Obra de arte del cine, una película de 10, de las que se disfrutan segundo a segundo, de las que no se olvidarán jamás.
Una historia dramática, interesante, que atrapa y sobrecoge, donde la espectacular actuación de Gloria Swanson se come la pantalla en todo momento.
Una crítica al mundo del cine, a la manera en que dejan de lado a cualquier actor, guionista o director que ya no vende, y al mismo tiempo, una historia que solo se podría haber hecho en su momento. Por lo que cuenta, por como era el cine en ese momento, una película irrepetible, de la que hoy día no tendría ninguna lógica hacer una nueva versión. Y esa es una de las razones por las que es tan grande.
Magnífico también ver, aunque sea de pasada, personalidades como Buster Keaton y Cecil B. Demille, haciendo de ellos mismos.
En definitiva, una película que todo amante del cine, del cine de verdad, debería ver.
Cuatro historietas cada cual más divertida. A mí, lo cierto es que me ha conquistado la última, donde entra en juego una empresa que estafa a la gente con su premisa de montar un montaje teatral para salvarse el culo el que los contrata. Es hilarante y está tan bien montada que enamora, también me ha gustado el del hombre que no tiene como llegar a Gandia con tanto contratiempo que le ocurre en el camino, y el de la muchacha pobre que se amiga con un negro al que le esquilma todo el poco dinero que tiene y luego tiene la fortuna de toparse con el protagonista de la primera historia haciendo un trueque que la convierte en rica está también muy bien.
Fesser es garantía segura y aquí ha vuelto a dar en el clavo. Clase a la hora de filmar, de montar las escenas, y sobre todo, historias que se cuentan de forma muy acertada.
P.D. Una alagría ver por ahí a Benito de CAMPEONES.
Road movie cuya historia no es otra que cumplir el deseo de la madre del protagonista que es que le lancen al mar mediterráneo. Padre e hija se alían y con una furgoneta y eludiendo a la policía como les es posible van con el cuerpo hasta el lugar de destino. La película quiere ser en momento profunda y hablar sobre la efemeridad del tiempo pero a grandes rasgos, creo que todos los matices no están nada bien definidos. Parece que queda a medias, metiendo temas para hablarlas a medias. No ha estado mal, pero es cierto que se pierde en ella misma.
Única nominación en la categoría de mejor animación y es un cropolito. Las desaventuras de la gallina no son nada satisfactorias, así como la animación que es bastante regular. Es bastante empalagosa y no verla no te será considerado como delito. Bastante desechable.
Pobre Rafaella Carrá, que la han homenajeado de forma insulsa. Han utilizado sus canciones para crear un musical que cuenta una historia de amor que tiene como telón de fondo la censura. Todas ellas han sido versionadas de manera horripilante. Luego está el apartado actoral que salvo Natalia Millán y Ainhoa Aierbe, el resto cae al fango de manera flagrante. No entiendo como la mala actriz Verónica Echegui ha conseguido una nominación en los Goya, que ni entona ni se la puede tomar en serio. En lo que sí da la talla es el vestuario y escenografía bien colorida. La historia me recordó algo a la sobrevalorada LA LA LAND... Sobresalto también la efímera aparición de Rafaella carrá, que siempre da alegría. La apruebo por los pelos.
Excelente película de animación donde abunda el drama en un ambiente bélico, está ambientada en plena segunda guerra mundial, en Japón que es constantemente bombardeada por aviones aliados, en uno de esos pueblitos viven un joven llamado Seita y su hermanita Setsuco y su madre, durante el bombardeo buscan refugio en los bunkers, luego de la destrucción su madre es gravemente herida y su padre está combatiendo en el frente, ambos hermanos deambulan a la buena de Dios, primero en lo de una tía y luego cuando los ánimos se caldean deciden irse a una especie de refugio abandonado, la animación es muy buena y la historia es conmovedora, sin dudas te deja reflexionando sobre la naturaleza humana y como nosotros mismos nos destruimos en vez de vivir en paz y armonía, y siempre la pagan inocentes.
Buena y única peli protagonizada por Cruz y Raya y aquí hay un pequeño problema debutó intentando lo que hizo Martes y Trece pero sus guiños y chistes recuerda mucho más a pelis de Top Secret y Aterriza como Puedas.
Otro problema es su druación que parece que entre la peli siempre hay escenas de concierto para intenta alargar el fin haciendo más aburrida
Quizás lo más gracioso algunos chistes son buenos y esa parodia que hizo José Mota imitando Smooth Criminal de Michael Jackson
película insulsa, llena de situaciones mil veces vistas, y encima xenófoba, porqué tiene que ser una señora latinoamericana la que abandonó a su hijo? acaso no hay mujeres yanquis abandonando niños? Y por supuesto ellos son los modernos, y liberales, mientras que la mujer sudamericana tiene una mentalidad atrasada. Un asco de película.
Tragicomedia de un grupo de circenses novatos que recorren todo en Brasil en busca fama, aventuras amorosas ocurrirán entre los protagonistas, durante el recorrido en esta roadmovie brasileña pueden contemplarse cada paisaje y rincon de esta bello pais fue coproducida con Argentina y Francia.
Aceptable primera parte de la saga ¨Lucky Stars¨, con un grupo de delincuentes de poca monta que se hacen amigos en la cárcel y al salir deciden montar un negocio juntos... pero por cosas de la vida acabarán metidos en mitad de unos negocios sucios.
La peli es bastante cómica, pero quitando algún punto gracioso de vez en cuando, no termina de divertir todo lo que debiera. Además, todo el principio de la peli no son más que una serie de larguísimos sketches graciosos, que por pura duración, acaban por perder la gracia.
Destacan sobre todo Sammo Hung y Jackie Chan (aunque este último salga poco en la película, pero el rato que sale hace algunas cosas bastante flipantes, y más conociéndolo y sabiendo que no usa dobles).
Es medianamente entretenida, tiene mucha acción y los puntos graciosos, aunque sean poco, no están mal.
Sergio Leone murió sin poder cumplir su sueño de rodar una película bélica sobre la batalla de Stalingrado. Este sueño lo haría realidad el director alemán Joseph Vilsmaier, que con ¨Stalingrado¨ afronta las imágenes de una herida histórica sin cerrar en la conciencia del pueblo alemán. Los alemanes han tratado, desde el final de 2GM de expiar sus culpas por las atrocidades cometidas contra terceros por el nazismo, y recién en las últimas décadas han comenzado a explorar las heridas de lo que ellos se hicieron a sí mismos durante ese criminal régimen.
Esta película presenta la guerra desde la óptica de los soldados rasos, y un joven teniente, que no simpatizan necesariamente con el nazismo y que solo tratan de servir a su país por una causa equivocada. La presencia del horror, de la desesperación, de la muerte en sus formas más crueles, dotan a la película de un total desasosiego. Aquí no hay héroes, solo hombres tratando de sobrevivir, aunque aún queda espacio para la dignidad y la humanidad.
La película trata de manera realista el tema polémico del ¨frente del Este¨, el más importante pero el más olvidado convenientemente por la propaganda Hollywoodense que siempre trata de minimizar el hecho de que fue en ese frente donde se decidió la suerte de la 2GM y del nazismo, y trata a los soldados de ambos bandos con respeto, unidos en la misma sangre, frío, muerte y desesperación.
Sin duda quienes mejores películas bélicas han rodado han sido rusos y alemanes, justo quienes más padecieron el horror, y esta película es un buen ejemplo de esa honestidad intelectual y artística. Es una película soberbia, indispensable y uno de los mejores filmes bélicos jamás realizados.
La pérdida de una vida, un dolor eterno - Pieces Of Woman.
Película de drama puro de la cual netflix quiere apostar a los premios de la academia por un lado tenemos una película muy larga y que está llena de drama y por otro tenemos la enseñanza de ver el dolor por la pérdida de una vida que a penas la tuviste en tus brazos.
Vanessa Kirby es una revelación como actriz sin duda ya que yo la conocí en the crown luego se paso a rápidos y furiosos y ahora nos deleita con lo que es posiblemente el mejor papel de su carrera y su actuación se sale en especial en los primeros 25 minutos con ese plano secuencia que a mas de uno lo puso nervioso.
Tenemos que hablar también de Shia Labeouf un actor que ahora está metido en problemas pero que está bastante bien en su papel aquí, Ellen Burstyn otra dama de cine que también cumple de sobra.
El afrontar el dolor es difícil y aquí la protagonista lo intenta llevar pero no puede y se aleja de todo, la parte del juicio es un poco rápida pero a mi me conmovió y muy buena las palabras cuando dijo que nadie ni el veredicto podrá traer de vuelta a la niña podrá sonar cliché pero es la verdad.
Si te gusta el drama debes darle una oportunidad es lenta pero vale la pena verla.
Excelente fotografía y ambientación en este filme que retrata los conflictos entre turcos y armenios en los primeros años de la década del veinte, una historia de amor entre el trío protagonistas, recién iniciada la primera guerra mundial, el exterminio del pueblo armenio, dra ma, suspenso y romance del bueno, Bale y Isaac se lucen, los momentos de tensión me gustaron mucho porque son minimos pero desgarradores, las dos horas no se me hicieron largas para nada y éso que no es un género que me atraiga mucho.
Muy bueno este documental del 2003 que nos muestra nuestra evolución desde los primates a lo que somos hoy en día Homo sapiens, como las primeras criaturas se fueron adaptando a su entorno, comienzan a caminar en dos patas, arman sus primeras herramientas, pueden cazar para sobrevivir y no vivir exclusivamente de la carroña, descubren el fuego y comienzan a realizar los primeros asentamientos, todo esto en millones de años, buenos los efectos de animación mezclados con escenas reales, muy educativo y desearía que lo pasasen en las escuelas para los niños.
En una casa de los barrios del Londres interior una débil anciana estará expuesta a la crueldad y la ira de cinco individuos repulsivos con una única cosa en sus cabezas: la codicia.
Pero las tornas van a cambiar durante una noche convertida en auténtica pesadilla para los que menos lo esperan...
Y también convertida en una de las más grandes comedias salidas de tierras anglosajonas: ¨The Ladykillers¨, última película realizada por los míticos estudios Ealing (responsables de cambiar para siempre el enfoque del humor para alegrar los ánimos de una Inglaterra post-2.ª Guerra Mundial) cuando éstos ya se encontraban en su declive y dispuestos a ser absorbidos por BBC; también es la última que dirigiría para ellos uno de sus más fieles colaboradores, un Alexander MacKendrick preparado para cruzar de una vez el charco hasta los estudios de Hollywood.
Una película producto de la fértil imaginación de William Rose (quien soñó toda la historia y la transcribió a guión nada más levantarse, al estilo Luis Buñuel) que condensa todo lo bueno que la productora había dado a sus obras durante tantos años, y resulta ser el epítome de su estilo y su humor tan distintivo, siempre irrespetuoso, desafiante y satírico. El cineasta pasa de los amplios mares escoceses de ¨La Bella ¨Maggie¨ ¨ a los barrios bajos y distritos de Londres para contarnos este relato de maldad y violencia situando en su epicentro a la sra. Wilberforce.
Una buena maniobra que desconcierte al público es esencial para captar su atención, y sólo hay que recordar el llanto que aterrado profiere ese bebé en su carricoche cuando la anciana de dulce e inocente apariencia se aproxima a él antes de entrar a la comisaría; perverso ejercicio de confusión que revela bajo las apariencias una horrible verdad. Desde ese momento la señora encarna un peligro más grande de lo que podamos imaginar, pues MacKendrick se sirve de ello para exponer uno de sus temas primordiales: el inmenso poder de destrucción de los inocentes.
Así, cuando la sombra de ese profesor Marcus se abalanza sobre la puerta de la anciana, la sensación de amenaza viene proyectada desde el lado contrario (la anfitriona); el director sostenía que ¨si la historia de un asesino se cuenta desde su punto de vista el espectador acaba simpatizando con él¨. Esto pretende cuando tal tiparraco, un Alec Guiness de imagen grotesca y ¨nosferatiana¨ (aunque inspirado en su ídolo, el gran Alastair Sim), decida usar la casa como cuartel de operaciones para su cuadrilla de ladrones, una serie de invididuos a cada cual más pintoresco: el asustadizo Courtney, el violento Harvey, el nervioso Robinson y el simplemente idiota ¨One-round¨ Lawson.
La estructura narrativa posee dos partes y un punto de inflexión, donde los giros de Rose proponen divertidas inversiones de roles; si en la primera la figura de esos gángsters de pacotilla aparenta ser algún peligro, la segunda desarma tal razonamiento gracias al punto de inflexión que es el atraco a un furgón en plena calle y a plena luz del día, secuencia de ritmo trepidante perfectamente filmada y calculada por MacKendrick que se ve atravesada por grandes ¨gags¨ humorísticos. Sí, estamos ante una ¨crook story¨ de pleno derecho, pero la intención de éste y el guionista no es otra que dinamitar el género.
Y la herramienta de demolición que utilizan no es otra que la dulce anciana. Los duros criminales de la novela negra se ven ahora a merced de un puñado de septuagenarias que los acorralan cuando todo el misterio ha sido descubierto (esta escena, con Guiness tocando el piano, es ciertamente memorable); y aquí es cuando el cineasta desata la locura. La fotografía de Otto Heller, de delineación expresionista, y el trabajo a la dirección artística de Jim Morahan contribuyen a ennegrecer la atmósfera hasta llevarla a sus límites más asfixiantes transformando ese Londres suburbial envuelto en sombras (cuya lúgubre estética recuerda al cine de terror de la Universal) en escenario de una batalla sin cuartel.
Una batalla que se desarrolla por una única causa: el dinero. MacKendrick desentierra y radiografía los más bajos instintos del ser humano, guiado sólo por su inmensa estupidez y corrompido por su recalcitrante codicia, y todo ello dejando que el relato se impregne de un humor negro hasta la médula, que de no ser por su perversa presencia, la experiencia del espectador para ponerse en la piel de los atracadores resultaría tremendamente indigesta. Esto sí se parece más a una novela de Thompson o Burnett, a un ¨thriller¨ al estilo de Huston o Walsh, con los criminales volviéndose contra ellos mismos, no obstante el inopinado elemento instigador es una anciana.
O más bien la inocencia de una anciana que, cual personaje ¨hitchcockiano¨, se libera de sus apariencias y convierte en maestro de ceremonias del suspense y la intriga. A ésta le da rostro una fantástica Kate Johnson de 76 años en uno de sus últimos papeles, en contra de un elenco de altura compuesto por Danny Green, Cecil Parker y unos jóvenes Herbert Lom y Peter Sellers (cuyo ¨gag¨ con los pájaros se repetiría en futuros títulos) y liderado por el soberbio Guiness; un elenco brillante, que se compenetra a la perfección tanto en la faceta amistosa como en la destructiva y que cualquier cineasta mataría por tener.
Disparatada y desencantada poética de la maldad y la ambición humanas, equilibrándose su oscuridad y humor de una forma perfecta, y es que pocas obras amargan y divierten con la misma eficacia como este indiscutible clásico no sólo de la comedia británica, sino de la comedia en general.
Casi cinco décadas después, los hermanos Coen realizarían un (ir)regular ¨remake¨ trasladando la acción a la América profunda y con un increíble Tom Hanks como cabeza de reparto...pero ni él ni esa nueva versión superarán jamás a Alec Guiness y a ésta original. Los estudios Ealing no pudieron tener un final mejor.
Dos poderosos señores se enfrentan en una cruenta batalla que marcará el final de la era Keicho así como el del gran clan Toyotomi, y la Historia virará su curso de forma violenta.
El director Tokuzo Tanaka nos sumerge en las trifulcas entre Ieyasu Tokugawa y Hideyori Toyotomi de la mano de uno de los guerreros ninjas más legendarios.
Sí, otra entrega más para una de las más populares sagas que surgieron en el panorama cinematográfico japonés de los años 60, iniciada en 1.962 por Satsuo Yamamoto y encabezada por Raizo Ichikawa, cuya base fue una serie de relatos ¨jidai-geki¨ publicados a inicios de década en un periódico por Tomoyoshi Murayama, prolífico artista y dramaturgo de ideales comunistas e influenciado por diversas corrientes europeas. Situadas en el periodo Sengoku y dando el protagonismo a Goemon Ishikawa (convertido en un gran héroe del folklore), ¨Shinobi no Mono¨ profundizó en las hazañas de los guerreros ninja como nunca antes se había hecho.
Su primera adaptación siguió de cerca el discurso claramente izquierdista del autor y una visión nihilista y cínica del Japón feudal; a partir de aquí la figura del ninja, presa de la ridícula caricatura, tomó un cariz mucho más serio y oscuro y se realizarían rápidamente infinidad títulos imitando este modelo. La 4.ª parte, que Daiei puso en manos de Tokuzo Tanaka, experto en films de acción y de temática histórica y asiduo en eso de las sagas (participó en las de ¨Akumyo¨, ¨Zatoichi¨ o ¨Kyoshiro Nemuri¨), proponía un giro radical con respecto a las anteriores, ya sin inspirarse en la obra original.
Y es que el héroe de aquéllas trabajaba para asesinar al líder del clan Toyotomi, Hideyoshi; pero por una pirueta que hace el guionista Hajime Takaiwa, ahora Ichikawa encarna a Saizo Kirigakure, otro legendario ninja, supuesto miembro de los llamados Diez Bravos de Sanada Yukimura y (¡qué cosas!) del lado de Hideyori, hijo de Hideyoshi. Confuso nuevo comienzo de una serie desligada de las anteriores entregas o que desea enfocar el conflicto Toyotomi-Tokugawa desde el lado opuesto, y que tiene a bien iniciarse como mejor sabe hacerlo el director: en el campo de batalla, haciendo gala una vez más de su destreza para la acción y el más puro espectáculo épico.
Tras ese prólogo se nos lleva hasta 1.615, cuando Yukimura se prepara, aceptando el fatal destino que le aguarda a él y al clan Toyotomi, para el último enfrentamiento contra Ieyasu y sus aliados. Como lo fue Goemon antes que él, Saizo y sus compañeros ninjas sólo hacen las veces de intermediarios entre esas dos fuerzas, apoyando a su jefe, en una intrincada conspiración que Tanaka enhebra paso a paso, pero nunca llegando a entregar sus vidas por la causa, pues como se expresará en boca del protagonista, la idea es situar a los ninjas fuera de los conflictos entre familias samuráis.
De hecho el samurái queda reducido, relegado y definido por la hipocresía, la injusticia, la cobardía y la crueldad (Ieyasu como perfecto ejemplo de ello); el ninja es, por otra parte, un guerrero independiente cuyos actos los guía la determinación, el coraje y la astucia, además de contar con un buen número de habilidades ocultas, las cuales Tanaka se presta a mostrar dotando al film de un tono más novelesco (a menudo incluso fantástico) en comparación con las entregas previas. Aun así no olvida regar este relato de cinismo, amargura y violencia y desplegar correctas dosis de suspense, que podrían haber sido tratadas mejor por Takaiwa (hay situaciones y giros que se van intuyendo desde media hora antes).
Pero al fin y al cabo hay que reparar en aquello que construye: ni más ni menos que una entretenida fábula de base histórica con un manejo perfecto del tiempo para mantener siempre vivo el ritmo, como es costumbre de su cine y estilo. Sí parece necesario añadir un pequeño romance, muy trágico, entre Saizo y Akane, una joven presente en el primer asedio de Osaka que acaba ejerciendo de prostituta; su papel no es distinto del de todos los personajes femeninos de este tipo de historias, incluyendo el servir de chantaje a los villanos para desmantelar los planes del protagonista (ideas que han ido cambiando mucho con el paso del tiempo...).
La trama bien podría ser dividida en actos. Después de un tramo de intrigas y conspiraciones y de otro donde nuestro héroe es nefastamente tratado por Ieyasu y condenado a contemplar la extinción de su propio grupo de ninjas, sigue un último acto dedicado a la última batalla en Osaka, donde su gran castillo sufrió bombardeos hasta quedar reducido a cenizas, y donde Tanaka vuelve a demostar que pocos cineastas de encargo (o de segunda fila, como se prefiera) son capaces de imprimir semejantes dosis de tensión y frenesí (sin excederse con la violencia) en las secuencias de acción.
También típico de estas producciones comerciales es jugar con los hechos históricos, y no va a ser una excepción: el personaje de Saizo está basado en Shikaemon Kirigakure, así como se documenta que Hideyori se suicidó entre las llamas del castillo (si bien su cuerpo nunca fue recuperado, dando lugar a muchas clases de teorías). Por otra parte, mientras Ichikawa vuelve a desenvolverse de maravilla como héroe de acción lacónico y romántico, le siguen unos buenos Saburo Date, Midori Isomura, el gran Tomisaburo Wakayama dando vida a Yukimura y Ganjiro Nakamura, de nuevo odioso hasta la médula (rol que le gustaba interpretar y que se le daba de maravilla), como Ieyasu.
La historia se deja abierta para una 5.ª parte que continuará con la huida de Saizo y Yukimura y sus planes para derrocar a su enemigo...pura ficción que nada tiene que ver ya con sucesos reales, por lo que la calidad y el interés son sin duda menores.
Pero de ésta no se encargaría el bueno de Tanaka, sino Kazuo Ikehiro, otro artesano de los ¨jidai-geki¨ que dirigió a Ichikawa en incontables ocasiones.
Otra epopeya a pie de calle donde ésta se mancha con la sangre de humanos que se despedazan como animales salvajes.
Se prepara un desgarrador enfrentamiento entre dos bandos: aquellos que hacen respetar la ley y aquellos que la quiebran...y entre ellos un policía precipitado a las tripas del Infierno que está a punto de desatar la batalla.
Así nos vuelve a arrastrar Fukasaku a su incomparable imaginario de hombres enfurecidos, mujeres rotas y una sociedad que avanza a base de pisar sus propias vísceras, dominada desde el submundo por los clanes yakuza. En 1.976 pondría punto y final a la (ciertamente irregular) nueva saga de las ¨Batallas¨ con ¨Los Últimos Días del Jefe¨, y poco después se preparó para la que también sería su última colaboración con el guionista Kazuo Kasahara, quien fue requerido por Toei para una película que tratara la desestabilización social causada por los continuos incidentes entre las fuerzas del orden y los clanes mafiosos.
Kasahara también hizo hincapié en el resentimiento que aún perduraba entre japoneses y coreanos y otros emigrados en tiempos de guerra, encarnando esta principal figura el protagonista, policía de difícil pasado y perfil cuasipsicótico al que daría vida un Tetsuya Watari realmente afectado por diversos problemas de salud que incluso llevaron a su hospitalización. A pesar de ello pudo trabajar de nuevo con el director, quien volvería a exponer, como hizo en ¨Cops vs. Thugs¨, la corrupción dentro del cuerpo y sus relaciones con el mundo de la yakuza (lo cual no terminó de hacer mucha gracia a varias comisarías y organizaciones mafiosas por igual).
Una cámara temblorosa, nerviosa, se cuela en un estadio de baseball para observar lo que pasa en la pista segundos antes de llevarnos a sus pasillos interiores, donde se libra una cruenta trifulca entre yakuzas. No tardamos entonces en adentrarnos en una comisaría, por lo que a partir de aquí observaremos casi todos los acontecimientos que están por llegar desde su perspectiva, aunque no desde la de sus oficiales bien vestidos ni sus oficinas, sino desde la de Kuroiwa, agente transferido hace poco tiempo a las violentas calles de Osaka y a quien paulatinamente conoceremos.
No se trata de un inocente y tozudo pueblerino como el Joji Kano de ¨Doberman Cop¨, ni mucho menos de un recto y honrado agente (quien conozca a Fukasaku sabe que tal descripción sería imposible en su cine); Kuroiwa es una imagen torcida, algo más demente, nihilista y rabiosa de Harry Callahan, un desheredado nacido en la Manchuria ocupada que huyó a Japón y se hizo a la violencia de sus calles hasta insensibilizarse y no quedarle más remedio que alimentarse de esa misma violencia. Su lucha no es sólo contra las bandas yakuzas que operan en la zona, también contra sus compañeros del departamento, orgullosos de su incompetencia y corrupción; su lucha es, por tanto, contra todo lo que le rodea.
Con el transcurso de la película podremos ser testigos de su degeneración y cómo hace mella en él su total ausencia de fe y ética. Es, por tanto, otra versión del Rikio Ishikawa que el actor interpretara en ¨Cementerio de Honor¨: en aquella, un yakuza endemoniado y maldito; aquí, un policía vilipendiado y precipitado a su autodestrucción. La trama, de nuevo enrevesada en las manos de Kasahara (aunque no tanto como otras veces), establece la lucha de poder entre dos familias, los Nishida y los Yamashiro, quienes hallan en algunos cargos de la policía el apoyo necesario para vencer (el oficial Akama, confidente suyo).
Fukasaku quiebra una vez más los principios del cine (y el universo) yakuza permitiendo una inesperada unión entre Kuroiwa e Iwata, subjefe de los Nishida; una alianza entre dos bandos por naturaleza enemigos donde se subraya la desemejanza del policía protagonista con sus compañeros y su decisión de pertenecer a un bando, si bien al otro lado de la ley, más fiel y honorable (esto, que también sucedía en ¨Cops vs. Thugs¨, volverá a repetirse de algún modo en la posterior ¨Doberman Cop¨), y tanto más cuanto que Iwata resulta ser otro pobre inmigrante (coreano) que logró sobrevivir en la calle a base de golpes.
Y para compensar el lado más enfervorecido, crudo y trepidante, además de para hacer honor a las raíces más clásicas del género, se introduce el personaje de Keiko, otra inmigrante coreana y esposa del encarcelado jefe del clan Nishida; con ella hace su entrada el lado más oscuro y melancólico del film, a través de las confesiones sobre su turbulento pasado y un romance trágico, condenado a la inevitable desgracia desde el mismísimo principio (¿que se puede esperar que suceda entre un policía y la esposa de un yakuza que aún está en prisión?).
El director roza instantes de verdadera poesía, de la fatalidad del destino, con cada encuentro entre la atípica pareja enamorada, cuya mitad está encarnada por la maravillosa Meiko Kaji en su enésima colaboración con Fukasaku y a la que siempre resulta satisfactorio contemplar. Otros de los habituales de éste vuelven a dejar su buenas interpretaciones, destacando el eternamente irritante Nobuo Kaneko, Tatsuo Umemiya, Hideo Murota o Kei Sato, y una sorpresa para los fans del cine japonés, el gran Nagisa Oshima en un pequeño pero memorable papel.
Como ya dije, otra brutal epopeya a pie de calle filmada con el típico nervio y gusto por el retorcido humor negro de Fukasaku (atentos a cuando llega el joven policía a reprender al protagonista por escuchar la música muy fuerte...), quien además nos regala un final arrollador. Sin embargo los mejores, más dramáticos y duros momentos se dan entre Kuroiwa y Keiko.
Como la discusión en la habitación, que revuelve el estómago por su realismo, o la secuencia de la playa (áspera y no menos preciosa versión de la que Burt Lancaster y Deborah Kerr protagonizaron en ¨De Aquí a la Eternidad¨). La balada de la película está, por cierto, interpretada por el bueno de Watari.
El arte y la vida humana se enfrentarán en una de las más colosales peripecias sucedidas en el transcurso de los últimos días del dominio alemán en la 2.ª Guerra Mundial.
Un tren y un puñado de cuadros, suficiente para arriesgar y sacrificar miles de vidas. Es el precio de la guerra.
Al contrario que la mayoría de trabajos que adornaron los últimos y malogrados años de su carrera, John Frankenheimer, maestro infravalorado, alcanzó la perfección estética y formal cuando dejó definitivamente la pequeña pantalla y entró, como muchos de sus coétaneos (esa generación televisiva que tanto logró en la gran industria...), a formar parte del mundo del cine a base de una serie de obras perfectas en estilo, técnica y sobre todo discurso social. Para 1.964, sus incursionaes y varias cooperaciones con Burt Lancaster le elevaron a realizador de primer nivel (¨El Hombre de Alcatraz¨ o ¨El Mensajero del Miedo¨ son perfectos ejemplos).
Entonces el actor repite con United Artist para su contrato de cuatro películas y el proyecto es una gran aventura mitad real, mitad inventada en el trasfondo de la ocupación alemana de París, y que toma de base una novela no ficticia de Rose Antonia Valland, miembro de honor de la Resistencia Francesa e historiadora que recogió el inmenso espolio de obras de arte desde su país natal por parte de los alemanes durante el conflicto. Sin embargo Arthur Penn no se ganó el favor del poderoso Lancaster por sus pretensiones de crear una obra más intimista y cercana a los personajes...y con las mismas lo echaría a la calle.
La suerte se puso así del lado del nativo de Queens, quien a la desesperada fue a cubrir el puesto tras la cámara ya iniciado el rodaje; su habilidad para condensar el suspense y absorber al espectador lo pone de manifiesto (y no serían necesarias más secuencias para demostrarlo) en esos primeros minutos dentro del Jeu de Paume parisino durante el encuentro entre la conservadora Villard (un álter-ego no disimulado de Valland) y el coronel Waldheim, a quien embarga una obsesión: trasladar los cuadros de los artistas más famosos debido a su gran valor. Pero a lo largo del film se pondrán en contraste los dos valores atribuidos a este elemento en torno al cual girará la trama.
Esto es: el valor artístico y el monetario. Y del mismo modo el artístico y el de las vidas humanas que tanto Villard como Waldheim pretenden arriesgar por poseer dichas pinturas, aunque la conservadora del museo utilice el arte como símbolo y reflejo de la cultura del país. Importante dilema que el director mantendrá desplazando así las líneas argumentales de lo que podría haber sido una aventura bélica más (la guerra es un telón de fondo en este caso) hacia una intriga desoladora basada en la traición, el engaño y la tensión ambiental, que subraya ese blanco y negro metálico, grasiento y humeante modelado por el dúo Walter Wottitz/Jean Tournier, perfecto para la imaginería ferroviaria.
Paul Labiche, jefe de la estación de donde va a partir el tren que carga los cuadros, se verá atrapado en esta encrucijada, a sus ojos un capricho por mucho que la sra. Villard defienda su importancia. Puro ejercicio de artesanía el cual aprovecha al máximo los elementos atmosféricos y físicos (todo lo sucedido, todo lo que vemos, es auténtico, deseo de Frankenheimer de exponer su fábula del modo más realista posible), ¨El Tren¨ está dividida en tres actos bien definidos y narrados con una precisión milimétrica: la desasosegante primera hora (que ante todo transcurre en la estación de tren), la última media hora (centrada por entero en la huida y sabotaje de Labiche, ya solo ante el peligro) y un tramo intermedio que comienza con la partida del tren.
Este nudo constituye el grueso de la gran aventura trazada por el cineasta hacia lo que es un verdadero frenesí que nunca nos brinda ni un minuto de calma, calculado en su desarrollo y provisto de enormes secuencias de acción como el bombardeo a la estación o el ataque de la avioneta al tren en marcha (pues Lancaster ansiaba ante todo protagonizar una película entretenida) sin llegar a caer en la desmesura; por algo Frankenheimer siempre ha sido uno de esos pocos maestros de lo conocido como cine inteligente de evasión (y no muchos directores, sobre todo actuales, pueden ostentar este honor).
Pero pese al torrente irrefrenable de emoción, algunos desvelos de afilado humor y esa última parte que es todo un intenso ejercicio de sobrecogedor suspense (además de quedar inscrito en el mejor cine de ampulosas aventuras ubicadas en el marco de la 2.ª Guerra Mundial, recogiendo el testigo de ¨La Gran Evasión¨ de Sturges, y que después haría, por ejemplo, Brian G. Hutton en su ¨Desafío de las Águilas¨), ¨El Tren¨ es un relato cuajado de amargura sobre qué significa la victoria y la derrota, y si merece la pena sacrificar algo tan valioso como la vida por un patrimonio cultural usado como excusa para dignificar el orgullo nacional.
También es el retrato de una malsana obsesión, la de Waldheim, que curiosamente valora las pinturas por encima de todo, incluso de la derrota de sus propias tropas (como si quizás esa gran pasión por la belleza divina del arte disculpase el horror cometido por él durante el conflicto; al fin y al cabo, otra excusa).
Obsesión transmitida, vomitada, en un momento clave que provoca el escalofrío donde la cámara y la realidad interior del personaje se desestabilizan rayando en lo psicótico.
En este sentido, Paul Scofield brinda una magnífica interpretación como el desquiciado y repulsivo coronel, al igual que Michel Simon, Jacques Marin, Albert Rémy y Charles Millot. Y junto al gran Lancaster, quien se mete en su abnegado y duro personaje a conciencia (gran parte de sus escenas de acción las haría él mismo), gozamos de la presencia de esa Jeanne Moreau que ya rozaba la cuarentena y aún seguía conservando su irresistible belleza.
Un reparto de lujo para un cineasta que, muy inspirado en Welles, Ford y Hitchcock, volvió a demostrar sus habilidades para el entretenimiento y la acción así como para el drama y la profunda reflexión moral. Reconocida por crítica y público, ¨El Tren¨ ha quedado para la posteridad como una de las más emblemáticas obras del género y la época, el último gran film de acción rodado en blanco y negro según Frankenheimer.
Bodyguard Kiba 2: Apocalypse of Carnage (Bodyguard Kiba 2: Combat Apocalypse)
Antes nos fuimos con él a Okinawa, ahora Takashi Miike vuelve con el invencible Naoto Kiba en una nueva aventura en la lejana Taipei.
Campeones de karate, ninjas enmascarados, gángsters taiwaneses, guerrilleros de la jungla, y una señorita misteriosa a la que hay que escoltar. ¿Quién da más?
Retorno del director nipón a las peripecias del luchador profesional y guardaespaldas nacido a principios de los 70 de la imaginación del artista mangaka Asaki Takamori (más conocido como Ikki Kajiwara), y cuyo cómic tuvo su propia adaptación en la década contando con el gran Sonny Chiba de protagonista. En el momento de acometer el encargo de una nueva adaptación, Miike tiene 33 años y ya ha iniciado su carrera en el seno del ¨V-Cinema¨, sin contar todavía con nada que merezca la pena recordar; aún no ha llegado su genial ¨Shinjuku Triad Society¨ ni ¨Fudoh¨, con la que empezará a lograr el éxito a nivel internacional.
Sólo los auténticos fans tienen el valor de sumergirse en la farragosa primera etapa del cineasta todoterreno, y si lo hacen tendrán el placer de hallar títulos satisfactorios como los antes nombrados o productos baratos y cutres como esta secuela de la ya irregular ¨Bodyguard Kiba¨, realizada deprisa y corriendo entre las (algo) mejores ¨Shinjuku Outlaws¨ y ¨The Third Gangster¨, y prácticamente con el mismo equipo. Tras un profundo discurso inicial copiado del film de Chiba que no sabemos a cuento de qué viene, vemos como el bueno de Kiba es molestado otra vez para ir a proteger a alguien sin poder disfrutar de sus vacaciones en Okinawa.
Pero antes de esto vendrán unos créditos iniciales donde irán apareciendo instantes de la película que vamos a ver, como si se tratase del piloto de una serie de televisión. El encargo que tiene este aguerrido guardaespaldas es proteger a Natsuki, una chica guapa un tanto irritante, un tanto misteriosa y prácticamente muda (Noriko Arai, la actriz que la interpreta, no tendrá más de cinco líneas de diálogo); dicho trabajo está ordenado, no se sabe muy bien por qué, por el maestro del dojo Daito Karate. A Taiwan se traslada entonces la acción (a Miike le encanta rodar en territorio extranjero).
El guión tan tremendamente bien elaborado de Hisao Maki nos va presentando personajes a cada cual menos carismático y más pintoresco, que tendrán su ¨cometido¨ en la trama (el maestro de otro dojo (Shu), un hombre de negocios chino (Wong) y sus guardaespaldas...) mientras el director se dedica a pasearnos todo lo que puede por el paisaje taiwanés, sin desaprovechar la oportunidad de estamparnos en la cara esas secuencias que a él tanto le gustan para romper el ritmo y la linealidad de su película (como ese chulo que no deja de repetirnos que su madre era prostituta o el baile en la discoteca que se marca Wong, que uno no se cansa de ver...).
Resulta que entre todas las escenas de acción y luchas que vemos (que por cómo están coreografiadas y rodadas no desentonarían en cualquier film de Don Wilson, Michael Dudikoff o Cynthia Rothrock) hay una trama con mucho suspense: la venganza que planean Shu y la joven Natsuki contra el dojo Daito, causante de la muerte de su padre, una trama que de haber estado tratada con un poco más de humor no resultaría tan ridícula. Lejos de la cutrez que abarca todo aspecto técnico y artístico en esta película, el guión está pésimamente estructurado; no se le pueden pedir peras al olmo en un producto de tal calibre.
Pero un poco se podrían haber esforzado, porque las intrigas y misterios se descubren muy pronto, los personajes actúan conforme a su estupidez y las casualidades dominan en una historia precipitada a secuencias tan vergonzosas como esa en la que por arte de magia se presenten todos los estudiantes del dojo para salvar a Kiba (que parece sacada de ¨Karate a Muerte en Bangkok¨) o una resolución que no soluciona absolutamente nada, proponiendo algo cercano a un ¨cliffhanger¨; sin embargo, al no continuarse con esta historia en la tercera parte de la saga del guardaespaldas todo se vuelve un sinsentido.
El poco magnético Takeshi Yamato vuelve como Kiba a lo Chow Yun-Fat en ¨A Better Tomorrow¨, creyendo que va a poder igualar al inigualable Sonny Chiba; no lo hará sobre todo porque, para ser supuestamente el héroe, no termina como un héroe. Y a Jack Kao, la guapa pero insípida Noriko y Takanori Kikuchi, quien se las da de imitador de Bruce Lee, dan ganas de agarrarles por las piernas y arrojarlos por el acantilado donde se asienta el dojo.
Únicamente se lleva algo de atención ese impagable Hung Liu, luciendo como un Pai Mei de garrafón. En realidad poco o nada se puede decir del apartado artístico, y menos al descubrir que cuando hablan en inglés lo hacen doblándose ellos mismos y tan fatalmente que pareciera que tienen en todo momento el guión delante. Lo peor es esa tercera entrega que en lugar de seguir con este desaguisado nos irá con otra historia...
A Takashi Miike le divertía hacer este tipo de proyectos baratos y disparatados, pero poco talento demostraba; al año siguiente, gracias a ¨Shinjuku Triad Society¨, comenzaría a crecer realmente como director.
Les juro que estaba esperando a que Bolo Yeung apareciera en cualquier momento...
Un samurái noble se atraviesa el estómago frente a la puerta Babasaki del castillo de Edo. Un gesto desesperado por detener la crueldad de su señor.
Y los únicos capacitados para finalizar esta tarea son trece samuráis sin señor dispuestos a cortar de raíz las injusticias del Gobierno...
En 1.954 siete aguerridos guerreros accedían a ponerse a las órdenes de gente de un rango social inferior a cambio de una remuneración muy escasa con el fin de protegerles de quienes se dedicaban a arruinar y robar sus cosechas, algo excepcional para la época: Akira Kurosawa introdujo así la figura de un samurái que luchaba por una causa justa sin ataduras a la nobleza y sin traicionar su código sagrado de honor. Dicho concepto se extendería dinamitando el género, marcándolo para la posteridad.
Uno de los muchos cineastas que predicó con el ejemplo fue Eiichi Kudo, quien nacido de un auténtico linaje samurái empezó como asistente de dirección en Toei, su casa profesional por mucho tiempo, para poco después ser ascendido. Tras varios trabajos menores el joven de 30 años sentía que la productora lanzaba películas muy comerciales y flojas, y su idea de romper esta norma llegó con un caro proyecto auspiciado por el mítico actor Chiezo Kataoka y escrito por Kaneo Ikegami, un relato de bases mitad reales, mitad ficticias, con el cual iniciaría su conocida Trilogía de la Revolución.
Para los principiantes (sobre todo para los reclutados por Toei entonces) el género histórico-épico era la manera idónea de exponer sus cualidades como realizadores, pero hay que tener en cuenta que Kudo, aun procediendo de familia de samuráis, no compartía en absoluto sus principios, hasta el punto de renegar de su linaje con el más amargo de los desprecios, por lo tanto su visión de la Historia interpretada en el ¨jidai-geki¨ viene premeditadamente cargada de amargura, pesimismo y el gran deseo de rebelarse contra sus propias raíces. Esos elementos componen la salvaje sinfonía de ¨Los Trece Asesinos¨.
La fábula comienza en la era Koka, bajo mandato de los emperadores Ninko y Komei, con un suicidio que es en sí un alegato para frenar al despiadado Naritsugu Matsudaira, históricamente daimyo de Fukui cuyo título de noble recibió al casarse con la hija del shogun Ienari Tokugawa. Director y guionista trastocan un poco la realidad y optan por erradicar este veneno del Gobierno de un tajo, decisión que lleva a la creación de un grupo clandestino de guerreros liderado por el inspector Shinzaemon Shimada, en cuya reunión, estrategias y esfuerzos se centrará el film durante su primer tramo.
Se maneja una reinterpretación de ¨Los Siete Samuráis¨ con el objetivo de velar por el bien del pueblo y destruir el cinismo y la injusticia como aliciente, si bien esta vez la orden no procede de gente de clase baja sino del propio Gobierno, y los que van a cumplirla (aun algunos pidiendo dinero a cambio) son sin duda samuráis de pleno derecho y espíritu, sobre todo el ceremonioso y noble Shinzaemon. Esto y la fe ciega en el clan escora la epopeya hacia un marcado clasicismo en comparación con muchos títulos ya estrenados entonces, más contestatarios, rebeldes y desmitificadores (hacía sólo dos años que llegó el milagro de ¨Yojimbo¨...).
No así Kudo, mientras desarrolla la intriga de los preparativos para el asesinato con una precisión casi milimétrica y emplea a unos protagonistas con quienes el espectador puede simpatizar, centra su atención sobre Shinrokuro, sobrino de Shinzaemon, un samurái feminizado sujeto a otras aspiraciones para el que morir no es ni mucho menos un privilegio (este pensamiento, aun siendo convencido por la honestidad de su tío, es clave para determinar el destino del personaje). Él y el pueblerino Koyata (trasuntos de los Katsushiro y Kikuchiyo de la obra de Kurosawa), quien únicamente desea luchar por amor, captan más el interés que sus hieráticos compañeros.
Con estos firmes ideales, el cineasta pone todas sus fuerzas en sumergirnos en una trepidante aventura en la mejor tradición ¨chambara¨, haciendo resaltar sus líneas más oscuras y desgarradoras sin olvidar la emoción ni el entretenimiento; su habilidad de artesano le convertirá en maestro al plantear durante más de media hora un clímax donde la acción, casi contenida previamente, se desata enfervorecida. La emboscada en el pueblo contra los secuaces de Naritsugu es toda una lección de cine; Kudo nos empuja a un torrente de violencia encarnizada donde las flechas vuelan, las katanas restallan y cortan la carne, la sangre nos salpica y se rompen los huesos.
Y ello filmado con gran sentido del espacio, la atmósfera, los elementos naturales y la elegancia del movimiento, sin necesidad de cámaras mareantes ni mucha sucesión de planos (como ocurre hoy en día...) para hacernos vibrar durante todo ese tramo, indiscutiblemente sublime; pero Kudo también deja patente su talento tras la cámara no sólo al rodar acción (el momento en que Shinzaemon toca el shamisen frente a Shinrokuro pone los pelos de punta), y el blanco y negro de su operador Juhei Suzuki capta mejor las sensaciones. En el lado artístico sobresale, cómo no, el veterano Kataoka, seguido de otros grandes actores.
Kotaro Satomi, Ko Nishimura, Shingo Yamashiro o Kanjuro Arashi, que vuelven a demostrar su buen hacer en el género, al igual que Ryohei Uchida. Inmensamente detestable ese Kantaro Suga en su rol de Naritsugu, cuya muerte por enfermedad en la realidad dio pie a grandes teorías conspirativas y otras varias fantasías aprovechadas en la ficción.
A pesar de las dolorosas comparaciones que sufrió en la época con ¨Los Siete Samuráis¨, este fue un magnífico primer paso para Kudo en su implacable Trilogía de la Revolución, cuya perfección alcanzaría ¨La Gran Masacre¨. Casi cinco décadas después el prolífico Takashi Miike se hizo cargo de un ¨remake¨, casi idéntico aunque de línea más espectacular (logrando, por otro lado, uno de sus mejores trabajos...).
TANO
10
El Crepúsculo de los Dioses
Obra de arte del cine, una película de 10, de las que se disfrutan segundo a segundo, de las que no se olvidarán jamás.Una historia dramática, interesante, que atrapa y sobrecoge, donde la espectacular actuación de Gloria Swanson se come la pantalla en todo momento.
Una crítica al mundo del cine, a la manera en que dejan de lado a cualquier actor, guionista o director que ya no vende, y al mismo tiempo, una historia que solo se podría haber hecho en su momento. Por lo que cuenta, por como era el cine en ese momento, una película irrepetible, de la que hoy día no tendría ninguna lógica hacer una nueva versión. Y esa es una de las razones por las que es tan grande.
Magnífico también ver, aunque sea de pasada, personalidades como Buster Keaton y Cecil B. Demille, haciendo de ellos mismos.
En definitiva, una película que todo amante del cine, del cine de verdad, debería ver.
Me gusta (0) Reportar