Buena película de Yorgos Lanthimos (director de excelentes films como “La Favorita“ y “Pobres Criaturas“, entre otras) la cual es bastante extraña y entreverada.
La historia se entiende pero debido a el modo en el que está contada hay que prestar atención a cada detalle porque tiene sutilezas las cuáles si te las perdés dejás de entender lo que sucede.
Las actuaciones son magníficas.
Cabe destacar la originalidad de la historia y la fotografía.
Recomendable!
Alexandre Aja se ha ganado la admiración de los fans del cine fantástico desde su debut con “High Tension”. Nunca se desvió por una trama innecesaria y siempre mantuvo su mano firmemente agarrada alrededor de nuestras yugulares. “Mirrors” es en realidad una nueva versión de la película coreana “Geoul Sokeuro”, y es muy diferente de cualquier otra cosa a la que Aja haya dedicado su talentosa mano. Es principalmente una película de fantasmas-demonios, lo que le permite mostrar su capacidad para asustarnos. No es fácil, el resultado decae en la segunda mitad y es demasiado largo.
Los mejores momentos son cuando Aja va a la violencia y al horror de manera directa: la impresionante escena de la bañera, un degollamiento especialmente sangriento, una mujer quemada y desnuda parcialmente, son momentos impactantes.
No es la mejor película de Aja, pero sin duda es buena.
Esta saga debe ser la mejor en tematica de vampiros y hombres lobos, ya que en esta cuarta entrega mantiene el nivel de las anteriores, eso es dificil para cualquier saga, esta peli tiene mucha acción y sangre, los efectos en los licantropos son muy buenos y verla a Kate Bekinsale con el engomado negro ya se paga el boleto por asi decirlo, aqui la trama radica en que Kate tiene una hija sin saberlo, ella esta criogenizada y la niña le es extraida, deberá protejerla a como de lugar, los Lycans están preparados para capturarla ya que es un hibrido con los poderes de ambas razas. el final queda abierto para una proxima.
Floja, más que la primera, que tampoco era para tirar cohetes, por cierto, pero en esta segunda parte han quitado lo poco de slasher que había para meter más misterio e investigación, ahora todo gira alrededor de la sociedad secreta médica que ejerce en secreto en la universidad, La Logia, un grupo de médicos que ejercen fuera de lo que determina la ley y los principios morales.
Prota nuevo que se ve inmerso en este mundo y que cuando se da cuenta ya le cuesta trabajo poder dejarlo, e incluso peligra su vida.
Repite en esta segunda parte la protagonista de la anterior, interpretado por la misma actriz, Franka Potente.
Poco slasher, pocas muertes, poca tensión, pocos sustos y nada que llame la atención.
Hacer, 23 años después, una secuela de un clásico como “Carrie” suena a un esfuerzo cuestionable. Para “The Rage: Carrie 2”, decidieron hacer una semi-nueva versión del original y vincularlo tenuemente con la Carrie original. No es un desastre, tiene sus momentos, si te gusta el terror teen noventero, pero parece tener poco sentido.
Destacaría la gran labor del director de fotografía David M. Morgan especialmente cuando Rachel finalmente desata sus poderes y su furia, las enredaderas de su tatuaje de rosa se extienden por su cuerpo y derrocha una gran cantidad de sangre y violencia gráficas, algunas de ellas exageradas a la manera del horror italiano de los 80, incluyendo vidrios en los ojos, un arpón atravesando cabezas y saliendo de la boca, y un pene cortado y lanzado a una piscina.
El resto es puro gilr power. La directora es Katt Shea (Stripped to kill, Poison Ivy); la protagonista, Rachel, es interpretada por Emily Bergl; y, Mena Suvari, que disfrutó de un gran éxito con American Pie y American Beauty, aparece en un breve, pero significativo papel como la mejor amiga de Rachel (las dos comparten tatuajes de rosas y un trágico destino).
Es octubre de 1985 y el novelista neoyorquino Whitley Strieber (Christopher Walken) tiene problemas para inspirarse y viaja con su familia (su esposa Anne y su hijo pequeño) a una casa de campo con una pareja de amigos. En la noche, todos son perturbados por una luz brillante, algo malo está sucediendo, y Whitley comienza a recordar terribles sucesos.
“Comunión”, con una recordada cabeza del extraterrestre en la portada, fue un bestseller de los ochenta, una historia supuestamente real sobre como la vida de Strieber fue interrumpida por seres de otro mundo. Esta película fue una adaptación considerablemente menos exitosa que el libro y hoy está olvidada, salvo para los fans más acérrimos del tema OVNI o del siempre excéntrico Walken, que, por cierto, no se tomó a su personaje muy en serio, interpretándolo como un neurótico siempre nervioso, incluso transmite la posibilidad de que simplemente esté loco, y que todo lo referente a los extraterrestres sea sólo producto de su desvariada imaginación, lo que irritó enormemente a Strieber.
La película es dirigida por el australiano Philippe Mora, que fiel a la tradición del ozploitation rodó unas inolvidables escenas de Walken interactuando con los extraterrestres simplemente descacharrantes (desde la introducción de una sonda vía rectal hasta graciosos pasos de baile de bossa nova), que también irritaron enormemente a Strieber. Qué le vamos a hacer.
Me gustó. La valentía ya de por si en intentar una precuela de uno de los títulos más importantes del género que nos ocupa, ya puede considerarse una pretensión muy alta, y de antemano era previsible que no pudiera, ni siquiera amular a su predecesora. Pero lo intentó, con valentía y una buena puesta en escena, en su globalidad, creo que es más que correcta y no intenten comparar porque siempre va a salir perdiendo como fije.
La fuerza de su director se nota en seguida y su apoyo principal , el bueno de Ewan McGregor también reasliza bien su cometido.
Realmente malísima y a medida que pasaba el tiempo más quería dejar de verla pero no lo hice para poder evaluarla por completo. Un inicio sumamente lento, lleno de clichés y predecible que pensé que iba a dar un giro pero se hunde a medida que pasa el tiempo. Terrible.
Pelicula proveniente de la productora Asylum por lo tanto ya se sabe que su calidad será inferior pero eso no le quita que esté entretenida, esta no es el caso porque el genero tiburón es uno de los más prolificos, si ustedes se arriesgan a verla se maravillaran de la proezas del tiburon asesino que se ensaña con una familia, el escenario son las costas de California, casa que da a la costay una terrible tormenta lleva al escualo a entrometerse en una muy bonita casa y querer mangiare cuanto cuerpo humano se le interponga, tiburon CGI y unas actuaciones malas hacen que no la recomiende pero hay placeres culposos que uno se da de vez en cuando.
A mí no me ha parecido tan mala como a la gran mayoría. Me resultó una cinta de terror bien hecha pero una más del montón.
La historia entretiene desde que empieza hasta que termina sin aburrir en ningún momento y eso se agradece.
Los efectos especiales no parecen de un film serie B directo a video como se comenta por ahí; están bastante bien hechos.
Slender Man está tan bien realizado (supongo que habrán hecho uso del CGI) que logra asustar.
Se deja ver! Para un domingo lluvioso de noche la recomiendo!
Excelente película protagonizada por dos grandes actores: Anthony Hopkins y Alec Baldwin.
La historia, en cuestión, es súper dinámica. No da respiro ni siquiera un segundo. Pasan cosas entretenidas todo el tiempo y la historia avanza sin parar ni decaer hasta su final.
Los efectos especiales son alucinantes teniendo en cuenta el año de estreno del film. Hoy en día al oso lo harían de forma digital; que en esta cinta sea un oso real le da algo más de verosimilitud a las escenas.
Los paisajes también son muy bellos de ver.
Recomendable!
pelicula erotica que se enfoca en la brujeria pero de una manera muy alejada del terror, mas comedia erotica (sofctore) con un plantel femenino infartante.
no esta mal, aunque esperaba mas un enfoque al horror softcore.
para ver mujerones y olvidar, aunque existe una continuacion para seguirle el ruedo a esta historia
Película de Ari Aster en la que destaca su originalidad. Puedo decir que jamás he visto nada ni remotamente parecido a “Beau tiene miedo“. La trama es inverosímil, surrealista, paranoica, por momentos carece de sentido. De repente, cuando parece que empieza a tenerlo, de nuevo se desvía hacia otro desvarío aún mayor que el anterior. No sabría calificarla, no puedo poner mala nota a una película tan original y con una interpretación tan magistral de su protagonista, pero son 3 horas de paranoia constante con un final que tampoco me aclaró nada. Personalmente, no he entendido la película, no sé si hay algo que entender o directamente se ha rodado intencionadamente para que nadie la entienda o para que cada uno interprete lo que quiera.
El moribundo científico Dr. Stephen Sorenson (Dana Andrews) y su esposa Maggie (Janette Scott), lideran la investigación para descubrir una fuente ilimitada de energía para resolver la crisis de combustible en la Tierra. El objetivo es aprovechar la energía del núcleo de la Tierra mediante la detonación de un poderoso misil nuclear en lo profundo de ese núcleo.
Cine catástrofe de los pioneros, donde la ciencia no es sólida y, como es de esperar, las cosas no salen nada bien.
Antes del desastre existe un triángulo amoroso y rencoroso entre el matrimonio y el tercero en discordia: el ex-novio de Maggie, el Dr.Ted Rampion (Kieron Moore), que trabaja con ellos en tan difícil proyecto.
Las interpretaciones del trío principal de protagonistas están bien, especialmente Dana Andrews, aunque Janette Scott está algo desaprovechada.
La trama mantiene las cosas avanzando a un ritmo razonable y la subtrama amorosa contrasta con lo importante de la película, en donde la corteza terrestre se parte luego de que, con la aprobación mundial, se arroje la bomba y todo se convierta en caos total.
Entonces las miniaturas de las instalaciones (visualmente muy buenas), dan paso a escenas de destrucción muy logradas o erupciones de magma bestiales, con algo de material de archivo ocasional.
Las escenografías y los decorados del reducto de los científicos son fantásticos, por eso los efectos especiales a cargo de Eugène Lourié y un presupuesto grande detrás, logran escenas visualmente atractivas.
Película de ciencia ficción que genera nostalgia de los años sesenta y que es un discreto espectáculo con mucho drama humano y efectos visuales llamativos y de la vieja escuela. Ideal para completistas del cine catástrofe.
Película inspirada en la obra de H.P.Lovecraft, en donde los marineros a bordo del HMS Innsmouth navegan hacia el polo norte para rescatar al HMS Eibon.
El guión algo sólido tiene bastante suspenso, pero las locaciones en cuevas y paisajes congelados, los trajes de época, la música,
y las interpretaciones son más que aceptables en esta producción británica de no muy alto presupuesto. Los diálogos no llegan a ser muy convincentes.
Los personajes hábilmente interpretados tienen al Capitán Mortimer empeñado en encontrar a su amigo perdido, mientras se suceden traiciones y conflictos en la tripulación, donde oficiales y tenientes pelean por la dirección a seguir del barco.
Las criaturas merodeadoras matan en el barco a la mayor parte de la tripulación y los supervivientes huyen al hielo ártico para encontrar refugio en un sistema de cavernas.
Los monstruos no tardan lo suficiente en aparecer, aunque alcanza el tiempo para la presentación de personalidades de los personajes.
Estos monstruos son los Ictioides, antiguos monstruos anfibios despertados para reclamar la tierra.
El diseño de los monstruos es bueno, aunque los movimientos defraudan un poco y los anfibios aparecen rápido y se mantienen
demasiado en pantalla, quitando algo del factor sorpresa.
Los fanáticos de las películas de monstruos que prefieren los efectos prácticos antes que el CGI encontrarán atractiva esta película.
¨Freeze¨ es una película que de locura, aislamiento y monstruos bastante sólida que con mayor presupuesto hubiera tenido algo más de suerte. Apenas discreta.
Aceptable ópera prima del director paul hyett más conocido por su labor en los efectos de maquillaje , esta vez probando suerte en la dirección y la verdad es que lo hizo muy bien presentándonos esta historia dramática en la que un grupo de jovencitas son secuestradas por un grupo militar para mandarlas con un criminal que se dedica a prostituirlas , de manera que son tratadas de la peor forma , destacando las actuaciones, los efectos de maquillaje , la violencia y el dramatismo que hay a lo largo del film el cual termina brindando una definición satisfactoria en la trama , además de lo simpática que resulta la angelical protagonista , para mi gusto uno de los filmes de rigor que ningún cinéfilo debería perderse
“Entonces, dime, ¿cuánto tiempo ha pasado desde que te chuparon la polla?“
Un joven es contratado, por un tipo alcohólico y su mujer atractiva, para reparar la cerca de su casa en Grand Isle. Las cosas se complican cuando el trío queda atrapado en la casa por un feroz huracán.
Stephen S. Campanelli se ha ganado una buena reputación como el operador de cámara de varios filmes exitosos de Hollywood (“Piratas del Caribe”, “Tres anuncios en las afueras”, “La mula”), lo que lo animó a probar en la dirección, con este film inspirado en los thrillers eróticos de serie B de los noventa y que resulta una confusa mezcla de gótico sureño, cine negro y ¿terror?
2019 fue un año prolífico para Nic Cage, estrenó un buen puñado de películas, esta no es ni la mejor ni la peor, y su conocido histrionismo y carisma sostienen la trama. Strickland es agradable como una seductora y bella sureña con un tornillo suelto y Kelsey Grammer hace de policía.
A pesar de las malas críticas que puedan tener, me encanta ver cualquier película con Nicolas Cage, que casi se ha convertido en un género en sí mismo. Así que no tuve ningún reparo en sentarme a disfrutar de “Kill Chain”, un thriller neonoir y sombrío de Ken Sanzel, con sicarios, mujeres malvadas y hermosas, venganzas y disparos a mansalva.
Nic es el propietario de un destartalado hotel en un barrio duro de Colombia, al que llegan diversos personajes sórdidos: la sensual Annabelle Acosta, vestida de rojo, Angie Cepeda como “The Very Bad Woman”, un viejo francotirador (Enrico Colantoni) con problemas con su hija, un par de asesinos (uno interpretado por Alimi Ballard), un policía corrupto (Ryan Kwanten) y otros personajes variados.
Un poco inconexa, con varias subtramas, con algunos momentos de lujuria, algunos momentos de acción, algunos momentos aburridos, y Cage contando una historia para embelesar a un par de asesinos. No es perfecta, pero terminé de verla con una sonrisa de satisfacción, ¿qué queda por decir?
Me pareció muy buena película. Juega a sorprender con el título, ya que lleva a pensar que es una bizarreada sin demasiado contenido, pero de hecho es todo lo contrario. Se basa en la estructura del mito, por eso el titulo tan descaradamente fantástico. Muestra superficialmente una historia absurda, sin demasiada importancia, pero que sirve para simbolizar, expresar y abordar temas muchos más profundos, como son la vejez, el amor, las cuentas pendientes de la vida; lo que me pareció sobresaliente fue el abordaje critico que hace del arquetipo del héroe. Una película con diálogos excelentes, quizás para ver mas de una vez.
Reivindicable slasher de a inicios de los 80, dirigido por Joseph Zito (“Friday The 13th: The Final Chapter”, 1984).
28 de junio de 1980. Las autoridades del pequeño pueblo de Avalon Bay autorizan la realización del baile de graduación de ese año, tras un doble asesinato cometido hace casi 30 años. Sin embargo, un merodeador pondrá en alerta a los jóvenes del pueblo.
Tras el inesperado y gran éxito de “Friday The 13th” (1980) de Sean S. Cunningham, surgió inmediatamente un vendaval de películas tratando de imitarla, algunos no lo consiguieron, otras pasaron sin pena ni gloria, mientras que otras lograron dar con la fórmula y obtener rentabilidad, pero esencial y posteriormente cierta valoración y catalogación de películas de culto. De esta forma, concretamente entre 1980 y 1981, vale destacar films como “Maniac” (1980) de William Lustig, “Prom Night” (1980) de Paul Lynch, “Fade to Black” (1980) de Vernon Zimmerman, “Halloween II” (1981) de Rick Rosenthal, “Friday The 13th Part II“ (1981), “Funhouse” (1981) de Tobe Hopper, “My Bloody Valentine” (1981) de George Mihalka y, por supuesto, “The Prowler” (1981) de Joseph Zito, película que hoy nos convoca. De hecho, no son pocos los críticos e historiadores del cine que advierten varias similitudes en cuanto a guión, atmósfera y factura precisamente con la película de Mihalka. No obstante, hay que precisar que es difícil establecer plagio en este caso, ya que “The Prowler” (1981) fue concebida y estrenada antes que “My Bloody Valentine” (1981).
La idea original de “The Prowler”, que también se le conoce con el título alternativo de “Rosemary’s Killer” (1981), provino del productor David Streit (“Species”, 1995), quien encargó a los guionistas Glenn Leopold (“The Smurfs”, 1981-1989), y Neal Barbera (“Tom & Jerry Kids Show”, 1990-1994), este último hijo de uno de los reconocidos creadores de los estudios de animación Hanna-Barbera, la redacción del guión de una película slasher, lo que constituye una paradoja teniendo en cuenta que tanto el primero como el segundo provenían del mundo de la animación infantil. Si bien el film cuenta con todos los estereotipos del género, como debe ser, es destacable la inclusión y tratamiento de ciertos temas interesantes, que muchos slasher obvian en pos de una historia más liviana, dinámica y digerible. Así, indudablemente, el principal aliciente del film es la elección de un veterano de la II Guerra Mundial como asesino serial. Por aquel entonces, a fines de los 70 e inicios de los 80, los veteranos de guerra, ya sea del aludido conflicto mundial como la Guerra de Vietnam, continuaban siendo objeto de admiración y respeto por la sociedad y paradójicamente seguían sin encajar y sin el reconocimiento socioeconómico correspondiente como veríamos, por ejemplo, en “Taxi Driver” (1976) de Martin Scorsese, “The Deer Hunter” (1978) de Michael Cimino, “Coming home” (1978) de Hal Ashby y luego “First Blood” (1982) de Ted Kotcheff.
En “The Prowler” (1981), obviamente desde una perspectiva menos fina y más burda, también se aborda las consecuencias de desatender a soldados con serios problemas psicológicos que cargan con una ira, frustración o trauma que resultan claves para la comisión de asesinatos en serie. Aparentemente, el móvil del trauma del asesino se remite solamente al cansancio en la espera y abandono del que es objeto por parte la que era su novia mientras él se mantenía en el frente de batalla, pero es posible advertir una temática un poco más compleja en la trama al respecto. En el guión se le da fuerza al argumento a la frustración del asesino por el término unilateral de la relación sentimental, pero en muchos casos reales se trató de una pérdida total e irrecuperable de la vida que los soldados sacrificaron en el frente para satisfacer los intereses belicistas y políticos de sus gobernantes. Hablamos de una familia, de una carrera profesional, de un emprendimiento o de parte (literalmente) de sí mismos con mutilaciones físicas, emocionales y psicológicas. En cualquier caso, este asesino traumado tiene todas las excusas y la oportunidad para vengarse de los culpables o de sus sustitutos simbólicos, que no es más que la misma sociedad estadounidense.
Lo que nos lleva a la configuración del asesino, es decir, lo más interesante y destacable del film. Siempre he afirmado que es el asesino en serie el verdadero protagonista y el personaje más complejo de todos en el slasher (el resto suelen ser insípidos o desechables). Por tanto, he de decir que a pesar de que la vestimenta de soldado y su equipamiento (para) militar es eficiente pero no icónica y de no tener una continuidad ni trascendencia fílmica como otros villanos que dieron paso a franquicias (Michael Myers, Jason Voorhees, Freddy Krueger o Leatherface, entre otros), el asesino militar se las arregla para dejar huella en la retina del espectador, especialmente por su brutalísima forma de ejecutar a sus víctimas. Gracias al inigualable talento del legendario Tom Savini, quien se encontraba en el zenit de su talento en ese momento, tenemos memorables escenas de gore como empalamientos, apuñalamientos, degollamientos con horquetas, espadines y bayonetas, explosiones de cabezas, incluso. Otro punto memorable del asesino es que, gracias al color de su atuendo, merodea y se mimetiza notablemente en las escenas nocturnas para acechar y asesinar a sus víctimas, lo que lo convierten en un asesino más impredecible por momentos de lo que llegaría a ser Jason Voorhees, por ejemplo. Lo único cuestionable al respecto es que, tratando de ofrecer más alternativas sospechosas de posibles asesinos, Zito pierde el ritmo, por ejemplo, en las dos secuencias en la mansión del mayor Chatham, padre de Rosemary.
“The Prowler” (1981) tiene una lograda atmósfera brumosa y surrealista para ser un slasher, gracias al competente trabajo en fotografía de João Fernandes, en su segunda película convencional luego de dedicarse inicialmente al cine porno. El director Joseph Zito inicialmente escogió Avalon, California para rodar (donde transcurre la trama, por cierto), sin embargo, finalmente se decantó por Cape May, Nueva Jersey, por “su aire a pueblo fantasma”, precisamente. El Inn at Cape May sirvió como edificio para las secuencias de baile mientras que el Emlen Physick Estate como la casona Chatham, donde ocurre el desenlace. Por último, se usaron las habitaciones del histórico Hotel Chalfonte como dormitorios de la hermandad en donde se hospedan los universitarios. La filmación duró seis semanas y se calcula que costó en total US$1 millón, de los cuales casi la mitad fue destinada al departamento de efectos especiales encabezado por Tom Savini y sus ayudantes. Como es de costumbre, fue el propio Savini quien grabó las secuencias gore con sus propias manos, convirtiéndose, por tanto, en “el merodeador” (“Prowler”, en inglés)
El film cuenta con un reparto relativamente competente a pesar de que algunos personajes no están bien construidos. En el encontramos a Vicky Dawson (“Breaking up”, 1978) como Pam MacDonald, Christopher Goutman (“Goodbye, New York”, 1985) como el subcomisario Mark London, Lawrence Tierney (“El honor de Prizzi” (1985) como el mayor Chatham, Farley Granger (“Something Creeping in The Dark”, 1971), como el sheriff George Fraser, Cindy Weintraub (“Humanoids from the Deep”, 1980)”, como Lisa, Lisa Dunsheath (“Eddie Macon“s Run”, 1983) como Jerez, David Sederholm (“The Hunt for Red October”, 1990) como Carl, Thom Bray (“Prince of Darkness”, 1987) como Ben, Joy Glaccum (“The Children”, 1980) como Francis Rosemary Chatham y John Seitz (“JFK”, 1991) como Pat Kingsley.
Richard Einhorn (“Don“t Go in the House”, 1979) fue el encargado de componer la banda sonora del film. Si bien es notoria la evidente influencia de Harry Manfredini, mítico compositor del score de la franquicia “Friday The 13th” (1980-1993) y hasta antes de “The Prowler” (1981) su trabajo era esencialmente con sonidos electrónicos, fue precisamente con este film donde comenzó a experimentar con electrónica más compleja y la incorporación de pistas orquestales con cuerdas, vientos y metales. Montado y masterizado para CD en 2019 por Ian Zapczynski a partir de cintas maestras de 15 ips, la partitura completa consta de 35 pistas. Señalar que cada una de las suites es tan larga que ocupa una cara completa de un disco de 12“ (a 45 RPM), por lo que trae doble LP. Además, está impreso en un vinilo verde militar de 180 gramos con salpicaduras rojas.
La película fue estrenada el 26 de junio de 1981 y no alcanzó a recaudar el millón de dólares que supuestamente costó, a pesar de que los productores informaron US$500 mil como presupuesto oficial. “The Prowler” (1981) fue distribuida de forma independiente por Sandhurst Releasing Corporation. Como ya adelanté, en algunos países como Australia y el Reino Unido, la película se estrenó con el título alternativo de “Rosemary“s Killer” en una versión bastante censurada, que eliminó prácticamente todos los primeros planos gore de Savini. Un dato curioso es que la versión alemana no sólo eliminó todas las secuencias sangrientas, sino también la identidad del asesino y la banda sonora reemplazada con sonidos de pájaros para las escenas diurnas, sonidos de grillos para las escenas nocturnas y la partitura de Richard Einhorn con música de sintetizador de un músico no acreditado.
Con el tiempo la película ganaría cierto estatus de película de culto.la revista Complex la posicionó como la 24ª mejor película de terror de todos los tiempos en 2017, la revista Paste la incluyó entre las 50 mejores películas slasher de todos los tiempos en 2018 y LA Weekly clasificó al asesino de la película como el 11º mejor villano slasher de todos los tiempos.
En resumen, un infravalorado y reivindicable slasher de la época dorada del subgénero, que además de contener con todos los elementos indispensables también hace su propia propuesta, con una lograda atmósfera surrealista y unos efectos especiales realmente brutales.
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Langosta
Buena película de Yorgos Lanthimos (director de excelentes films como “La Favorita“ y “Pobres Criaturas“, entre otras) la cual es bastante extraña y entreverada.La historia se entiende pero debido a el modo en el que está contada hay que prestar atención a cada detalle porque tiene sutilezas las cuáles si te las perdés dejás de entender lo que sucede.
Las actuaciones son magníficas.
Cabe destacar la originalidad de la historia y la fotografía.
Recomendable!
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