdo eterno de grandes personalidades, desde genios como Hitchcock, Ford o Welles, a figuras particulares y extravagantes como el inolvidable Edward Wood, que fue denominado a posteriori como el peor director de la historia del cine.
Edward Wood era un aficionado al cine y al género de terror, pero su fanatismo no bastaba para hacerlo talentoso, y eso es lo que pasaba con este carismático realizador que a fuerza de lucha logro debutar en la pantalla grande, en 1953, con 29 años de edad.
Ed Wood, mientras tanto, se ganaba la vida haciendo de actor en obras de teatro pequeñas, y a su vez buscaba desesperadamente productores que financiasen su primer largometraje.
Su oportunidad llego cuando el productor de películas de bajo presupuesto George Weiss, interesado en rodar un film sobre el cambio de sexo (había sido noticia hace poco un caso) le propuso que hiciese una película sobre dicho tema. Ed Wood se sentía identificado con dicha historia dado que tenia tendencias a vestirse en la intimidad con ropa de mujer así que acepto la propuesta y hasta hizo del protagonista del film.
El resultado de todo esto fue ¨Glen o Glenda¨, estrenada en algunos cines americanos en 1953, y que contó con la interpretación de una leyenda del cine de terror, Bela Lugosi, -con ya 71 años-, que se encontraba en el final de su longeva carrera.
La película cuenta dos historias de travestismo; una sobre Glen, un heterosexual con doble personalidad, y otra sobre un hermafrodita que acaba sometiéndose a una operación de cambio de sexo.

Inclasificable debut de Ed Wood que dirige un film que navega por todos los géneros sin encontrar uno que lo sustente del todo y lo haga sentir cómodo para con lo narrado.
¨Glen o Glenda¨ puede ser considerado el inicio del cine de serie Z, posee todas las características necesarias para serlo, y tampoco tiene ningún logro artístico o técnico para ser resaltado, pero es un trabajo que merece algo de reconocimiento en su puntuación, y ya diré porque...
La película es una bizarreada importante, una peculiar comedia que deambula entre el drama, el musical, y el terror de pésima forma, de hecho ni siquiera estoy seguro de que Ed Wood haya querido crear una tragicomedia como salio.
Mas allá de la pésima dirección y el desastroso guión del film, el trabajo del montaje es el que acaba arruinando mas el producto. En pocas palabras es un caos, parece editado por un chico, e incluye escenas o planos sacados de otras películas. El desorden estructural de ¨Glen o Glenda¨ es lo que en parte le da al film un aire cuasi experimental que Ed Wood ni siquiera busco pero que salio de casualidad.
Esta repleto también de un montón de secuencias softcore fuertemente musicales sin ningún sentido argumental, y que ademas resultan luego de un tiempo interminables (tal vez para rellenar minutos y darle mas forma de largometraje).
¨Glen o Glenda¨ dura solo 65 minutos, pero todos los excesos técnicos y extra-argumentales que la película tiene se hacen sentir demasiado y la hacen algo tediosa pese a su corto metraje.
La película arranca siendo curiosa, pero pierde esa cuota de interés cuando la coherencia misma se va, allí es donde Ed Wood es sobrepasado por su relato y por un onirismo innecesario e irritante.
¨Glen o Glenda¨ funciona como una especie de pseudo documental con una estructura extraña que se ficcionaliza y a su vez funciona como autorretrato de su director.
Las cutres técnicas de montaje, el manejo de historias paralelas, la superposición de imágenes, la sobrecarga de musicalización que la hace parecer en ratos una película muda y sus incoherentes diálogos son algunas otras perlitas que podemos encontrar en esta desastrosa pero valerosa ópera prima.
El film tiene todos los problemas mas básicos que un estudiante de cine puede tener, uno de ellos es como Ed Wood subraya demasiado su postura sobre el travestismo, ya sea mediante diálogos, carteles u voz en off, al punto de ser excesivamente reiterativo en sus intenciones.
Tampoco puedo llegar a entender el rol del mítico Bela Lugosi en este film, parece un narrador omnisciente o vaya uno a saber, pero no para de decir cosas ridículas en toda la película, y no tiene ningún tipo de peso en la cinta.
Peso apesar de tanta cantidad de defectos hay una cosa enorme que podemos rescatar de ¨Glen o Glenda¨, es un film tremendamente arriesgado y moderno para la época, que narra temas tabúes de los 50s con respecto a la sexualidad, y eso es algo absolutamente maravilloso de rescatar.
¨Glen o Glenda¨ es una gema de la serie Z, y la ópera prima del carismático y poco talentoso Ed Wood. Una experiencia extravagante, bizarra, y cargada de todo aquello que no debemos hacer en el cine. La valoro con 4 por su gran valentía.
Actuaciones:3.5
Música:3.5
Historia:4.5
Final:4.0

Mi nota para ¨Glen o Glenda¨ es un 4/10. Regular.



Lo mejor: La valentía de lo narrado es la mayor virtud.
Lo peor: El guión esta muy mal escrito y el montaje es caótico y desordenado.

¨Lion¨ es la película mas manipuladora de los Oscar de este año, y todavía no se realmente si me ha encantado o me he dejado llevar por el sentimentalismo, pero es que Garth Davis apuesta a todos los condimentos necesarios para obtener estas 6 nominaciones: entrega una producción del mismo corte que ¨Slumdog millionaire¨ (que había enamorado a los Oscar), basándose en una historia real, una historia de búsqueda dramática, la precariedad de la vida en India, y una publicidad gratuita a Google y su aplicación Google Earth bajo este argumento dramático.
Todo esta servido para que ¨Lion¨ sea un festival de lágrimas y un film de esos que a Hollywood le encanta ver. Es una producción efectiva, con una historia que va directo al sentimentalismo y que funciona pese a su corrección política demasiado obvia.
Dev Patel cumple y vuelve a repetir la misma interpretación que ya había agradado en ¨Slumdog millionaire¨, consiguiendo ahora su nominación. Nicole Kidman sobresale, si, (pese a que no tiene tantos minutos en pantalla), cada vez que esta en encuadre logra resaltar brindando una sobria interpretación.
La subtrama romántica entre Dev Patel y Rooney Mara no funciona, no suma ni avanza al argumento, pero se entiende que por cuestiones comerciales hacía falta de esta participación.
La fotografía esta realmente conseguida, hay un gran trabajo para recrear y distinguir cromaticamente India de Australia. Se agradece que se utilice todavía la fotografía en el cine con fines netamente argumentales y no como despilfarro artístico.
¨Lion¨ es un film que se maneja con grandes ambiciones y que consigue ser un producto entretenido y que tocara todas las fibras sensibles del espectador. Se me ha hecho imposible separar el sentimentalismo gratuito del film con las cualidades de la producción, y el resultado es este noble 7.