Un cámara de televisión en un partido de rugby tiene un accidente producido por un jugador que lo derriba al suelo, una vez en el hospital, su cuñado le intenta persuadir para estafar al seguro procurándole más daños de los que tiene. El desarrollo es ligero y está lleno de ingenio, Walter Matthau está muy bien pero la película no termina de explotar en ningún momento.
Película que representa una parte de la historia poco antes de entrar en la guerra civil. Unamuno apoya a sublevación militar y es detituido como rector por los republicanos y después tiene una entrevista con Franco. Las interpretaciones de Eduard Fernández que se ganó merecidamente un Goya como el loco falangista Millán Astray y la de Karra como Unamuno están muy bien, tecnicamente está muy bien pero el desarrollo en algunos tramos se muestra confusa.
Aburrida casi desde el principio, aquí unos niños pobres que se ganan la vida recogiendo basura dan con una cartera que les conduce a un entramado de persecución y mafia. La película no me ha entusiasmado en ningún momento, me ha parecido larga y todos temas que tocan no me ha emocionado en ningún momento, por demás, el final viendo como lanzan los billetes de dinero me ha parecido de lo más cursi.
Fievel y sus amigos comienzan una búsqueda por un monstruo que acecha la ciudad, el ratoncillo se alía con la prensa para poder cazarlo y entre tanto, el monstruo que no es otra cosa que una gata que se ha deshecho de su ama en un momento de despiste. La historia transcurre sin mucha intriga de manera bastante aburrida, y no ocurre nada interesante. Al final va entrando en barrena y eso ya no se puede aguantar.
Me atrevo a decir que es una de las mejores películas de los últimos 30 años (si es que no es la mejor). Tiene un argumento sumamente original, complejo y muy bien tratado.
A mí, las películas que juegan con el tiempo (pasado, presente y futuro), suelen no terminarme de enganchar y tienden a confundirme. Si bien, en este film hay bastante juego con lo que tiene que ver con el tiempo, está tan bien tratado que no molesta sumado a que aporta a la trama.
El clima que posee la cinta es enrarecido. Tiene una atmósfera muy particular similar a la de algunas películas de Visconti como puede ser ¨Grupo de Familia¨ (película, también, muy recomendable).
Este film es sumamente complejo ya que toca muchos temas profundos y sensibles: la guerra, las falsas denuncias, la inocencia, la culpabilidad, el acoso, la moral, etc.
Las actuaciones son todas brillantes. Tan solo al personaje que encarna Keira Knightley le faltaron más matices y a la familia desarrollarla un poco más. Sacando esa pavada, todos deslumbran y están bien delineados.
Las tres actrices que interpretan a Briony Tallis (no diré porqué está inrepretada por tres actrices distintas para no spoilear) son muy parecidas, están muy bien buscadas.
El apartado técnico (fotografía, decorado, efectos especiales, vestuario pero, sobre todo, la ambientación) está excelente.
Entretiene de principio a fin sin aburrir en ningún momento.
El final me ha hecho lagrimear bastante, me ha emocionado a más no poder (algo raro siendo una cinta reciente ya que el cine actual no suele emocionarme).
Sin duda un peliculón! Sumamente recomendable!
BIografía de James Dean muy entretenida y, para quien le interese el tema, obviamente recomendable.
Yo, que he visto dos de los tres largometrajes que ha protagonizado James Dean (He visto ¨Rebelde sin Causa y ¨Al Este del Edén¨, las dos muy recomendables por cierto. Me falta ver ¨Gigante¨), puedo decir que me ha interesado mucho saber un poco más de su vida ya que, por lo que había escuchado antes de ver la cinta, no era una persona ¨sencilla¨.
El film tiene un montón de menciones a directores, actores y películas de la época, por lo tanto si no investigás sobre el Hollywood de los años 40 y 50 muchas cosas les quedarán sin entender del todo.
Me gustó! Recomendable!
Es una pelicula de supervivencia que por su trama y por el ambiente donde se desarrolla está en punto intermedio entre Máximo Riesgo con Silvester Stallone y Everest con Jhos Brolin, tiene algo de suspenso y bastante acción, sobretodo en las escenas de rescate en la montaña, siempre con el riesgo de las avalanchas y las variables del clima, se me hizo muy previsible pero igual me resultó entretenida, con actuaciones buenas, y lo mejor es el paisaje nevado.
He visto la serie original,la pelicula y la serie de animacion,pero jamas habia visto una pelicula que me decepcionara tan profundamente y me aburriera tanto.
Sin Richard Curtis,la flojeza era a escalas altas.
En esta ocasion,Bean consigue en un sorteo,un viaje hacia Cannes y basicamente digamos que vuelve a cagarla y consigue que un padre (Karel Roden) pierda a su hijo y Bean intente buscar la manera de devolverselo a sus padres.
Una pelicula en la que solo la vi una vez y me dormi varias veces.
El Primer acto empieza bien.
El Segundo Se vuelve Infernal
El tercero...Flojo pero ver a Willem Dafoe siempre alegra el dia.
5/10.La Apruebo si eres fan,pero demasiado decepcionado quede.Demasiado aburrido me senti y pudo ser el suicidio de toda la franquicia
La Serie es Serie y la pelicula es pelicula.EPICA!
Una de las mejores peliculas de comedia de la historia que he visto.
Es tan mala,tan mala que a la vez es apoteosica.
De la mano de mi querido Richard Curtis llega esta pelicula,este guion que supera a toda la serie de un martillazo.
La Peli es simple:Desde mi punto de vista no se si calificar a Bean como un genio o un pobre deficiente mental que siempre que intenta hacer bien las cosas acaba cagandola de maneras epicas (Punto a favor por el subtitulo:Lo Ultimo en cine Catastrofico)(Pero aun asi,simpatico,te da pena,pero te encariñas con el de como te hacer reir hasta que te duela el pecho).
Bean trabaja como vigilante de una de la Royal National Gallery,Londres.
Sus jefes son unos capullos y egocentricos que lo usan como caballo de troya para fastidiar a los americanos.(Y mi pregunta?Vuestro plan era deshaceros de el o joder a America?Sabiendo como es el pobre Bean,apuesto por la segunda.Basicamente le envian para valorar el cuadro americano ¨La Madre de Whistler¨ que es lo mas valioso que tienen los americanos.Aventura.Alli conocera al personaje de Peter McNicol y su familia donde se quedara a dormir.No solo la lia en el museo,tambien con su familia dejando al personaje de Peter McNicol en no saber que hacer por que su opinion sobre Bean es la misma opinion que tenemos de el.Creo que en si la idea de Rowan Atkinson fue muy acertada y hacer esta pelicula mas por que si no fallo en mi teoria de que Bean es deficiente mental,esta pelicula me ha ayudado mucho en tener paciencia con personas que son como nosotros,pero no lo seran jamas.En como es la vida y en que hay que disfrutarla y hacer que ellos se sientan mejores con como son.Una pelicula con Comedia muy gamberra,corazon y una pelicula que al verla con 5 años,se me quedara grabada en el corazon sobre todo con la composicion tan epica que tiene.
Si no la habeis visto,agradecereis la oportunidad a mi y a todos los que os la recomienden
En cuanto a historia se puede decir que tiene sus momentos interesantes ya que va del romance a lo dramático y me pareció que esta bien contada, la historia de amor tiene su encanto y los personajes se encargan de hacerla mas especial cada uno es importante en la película, las actuaciones son buenas destacando la química de los protagonistas y se le da un cierre que en ningún momento espere, lo único malo es que por momentos me resulto monótona y me llego a cansar pero se puede decir que es un respiro para el genero ya que cuenta con cosas originales.
Algunos pueden tachar esta historia de interés feminista o algo así pero en el fondo no es nada de eso es una historia sobre el acoso laboral, como una persona que está llena de poder puede hacer lo que se le de la gana sin que nadie puede hacerle frente solo por tener miedo en este caso Nicole Kidman es la que comienza con la demanda y de ahí todo será en contra para este señor de Fox News
Como dicen en el inicio a pesar de estar basada en una historia real se han tomado algunas licencias en esta historia que está bien contada y a pesar de ser hablada totalmente no te aburre y te mantiene hasta el final y las actrices muy bien todas y atención a la escena en que Margott Robbie le cuenta a la amiga lo que sucedió sin duda te das cuenta la fuerza dramática en esta actriz muy merecida su nóminacion al Oscar.
Buen final y sin duda alguna una sorpresa y que necesita ser vista para que vean que al final nada vale más que tu reputación
Una mujer que se queda embaraza soltera en tiempos católicos y todo se le pone en contra, debe de huir de su pueblo y luchar por sobrevivir, no obstante, está tan cansada de todo que pretende suicidarse entre que lo piensa piensa en su pasado marcada por hombres que la trataron como un trozo de carne sin más. Es dura y refleja a la mujer de aquella época que no valía más que para fregar y bombear como y cuando ellos querían. Esta mujer si sufre, no como Arthur. Película más dura que Joker de aquí a Lima.
Muy buena tercera entrega de la saga la cuál, si bien sabemos que es cine chatarra en su estado puro, no deja de entretener en ningún momento.
Hay que reconocer que Gerard Butler tiene onda!
Las escenas de acción están muy bien hechas y tienen bastante adrenalina.
Los efectos son buenos.
Si les gustaron las otras seguro que no los defraudará! Recomendable!
thriller español con un gran elenco, marisa mell protagoniza este modesto filme donde predomina la codicia, se deja ver pero sin muchas pretenciones,ya que la historia es lenta, pausada y tarda en arrancar, su final me gusto, aunque los minutos anteriores al final le sumaron una vuelta de tuerca quizas algo inecesaria pero creo que era necesario para ese final.
se deja ver.
El siglo XX ha llegado a las tierras del salvaje y viejo Oeste, y la tendencia dominante en esta moderna era es seguir los vientos de cambio, pero para seguirlos es necesario deshacerse de todo lo que impide el progreso.
Un hombre se verá forzado ante esta situación, un valiente sheriff que lo dio todo por defender la justicia relegado ahora a ¨un vaquero fanfarrón con las pistolas humeantes¨...
En efecto el final de una era, tanto dentro de la pantalla como fuera. Los últimos estertores de los 60 estaban próximos y durante la década el ¨western¨, género rey del clásico Hollywood, se había acercado poco a poco al inevitable comienzo de su ocaso; paradójicamente sería John Ford el iniciador de este movimiento con ¨El Hombre que Mató a Liberty Valance¨, seguida el mismo año por ¨Duelo en la Alta Sierra¨, título esencial de lo que después habría de llamarse ¨western¨ crepuscular, realizado por el maestro Peckinpah, quien remataría el decenio con su apocalíptica ¨Grupo Salvaje¨.
Pero esta emblemática obra no sería la única en resaltar en ese ¨nuevo¨ cine del Oeste que tanto reclamaba ruptura y libertad; también en 1.969 Joseph Calvelli adaptó a la pantalla la novela ¨Death of a Gunfighter¨ de Lewis B. Patten, uno de los más prolíficos autores en el ¨western¨ (y que además colaboró en el guión). El puesto tras la cámara sería ocupado por Robert Totten, veterano en la industria de la televisión que no logró la simpatía del productor Lew Wasserman ni de Richard Widmark, quien encarnaba al protagonista de la película (y del propio rodaje); el problema se zanjó con el despido de Totten y el contrato de Don Siegel.
Un Siegel que tuvo que encargarse de filmar durante la última semana de producción bajo las órdenes del actor, lo que le llevó a rechazar su nombre sustituyendo al de su predecesor; la Directors Guild determinaría entonces usar un alias para tapar a sus desertores artífices, dando lugar a la creación de Allen Smithee, mítico e infame pseudónimo (aún usado hoy día) adoptado por esos cineastas que rechazan la autoría de sus proyectos. Así aparece en los créditos de ¨La Ciudad sin Ley¨, cuyo inicio ya es claro representativo del ocaso del género, con un tren que penetra en el pueblo como una cuchillada de modernidad y una mujer que predica furibunda contra las injusticias del gobierno.
Melancólico y amargo tono que permenecerá hasta el final. La acción nos sitúa en un pequeño pueblo de Texas donde algunos de sus ciudadanos desprecian al duro e implacable sheriff Patch, perfecta encarnación de una era desfasada y rancia, acusado por su uso excesivo de la fuerza para aplicar una justicia demasiado estricta y nada acorde a los nuevos y democráticos tiempos; un asesinato en defensa propia será la gota que colma el vaso para esos ¨políticos¨ que abogan a toda costa por el progreso y el despido de Patch, defensores de una paz que paradójicamente defenderán con más violencia que el propio agente de la ley al que culpan.
¨La Ciudad sin Ley¨ toma los más viejos códigos y elementos del ¨western¨ y los tergiversa, incluso degenera a su antojo, llevando a cabo un doble gesto de muerte y renacimiento del género, reflejando por el camino una dura realidad política y social acorde con la vivida en EE.UU. en la época, que declaradamente se ha vuelto violenta, explosiva (así, el caballo, animal incónico del Oeste, será a menudo relegado a un segundo plano por los coches, que toman las calles del pueblo, la chica inocente y cristiana quedará convertida en una zorra viciosa, el párroco en un interesado desalmado y el sheriff, símbolo de ley y orden, será vilipendiado por sus vecinos y hasta disparado por la espalda).
Cobardes y desagraciados que ocultan bajo la humildad de sus hogares sucios secretos imposibles de compartir en público, todos y cada uno culpables, todos bajo el signo de la vergüenza, cuya conciencia maldita es a un tiempo protegida y ajusticiada por Patch; a medida que avance el metraje el clima se tornará más hostil y desasosegante en el pueblo, haciendo mella en el sheriff, quien, presionado por la situación, empieza a revelar su lado más oscuro y violento, sobre todo tras la llegada del comisario Trinidad y un personaje que incluye una tremenda historia trágica en la que se debería profundizar mucho más.
Intrigas y conspiraciones que derivan en un trepidante y brutal enfrentamiento donde la moral y la ética quedan aplastadas por la violencia, descendiendo el ser humano a unos niveles de sadismo y deshumanización indescriptibles y donde la película radicaliza y en cierto modo se burla de ¨Solo Ante el Peligro¨ (muchos de los sucesos de aquella sufrirán una desfiguración conociendo el clásico de Zinnemann su reverso de pesadilla), tratándose en un sentido muy liberal del callejón sin salida existencial de toda justicia personal y del frío horror de la venganza del Estado (la élite del pueblo).
Todo ello coronado con un desgarrador desenlace inscrito en la tradición del mejor ¨western¨ crepuscular donde la bandera americana, que ondea al fondo, se convierte en testigo mudo de los despiadados acontecimientos; Totten añade oficio tras la cámara y Siegel su pesimista visión del género (la misma que en ¨Un Extraño en el Camino¨), mientras el plantel brinda unas buenas actuaciones, destacando Lena Horne, Jacqueline Scott, Larry Gates, Carroll OConnor y un jovencísimo John Saxon (en un papel que podría aprovecharse más), aunque nadie logra eclipsar a ese magnético Richard Widmark, imponente desde todos los ángulos.
Conocida sobre todo por su propia leyenda tras las cámaras (el nacimiento de Allen Smithee) y atravesada por ráfagas de humor negro y un profundo romance, ¨La Ciudad sin Ley¨ permanece como uno de los films del Oeste más amargos y descorazonadores que se han rodado, y situándose entre los más emblemáticos de 1.969 junto a ¨Valor de Ley¨, ¨El Oro de McKenna¨, ¨Dos Hombres y un Destino¨ y la mencionada ¨Grupo Salvaje¨.
El cine de acción surgido de la industria hollywoodiense estaba cambiando a mediados de los 90 aunque nadie parecía darse cuenta. Cada vez con más asiduidad, y desde la llegada del condenado y celebérrimo Michael Bay, importaban menos los personajes y la existencia de un argumento sólido en beneficio de los efectos visuales y de ofrecer acción por acción...
Era la época del ¨techno-thriller¨, de las megapelículas que arrasaban en taquilla, y si alguien podía sumarse a aquella corriente era un realizador bien experimentado como John Woo. Habían pasado tres años desde que el creador de legendarios títulos como ¨The Killer¨, ¨Una Bala en la Cabeza¨ y ¨Hard Boiled¨ decidiera abandonar su país natal para cruzar el charco y aterrizar en los EE.UU., aunque las exigencias que se encontró en los estudios y con los productores americanos no parecía presagiar nada bueno; la prueba de ello fue la entretenida pero muy vacua ¨Blanco Humano¨, con la que el chino quedaría nominado a un Saturn.
Tiempo después 20th Century Fox le contrataría para otra superproducción con guión de Graham Yost muy en la línea de lo que se cocinaba entonces: films de acción desenfrenada con amenaza nuclear de por medio, premisa que a mitad de década se extendía como un virus por los estudios (¨Decisión Crítica¨, ¨Mentiras Arriesgadas¨, ¨La Roca¨, ¨Reacción en Cadena¨, etc.). ¨Broken Arrow¨ sigue la estela de estas películas sin desviarse de sus preceptos iniciándose con una interesante secuencia (quizá la única que hallemos) a lo DePalma en la que Vic Deakins y Riley Hale, que trabajan para las Fuerzas Aéreas militares, libran un combate de boxeo.
Principio que remite a uno de los temas más viejos del cine de Woo (el de los dos amigos cuya relación se ve quebrada por situarse cada uno a diferentes lados de la ley y la moral) y que presagia un futuro duelo cara a cara entre ambos. Pero desde que vemos a Deakins lanzar esa malvada mirada sobre su compañero ya podemos adivinar antes de que nos lo cuenten qué va a suceder y cómo e incluso quién va a morir y quién vivir, y más aún sabiendo que hay dos cabezas nucleares como figura de la discordia en un argumento construido alrededor de una situación muy simple y harto conocida protagonizada por personajes estereotipados al 100%.
Por lo tanto no habrá sorpresas en esta historia de la que no nos cuesta creer que haya sido escrita por el guionista de la no así más ingeniosa ¨Speed¨. Con el aterrizaje forzoso del avión y los pilotos empieza a moverse la película, cuyo escenario vital será el profundo y vasto desierto de América, donde Hale organizará una cacería contrarreloj para desbaratar los demenciales planes de Deakins (a lo Correcaminos contra el Coyote), contando con la ayuda de Terry, una ranger que aparece de la nada, de los fallos más enormes del guión, cuyo encuentro con el protagonista será de lo más absurdo (¡atentos a cómo se presenta ante él!).
Sin embargo nada, o casi nada, hace suponer que los héroes no podrán vencer a tan maestras mentes criminales, pues mediante avance la trama se les proporcionará infinitos recursos, tanto artificiales como naturales (lo de la mina abandonada es demasiado...), para burlar a sus enemigos como quieran. Pocos giros hay que no nos imaginemos de antemano, pero aquellos que se saca Yost de la manga distan mucho de resultar agradables, como el muy tardío encuentro entre Hale y los militares (y es que nos pasamos demasiado rato corriendo por el desierto) o cuando Terry se pretende convertir en la heroína de la película a base de unas artimañas que no se cree nadie.
¿Qué queda de este guión donde la inverosimilitud campa a sus anchas, algunos diálogos dan vergüenza ajena y todos los personajes secundarios son idiotas congénitos (les dicen algo que no deben hacer y ellos, como niños tontos, lo hacen...) incluso después de muertos? Sencillamente un espectáculo frenético de persecuciones, explosiones, tiroteos por doquier, saltos, carreras, humor a destiempo y peleas a puñetazo limpio con un nivel justo de violencia, como mandan los cánones del cine de acción más comercial y hueco, y para rematar un clímax alucinante (y alucinatorio) a lomos de un tren en el que la adrenalina tiene más peso que la lógica.
Es decir, John Woo, como maestro veterano del género, no pierde su habilidad y pericia tras la cámara para hacernos disfrutar de una aventura tan entretenida como descerebrada, en la cual sin embargo no hallamos el espíritu de su cine más clásico y puro por ningún sitio. ¨Broken Arrow¨ se inclina hacia lo comercial, lo estereotipado y lo maniqueo, siendo a todos los efectos un film de acción genérico sin personalidad que podría haber realizado cualquier otro y no nos hubiésemos percatado (Stuart Baird, Wolfgang Petersen, Tony Scott, Andrew Davis, Simon West, Peter Hyams...la lista de hipótesis es inmensa).
Un simpático Christian Slater que se adapta rápido a la situación y un Travolta histriónico e inquietante que volverá a colaborar con Woo de mejor manera en la superior ¨Cara a Cara¨ encabezan un reparto en el que poco más se puede destacar a nivel interpretativo, salvo el siempre correcto Delroy Lindo; Bob Gunton está sin saber qué hacer o decir realmente, Samantha Mathis (exasperante pareja del héroe como pocas veces se ha visto) sólo tiene a favor su buen físico y uno sólo puede esperar del insípido y detestable Howie Long que se muera lo más rápido posible...
La suerte estuvo de parte de la Fox, pues ¨Broken Arrow¨ acabaría recaudando al final de su vida fílmica más del triple de su presupuesto. John Woo, por su parte, se vio acorralado una vez más por las presiones de los productores y ejecutivos, de ahí que exigiera para su siguiente obra una libertad creativa mayor.
Cine de aventuras, evasión, destrucción y descontrol para ver con los ojos sin usar el cerebro, pues si por un segundo se piensa en lo que se está viendo quizá deje de causar el mismo entusiasmo...
No hay muchos lugares civilizados que estén preparados para enfrentarse a su fuerza destructiva, y New York no lo está.
Viene de Hong Kong pacíficamente pero las circunstancias le obligan a ser todo lo violento que quiera. Que vayan rezando los malos, ¡Jackie Chan ha desembarcado!
Entrada la década de los 90, el cine de acción hongkonés y sus estrellas no eran sólo cosas de aficionados ¨freaks¨ y amantes de lo oriental; estaba llegando a todo el Mundo y con gran éxito de público, y más aún con la llegada de dos cineastas de la talla de John Woo y Ringo Lam a EE.UU.. Sin embargo faltaba alguien más por aterrizar y arrasar en las taquillas americanas; no era Chow Yun-Fat ni Tony Leung, sino Jackie Chan, quien por aquellas fechas era quizás el actor de acción más reconocido, famoso y querido de toda China.
Para muchos Chan era el más grande, más incluso que el legendario Bruce Lee (no se puede decir lo mismo hoy en día), un ser indestructible que dejaba catatónico con sus cintas de alto voltaje en las que la acción se elevaba a catárticas alturas, sobre todo porque realizaba sus secuencias peligrosas sin el uso de dobles y la mayoría de veces sin ni siquiera cables (hoy sólo Tony Jaa hace eso). Por fin este señor cruzaría el océano junto al cineasta, colaborador y amigo Stanley Tong con el objetivo de embelesar a sus fans americanos a través de una de las producciones más grandes y espectaculares que se hubieran visto.
Aunque la versión distribuida por New Line Cinema (que modificaría el film a su antojo a base de inexplicables cortes y algunos nuevos doblajes) no se haga mención, Chan es ahora Keung, un simpático policía recién llegado de Hong Kong a Manhattan que planea asistir a la boda de su tío y ayudarle en su humilde tienda de comestibles, situada en las profundidades de la ruidosa y problemática área del Bronx; ya desde su aparición (con el encuentro de su tío en el aeropuerto) el protagonista desea dejar patente sus desvelos para la comedia más absurda y desenfadada, cosa que perdurará hasta el final.
Da imagen de héroe desinteresado, es torpe, amable, honesto, no juzga, ayuda a todos, siempre sonríe y para rematar hace una increíble demostración de sus habilidades de lucha con un perchero: ya tiene al público en el bolsillo. Por su similitud en las situaciones, este primer tramo nos recordará a ¨El Furor del Dragón¨ (Roma se cambia por New York y el restaurante por una tienda...), aunque la batalla que comienza entre Keung y esa banda de motoristas descerebrados parece remitir a la librada por Charles Bronson en ¨El Justiciero de la Noche¨. A partir de este encuentro la película inicia su estampida hacia el desenfreno.
Y es que Stanley Tong no nos da tregua, pues pasará de una secuencia de acción a la siguiente, y casi sin solución de continuidad; pero una acción absolutamente descarriada y abrumadora, técnicamente agobiante por la energía ciclónica que exuda cada una de sus escenas, la cual, al mezclarse con dosis de comedia la mar de disparatada, se logra un espectáculo de puro frenesí que divierte y atonta con la misma eficacia (ni John Woo ha hecho algo así). Esta acción, sin embargo, será tan vertiginosa como la estructura de una trama a todas luces ilógica en la que los hechos suceden de forma aleatoria y sin orden alguno.
Para muestra un botón: durante un tiempo estamos inmersos en la confrontación entre Keung y los motoristas hasta que aparecen de repente esos gángsters y el policía se inmiscuye sin quererlo en una violenta intriga criminal con diamantes incluidos quedando en segundo plano aquellos con los que se enfrentaba (¡con quienes terminará aliándose a pesar de todo lo sucedido!) ¿Cómo se come esto? Oscilaciones y cambios bruscos tanto como la presencia combinada del humor y la violencia, muy brutal y en ocasiones incómoda, que llegado a cierto punto la película no sabe por cual decantarse realmente.
De por medio, un encuentro de gracia que lleva a un romance sin muchas luces y una pequeña e insignificante subtrama dramática que incluye a un pobre niño en silla de ruedas y su hermana, casualmente miembro de la banda (todo sea por rizar el rizo). ¿Debemos prestar atención a todo eso?, pues seguramente no, pues lo más destacado aquí es cómo el sr. Chan se va abriendo camino entre los villanos y cómo el director nos bombardea con explosivas secuencias hasta llegar al apoteósico y no menos apocalíptico desenlace.
Sus preguntas son firmes y directas: ¿creías que era imposible arrojar una furgoneta desde la azotea de un edificio?, ¿o que un hovercraft atravesara las calles de la ciudad?, ¿o que un camión se enganchara con cadenas a un supermercado...¡y arrancara de cuajo toda su estructura!? Pues aquí lo podemos ver, quizás el mayor desprecio jamás mostrado hacia la integridad del mobiliario urbano en una obra cinematográfica. Es decir, que si algo se puede destruir, destruyámoslo, y cuanto más ruido se haga mejor; el estilo es sobrecargado y excesivo a todos los níveles, puramente ochentero. Entre tanto, actuaciones impagables de Bill Tung, Anita Mui, David Fredericks y Garvin Cross.
Pero todos sabemos adónde se dirige nuestra atención (además de a las piernas de Françoise Yip): a esas coreografías de pelea hipnóticas y enrevesadas de un Jackie Chan que se revuelve, contorsiona, corre, pega y brinca como si le fuera la vida en ello; literalmente, ya que, como bien se enseña durante los créditos, el pobre (y algunos miembros más del equipo) acabaría lesionado durante el rodaje.
Acción sin trucos, sin efectos digitales, pura adrenalina, de la que te hace vibrar y sudar, y un sentido del humor que hay ver para creer. ¨Rumble in the Bronx¨ (prefiero su título original) fue la que abrió definitivamente las puertas del mercado americano a Chan y uno de los mayores éxitos de 1.996, superando en diez veces su (modesto) presupuesto en taquilla. Aprende, Michael Bay, lo que es cine de acción auténtico.
¿En qué se convierte una persona que ha olvidado quien es? ¿Qué acompaña al resultado de esta mutación salvo la pérdida absoluta de la humanidad y la razón?
Sí, el ser humano es débil, se deja llevar por los instintos, los impulsos, al fin y al cabo como un animal. ¿Qué es necesario para qué esto suceda?
Pocos daban ya un duro por el señor Jean-Claude Van Damme a comienzos del nuevo siglo tras haber pasado por la década de los 90 afianzando su posición como estrella de acción y acumulando una serie de títulos de más o menos éxito hasta llegar a estrenarse en la dirección con ¨The Quest¨; pero su momento, tal como le sucedía a muchos de sus coetáneos, parecía haber acabado...hasta que la suerte le sonrió inesperadamente. El mismo año que dirigió ¨Looking for Mr. Perfect¨ en su Hong Kong natal, cuyos resultados comerciales dejaron mucho que desear, el veterano Ringo Lam decidió volver a unir sus fuerzas con el belga por tercera y última vez.
No sería difícil subir el listón tras ese mediocre híbrido de acción, ¨thriller¨ y tecno-ficción llamado ¨Replicant¨, así que, contando con un guión escrito a cuatro manos por Eric James Virgets y Jorge Álvarez, Lam y su estrella se inclinarían por primera vez hacia el drama con la intención (quizás implícita) de demostrar que no sólo podían desenvolverse con talento en el cine de acción. El comienzo del film hace desde luego honor a su título original (¨In Hell¨), donde el director nos lanza de cabeza a las entrañas de esa prisión que será el escenario único de los brutales acontecimientos futuros en una secuencia nocturna de pelea que raya en el terror.
Entonces pasamos a conocer a Kyle, un trabajador de fundición que vive en Rusia junto a su mujer, a la que un violador asalta y asesina en su propia casa; este frenético prólogo parece que va encaminado hacia el tópico cinematográfico de ¨tipo cualquiera en terreno extranjero que toma venganza por el asesinato de la esposa¨. Lam nos saca de nuestro error, y tras ponerse en solfa la seguridad del sistema judicial ruso, Kyle marcha condenado hacia la cárcel de Kravavi, un pedacito de Infierno en La Tierra donde la única ley vigente es la que ofrece el dinero y la corrupción, el aire está viciado por el olor de la putrefacción y la sangre y sus moradores resignados a olvidar su pasado y a sobrevivir por todos los medios.
El cineasta no se desvía de un argumento ya usado en muchas ocasiones (y que halla sus similitudes con ¨Encerrado¨), pero tan rápido como puede se encarga de subvertir este orden tan propio del drama carcelario de manual. Y es que, mientras arroja una visión radical y pesimista del estado de las penitenciarias de Europa del Este, sin tomarse licencias en cuanto al grado de violencia a la que nos somete (una violencia áspera cuya exposición le llega a uno a las mismísimas entrañas), asienta las bases del guión centrándose no sólo en Kyle, sino en los demás presos, cayendo en manidos estereotipos (el pobre chico desvalido, el reo que lo sabe todo sobre el lugar, los guardias corruptos, el compañero de celda misterioso que actúa de guía del público) para luego dotarlos de una gran profundidad dramática y psicológica.
Cada acción del dúo (Kyle y su compañero de celda) está justificada, el ¨bueno¨ tiene su bien ganada recompensa y los malos su castigo...y no obstante es algo que todos queremos ver. Hasta los combates mortales celebrados en la cárcel tendrán su sombría justificación. Entre secuencias durísimas y agrias que recuerdan al cine de Walter Hill, Siegel o Peckinpah y la presencia de símbolos nada complicados (el insecto=la esperanza), asistimos al nacimiento de una bestia; marcado por la tragedia, consumido por la rabia, devorado por el odio y dominado por la violencia que flota a su alrededor, Kyle desciende a los más recónditos inframundos de su psique al tiempo que se convierte en la estrella de las peleas clandestinas orquestadas por los desalmados carceleros, pero una fama que adquiere, sin embargo, a base de perder su propia humanidad e incluso su identidad.
Cuando nada parece cambiar esto, la trama vuelve a girar en otro sentido y da una nueva dimensión al film, y se hará a partir de que Kyle abra los ojos y se niegue a pelear. Cambio de miras a registros más sombríos; aquel salvaje que luchaba para defenderse de sus enemigos, cuando en realidad su peor enemigo resultó ser él mismo, queda transformado, por obra y gracia del guión, en una especie de mártir (que no se librará de una comparación con el Cristo crucificado, algo que Van Damme ya hiciera en ¨Cyborg¨) a quien todos admirarán y de quien tomarán ejemplo; los precedentes sirven una vez más para hacernos afirmar algo que ya sabemos: la unión hace la fuerza.
En un gesto imposible de imaginar, tanto más cuanto que se da tras el conmovedor encuentro entre Kyle y el gigante Miloc, cuando por fin lo recoce, los presos se aliarán para combatir a los verdaderos villanos: los guardias. ¨In Hell¨ alcanza su cenit en una secuencia de motín absolutamente feroz y descarnada que adquiere un sentido distinto tal y como es presentada por el cineasta, a lo cual sigue la extraña decisión de regresar al punto en el que el protagonista se rindió y revertir la situación (pareciera que todo ha sido producto de un sueño) para dar paso a un final previsible que busca sin duda el aplauso del público, síntoma de desear refugiarse en los sólidos tópicos del cine americano que no falla del todo pero que sacrifica la originalidad.
Lam extrae lo mejor de Van Damme, quien sorprende con creces en un papel que viene a ser la demolición de todos aquellos héroes que ha interpretado; no hace gala de sus técnicas marciales y su actuación es creíble y descorazonadora (atención a cuando asesina al ruso arrancándole un pedazo de cuello). Le siguen unos buenos Lawrence Taylor, Chris Moir, Alan Davidson y un odioso e irreconocible Carlos Gómez.
Como un cóctel explosivo de ¨Libertad para Morir¨, ¨Prison in Flames¨, ¨Invicto¨ y ¨Encerrado¨, esta película es un torrente de pura violencia, visceral y dolorosa, perturbadora en ciertas ocasiones, pero con un alma y un sentimiento que va más allá de toda lógica y estereotipo.
De los mejores trabajos del director y el mejor de su colaboración con el belga, que queda aquí rematada y sellada como el broche de oro perfecto para su trilogía conjunta. También es, por derecho propio, uno de los más impactantes dramas sobre prisiones que jamás se han realizado.
Ver esta película vale la pena, es entretenida y cada escena puede provocar emociones interesantes, además contiene una reflexión que a pesar de que no se expresa explícitamente deja mucho que pensar al finalizar la película. El guion no es el mejor, pero es pasable además pienso que el director buscó más hablarle al espectador con cada situación vivida por el protagonista, también se presenta mucha ficción que da la impresión de contener muchos errores en la adaptación, sin embargo sólo sucede esto en dos o tres escenas que no interfieren en el desarrollo de la trama.
Me encantó!!! Jon Favreau es de esos tipos que saben darle al público lo que quieren manteniendo la escencia del producto original y, en este caso, le salió de maravilla.
Remake del clásico animado ¨El Rey León¨ alucinante, solo Disney sabe hacer remakes de este calibre (¨Dumbo¨, ¨El Libro de la Selva¨, ¨La Bella y la Bestia¨, etc).
La animación está muy bien lograda consiguiendo que el CGI se note muy poco.
Entretiene de principio a fin sin aburrir en ningún momento.
En más de un momento me emocioné ya que apela a la nostalgia.
Recomendable!
Parnaso
6
En Bandeja de Plata
Un cámara de televisión en un partido de rugby tiene un accidente producido por un jugador que lo derriba al suelo, una vez en el hospital, su cuñado le intenta persuadir para estafar al seguro procurándole más daños de los que tiene. El desarrollo es ligero y está lleno de ingenio, Walter Matthau está muy bien pero la película no termina de explotar en ningún momento.Me gusta (0) Reportar