Cortometraje: ¨Toy Story Toons: Hawaiian Vacation¨ (2011). PRIMERA CRITICA.
Entretenido cortometraje que muestra como los juguetes que ahora son de Bonnie estaban preparados para algo, específicamente Barbie y Ken, tenían todo listo para irse a Hawai con Bonnie, sin embargo, se quedan en casa, lo que provoca la inmensa pena en Ken, por lo que Woody y compañía harán de todo por animarlos, ya que en este viaje Ken y Barbie se besarían por primera vez. Breve, pero correcta historia. Diálogos aceptables. Personajes correctos. Buena animación. De ritmo bien, su corta duración hace que sea bastante aceptable.
Mi puntuación para ¨Toy Story Toons: Hawaiian Vacation¨ es 7 de 10 posibles, correcto cortometraje y a pesar de resultar bastante predecible, se logra disfrutar. Recomendado.
Episodio piloto de un proyecto autoparódico por parte de los productores de la muy exitosa serie cincuentera de Superman.
Interpretada por un conjunto de actores enanos (entre los cuales secundarios bastante destacados como el protagonista Billy Curtis - “Infierno de cobardes” - y, sobre todo, Angelo Rossitto - desde “La parada de los monstruos” a “Mad Max lll”, una carrera muy larga y distinguida) con cabezones de perro.
La historia trata de dos intentos del chifladísmo profesor Sheepdip para atentar contra la redacción del Daily Bugle (en serio), donde trabaja el héroe Bark Bent y su amigo el bastante insoportable ratón Montgomery Mouse (que es una marioneta de guante).
Técnicamente está bastante mal hecha: los cabezones son bonitos pero muy inexpresivos, y en algún caso aislado pueden incluso dar un susto (la cara de sorpresa del redactor jefe Terry Bite cuando le plantan una bomba en el despacho quiere dar risa y lo que da es un sobresalto en forma de uncanny valley). Los FX corren a cargo de los excelentes Jack Rabin y Louis DeWitt (falta Irwin Block) pero aquí no se esfuerzan nada.
Bastante infantil y con chistes bastante malos, era una mala idea de entrada, pero desprende un bizarrismo encantador y no me ha parecido aburrida.
Buen mensaje.
Aveces hay que temer cuidado con lo que vemos o dejamos ver.
Buen guión, buena interpretación, buen ritmo.
Muy inquietante.
De hecho, tiene algún premio y varias selecciones.
Algo bueno han debido de hacer bien estos chicos
No digo más.
Tendréis que verlo entero.
Miramos nuestro reflejo en el espejo y descubrimos una verdad irrefutable; efectivamente sólo nos vemos a nosotros mismos ocupando un espacio tangible.
¿Pero se hallan todas y cada una de las fases de nuestra identidad y personalidad encerradas en una realidad tan insoportablemente plana?
Quizás sólo en nuestro inconsciente seamos capaces de averiguar la auténtica verdad; será esta cuestión, esta necesaria reflexión vital, la que recorra de principio a fin la obra que nos ocupa. Cuando uno habla sobre los orígenes del cine surrealista y experimental suelen venir a la cabeza grandes nombres que han sentado cátedra en el mismo como Luis Buñuel, Jean Cocteau, el japonés Teinosuke Kinugasa o el prestidigitador George Méliès, cineastas europeos u orientales en su gran mayoría...
Instigadores de un rupturismo formal el cual iniciaría una manera fascinante y absorbente de sentir la imagen en movimiento (donde habría de incluir a Germaine Dulac o Segundo de Chomón)...sin embargo, no son muchos los que recuerdan entre todos ellos a Maya Deren. Natural de Ucrania y emigrada a EE.UU. a la edad de cinco años donde llevaría una prolífica vida profesional como poeta, coreógrafa, escritora y cineasta, estableció su arte en contra de los principios que regían Hollywood, tan preocupada de amasar éxitos en taquilla y de crear estrellas, en realidad juguetes rotos presa de las decisiones de la industria, que deshacía a su antojo.
Una mujer que acabaría erigiéndose como la creadora de un cine moderno, underground, donde primaba la captación de la sensibilidad de las formas y pensamientos más allá de lo tangible, siendo considerada como la madre del surrealismo, lo que dejaría bien patente en un pequeño trabajo realizado en 1.943 junto a su marido, también cineasta y fotógrafo, Alexander Hammid: ¨Meshes of the Afternoon¨, recibido con apatía e indiferencia en la época pero hoy considerado piedra angular del movimiento surrealista en América. Un año después, y con el deseo de expandir las posibilidades de su inédito universo, el tándem se embarcaría en otro proyecto...
Siguiendo la estela de la obra anterior, ¨At Land¨ comienza en la misma playa donde daba por concluido el clímax de aquella, en cuya orilla despierta la protagonista (la propia Deren) de esta historia, movida por un propósito esencial (aunque, como cualquier trabajo suyo, se pueden acoger toda suerte de significados e interpretaciones): encontrar de su indentidad perdida. Así la mujer, testigo de una creciente desesperación en sordina, se desliza por los más diversos ambientes y escenarios comenzando en una sala de fiestas atestada de individuos de clase alta que ríen y la ignoran (perfecta representación de los círculos de artistas de Hollywood, a quienes ella atacaba sin piedad).
La mujer se acerca hasta un tablero de ajedrez, donde verá caer una pieza hacia otro universo, la cual perseguirá sin descanso; significativo signo que perdurará hasta el final, y que se convertirá en la clave de ¨At Land¨. La búsqueda de la verdadera identidad se materializará en una extraña secuencia en la que ésta mantiene una conversación con un hombre cuyo rostro cambiará constantemente; intentando hallar una salida en la casa abandonada donde tendrá lugar su último encuentro con el amorfo individuo, la protagonista sale por fin al exterior. Habiendo habitado todos los planos de realidad, sólo le resta dar con la solución última.
La pieza perdida vuelve a aparecer sobre otro tablero en el cual dos mujeres juegan una partida a orillas del mar; robará la susodicha pieza (símbolo de su identidad) culpable de la desestabilización final, delirio de imágenes y significaciones aún más esotéricas y enigmáticas que todo lo transcurrido: las otras ¨personalidades¨ de la mujer ¨emergerán¨ en el mismo plano de realidad mientras la anterior promulga victoriosa la conquista de su existencia corriendo con los brazos en alto, siendo observada por sus ¨falsos¨ dobles.
Con la inestimable ayuda de Hammid, quien brinda una impecable labor en la fotografía (junto a Hella Heyman), y algunas importantes personalidades como el visionario poeta Philip Lamantia o el erudito compositor John M. Cage Jr., Deren, proponiendo una ¨trama¨ más elaborada que la de ¨Meshes...¨ (en aquella sólo ocupaba un escenario primordial), vuelve a demostrar un talento consumado a la hora de distribuir señales ambiguas y confusas pistas narrativas para crear un clima de permanente conspiración e insostenible malestar y modelar las atmósferas, estilizadas y cautivadoras.
Interpenetración en imposibles universos a través de la inquietud del inconsciente que claramente desbarata en la mayor parte del metraje todo principio de identificación y elimina todo acceso privilegiado al sentido; la actriz/directora factura otro maravilloso viaje a los confines de lo inexplorado donde se vuelve a experimentar con las formas, procedimientos y recursos formales estableciendo así unas coordenadas de juego intransferibles.
No tan célebre como su anterior (y más mítica) obra, la potencia de las oníricas imágenes de ¨At Land¨ y su afán por profundizar en el individuo, su identidad y psicología, lo convierten en otro pilar fundamental del movimiento iniciado por la sra. Deren, cuya influencia aparecería en futuros trabajos de Polanski (¨Repulsión¨), Aronofsky (¨Pi¨), Frankenheimer (¨Plan Diabólico¨), Bergman (¨Cara a Cara¨, ¨Persona¨, ¨El Séptimo Sello¨...) y, por supuesto, Lynch (¨Mulholland Drive¨, ¨Inland Empire¨, ¨Carretera Perdida¨...).
Que decir que no comente en otros videos. Visualmente una maravilla. Técnicamente esquisita. La música total!! Historia inquietante y original. Mess a ver cuando nos deleita con un largo porque no dudaría en estar el primero en verla.
Y sigue con esa originalidad y frescura que nos regalas a los que te seguimos
Todo lo que veo de mess me flipa. Tiene un estilo que lo caracteriza y hace único. La música súper bien llevada. Un montaje exquisito. Una técnica brutal , ni un error de raccord. Ojalá llegue a más personas porque creo que su filmografía se convertirá en todo de culto. Imperdible y 1000 por 1000 recomendable.
Snake Plissken tras el final de su primer rescate, ahora vuelve a ser un hombre libre y decide ir hasta New Jersey. Pero los problemas le siguen hasta allí. Cuando un antiguo socio captura a Plissken y le obliga a saldar una antigua deuda pendiente.
Este corto es bastante original ya que aquí la trams no se centra en una misión para salvar a algún presidente o evitar un conflicto armado.
Sino que nuestro anti héroe tendrá que mantenerse con vida para salvar su propio pellejo.
Los actores en su gran mayoría son desconocidos pero tienen unas actuaciones correctas; hay que destacar a Hector de la rosa en el papel de Snake Plissken, quien aunque no tiene la carisma y la presencia de Kurt Russell. Su interpretación es aceptable y hay algunas partes en las que tiene un humor negro muy bueno.
El montaje es bastante sencillo pero siendo simple funciona muy bien. La banda sonora en su mayoría son piezas extraídas de las películas. Eso es todo un detalle y si te gustaron 1997: Rescate en Nueva York & 2013: Rescate en Los Ángeles deberías ver este corto.
Mi nota final es 7
Aparecen tres figuras amorfas en un cuadro, las siguen otras dos que se unen en una sexta. A estos seres, supuestamente hombres, se les dota de órganos vitales y extremidades, y así parecen cobrar vida.
Pero la vida es muy corta, difícil de asimilar. La emoción es sustituida por el horror, los órganos empiezan a deshacerse, los ¨hombres¨ recién creados reaccionan aterrorizados; la misma creación se prende fuego, se rechaza, y las figuras terminan por reventar.
Unos 47 segundos realmente grotescos y traumatizantes que venían a significar el gesto de bienvenida al mundo del arte de un joven de 21 años nacido en el corazón de Montana. Mucho antes de inmiscuirse en el cine y cambiarlo para siempre, David Lynch mantenía una gran afición: la pintura, medio de expresión que sería el suyo permanentemente y que nunca abandonaría del todo, pese a realizar películas de forma profesional. Poco después de inscribirse en el Boston Museum School en 1.964, se va a estudiar a Europa, en concreto a Viena, con su buen amigo Jack Fisk.
Allí intentan, en vano, conocer al pintor expresionista Oskar Kokoschka. La estancia dura poco tiempo y llegan a la conclusión de que Europa no está hecha para ellos, con lo que hacen las maletas y regresan a EE.UU.. Lynch acabaría en Philadelphia (una ciudad más acorde a su estilo), y el verdadero cambio de su vida llegaría en 1.965 al matricularse en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania, donde tomó conciencia de sus capacidades artísticas y fue asaltado por la revelación de que a su pintura le faltaban dos dimensiones: el movimiento y el sonido.
Esta concienciación llevó al joven estudiante de arte a adquirir 200 dólares y una cámara de 16 mm. con la que en dirigió su primer film, en colaboración de Fisk, bautizado ¨Six Men getting Sick¨, breve experimento que remite más a la pintura animada que al cine propiamente dicho; en efecto, en este cortometraje de apenas un minuto repetido en seis veces, la pintura se anima, o más bien se desmiembra, asumiendo el color rojo el poder. Entre figuración y desfiguración, este pequeño trabajo está habitado por un ruido de sirena persistente que quizá marca, de manera paradójica, la verdadera irrupción del cine en la mente de Lynch.
Pintura de sonido penetrante e imaginería extraña y torcida serían el comienzo de una serie de obras más elaboradas donde dicho arte contaría con un importante papel (así aparece reflejado en ¨El Alfabeto¨, ¨La Abuela¨ e incluso ¨Cabeza Borradora¨, donde el director, más que grabar con la cámara, ¨pinta¨ sus absorbentes y grotescos encuadres sobre el espacio, como en un lienzo en tres dimensiones).
Con ¨Six Men getting Sick¨ Lynch obtendría el primer premio en la exposición de fin de año de la academia, aunque lamentaría el elevado coste de su producción.
Para todos los que somos sus fans, este primer intento alberga un gran interés; al fin y al cabo es el primer trabajo del futuro director de ¨Terciopelo Azul¨, ¨Carretera Perdida¨, ¨Dune¨ o ¨Mullholand Drive¨, quedando como uno de los debuts más extraños de un cineasta que se han visto...si no el que más.
Suena insistentemente un móvil sin dueño en mitad del solitario patio de un edificio. Un joven se aproxima y, con toda la inocencia del mundo, contesta.
La sorprendente respuesta es ni más ni menos que el maullido de un gato, a lo cual el chico, lógicamente, reacciona primero confuso y luego asustado...
Pasan los segundos y todo sigue igual, pero la atmósfera, en la que parece que los elementos naturales ahí dispuestos van estrechando el cerco alrededor del protagonista, se va tornando cada vez más agobiante, más desasosegante, y abandonando su cariz realista para escorarse del lado del terror. ¨¿Es que me estás viendo ahora?¨, termina de preguntar el muchacho; ¨Sí, te estoy viendo¨, contesta desde su izquierda una voz infantil que aparece inesperadamente. Y los pelos de mi brazo como escarpias...
Estamos ante la carta de presentación, el primer ataque, podríamos decir, de ese niño de blanca piel y espeluznante presencia que a muchos les ha impedido conciliar el sueño (incluido un servidor...) imaginando que de repente pudiese aparecer acurrucado en alguna esquina de la habitación en mitad de la noche, ese niño que nos helaría los huesos en la posterior ¨Ju-on¨. Un joven de 26 años llamado Takashi Shimizu se dispone a presentarnos, de la manera más impactante posible, a Toshio, el hijo de Kayako Saeki.
A estas alturas prácticamente todo el mundo sabe de la existencia de ¨Ju-on¨, uno de los films clave del terror moderno japonés que junto a ¨The Ring¨ capitaneó la nueva oleada de ¨j-horror¨ que explotaría a finales de los 90 y principios del nuevo siglo. Pero cuatro años antes de que Shimizu se hiciera un hueco en la industria del cine, convirtiéndose así en referente obligatorio para muchos otros gracias a la terrorífica historia sobre esa familia asesinada en la famosa casa de Nerima que dio pie a una longeva saga, éste ya daba sus primeros pasos construyendo el boceto de lo que sería ¨Ju-on¨.
Y lo haría con dos cortometrajes de poco más de tres minutos, ¨4444444444¨ y ¨Katasumi¨; en el primero, que es el que nos ocupa, cuyo título procede de la superstición alrededor del número 4 en Japón (el kanji se pronuncia igual que el de la palabra ¨muerte¨), se introducen los personajes de Tsuyoshi y Toshio, aquí muy bien interpretado por Daiki Sawada (reemplazado más tarde por Ryota Koyama y Yuya Ozeki). Muchos pensarán que una historia de miedo desarrollada al aire libre y de día pudiera ser un hándicap, cuando en mitad de la oscuridad y en un sitio cerrado el horror se percibe de mejor manera...
Esto no es problema para el director, quien aprovecha el espacio con gran habilidad y precisamente sacando el mejor partido de ello: todo esta en silencio, los árboles se mecen con el viento, las hojas son arrastradas, de vez en cuando brotan gotas de los viejos grifos del edificio...este escenario tan cotidiano y apacible contribuye a tensar la atmósfera cuando los maullidos que vienen desde el otro lado del teléfono se hacen más fuertes y amenazadores, concluyendo con un final sorprendente donde el sobresalto está garantizado.
Asistente de dirección en aquel entonces, Shimizu aprendió de las enseñanzas de Kiyoshi Kurosawa, que ejercía de profesor en la Facultad de Cine de Tokyo, y tuvo la suerte de contar con su ayuda cuando le mostró algunos trabajos de su cosecha. El director de ¨Cure¨ le recomendaría para colaborar (con ¨4444444444¨ y ¨Katasumi¨) en una antología de historias cortas de terror que iba a ser emitida por televisión, y de la que también formaban parte Tetsu Maeda y el propio Kurosawa, titulada ¨Gakko no Kaidan ¨G¨ ¨.
A partir de aquí, el sr. Shimizu iba a dedicarse en cuerpo y alma a introducir personajes, subtramas y otros detalles a su corta presentación de Kayako y Toshio (la mejor de las dos) con ¨Ju-on¨, proyecto destinado al mercado del vídeo donde aparecería por primera vez la historia como tal, así como la casa que todos nos sabemos.
Dos chicas que se hallan en plenas vacaciones (entonces a qué viene el uniforme escolar, me pregunto yo), Kanno y Hisayo, realizan algunas tareas de limpieza en el patio de su instituto, al tiempo que cuidan de las mascotas del lugar, unos conejos.
De repente Kanno, tras cortarse accidentalmente, es atacada por una fuerza desconocida que acechaba a las muchachas desde los árboles...
Hisayo regresa a la esquina donde estaban las jaulas y se encuentra con una escena atroz: sangre por todas partes, los animales destrozados y Kanno muerta en el suelo. El autor del espantoso crimen se ha vuelto a refugiar, y de repente el terror se revela de forma inesperada; algo sale de entre la maleza, arrastrándose, contoneándose y profiriendo unos escalofriantes gemidos, algo que parece ser una mujer ensangrentada ataviada con un vestido blanco. Ante esta aterradora amenaza, a Hisayo no le queda más remedio que acurrucarse en el suelo y esperar su inevitable final...
Estamos ante la primera aparición del espíritu vengador que encabezaría junto a su hijo Toshio una de las más longevas sagas de terror así como uno de los títulos clave para el género en los últimos tiempos, el fantasma de una mujer asesinada que, como a mí, ha privado del sueño a muchos. ¿Quién no se le ha imaginado reptando en el suelo de su habitación por la noche o saliendo de su armario, o quizás deslizándose desde el interior de su desván? Takashi Shimizu, con sólo 26 años de edad, se dispone a presentarnos a Kayako Saeki, la protagonista de ¨Ju-on¨.
Y es que a estas alturas todo el mundo conoce la existencia de ¨Ju-on¨, uno de los films más importantes del terror moderno venido de Asia que junto a ¨The Ring¨ capitanearía la nueva oleada de ¨j-horror¨ que explotó a finales de los 90 y principios del nuevo siglo. Pero cuatro años antes de que Shimizu se hiciera un hueco en la industria del cine, convirtiéndose en un referente obligatorio para otros directores gracias a la terrorífica historia sobre esa familia asesinada en la famosa casa de Nerima que tantas películas ha ocupado, éste ya daba sus primeros pasos construyendo el boceto de lo que sería su obra magna.
Shimizu, asistente de dirección por aquella época, aprendió bien de las enseñanzas del gran Kiyoshi Kurosawa, que ejercía de profesor en la Facultad de Cine de Tokyo, y tuvo la suerte de contar con su ayuda cuando le mostró algunos trabajos de su cosecha. El director de ¨Cure¨ le recomendaría para colaborar en ¨Gakko no Kaidan ¨G¨ ¨, antología de historias cortas de terror emitida por televisión de la que también formaban parte Tetsu Maeda y el propio Kurosawa.
Y lo haría con dos trabajos de poco más de tres minutos, ¨4444444444¨ y ¨Katasumi¨ (que es el que nos ocupa y que continúa con la técnica mostrada en el anterior). El joven cineasta vuelve a desarrollar una situación terrorífica en un espacio cotidiano, natural, que sin embargo otorga de una extraña y amenazante atmósfera al cortometraje; el problema con ¨Katasumi¨ es que el elemento sorpresa no impacta de igual manera que en ¨4444444444¨ (sobe todo si ya se ha visto con anterioridad). Toshio hacía su entrada de forma inesperada, Kayako aparece en su forma más habitual: lentamente, arrastrándose, acorralando a los personajes.
No obstante, si la aparición del niño en un espacio abierto y a plena luz del día no representaba un hándicap (pues el susto está garantizado igualmente), sí lo es para la mujer, pues no se halla en su elemento, que no es otro que un lugar cerrado y claustrofóbico, donde es imposible escapar de ella. Shimizu apuesta ahora por lo horrendo en lugar de lo atmosférico (notándose aquí su gusto por la sangre) e introduce, aparte de a Kayako, que ya encarnará Takako Fuji por siempre, a Kanna y Hisayo, quienes aparecerán en la primera entrega de ¨Ju-on¨ (ésta última llamándose Mizuho), aquí interpretadas decentemente por Kanna Kashima y Ayako Omura.
A partir de esta primera toma de contacto, Takashi Shimizu se dedicaría en cuerpo y alma a introducir personajes, subtramas y otros tantos detalles a su corta presentación de Kayako y Toshio (la mejor de las dos) con ¨Ju-on¨, proyecto destinado al mercado del vídeo donde aparecería por primera vez la historia como tal, así como la casa que todos nos conocemos.
Dos chicas que se hallan en plenas vacaciones (entonces a qué viene el uniforme escolar, me pregunto yo), Kanno y Hisayo, realizan algunas tareas de limpieza en el patio de su instituto, al tiempo que cuidan de las mascotas del lugar, unos conejos.
De repente Kanno, tras cortarse accidentalmente, es atacada por una fuerza desconocida que acechaba a las muchachas desde los árboles...
Hisayo regresa a la esquina donde estaban las jaulas y se encuentra con una escena atroz: sangre por todas partes, los animales destrozados y Kanno muerta en el suelo. El autor del espantoso crimen se ha vuelto a refugiar, y de repente el terror se revela de forma inesperada; algo sale de entre la maleza, arrastrándose, contoneándose y profiriendo unos escalofriantes gemidos, algo que parece ser una mujer ensangrentada ataviada con un vestido blanco. Ante esta aterradora amenaza, a Hisayo no le queda más remedio que acurrucarse en el suelo y esperar su inevitable final...
Estamos ante la primera aparición del espíritu vengador que encabezaría junto a su hijo Toshio una de las más longevas sagas de terror así como uno de los títulos clave para el género en los últimos tiempos, el fantasma de una mujer asesinada que, como a mí, ha privado del sueño a muchos. ¿Quién no se le ha imaginado reptando en el suelo de su habitación por la noche o saliendo de su armario, o quizás deslizándose desde el interior de su desván? Takashi Shimizu, con sólo 26 años de edad, se dispone a presentarnos a Kayako Saeki, la protagonista de ¨Ju-on¨.
Y es que a estas alturas todo el mundo conoce la existencia de ¨Ju-on¨, uno de los films más importantes del terror moderno venido de Asia que junto a ¨The Ring¨ capitanearía la nueva oleada de ¨j-horror¨ que explotó a finales de los 90 y principios del nuevo siglo. Pero cuatro años antes de que Shimizu se hiciera un hueco en la industria del cine, convirtiéndose en un referente obligatorio para otros directores gracias a la terrorífica historia sobre esa familia asesinada en la famosa casa de Nerima que tantas películas ha ocupado, éste ya daba sus primeros pasos construyendo el boceto de lo que sería su obra magna.
Shimizu, asistente de dirección por aquella época, aprendió bien de las enseñanzas del gran Kiyoshi Kurosawa, que ejercía de profesor en la Facultad de Cine de Tokyo, y tuvo la suerte de contar con su ayuda cuando le mostró algunos trabajos de su cosecha. El director de ¨Cure¨ le recomendaría para colaborar en ¨Gakko no Kaidan ¨G¨ ¨, antología de historias cortas de terror emitida por televisión de la que también formaban parte Tetsu Maeda y el propio Kurosawa.
Y lo haría con dos trabajos de poco más de tres minutos, ¨4444444444¨ y ¨Katasumi¨ (que es el que nos ocupa y que continúa con la técnica mostrada en el anterior). El joven cineasta vuelve a desarrollar una situación terrorífica en un espacio cotidiano, natural, que sin embargo otorga de una extraña y amenazante atmósfera al cortometraje; el problema con ¨Katasumi¨ es que el elemento sorpresa no impacta de igual manera que en ¨4444444444¨ (sobe todo si ya se ha visto con anterioridad). Toshio hacía su entrada de forma inesperada, Kayako aparece en su forma más habitual: lentamente, arrastrándose, acorralando a los personajes.
No obstante, si la aparición del niño en un espacio abierto y a plena luz del día no representaba un hándicap (pues el susto está garantizado igualmente), sí lo es para la mujer, pues no se halla en su elemento, que no es otro que un lugar cerrado y claustrofóbico, donde es imposible escapar de ella. Shimizu apuesta ahora por lo horrendo en lugar de lo atmosférico (notándose aquí su gusto por la sangre) e introduce, aparte de a Kayako, que ya encarnará Takako Fuji por siempre, a Kanna y Hisayo, quienes aparecerán en la primera entrega de ¨Ju-on¨ (ésta última llamándose Mizuho), aquí interpretadas decentemente por Kanna Kashima y Ayako Omura.
A partir de esta primera toma de contacto, Takashi Shimizu se dedicaría en cuerpo y alma a introducir personajes, subtramas y otros tantos detalles a su corta presentación de Kayako y Toshio (la mejor de las dos) con ¨Ju-on¨, proyecto destinado al mercado del vídeo donde aparecería por primera vez la historia como tal, así como la casa que todos nos conocemos.
Buena atmósfera, buena actuación y muy buenos efectos, hacen de este, uno de los mejores cortometrajes del director, aún teniendo problemas como el final, uno muy típico en el género de terror. Esto no quiere decir que no se pueda disfrutar ya que está bien si quieres pasar un buen rato.
Un cortometraje con muy buenos efectos especiales, una genial dirección y una atmósfera de horror inigualable. Si todo ello fuese la mezcla final del corto, sería uno de los mejores, pero, al formar parte de dicha mezcla también el final, jode todo el producto dejándonos un buen cortometraje hasta la parte final.
De los mejores cortometrajes del director. Todo en él es bueno exceptuando la historia, la cuál recuerda en cierta medida a una escena de la película Annabelle, del año 2014. Lo mejor sin ninguna duda es la atmósfera de tensión y, nunca mejor dicho, pánico que se genera gracias sin duda al personaje del fantasma. Un muy buen corto con un mejor final.
Me ha gustado el concepto de terror que puede llegar a tener cuando la chica se mete en el armario, pero eso se desaprovecha cuando aparecen los dos al final. Buena realización y buen concepto en cuanto a la historia, pero aún así, ni mucho menos de los mejores cortometrajes de este director.
Clásico Disney que desconocía hasta ahora.
La verdad es que es más bien un documental animado que un largometraje animado.
Te presentan zonas de Sudamerica y sus costumbres, su gente... donde trabajadores de Walt Disney buscaron la inspiración.
Es bastante ameno.
René Clair, tras unos inicios dadaístas, cimentó su reputación de director imaginativo con su primera fantasía cómica. Se trata de una comedieta de enredo, picaresca, persecuciones y desenfado, de argumento simple pero bien construída y muy bien rodada, destacando unos espléndidos planos en la Torre Eiffel.
Quizá su notable influencia en la evolución del cine francés de la época no se note mucho hoy en día, pero sigue siendo un visionado agradable.
Un mediometraje extra que apareció bajo las sombras del éxito de la ya famosa y clásica El proyecto de la bruja de Blair, que en mi opinión, supera con creces a la película. Aterrador, bien elaborado y claro, todo falso.
Su historia y las entrevistas logran sumergir al espectador aun mas en la oscura leyenda de la bruja de Maryland, junto con la terrible suerte de los 3 jóvenes que desaparecieron hasta en leyendas antiguas de asesinatos y magia negra. Todo bien elaborado bajo un formato de entrevistas creíbles que avivaron aun mas la llama de la veracidad. Mas de uno en aquella época estaría convencido de que esto fue real y todo gracias a este buen mediometraje a modo de documental.
Bastante recomendable para alimentar la leyenda de una de las brujas mas famosas del cine de terror.
El cortometraje polémico y muy turbio del cineasta Ari aster nos muestra una relación incestuosa entre un papa y su hijo.
El cortometraje va al punto, sin desviarnos en orígenes extensos y complicados, desde el primer momento sabes que es lo que veras y de que manera te lo contaran.
Un guion atractivo y construido de una manera común hace que los 29 minutos que dura se sientan livianos y muy interesantes, se entienden perfecto los sentimientos de los personajes y sus actos, destacando la actuación del padre como la mejor.
Tristemente decae en la confrontación, se apresura demasiado por darnos un sentido de liberación del protagonista con sus problemas, los arcos están mal manejados y decaen poco a poco, comienza siguiendo al protagonista y su lucha contra el incesto, posee un giro que no es muy cautivador ni creativo y no concluye nada, solo hace que veamos a los demás personajes vacíos y sin profundidad, como si estuviesen ahí solo para robar minutos.
Muchos planos muy bien llevados acuerdo con el ritmo de el corto, Ari aster logra algo bien hecho, nos da a entender que lo suyo es la tensión y lo diferente, en conclusión.....Buena idea, Buena dirección, Un solo actor bueno y un guion común que pudo ser algo increíble y no lo fue.
un corto navideño con monstruito incluido dentro de lo que seria una comedia,afortunnadamente es un corto,pues siendo un corto igual se vuelve algo denso. el monstruo parece un muppett descatalogado.
lo mas bizarro sin duda alguna es que el padre del protagonista se apretaba a la novia del joven, mas alla de eso me parece algo sin relevancia.
Tabo
7
Toy Story Toons: Vacaciones en Hawaii
Cortometraje: ¨Toy Story Toons: Hawaiian Vacation¨ (2011). PRIMERA CRITICA.Entretenido cortometraje que muestra como los juguetes que ahora son de Bonnie estaban preparados para algo, específicamente Barbie y Ken, tenían todo listo para irse a Hawai con Bonnie, sin embargo, se quedan en casa, lo que provoca la inmensa pena en Ken, por lo que Woody y compañía harán de todo por animarlos, ya que en este viaje Ken y Barbie se besarían por primera vez. Breve, pero correcta historia. Diálogos aceptables. Personajes correctos. Buena animación. De ritmo bien, su corta duración hace que sea bastante aceptable.
Mi puntuación para ¨Toy Story Toons: Hawaiian Vacation¨ es 7 de 10 posibles, correcto cortometraje y a pesar de resultar bastante predecible, se logra disfrutar. Recomendado.
Tabo.