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Tarzán y la Ciudad Perdida

Nada mal, una más de Tarzán, esta vez encarnando el personaje el empalagosillo Van Dien, cuya historia transcurre en la selva y su fin es el atrapar a los hombres blancos que invaden la aldea de las tribus y se apodera de una especie de talismán de oro. Al pronto pensé que sería una película con aires de telefim, más diome en toda la frente tal cosa que no es buñuelo y si correcto entretenimiento.

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Me Gustan los Líos

De como dos periodistas de diferente estatus se ponen a investigar un fraude en la leche, y se ponen de acuerdo para llevar a cabo la investigación engañándose para llevarse el gato al agua en tanto que comienzan a lanzarse la caña continuamente. Pues entraña buena dinámica, correcto desarrollo y actuaciones más que decentes.

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Silent Night

La vi hace poco, y la verdad fue una muy agradable sorpresa.
Espera una película aburrida inglesa, con actores aburridos. Pero
oo gran sorpresa se encuentra con una película agradable, ligera, con muy buen ritmo.
Al principio la película no se sabe de qué va la trama, pero van dejando varias pistas que al principio pasa algo.
Lo que algo que reprochar son sus personajes ya algo ¨clichés¨ pero esa pasa de largo cuando la trama va avanzando y la trama se pone más interesante.
Y sin duda la película se lo lleva la el niño obsesionado con los consejos medidas que ha implantado el gobierno.
EN FIN, UNA PELÍCULA QUE LOGRA ENTRETENER Y A la vez DEJA BUENAS ACTUACIONES EN ESPECIAL LA DEL NIÑO Y LOS PADRES DE ESTE.
PARA Mí ES UN 7.5 EN GENERAL.

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Carlos Monzón, el Segundo Juicio

Es una buena cinta que recrea en un juicio todas las hipótesis sobre la muerte de Alicia Muñiz, en ese momento era pareja del ex boxeador y campeon del mundo Carlos Monzon, van recreando la forma de como pudo haber ocurrido el fatídico hecho, muy buenas interpretaciones y entretenida en su desarrollo, deja como reflexión el final que tuvo y sin dudas fue el boxeador argentino con más renombre a nivel mundial.

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Sin Perdón

Que gran película con una excelente dirección por parte de Clint Eastwood con razón ganó el Oscar a mejor director y mejor película , la película se sale de lo que siempre muestran los westers ya que tiene una historia perfectamente contada con unas perfectas actuaciones , con unos estupendos diálogos y varios giros que hacen más interesante el film, de destacar el final me sorprendió mucho ya que no lo espere así , un gran clásico que no hay que dejar de ver.

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A Tiro Limpio

Deudas De Juego es una película de acción que se estrenó en el año 2008. Está dirigida por Roel Reiné y protagonizada por Steven Seagal.
Matt es un antiguo policía de élite que tiene problemas con el juego y una montaña de deudas. Un hombre misterioso le ofrece pagar sus deudas a cambio del asesinato del gángster más célebre de la ciudad, tomando Matt una decisión que cambiará su vida para siempre.

Steven Seagal vuelve a ofrecer una película digna pero para mí no ha sido lo suficientemente entretenida como para que alcance a aprobar, ¨Deudas de Juego¨ es una película de acción normalita sin muchos rodeos dónde Seagal interpreta a un ex-policía ludópata que para salir de sus deudas es obligado a trabajar como sicario para un tipo misterioso interpretado por Lance Henriksen así que como tal en la película abundan las peleas y los disparos pero todo filmado de una manera muy pobre y cutre aunque es de saber que con un presupuesto tan bajo pues el director tampoco puede hacer milagros ya que quien dirige la película es Roel Reiné, director de buenas cintas de acción como ¨El Marine 2¨o ¨Death Race 2 y 3¨, y muchas otras películas de bajo presupuesto y entrenadas directamente a DVD pero entretenidas del carajo así que con este tipo tras las cámaras y con Seagal cómo protagonista pues la cosa pintaba bien pero el resultado final no fue para nada positivo.

Primero que todo la película pues tampoco es que sea mala pero tiene más cosas en contra que a favor empezando por el argumento que si bien es bastante común para una película de acción de este tipo pero para mí fue no fue tan interesante y ni siquiera logro engancharme, en ocasiones el ritmo es algo lento y la película se torna aburrida pero fácilmente vuelve a coger ritmo cuando entra Seagal en acción a repartir tortazos y patearle el culo a los malos y pues la película simplemente es así, hay partes que son aburridas otras muy entretenidas pero la falta de ritmo en ciertos momentos le juega una mala pasada al no ser tan constante ya que eso no permite que la película se disfrute como es.

Uno de los puntos positivos sin lugar a dudas viene siendo Steven Seagal, el tipo siempre resulta ser la estrella y lo mejor así la película sea una porquería o no, aquí ya empezamos a ver a un Steven Seagal con algo más de peso porque claramente se ve que su físico ya no es el mismo al que tenía en los años ochenta y noventa aparte de que también se nota la falta de agilidad y velocidad en sus movimientos pero de igual forma al público le siguen haciendo creer que el tipo sigue siendo una máquina de matar ya que con unos simples movimientos y unos cuantos golpecitos logra dejar inconsciente a sus oponentes.

Como venía diciendo sobre las secuencias de acción pues lógicamente es de saber que debido al bajo presupuesto no tengamos explosiones, peleas o tiroteos de gran calidad pero de todos modos el director hace lo que se puede, no me gusto el uso excesivo de la cámara lenta en ciertas partes pero vale que si no somos tan exigentes con eso pues la acción llega a ser algo entretenida como por ejemplo la persecución final o el tiroteo en el cementerio ya que en si fueron los dos mejores momentos de la película, también cabe resaltar aquel momentazo en el que Seagal le pregunta al malo -¿Quieres ser cremado o enterrado?” a lo que el malo le responde -¡Enterrado! y entonces el muy cabron mete el cadáver en un coche que está a punto de explotar y le dispara al depósito de gasolina diciendo después ¨¡Pues has sido cremado maldito!”, aquel simplemente fue un momento épico y solo por eso da gusto saber que no he perdido mi tiempo en vano.

En definitiva Deudas de Juego es una película que no creo que llegue a gustar a los fans de Steven Seagal pero si desean echarle un vistazo pues háganlo pero den por hecho que les decepcionara porque francamente es una película que no vale la pena.

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El Precio del Poder

Notable e icónico drama criminal protagonizado por Al Pacino y dirigido por Brian de Palma (“Carrie”, 1976).

Miami, años 80. Tony Montana es un emigrante cubano violento y implacable que se instala en Estados Unidos con el objetivo de convertirse en un importante gánster, partiendo desde abajo junto a su amigo y compatriota Manny Rivera.

Los orígenes del recordado remake del clásico homónimo de 1932 de Howard Hawks se remontan a 1982 cuando Al Pacino asistió a una proyección en el Tiffany Theater de Los Ángeles y quedara fascinado con el film. Más tarde, se comunicaría con su manager, el productor Martin Bregman (“Serpico”, 1973), a quien convencería sobre la conveniencia de realizar un remake de dicho clásico. La versión original, producida por el propio Hawks y Howard Hughes, con guión de Ben Hecht, se basaba en la novela homónima (1929) de Armitage Trail que, a su vez, se había inspirado en la figura del legendario Al Capone. Protagonizada por Paul Muni, en su momento, la película había provocado gran polémica por su supuesta glorificación de la violencia y el crimen organizado por lo que, a pesar de que fue producida antes de la introducción del Código de Censura de 1934, el precedente Código Hays se encargaría de exigir la inclusión de un prólogo en donde se condena a los gánsteres, un final alternativo más moralizante y un título original (“The Shame of a Nation”), que finalmente no se modificó.

La visión de Pacino respecto a reversionar la que es considerada una de las clásicas mejores películas de gánsteres de la historia junto a “Little Caesar” (1931) de Mervyn LeRoy y “The Public Enemy” (1931) de William A. Wellman constituiría un refrescante y relevante retrato del mundo gánster en la década de los 80s, posterior a las dos magníficas primeras entregas de la saga “The Godfather” (1972-1990) en 1972 y 1974, las cuales, por cierto, habían sido protagonizadas por el legendario actor y permitiría, ciertamente, un reflorecimiento del subgénero como radiografía social del fenómeno criminal, sin renunciar a la reconstrucción de época, claro, como veríamos en otros clásicos posteriores como “Once upon a time in América” (1984) de Sergio Leone, “The Untouchables” (1987) de Brian de Palma, “Goodfellas” (1990) de Martin Scorsese e incluso “Pulp Fiction” (1994) de Quentin Tarantino. Con todo, Pacino comprendería que realizar un remake de época del clásico de Hawks no funcionaría tanto cómo si se hiciera actualizándolo al contexto de los 80s.

Compartiendo esta visión, Pacino y Bregman incorporarían al director y guionista Sidney Lumet (“Serpico”, 1973) quien trabajaría la idea de que Tony Montana fuese un migrante cubano asilado en Estados Unidos, durante el éxodo del Mariel, movimiento migratorio de cubanos que salieron del puerto Mariel en Cuba hacia Estados Unidos entre el 15 de abril y el 31 de octubre de 1980. A Bregman le gustó, sin embargo, entró en varias desavenencias con Lumet cuando éste quiso darle un enfoque más político al guión al culpar a la administración presidencial por la entrada de cocaína en los Estados Unidos, lo que le acarrearía problemas con el Partido Republicano, cuyo miembro Jimmy Carter (1976-1981) gobernaba el país en el momento del éxodo de Mariel. Por lo demás, Bregman tampoco quería abrir otro flanco polémico con la actual Administración Reagan (1981-1989) quien tenía serios problemas con el crimen organizado y la venta de drogas para lo cual promulgaría una ley en 1986.

Por lo que no sería extraño que Lumet abandonara el proyecto, ingresando en su lugar Brian de Palma, quien venía de estrenar el thriller “Blow Out” (1981) y quien mantuvo a Oliver Stone (“Platoon”, 1986) como guionista, el cual había aceptado escribir la trama luego de que Lumet le convenciera. De Palma coincidía en la idea de Stone de mantener la premisa de la historia de gánsteres enfrentándose a los mismos problemas de prohibición de siempre, sólo que a diferencia de la versión original en donde encontramos gánsteres italianos y la ley seca, serían inmigrantes caribeños los mafiosos y la cocaína el problema. Así, para evitarse problemas políticos y de paso claramente contradecir las ideas de Lumet, Bregman y De Palma introducirían un ideologizado prólogo en que culpan al Regimen de Fidel Castro de aprovechar el éxodo de Mariel para liberar las atestadas cárceles cubanas y permitir la salida de la peor escoria de la isla hacia Estados Unidos, específicamente Miami, en cuyo grupo viajarán nuestros protagonistas, Tony Montana y su gran amigo Manny Rivera.

Claramente, una de las cuestiones más representativas del film es su potente representación de la violencia criminal de aquella época, los inicios de los 80. Incluso a ojos modernos, puedo señalar con total seguridad que el guión de Stone no peca precisamente de exageración ante la docena de secuencias de drama y acción en que se ejerce violencia de todo tipo, desde la más explícita a la más sugerente. Entre las primeras, asistimos a crímenes por encargo cometidos con total alevosía y frialdad, como el crimen del alto cargo comunista caído en desgracia Emilio Rebenga con arma blanca a manos de Montana y el asesinato y descuartizamiento con motosierra (fuera de cámara) de un amigo de Tony, Ángel, en un intercambio fallido de cocaína con unos traficantes colombianos, del que Montana y Rivera apenas salen vivos. El ahorcamiento de Omar, mano derecha del jefe mafioso López, desde un helicóptero en el aire, por orden del propio López y Sosa, un socio boliviano, también dan cuenta de la brutalidad con que se suele eliminar y/o castigar a quienes pertenecen a la mafia.

Por otra parte, asistimos también a la recreación de otro tipo de violencia, una más sugerente o menos explícita si se quiere llamar así, esencialmente psicológica. En ella encontraremos importantes ejemplos, como la discriminación y trato que reciben en Estados Unidos como migrantes de un régimen comunista, que les dificulta más las oportunidades. Como la agresiva recepción de la madre de Tony cuando éste, ya convertido en un temible gánster, visita el hogar tratando de impresionarla, consiguiéndolo sólo con su hermana Gina, a quien no veía hacía años. Como la temeraria advertencia de Tony a Gina y (potencialmente a) Manny de que no permitirá que su hermana tenga pareja y que se encargará de acabar con quien se atreva, sin saber de la relación clandestina de ambos. Como el tratamiento que recibe Elvira, la hermosa y rubia mujer de su jefe López que se convierte en la obsesión de Tony y a, quien luego de cortejar, trata de la misma forma o peor aún, recriminándole el hecho de no poder darle un hijo por su adicción a la cocaína y su consecuente esterilidad.

Sin embargo, una de las cuestiones más interesantes del guión de Oliver Stone es, sin duda, la gran construcción del personaje de Tony Montana, interpretado magistralmente por Al Pacino, quien insistió en protagonizar el film para lo cual se hizo asesorar de un entrenador de boxeo y un profesor de idioma que le ayudara en sus diálogos de spanglish y español cubano. Stone, por su parte, estaba sumergido en la vida real en una enorme adicción a la cocaína por aquel entonces por lo que decidió, luego de realizar junto a Bregman su propia investigación en las Oficinas del Fiscal Federal y contra el Crimen Organizado, irse a París para desconectarse de su habitual entorno y poder plasmar todos los horrores y errores que la adicción le había traído. Si bien no se trata claramente de una personificación propia, en cierta forma, parte del proceso de creación de Tony Montana serviría como un verdadero exorcismo para el futuro director de “JFK” (1991) respecto a sus problemas con la cocaína.

Tony Montana es uno de los mejores personajes escritos por Stone y uno de los gánsteres más importantes e icónicos de la historia del género, junto con Johnny Rocco (“Key Largo”, 1948), Vito y Mike Corleone (Saga “The Godfather”, 1972-1990), Al Capone (“The Untouchable” (1987) y Tommy De Vito (“Goodfellas”, 1990). Tony es un tipo frío, calculador y extremadamente violento, a quien no le tiembla la mano cuando debe eliminar rivales en su camino hacia a la cima del imperio de la droga. Dueño de una personalidad agresiva e impredecible, su naturaleza violenta, sin embargo, se traduce también en una serie de contradicciones psicológicas e ideológicas como sus ambiguos sentimientos hacia su familia, en especial su hermana Gina, de la que se sugiere siente una atracción incestuosa y el asesinato de su mejor amigo Manny, al enterarse que se casó en secreto con Gina. Por otra parte, su negativa a no asesinar niños cuando se niega a hacer estallar el vehículo del periodista que los iba a delatar a la ONU por órdenes de Sosa y el resto de la cúpula mafiosa boliviana, parece mostrar un atisbo de humanidad dentro del monstruo violento que es.

“Scarface” (1983) es un film con una identidad visual que no la hacen pasar desapercibida en el subgénero, de la cual se encargó el diseñador artístico Ed Richardson (“Cat People”, 1982), quien se encargó no sólo de sugerir el cambio de Miami a Los Ángeles para el rodaje cuando la Junta de Turismo de Miami se negó a autorizar la filmación por temor a desalentar el turismo en la zona, sino también para recrear un convincente escenario latino de los bajos fondos en donde Cara Cortada inicia su carrera delincuencial así como la estadía de Tony y Omar en Bolivia. En contraparte, y como evolución del entorno y del personaje protagónico, creó los decorados internos para lo que sería el Babylon Club y, también, participó de la elección de El Fureidis, una mansión de estilo romano en Santa Bárbara, California, como el exótico palacio de Montana en Miami. La fotografía principal a cargo de John A. Alonzo (“Chinatown”, 1974) y el rodaje se extendió entre el 22 de noviembre de 1982 y el 6 de mayo de 1983.

La extensión del rodaje, que fue de 24 semanas totales, se debió principalmente a una serie de imprevistos como la caída de Pacino en una escena en la cual también se quemó la mano con la boca del arma que acababa de disparar, además de las molestias nasales que le produjeron luego de inhalar varios gramos de laxante en polvo para bebés (que simulaba la cocaína), y la explosión accidental de una bomba que lastimó a dos especialistas de riesgo. Como anécdotas, comentar que la secuencia del tiroteo en el clímax también incluyó una sola toma de cámara a cargo Steven Spielberg, quien visitaba el set en ese instante. Además, el icónico “pequeño amiguito” de Tony es una M16 con un lanzagranadas M203 de 40 mm unido al cañón. Finalmente, comentar que hay más de 200 veces en que se utiliza la palabra “fuck” en todo el film, todo un récord en su época.

Además de Al Pacino, “Scarface” (1983) se da maña de contar con un gran reparto, incluyendo a Steven Bauer (“Traffic, 2000) como Manny, amigo y mano derecha de Tony, una entonces desconocida Michelle Pfeiffer (“The Age of Innocence”, 1993) como Elvira Hancock, la esposa de Frank Lopez, que se convierte en la obsesión de Tony y en su esposa, Mary Elizabeth Mastrantonio (“The Color of Money”, 1986) como Gina, la hermana de Tony, Robert Loggia (“Jagged Edge”, 1985) como el capo de la droga Frank Lopez, un capo de la droga de Miami y mentor de Tony y Manny, F. Murray Abraham (“Amadeus”, 1984) como Omar, la mano derecha de López, Míriam Colón (“Sabrina”, 1995) como la madre de Tony y Gina, Paul Shenar (“Raw Deal”, 1989) como Alejandro Sosa, el narcotraficante boliviano y proveedor de Tony y Harris Yulin (“Ghostbusters II”, 1989) como Mel Bernstein, oficial de policía corrupto que intenta extorsionar a Tony. Agregar que John Travolta fue considerado para el papel de Manny y Glenn Close para el de Elvira.

La música quedó a cargo del productor discográfico italiano Giorgio Moroder (“Neverending Story”, 1984), conocido por su trabajo con Donna Summer, quien trabajó esencialmente sonidos de new wave sintetizada y música electrónica estilo muzak genérico. De Palma tuvo que defender la elección musical de Moroder ante Universal que siempre insistió con música de banda sonora pop.

“Scarface” (1983) se estrenó el 1° de diciembre de 1983 en Nueva York, recibiendo críticas mixtas. Antes de su estreno recibió por la Motion Picture Association una calificación X por violencia excesiva y acumulativa y por su lenguaje, lo que molestó seriamente a De Palma que ya había hecho tres montajes para evitar dicha calificación. Posteriormente, se anuló y se le otorgó calificación R, pero De Palma consideró que los cortes eran insignificantes y sencillamente la estrenó sin cortes.
La película tuvo un éxito moderado recaudando más de US$65 millones a partir de una inversión promedio de US$25 millones.
La película recibió tres nominaciones a los Globo de Oro (actor dramático, actor de reparto y banda sonora) y fue ridículamente ignorada por la Academia. De hecho, Brian de Palma ganó curiosamente el Golden Raspberry al peor director del año.

En resumen, un clásico del cine de gánsteres que tiene como principales claves una entretenida historia, un acertado ritmo de narración y un gran reparto, con un Al Pacino encendido como pocas veces lo hemos visto.

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Ley Urbana

Justicia Urbana es una película de acción que se estrenó en el año 2007. Está dirigida por Don E. Fauntleroy y protagonizada por Steven Seagal y Eddie Griffin.
Cuando Simon Ballester, exagente de operaciones especiales del gobierno con un violento y oscuro pasado, se entera de que su hijo policía fue asesinado en lo que parece ser un acto irracional de violencia en las calles, él jura venganza.

Después de muchas decepciones con las últimas películas que estrenaría antes de ¨Justicia Urbana¨ pues se podría decir que con esta Steven Seagal por fin pudo ofrecerle una película decente a sus fans y es que la película no es ni la mejor ni mucho menos la peor de Seagal pero es entretenida y eso para mí es un gran acierto ya que hay algunas que aparte de ser malas y cutres son aburridas pero ¨Justicia Urbana¨ fue un entretenimiento bastante digno, hay acción, tiros, persecuciones, artes marciales y lo mejor es que Steven Seagal no usa dobles para las secuencias de acción o al menos es lo que pude notar ya que hay partes donde la cámara claramente enfoca que es Seagal quien da los golpes.

El argumento es bastante sencillo, Seagal regresa a Los Ángeles para vengar la muerte de su hijo, un policía honesto e incorruptible al igual que su padre que fue asesinado pero se desconoce quien así que Steven irá por el vecindario recolectando información para saber quién fue el responsable y por supuesto matarle, allí tendremos gran variedad de luchas con Steven Seagal enfrentándose a pandilleritos de quinta que no logran hacerle ni un solo rasguño ya que ni lo tocan aunque claro que en una escena el jefe de estos le dispara pero para Seagal solo es un simple rasguño ya que en la siguiente escena volverá a patearles el culo a más pandilleros tanto negros como latinos

Steven Seagal vuelve a hacer de Steven Seagal, no hay dudas de que es un pésimo actor pero el tipo tiene carisma y se come la pantalla con sus frases lapidarias y chistes malos, simplemente es Seagal y de por sí es lo mejor de este cutre aunque entretenido producto de acción de serie B y pues de los secundarios no hay ni uno solo quien sobresalga, comparte protagonismo con Eddie Griffin, un comediante que participo en la sitcom ¨Malcolm y Eddie¨ y que en esta peli hace del jefe de los pandilleros negros que se cree Tony Montana pero termina siendo un personaje cargante y sobreactuado y peor aún es que al final Seagal ni se molesta en matarle porque según el no tenía ningún asunto personal con el ya que el asesino de su hijo fue un policía corrupto así que Seagal tras matarle se marcha tranquilamente porque ya ha cumplido con su trabajo que era matar al asesino de su hijo y por último mención especial para el cameillo de Danny Trejo quien pensé que iba a salir un poco más pero solo participa en una escena junto a Seagal y ya no vuelve a salir más lo cual es una pena ya que le pudieron haber dado un papel mejor.

Por otra parte, es de saber que la película cuenta con un presupuesto bastante pobre por lo que es lógico que no vayamos a ver secuencias de acción tan espectaculares pero los tiroteos, las persecuciones y las peleas estuvieron bien y como dije anteriormente por lo menos Seagal no utiliza dobles lo cual es un alivio y pues de lo demás poco más para añadir, se agradece también que la película cuente con buen ritmo ya que no aburre así que se podría decir que en su momento fue un soplo de aire fresco para la carrera de Seagal ya que después de tantas aberraciones al fin pudo ofrecerle a sus fans una película decente aunque lastimosamente después volvería a protagonizar películas de mierda y de ahi ya no pudo salir.

En definitiva Justicia Urbana es una película lo suficientemente entretenida como para que al menos llegué a ganarse un aprobado, no es la mejor ni la peor de Seagal pero es seguro que sus fans quedarán más que satisfechos con el resultado final así que si son incondicionales de el pues vale la pena verla así sea una sola vez.

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1945

Me gustó mucho, tiene una estetica similar a la pelicula La cinta blanca de Mickael Haneke, porque es en blanco y negro, y retrata un periodo muy doloroso del siglo pasado, la segunda guerra mundial, refleja el año 1945 en una aldea en Hungria, comienza todo muy ideal, los pobladores están organizando una boda, pero a medida que se desarrolla todo se va complicando, llegan dos personas, son judios y por lo que muestran es que los pobladores se empiezan a alterar, ya que en su razonamiento son personas que vienen a reclamar sus propiedades, fueron echados durante la ocupacion, situaciones comicas como que los pueblerinos empiezan a esconder las cosas, la boda no se realiza y el final es tenso pero muy logrado, muy entretenida y con buenas actuaciones.

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Damsel

Antes que nada quisiera hacer 3 aclaraciones para quien no la haya visto:
- el protagonista real es Zellner
- el guión es el que es, sencillo, sin más
- no es estilo ¨hermanos Coen¨ como he leído por ahí.
Una vez dicho esto y asumido antes de verla, he de decir que la he disfrutado. ¿Es un peliculón? Ni mucho menos, pero tiene una gran fotografía, una dirección efectiva y unos actores que hacen lo que piden sus papeles con más que nota. Y he de decir que a Pattison le tenía prejuicios desde esa infame serie de películas que no pienso nombrar, pero que en diversas papeles en que le he visto después, demuestra ser muy reivindicable.
Wasikowska es una muy buena actriz y aunque aquí el papel es más plano de lo deseable y en algunos momentos incomprensible, lo hace muy bien.
Y después está Zellner y el guión. Porque Zellner es realmente el leit motiv del guión. Y es genial como trasmite esa normalidad de lo cotidiano y del vacío que le asola. Lo mejor de la película y del guión.
Y lo peor del guión, bastantes inconsistencias, siendo sinceros, más de las que uno debería dejar pasar en una relectura.
Y que es simple, pero, creo que no es un defecto en sí; al fin y al cabo la vida de Zellner es así, sencilla, tanto que cuando desaparece su única fuente de apoyo, esa mujer de la que solo sabemos que muere en el parto, su vida desaparece.
Y después de todo, con inconsistencias, repeticiones...su final es como debe ser. Esa nueva sesión de fotos y ese predicador que acaba en una esquina, sin más, en su nueva vida, simple, de nuevo.
Si te dejas llevar por su nihilismo suave, sus interpretaciones y su fotografía, la disfrutarás, espero.
Un saludo

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