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Viaje a la Luna

Una cinta muy entretenida e innovadora en su tiempo, que combina el viejo teatro con el cine de la época. Es obvio que los cánones estéticos y narrativos influyeron más adelante en las películas de género ciencia ficción. Un gran aporte para la historia del cine, Julio Verne estaría contento si viera esto, Historia del cine en estado puro, en éste corto plasma los cambios de escena saturando la imagen, era el año 1902, extraordinario vestuario, magníficos efectos, muy buenas actuaciones.

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DC Showcase: Superman/Shazam!: El regreso de Black Adam

La primera de cuatro cortos relacionados con DC , con una animación buena y una pelea interesante entre Superman y Black Adam hasta que aparece Shazam.


Aquí demuestra Superman tratando de inspirar a otro héroe como un novato Shazam que casi tenía la intención del partirle el cuello como hizo Superman con Zod en Man of Steel

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Aftermath

Es un cortometraje bastante crudo con escenas muy explicitas; no apto para todo público. Te deja pensando si esto está sucediendo en algún hospital de la región o del país. Exploramos la conciencia humana y una de las parafilias más fuerte (no es la palabra que quería decir, pero es la más correcta) que existen a tal grado que con este corto puedes sentir dolor, frustración e impotencia y explorar lo que esta bien o mal en una sociedad. Lo recomiendo, pero con una mente abierta si caer en el morbo.

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Sonic

Para ser un Fam Film está bien currado con el Diseño de Sonic que se ve mejor que el primer intento de Sonic en el film.

Además el diseño del Dr.Robotnik es mucho mas terrorífica que el personaje de Jim Carrey y es algo más fiel a su personaje

Además ese final que es una recreación de Green Hill es un buen desarrollo del paisaje

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Predator Dark Ages

un fan film que recupera un poco la escencia de la primer pelicula pero en la era medieval, si es cierto que esto con mas presupuesto tomaria mas color, pero no me quejo, se nota que lo hicieron con el mayor de los amores por la franquicia predator. pasable fan film

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Eaten Alive: A Tasteful Revenge

cortometraje de la w.a.v.e productions donde vemos a las chicas de la wave ligeras de ropa (como siempre), lo bueno de todo esto es que tiene mas ritmo que cualquier filme de la w.a.v.e devido a que siempre estos filmes me parecieron mas para cortos que para filmes, pues a la mayoria les sobra 1 hora de metraje, pues todo es desnudes y franeleo de chicas suculentas.
solo para quienes conocen y gustan de las peliculas de esta peculiar productora.

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Wonder Woman: Who´s afraid of Diana Prince?

En verdad este corto es algo ridículo está a nivel de de Batman de Adam West....Me imagino que quería hacer una versión cómica de la amazona pero el vestuario es bueno y para esa época estaba bien comparado con la actual

Los pocos efectos especiales es que resultaron demasiado práctico y está bien

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Witchs Cradle

El espacio y el tiempo se componen de cuerdas que lo conectan todo, a cada ser humano y a cada objeto, cuerdas que viajan a través de las brechas abiertas en la realidad.
Nos envuelven, nos aprisionan y conducen nuestro destino hacia un punto de no retorno que a menudo puede derivar en el vacío. ¨El final es el comienzo, el comienzo es el final...¨.

En 1.943 se produjo, aunque muchos lo encajaran con desprecio y otros con solemne indiferencia, un acontecimiento para el mundo del cine con la realización de ¨Meshes of the Afternoon¨, primera piedra de la natural de Ucrania Maya Deren con la que poco a poco cimentaría un estilo único en contra de los convencionalismos a los que estaba sujeta la industria hollywoodiense en la época; aquel pequeño trabajo de inspiraciones surrealistas, creado en compañía de su marido Alexander Hammid (fotógrafo y pionero del ¨avant-garde¨ en su Austria natal), se convertiría en pilar fundamental (y fundacional) del auténtico cine ¨underground¨ en terreno estadounidense.
Tras esto, mientras daba rienda suelta a su creatividad en el campo de la danza, la escritura o la fotografía, Deren se separaría momentáneamente de Hammid para rodar un cortometraje en solitario cuyo escenario fue la famosa galería The Art of This Century de New York, propiedad de Marguerite Guggenheim, amante del arte vanguardista.

En ¨Witchs Cradle¨ la directora decidió implantar en su particular universo sus obsesiones sobre el ocultismo y especialmente el vudú, que conocería a través de la coreógrafa Katherine Dunham, de quien era secretaria personal; tal fue su pasión por dicho tema que unos años después viajaría a Haití para profundizar sobre los rituales y la cultura étnica, donde rodaría el documental ¨The Living Gods of Haiti¨, el cual, por desgracia, no pudo finalizar dado su prematuro fallecimiento en 1.961, siendo rescatado y restaurado más tarde por su ex-marido Teiji Ito. Pero volviendo a ¨Witchs Cradle¨, Deren continúa desarrollando y experimentando con las formas y el movimiento al tiempo que sustituye la libertad espacial de ¨Meshes...¨ por un desasosegante hermetismo, encerrando así a la protagonista, a la que da vida Pajorita Matta.
Ésta recorrerá en silencio varias habitaciones donde el negro profundo se come la mitad de los planos mientras se ve a merced de unas cuerdas que van extendiéndose por el escenario y estableciendo, de algún modo, su avance, así como el de la propia acción; la mujer es incapaz de vislumbrar salida alguna en esa francamente angustiosa atmósfera, ocupada por figuras abstractas (las propias obras expuestas en el museo), simbología ocultista y la omnipresencia de las cuerdas (que se filtran por la piel, que pasan a formar parte de la carne).

Elementos que inclinan a esta obra hacia el cine de horror y que sirven a Deren para reflexionar, una vez más, sobre el conflicto de la identidad y la relación entre el hombre y la mujer. Los elementos y simbologías de ¨Witchs Cradle¨ sirven a Deren para reflexionar sobre el conflicto de la identidad y la relación entre el hombre y la mujer (promulgando un poco agradable discurso feminista que siempre ha estado presente en su trabajo), marcadamente heterofóbica y basada en la insatisfacción, la dominación, la pesadilla y la tragedia, como ya vimos en ¨Meshes...¨, que vendrá determinada por un anciano que maneja las cuerdas con la supuesta intención de atrapar a la protagonista (¿producto de su fantasía, proyección de sus oscuros deseos?) privada de movimiento y libertad.
Un ambiente de opresión en el que se toca la irrupción de lo tangible con un sentido del desfase y la repetición que alcanza directamente el inconsciente, iniciándose una persecución y posterior lucha entre la mujer y su ¨yo¨ (su imagen especular, su reflejo en el espejo) cuyo terrible final estará decidido al ¨sellarse¨ literalmente su destino con el pentagrama en forma de espiral (antes presentado) del ¨punto de no retorno¨ o ¨eterno retorno¨ grabado en su frente. Ambigua y perversa anomalía tomada de la inspiración ocultista que aumenta la sensación de bucle temporal y lleva la acción circular, la repetición y la completa disociación del ¨yo¨ (expresado emocionalmente a través de diversos gestos faciales) a sus puntos álgidos.

A la mujer sólo le resta aceptar su destino/no destino con resignación, sorpresa y dolor. Contando con la inestimable colaboración del artista y autor francés Marcel Duchamp, Maya Deren nos sumerge en un viaje mental que alía profundidad, locura, terror y virtuosismo con una rara agudeza y sentido de lo esotérico que, sin embargo, no logra ponerse a la altura de su anterior obra ni de la siguiente (¨At Land¨, donde perfeccionaría la búsqueda de la identidad).
Y la razón es una opacidad argumental muy pronunciada, una distribución de signos algo confusa y aleatoria y la ausencia de verdadera fluidez, tanto en lo narrativo como en lo visual, aquejada por esos continuos y abruptos cortes en la película, algo comprensible por otra parte, ya que ¨Witchs Cradle¨ fue, curiosamente, un proyecto que nunca llegó a finalizarse...

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I Am Sono Sion!

Se enciende la cámara, que enfoca a una pared llena de humedad, aparece un joven de aspecto poco saludable y algo inquietante ataviado con una especie de jersey azul y se presenta: ¨Buenas tardes, me llamo Sion Sono; estamos en Diciembre y son las 10:07¨. Sin créditos iniciales, sin introducciones innecesarias, sin trabas. Así es él.

Siempre he dicho que resulta interesante, y a veces gratificante, investigar en los orígenes de un cineasta que, además de ser uno de tus mayores ídolos y fuentes de inspiración, se ha llegado a convertir con el tiempo en todo un referente en el universo cinematográfico e incluso en un icono; porque todos sabemos que, si no es por medio de la suerte o de la selección natural (los que viven en Hollywood tienen más posibilidades), el alcanzar la fama en dicha profesión es lo diametralmente opuesto a pasear por un camino de rosas.
El camino de Sion Sono, uno de los más admirados realizadores actuales (sobre todo por los ¨freaks¨ del cine) gracias a obras tan rompedoras y originales como ¨El Club del Suicidio¨, ¨Why dont You Play in Hell?¨, ¨Cold Fish¨ o la monumental ¨Exposición de Amor¨, fue largo, arduo y tedioso, tanto que cuando por fin logró captar la atención internacional ya habían pasado 17 años desde que se iniciara como director. Pero sus primeros pasos son oscuros, difusos y ante todo incomprensibles, por lo menos para el fan medio que sólo le conoce por sus películas más populares. Éste es un buen ejemplo.

Situémonos: 1.985. Kon Ichikawa revisa su trabajo más importante, ¨El Arpa Birmana¨, y Akira Kurosawa se destapa con una de las obras más grandes de su carrera y el cine en general: ¨Ran¨. En ese momento Sono tiene 25 años, ha dejado su Toyokawa natal para ir a Tokyo, ha estado estudiando pero no termina la universidad, quiere crear un manga pero las respuestas hacia sus obras son negativas, escribe poesía y se compra una cámara Súper 8 con la que empieza a filmar lo que tiene delante. Como no ha estudiado lo necesario hace caso omiso de cualquier norma o canon prefijado.
Esa es su norma, la ilógica de su lógica, por la cual se rige su creatividad: la de no seguir normas. ¨Ore wa Sono Sion da!¨ cumple a rajatabla estos preceptos; el joven de mente inquieta, volátil y descarrilada agarra la cámara como un puñado de papel de lija y la pasa por todos los escenarios que se encuentra captando la realidad de su vida en ese momento y en ese lugar. Sono se presenta, hasta dos y tres veces, nos provoca con tocamientos, nos desquicia con gritos y miradas extrañas, nos recita poemas de su cosecha, nos transmite su propia filosofía, la de que no hay que ¨inventar falsas imágenes y mostrarse como uno es en realidad, al desnudo¨.

¨Para mí Tokyo son tres cosas fundamentales: navajas, prostitutas y relojes¨, afirma sin miedo. Se desnuda y besa varias esculturas, corre por las calles de la ciudad, experimenta con el sonido y la cámara, que agita, sacude y retuerce como le da la gana, nos habla de la inminente llegada de su 22.º cumpleaños, algo que parece afrontar con duda y temor (con lo que averiguamos del proyecto, teniendo en cuenta su fecha de realización, que estuvo grabándose durante largo tiempo); la sensación al verse asaltado por tan directas, crudas y ásperas imágenes es de agobio, desasosiego e incomodidad.
Y más aún cuando le veamos forzando a una chica, amiga suya, a aparecer en escena con él, incordiándola, trayéndola de aquí para allá y gritándole al oído sin parar; efectivamente fuerza a varios amigos a introducirse en su alocado y ecléctico microcosmos, a veces haciendo de ayudantes de cámara, otras apareciendo ante ella. Pero el significado literal de incomodidad lo hallamos mejor expuesto cuando decide afeitarse la cabeza lanzando desagradables chillidos (secuencia que crispa los nervios hasta el punto de querer agarrar el cable de la maquinilla y ahorcarle con él). Quizás ese sea su objetivo, que nuestros impulsos más viscerales y destructivos emerjan hasta sentirlos a flor de piel.

En un momento dado asistimos a una sangrienta y violenta sesión de horror que Sono perpetra junto a sus estatuas, así como a varios conciertos de ¨punk rock¨ grabados desde la distancia y a divertidos (pero muy extraños) momentos en los que sus amigos juegan y se estretienen de la forma más austera en interiores y exteriores solitarios, demacrados y abandonados (incluso podemos atisbar muy fugazmente ¨Love Song¨, título de su primer trabajo realizado, del cual algunas imágenes, ya grabadas, fueron extraídas de ¨Ore wa Sono Sion da!¨, paradójicamente estrenado más tarde).
El problema es que este vendaval de traumáticas y extremas secuencias lanzadas como cuchillos en un espectáculo circense a nuestras retinas y nuestra mente, que tras media hora ya se sienten cansadas y confusas, sólo sobreviven al enfoque subjetivo del que las filma, el sr. Sono, a quien no le importa en absoluto la persona al otro lado de la pantalla. Esto es un experimento personal, libre y salvajemente juvenil que él grabó de sí mismo, sobre sí mismo y para sí mismo donde hablaba de él mismo y para verlo después él mismo. Si hoy Sono no fuera tan conocido ni estaríamos discutiendo esto.

Lo más sorprendente es que lo presentó en el famoso Pia Film Festival de Tokyo, que estaba empezando en aquellos años y que lanzaría las carreras de muchos cineastas (Kiyoshi Kurosawa, Naomi Kawase, Joji Iida, etc.), haciéndose con el Gran Premio del Jurado y una beca para rodar su primer largometraje: ¨Otoko no Hanamichi¨.
El germen de todo su cine se halla aquí en su vertiente más cruda y psicotrónica. Hay secuencias e ideas llamativas, pero difícil es aguantarlas tal como se exponen durante una insoportable media hora, y más difícil es creer que una cosa así pueda ganar ningún premio en ningún festival de ningún país...pero si algo ha demostrado el mundo del arte en Japón es que basta con ser rebelde para llamar la atención.

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Dying Is Easy

Lo digo una y otra vez: si a la gente de ¨Bat in the Sun¨ se le diera un buen presupuesto y libertad para hacer una película de Batman a su antojo, crearían la mejor película de Batman de todos los tiempos. Y es que el cariño, el trabajo y el empeño que le ponen a esto es tremendo, dando lugar a cortos tan magníficos como este.
Con una ambientación y una caracterización de los personajes realmente currada, buenas actuaciones y una historia que en tan solo 25 minutos te deja la sensación de haber visto un producto realmente bueno, con el mejor Batman que he visto hasta el momento, tanto visualmente como por su forma de ser, dando miedo, y tal como debe ser Batman, yendo siempre varios pasos por delante.
Un corto de gran calidad en todos los sentidos.