Clint Eastwood regresa a su patria convertido en una auténtica estrella. Él sería por siempre ¨El Hombre sin Nombre¨ de la celebérrima Trilogía del Dolar aunque hubiese trabajado en un par de proyectos más.
Pero llega a EE.UU. y, adinerado como es y con ganas de iniciar proyectos bajo su absoluto control, funda la compañía Malpaso, donde enseguida ofrece trabajo a sus amigos Buddy Van Horne, James Fargo o, como en este caso, Ted Post, convirtiéndolos en sus colaboradores por muchos años.
Poco después se pone a trabajar sobre el guión de Leonard Freeman y Mel Goldberg, variación de ¨La Ley de la Horca¨ de Robert Wise, y recomienda al anterior mencionado (ya que Leone estaba algo ocupado), quien había dirigido varios de los episodios de la serie ¨Rawhide¨, a la dirección; nace la primera película de Malpaso y se llama ¨Cometieron dos Errores¨. Así volvemos a ver a Eastwood de nuevo en el Oeste, pero ya no es alguien sin nombre, no aparece con el mismo poncho de nuevo, no tiene barba y su personaje tiene nada y menos que ver con el que encarnó en las tierras almerienses.
Ahora se llama Jebediah Cooper, y es un hombre justo con título de abogado que ha sido linchado y colgado a sangre fría por un grupo de miserables que no saben cómo de rápido se les ha ido la suerte. Sí, no es una historia demasiado complicada, es una historia de venganza y punto...pero no como se espera: es una venganza cumplida a través de la ley.
La influencia de Sergio Leone le ha marcado de por vida (lo de la soga es un buen guiño a ¨El Bueno, el Feo y el Malo¨), y es algo que el joven Eastwood demuestra en el film, donde se conjuga el estilo del más clásico ¨western¨ estadounidense con un toque de ese cine del Oeste realizado bajo producción italiana. Pero lo que sobre todo quiere hacer el actor y futuro director es deshacerse una vez más de la etiqueta de ¨cowboy más guapo del Mundo¨ que le habían puesto los fans (más bien las fans) de ¨Rawhide¨, pues su personaje de la serie, Rowdy Yates, era poco más que un chiquillo plano y sin sombras, que obedecía órdenes y no servia para absolutamente nada...un personaje que Eastwood odiaba con toda su alma.
Tal era el odio que le tenía que el comienzo de ¨Cometieron dos Errores¨ no puede ser más esclarecedor: después de una bonita secuencia de apertura en la que vemos a Yates reencarnado en Cooper, entre terneros y naturaleza, aparecen de la nada unos cowboys que le dan una paliza y le dejan colgando medio muerto de un arbol; la imagen de Yates de niño torpe y guapo ha sido destruida por fin. Eastwood puede respirar tranquilo.
Entre tanto, en el film se trata en un sentido muy liberal de la imposibilidad de la venganza, del callejón sin salida existencial de toda justicia personal, además del frío horror del castigo del Estado (el ahorcamiento, la pena capital), pretendiendo realizar una crítica bastante severa de esa ¨justicia¨ impartida que muchos hombres, llamándose a sí mismos ¨defensores de la ley¨, llevaban a cabo para querer demostrar que el orden en el territorio se tenía de respetar si se quería hacer de él una gran patria (años después, veríamos cómo otro personaje de Eastwood, apellidado Callahan, lucharía también a brazo partido contra aquellos que aplicaban la ley como más les parecía, sin pensar realmente en los derechos de los culpables y las víctimas).
Así, con Eastwood y Post haciendo mella en el fondo moral y desarrollando un discurso en una línea cercana a la que practicaron y practicarían los revisionistas Arthur Penn, Monte Hellman o Sydney Pollack, y una muy interesante trama llena de acción, violencia, suspense e impactantes secuencias, como aquella de los seis ahorcamientos, se conforma este buen ¨western¨, olvidado entre otras futuras obras que se harían más legendarias (recordemos: hablamos de 1.968 y aún quedaba mucho por ver), pero erróneamente, la verdad, porque si algo demostró Clint Eastwood era que tenía la suficiente capacidad y talento para continuar con el género que le llevó al estrellato no haciendo parodia del mismo, sino rindiéndole el homenaje más sincero.
También merecen recordarse las colaboraciones de Pat Hingle, Ben Johnson, L.Q. Jones, unos desconocidos Bruce Dern y Dennis Hopper (a ver si alguien lo reconoce), la música de Dominic Frontiere, esa seca fotografía de Richard Kline y Leonard South, y la dirección de Post, que se maneja con oficio tras la cámara.
Lo único que no convence es ese final tan abierto que parece presagiar una secuela que en realidad nunca llegó y ese romance mal presentado (o presentado a medias, diría yo) entre Cooper y Rachel. Pero poco más. ¨Cometieron dos Errores¨ es un pequeño clásico del género, y quien no la vea presuponiendo que se va a encontrar ante una obra menor sí que estaría cometiendo un error.
¨Siempre empieza de este modo: todos son inocentes. Están mintiendo...en cuanto abren la boca mienten. Dentro de una semana alguno querrá llegar a un acuerdo y todo el castillo de naipes se vendrá abajo. Caerán todos¨.
Estas son algunas de las consecuencias que derivan de la corrupción, el perjurio y la hipocresía, y será el sr. Sidney Lumet quien nos las revele con todo lujo de detalles en la que posiblemente sea una de las más grandes obras de su carrera.
Para el idealista Sean Casey, un joven recién graduado en el colegio de abogados que actúa como asistente del fiscal del distrito de New York, existe una única norma a la hora de juzgar a un sospechoso: la justicia. Una norma que defiende en base a sus sólidos principios, entre los que se hayan hacer respetar la ley y aplicarla del modo más honesto posible; tras ganarse poco a poco una reputación se encuentra, de repente, con la gran oportunidad de su carrera al tener que ocuparse de un supuestamente sencillo caso.
El acusado es Jordan Washington, un peligroso traficante de drogas y sospechoso de haber asesinado a varios policías en el curso de una redada desastrosa donde el mismo padre de Sean, Liam, ha sido herido de gravedad. A pesar de ser defendido con tenacidad por el veterano Sam Vigoda, las pruebas no pueden estar más claras: ese hombre es un criminal y ha de pagar, pero lo que nadie espera es la trama de corrupción que descubre Washington en la que varios agentes de distintas comisarías pueden ser culpables de soborno, tráfico de drogas y chantaje; para desgracia de Sean el simple caso se transforma en algo mucho más importante, con lo que éste hará todo lo posible por destapar la verdad, y más aún sabiendo que su padre puede estar implicado.
Tengo que confesar que nunca fui un entusiasta de los dramas y ¨thrillers¨ judiciales hasta hace muy poco. Me resultaba sofocante y tedioso todo el proceso de acusación de un acusado mientras yo pensaba para mis adentros ¨pero vamos a ver, ¡si es culpable, coño!...¿por qué no lo agarráis, le metéis cuatro balas en el corazón y lo echáis a un río como harían Charles Bronson o Clint Eastwood?¨. Luego te enteras de que existen unas cosas llamadas pruebas, derechos y enmiendas que, sin duda, complican un montón el caso, pero cuando mi interés por este género era completamente nulo llegaron dos directores que me hicieron cambiar de idea: Alfred Hitchcock y Sidney Lumet.
A este último lo conocí gracias a ¨El Abogado del Diablo¨, una de sus películas más flojas, como todo el mundo opina (aunque por lo menos me resultó entretenida). Tras un paso por la taquilla que se debatía entre la indiferencia y el descontento, el director regresó a New York; allí, sin dar señas de agotamiento, decidió escribir el guión del que sería su siguiente proyecto, una nueva incursión en el género que mejor dominaba y que había estado tratando desde el comienzo de su carrera en el cine: el drama judicial. Y esta vez lo haría como Dios manda.
Para ello tomó la inspiración de una novela que le dejó sorprendido, ¨Tainted Evidence¨, de Robert Daley, escritor que ya había visto varios de sus textos llevados al cine (siendo ¨Manhattan Sur¨, de Cimino, una de las mejores adaptaciones). Aparte de esto, y para reforzar la nota dramática, Lumet se basó en el famoso caso de Larry Davis, un criminal que acabó matando a varios policías del departamento de New York en Noviembre de 1.986 durante una catastrófica redada y que consiguió evadir la condena por más de dos semanas con la ayuda del abogado Will Kunstler, quien aseguraba que detrás se hallaba una tupida red de corrupción policial.
Con todas estas bases, ¨La Noche cae sobre Manhattan¨ es, simple y llanamente, el clásico ¨thriller¨ de suspense de Sidney Lumet, con todas sus conspiraciones, secretos, tramas de corrupción, cortinas de humo, trampas argumentales y esa incisiva crítica que no deja títere con cabeza (un recurrente de su cine) a la hipocresía del sistema judicial estadounidense y al abuso de poder, en eso que enfrenta al personaje principal, un abogado recto e idealista que respeta la ley y el orden, a un gran dilema moral donde el sentido de la justicia quedará puesto en duda de la manera más pesimista. Intriga, drama, gotas de acción y violencia aquí y allá confluyen en una historia que se va desarrollando lentamente y que termina por absorber al espectador.
Una de las mejores bazas del film es el gran equipo artístico con el que cuenta el director. Andy García sorprendente y en una gran variedad de registros, encabezando el plantel junto a Lena Olin y un desfile de conocidos rostros donde tenemos a James Gandolfini, Richard Dreyfuss, Ian Holm y un impagable Ron Leibman (al que algunos recordarán por ser el padre de Rachel Green) muy en la onda de James Woods.
Puede que ya nos hayamos cruzado mil veces con una película de este estilo (bueno, las hay a patadas). Sí, es verdad, pero ¨La Noche cae sobre Manhattan¨ está tan bien construida y elaborada y realizada con esa eficiencia de viejo zorro que a Lumet caracteriza que merece figurar entre los más brillantes ¨thrillers¨ de los 90 y, por supuesto, entre las obras maestras de su director.
¨Un ilimitado amor a la verdad e instinto para atacar a la yugular...¡eso hace grande a un fiscal!¨.
Una frase muy significativa pronunciada por el personaje de Morgenstern que habría que aplicar a Lumet, sólo que cambiando lo de ¨fiscal¨ por ¨un director como él¨.
Seguramente estemos ante, sino la que más, por lo menos sí una de las más infravaloradas obras de Joel y Ethan Coen. Pero con esta pareja de cineastas ya se sabe, uno no puede esperarse nada, ni bueno ni malo, simplemente dejarse llevar.
Pues siempre han conseguido sorprenderme, con cada uno de sus films. Sin embargo en esta ocasión, y sintiéndolo mucho, no puedo pasar por el aro.
Esta historia fantástica y ensoñadora de ascenso y caída en el mundo de los negocios se sitúa a finales de los 50, cuando el repentino suicidio de uno de los empresarios más poderosos de New York, Warin Hudsucker, coincide con la llegada a la ciudad de Norville, un joven lleno de ilusión y esperanza recién salido de Indiana que decide probar suerte a lo grande, y con una ingeniosa idea que cambiará el mundo, algo revolucionario. Pero este ingenuo y cándido muchacho debe de empezar desde lo más bajo, haciendo de mensajero.
Su vida pegará un giro de la manera más inesperada cuando uno de los despiadados directores de la empresa, Mussburger, le nombre presidente, una estrategia muy sagaz, pues el comité necesita un pelele para provocar una depresión en el mercado y luego controlar las acciones de Hudsucker. Lo que no saben esos buitres es que Norville es más listo de lo que parece, y su gran idea parece que va a ser todo un éxito; mientras tanto se verá engatusado por Amy, una inteligente periodista empeñada en averiguar qué se traen los ejecutivos de Hudsucker entre manos.
La idea del film se remonta a 1.981, antes de que los Coen cambiaran el concepto de cine independiente gracias a su brutal y amargo debut, una época en la que Joel aún curraba como asistente de edición en ¨Posesión Infernal¨; fue esa buena relación con Sam Raimi lo que propició la creación del guión, trabajo conjunto entre este último y los hermanos. La intención del trío era rendir tributo al cine de humor y sátira del Hollywood de los 40 y los 50 y a aquellos directores que lo practicaron, teniendo de referencia a genios del género como Frank Capra, Howard Hawks o Preston Sturges (ídolo de Ethan y Joel), y ubicando la acción en el cambiante y peligroso mundo empresarial.
Sería una hazaña realizar tan ambicioso y trascendente proyecto, más aún cuando los Coen no tenían ni un duro para ello. Diez años después, tras esa maravillosa rareza de su filmografía que es ¨Barton Fink¨, se vieron por fin preparados para afrontar una producción de tal envergadura; la suerte les sonrió cuando Joel Silver se interesó por el guión, convenciendo a los de Warner Bros. y dejando a los hermanos total libertad creativa para desplegar su imaginario.
Hay que ver lo creíbles que pueden ser las comparaciones entre realidad y ficción, ya que la situación de los Coen se asemeja bastante a la del protagonista de su película, quien pasa de estar de lo más bajo a lo más alto y posteriormente fracasando por culpa de una serie de errores, lo que podemos atribuir a los nativos de Minnesota: de hacer peliculitas independientes (ojo, clasicazos) a abordar una gran producción como la que nos ocupa, pero estampándose irremediablemente en taquilla...y es que ¨El Gran Salto¨ no es para todos los gustos, como se puede creer de manera errónea al principio. Eso sí hay que admitirlo, sorprendente comienzo, con una magnífica secuencia de apertura seguida de un momento ácido e hilarante (el suicidio de Hudsucker) puramente ¨coenianos¨, redondos...la pega es que el resto no se mantiene al mismo nivel.
Joel y Ethan ponen de su parte para ofrecernos una historia compleja, que explora el consumismo en la década de los 50 y el ascenso a la cumbre y descenso a los infiernos en el mundo empresarial norteamericano, agujero lleno de gusanos que te devoran en un santiamén, todo narrado en forma de sátira aderezada con disparatados ¨gags¨ que discurren velozmente a través de una trama a veces frenética, a veces inundada de melodrama, pero manteniendo un toque ensoñador y experimental, no muy lejano, visualmente hablando, del que Gilliam imprimió en ¨Brazil¨. Aunque lo más notable del film son la retahíla de influencias venidas del cine clásico.
Bien presentes están las de Preston Sturges y sus ¨Navidades en Julio¨ y ¨Los Viajes de Sullivan¨, o las de Capra, con unos protagonistas que parecen sacados de ¨Qué Bello es Vivir¨. La huella de Hawks se deja ver en el personaje de Amy, que remite al de aquella reportera encarnada por Rosalind Russell en ¨Luna Nueva¨, mientras que la parte dramática recuerda a la de ¨La Torre de los Ambiciosos¨, firmada por Robert Wise, cuya premisa es bastante similar.
El atolondrado Norville, al que da vida un espléndido Tim Robbins, responde al perfil de ¨héroe¨ típico de los Coen: joven de buenas intenciones con grandes esperanzas que sólo ha tenido mala suerte, pero que hace lo posible por mejorar. Una sensual Jennifer J. Leigh trae recuerdos de aquellas divas de los 50, mordientes, de habla rápida, seguras de sí mismas; como antagonista tenemos a un, como de costumbre, soberbio Paul Newman (en papel que casi hace Clint Eastwood), y con él a Jon Polito, Steve Buscemi y Charles Durning, regulares de los directores, junto a Bruce Campbell y el genial Bill Cobbs.
Memorables personajes, fascinante estilo visual y unos trece minutos finales que descolocan. Lo malo es que, quizá por el ritmo, quizá por lo poco sustancial de su trama o quizá porque los protagonistas se hacen irritantes por momentos, la película acaba por cargar, desconcertar y, en última instancia, aburrir.
Interesante de descubrir, aunque no se va a quedar entre mis favoritas de los Coen. Por ahora voy a dejarla por debajo de ¨Crueldad Intolerable¨, pero, ¿quién sabe?, puede que cambie de opinión tras un segundo visionado.
Uno es el policía más duro, irascible, caradura y con más mala leche del departamento de New York. El otro es uno de los actores más famosos, ricos y prestigiosos del momento.
El que estos dos individuos tan distintos lleguen a cruzar sus vidas sería, como poco, imposible, pero el destino así lo quiere, con lo que se formará la pareja de agentes más pintoresca y descacharrante que ha existido.
Por un lado tenemos al teniente John Moss, un agente cínico, fanfarrón, que hace las cosas a su manera y que lleva de cabeza a su capitán por utilizar unos métodos tan poco ortodoxos. Su misión es detener a un asesino psicópata que está sembrando el pánico en la ciudad, a quien apodan ¨El Aguafiestas¨; pese a fracasar en su intento de capturarle no se dará por vencido...aunque ese no será el menor de sus problemas, ya que justo en mitad del caso sus superiores le ordenan proteger a Nick Lang, un famoso actor de cine de acción que ya está harto de hacer los mismos papeles de héroe estereotipado con los que se le ha acabado encasillando.
El propósito de Nick es lograr interpretar un personaje serio en una película de verdad, y la oportunidad le llega con el guión de un drama policial, pero para meterse en la piel de un policía deberá saber cómo vive y trabaja uno de verdad, y el primero en el que piensa es Moss. Así que a este último, a la vez que prosigue su investigación para atrapar al ¨Aguafiestas¨, no le queda más remedio que ocuparse de Nick como si fuera su compañero e instruirle a través del peligroso y poco glamuroso mundo del crimen, y lo hará por el camino más duro.
La película se inicia de manera clásica: la clásica pareja de policías en mitad del clásico atasco, con el clásico agente enfadado y chulo que hace lo que le da la gana porque para eso tiene placa y una pistola, cuando de repente aparece el clásico psicópata chiflado y arma la de Dios en la ciudad. El tiroteo, la persecución, la destrucción material...todo muy clásico, ¿no?, pero claro, es que estamos ante una ¨buddy movie¨ americana de los 90, con lo que los ingredientes ya nos los sabemos de sobra.
Desde que Walter Hill le diera el empujón al género con ¨Límite: 48 horas¨ a principios de los 80 no cesaban de aparecer títulos a diestro y siniestro en las pantallas (¨Danko: Calor Rojo¨, ¨El Último Boy Scout¨, ¨El Principiante¨...), algunos mejores que otros, pero todos con la sana intención de hacernos pasar un rato emocionante y divertido, encontrando en ¨Arma Letal¨ y su secuela (la 3.ª baja un poco el nivel) las mejores muestras. El director John Badham también había contribuido al mundillo de las ¨buddy movies¨; su ¨Procedimiento Ilegal¨ consiguió una gran recaudación y hasta sacó una segunda parte.
Recién llegado de degustar las mieles del éxito gracias al bombazo de ¨Dos Pájaros a Tiro¨, Badham parecía el más indicado para hacerse cargo del guión Daniel Pyne y Lem Dobbs que el productor Rob Cohen le había ofrecido, dispuesto a colaborar de nuevo con él, pues significaba una apuesta segura en taquilla. Y es que, si algo posee este director es un don para el entretenimiento, por muy manidas o insustanciales que parezcan sus propuestas; su cine es un cine comercial, fácil de consumir y asimilar, hecho para ganar dinero y dar espectáculo al público, y tal objetivo siempre lo ha sabido cumplir.
¨The Hard Way¨ juega con la misma baza de ¨Dos Pájaros a Tiro¨, y es contar con una pareja atractiva y carismática para el público (aunque superar a la compuesta por Mel Gibson y Goldie Hawn es difícil). En este caso tenemos a Michael J. Fox y James Woods, dos de los actores más conocidos del momento, haciendo lo posible por llevarse bien...no obstante su química no está tan bien lograda, y lo peor es que los personajes se hacen irritantes, no caen bien hasta pasada más de la mitad del metraje, justo cuando empezamos a conocerlos y ahondar en sus respectivas vidas y sentimientos. El resto es un serie de secuencias de acción a cada cual más impactante acompañadas de unos disparatados diálogos, terminando por ser todo una parodia del mismo género en el que está enmarcada la película.
Vaya par de actores que tenemos a la cabeza. James Woods hace de James Woods, para no variar; es decir, de capullo soberbio y chulo, que se le da de perlas. En el otro extremo, Fox da vida a uno de sus personajes más enervantes, nada que ver con su simpático Marty McFly. Les siguen un Stephen Lang correcto como psicópata ido de la olla, Annabella Sciorra más atractiva que de costumbre (no la recordaba así en ¨La Mano que Mece la Cuna¨), ese LL Cool J. al que es la mar de fácil reconocer y, como curiosidad, ahí tenemos a un joven Mos Def y a una todavía más joven Christina Ricci, que sale hecha una niña, vaya.
Con grandes momentos como el duelo final y el tiroteo en el cine, los mejores, de hecho, Badham nos ofrece un entretenido espectáculo sin más pretensiones, el cual se disfruta mejor en compañía de una pizza y una coca-cola.
Un inocente acusado injustamente en busca de los asesinos de su mujer. Un marshal dedicado a encontrarle cueste lo que cueste. Un hombre manco del que nadie sospecha.
Son los tres elementos clave de este ¨thriller¨ de intriga, sin lugar a dudas uno de los más brillantes e inteligentes realizados en la década de los 90 y llamado a ser, hoy por hoy, un clásico del género.
En realidad, y es algo que a estas alturas lo debe saber ya todo el mundo, ¨El Fugitivo¨ es una adaptación cinematográfica de aquella serie de televisión que Roy Huggins creó allá por comienzos de los 60 basándose en el caso real de Sam Sheppard y en el clásico de Daves ¨La Senda Tenebrosa¨, una serie que alcanzó grandes cotas de popularidad y recibió varios premios Emmy, emitida por ABC y trasladada a nuestras pantallas gracias a Televisión Española. Todos estaban pendientes de si el falso culpable Kimble lograba cazar al hombre manco antes de que el obstinado Phil Gerard lo pillara primero, con David Janssen, Bill Raisch y Barry Morse dando vida, respectivamente, a estos personajes.
30 años después de su estreno, los productores Arnold y Anne Kopelson deciden tomar la historia de David Twohy y es entonces cuando la Warner Bros. prepara una adaptación modernizada de la serie; actores tan célebres del momento como Kevin Costner o Alec Baldwin son considerados para encarnar a Kimble mientras que Gene Hackman prueba para el papel de Gerard. Quien se pone tras las cámaras es Andrew Davis, hombre curtido en el cine de acción que venía de saborear las mieles del éxito gracias a ¨Alerta Máxima¨, la mejor que Seagal protagonizó en sus años dorados.
Ahora Kimble no es el pediatra de aquel pequeño pueblo inventado de Indiana, sino un respetado cirujano de Chicago cuyo mundo queda trastocado como el del protagonista de ¨El Proceso¨ al encontrarse a su mujer Helen muerta y al hombre manco culpable del homicidio en libertad; por una incuestionable colección de pruebas incriminatorias, el buen doctor es condenado a morir. Tiempo más tarde, el autobús en el que viaja Kimble hacia su aciago destino sufre un terrible accidente provocado por uno de los presos, lo que será su gran oportunidad de escapar.
El hombre encargado de seguir la pista a Kimble y de su captura no es el teniente detective Phil, sino el marshal Samuel Gerard, quien se medirá en inteligencia con el fugitivo en todo momento; la policía y la opinión pública consideran al doctor un psicópata asesino, pero de todas formas hará lo imposible para dar con el tipo responsable de la muerte de su esposa y así limpiar su nombre. Aunque éste irá descubriendo, poco a poco, que el crimen contra Helen esconde mucho más de lo que parece, una verdadera trama en la que están implicadas personas importantes...personas que él conoce.
Davis vuelve a tomar la ciudad de Chicago como localización y firma, con oficio, nervio y gran manejo del suspense, un ¨thriller¨ intenso y absorbente, de trama similar a la de su film ¨A la Caza del Lobo Rojo¨, que dirigiera cuatro años antes contando también con Jones en el reparto (quien hace, irónicamente, de fugitivo). Al ver esta película uno tiene la misma sensación que con ¨Los Intocables¨, también adaptación de una serie de televisión: la historia es la misma, pero no está contada del mismo modo, y eso es lo que da puntos al guión de Twohy y Jeb Stuart, el cual puede que siga los patrones de la idea de Huggins, pero al mismo tiempo construye sus propias ramificaciones y variables, y de un modo muy perspicaz.
Los acontecimientos de la serie se condensan en poco más dos horas de ritmo frenético aderezado con unos buenos giros de guión, dosis de acción ¨made in Hollywood¨, una intriga no muy lejana a la de los films de Frankenheimer, Lumet o Hitchcock (los parecidos con ¨Falso Culpable¨ y ¨Con la Muerte en los Talones¨ son notables) y un gran despliegue de medios que sirve al director para recrear la cacería humana lo más intensamente posible, siendo el punto fuerte de ésta la ¨competición¨ constante entre los protagonistas, iniciada de la forma más dramática en ese túnel donde se da aquel cara a cara mítico entre Kimble y Gerard.
Harrison Ford borda el papel del doctor desesperado por probar su inocencia, muy cercano al que hizo para Polanski en ¨Frenético¨ (en aquella le raptaban a la mujer). Este gran actor se enfrenta a un Tommy Lee Jones en estado de gracia, sorprendente en su sobria e implacable visión de Gerard, lo que le hizo buen merecedor del Oscar.
Esta vez Andreas Katsulas da vida al hombre manco, aquí llamado Fredrick Sykes; genial también el equipo marshal interpretado por Joe Pantoliano, Daniel Roebuck y Tom Wood, y en unas apariciones fugaces tenemos a Sela Ward y Julianne Moore. Andrew Davis logró con ¨El Fugitivo¨ su obra maestra, saldada con una recaudación que superó en ocho veces su presupuesto, lo que la hizo quedar la 3.ª película más taquillera del año 1.993.
Uno de los grandes ¨thrillers¨ americanos que se han rodado, al cual seguiría una secuela tardía y menor, ¨U.S. Marshals¨, dirigida por Stuart Baird y donde volvían a aparecer Gerard y todo su equipo, esta vez siguiendo a un agente secreto interpretado por Wesley Snipes.
Me gusta el cine frances, pero solamente a veces ( todo depende de mi animo ), ya que es muy pausado, muy lento y se toma su tiempo, me gusto ver a van damme haciendo un papel de frances ( que en realidad el es frances )y hablando el idioma de el, la historia es el tipico thriller europeo, en fin entretenida lo justo para pasar el rato u domingo a la tarde, pero digo esto, a van damme lo quiero mas en peliculas yankees,.. un 5 Gracias.
¨Una fría mañana irán a buscarte, te atarán los brazos a la espalda, te llevarán a rastras hasta el patio, te harán subir al patíbulo, te pondrán una cuerda alrededor del cuello [...] y te dejarán solo. ¿Sabes lo último que oirás?, la sacudida de tu cuerpo al caer por el hueco cuando abran la escotilla¨.
Son las amargas e iracundas palabras de un hombre que desea con toda su alma cumplir una venganza, un hombre que ha de tomar el tren de Gun Hill a las nueve en punto de la noche junto a dos hombres...y uno de ellos con un corte en la cara.
Los años 50 estaban tocando a su fin, quizá la década de gloria por excelencia para el cine del Oeste, cuando aún permanecían los convencionalismos y la tan correcta mitificación del género antes de que en los tiempos que estaban por venir se comenzara con su definitiva desvirtuación, la cual vendría comandada por cineastas como Sam Peckinpah, Monte Hellman, Clint Eastwood o el italiano Sergio Leone...pero aún se podía respirar esa esencia del más puro ¨western¨ en muchos títulos.
1.959 dio carpetazo al decenio con una colección de joyas imprescindibles para el amante del género, y lo pusieron de manifiesto Howard Hawks y su mítico ¨Río Bravo¨, Edward Dmytryk con ¨El Hombre de las Pistolas de Oro¨ o John Ford con ¨Misión de Audaces¨. También fue el año en el cual otro maestro se despidió de los 50 tras haber dado tantas buenas obras en la década, y es que, antes de situarse entre los más grandes de la Historia del cine, junto a Ford, Hawks o Mann, gracias a sus ¨Siete Magníficos¨, John Sturges estrenó dos películas, ¨Cuando Hierve la Sangre¨ y ¨El Último Tren de Gun Hill¨, que figura por méritos propios entre sus logros más duraderos.
Y todo fue porque el gran éxito que ganó la Columbia Pictures con ¨El Tren de las 3:10¨ irritaba a los productores de Paramount. Un verdadero duelo de titanes, cinematográficamente hablando, donde Hal Wallis decidió colaborar nuevamente con Sturges para llevar a la gran pantalla otra gran muestra del género con la que hacerle la pascua a David Heilweil y Delmer Daves, así se reunió prácticamente a todo el equipo de ¨Duelo de Titanes¨, reencontrándose en el reparto Kirk Douglas y Earl Holliman, para un nuevo film:
En un precioso día, una mujer de ascendencia india es violada y asesinada por dos jóvenes con ladrillos en lugar de cerebro que dejan tirado el cadáver en mitad del bosque; por suerte, el hijo de ella logra escapar en uno de los caballos de los asaltantes. Resulta que la nativa americana es en realidad Catherine Morgan, la esposa del recto sheriff Matt, un tipo que ha perdido de la manera más violenta a la mujer de su vida y que va a llevar a los culpables ante la justicia, sea como sea. De este modo averiguará que uno de ellos es el hijo de Craig Belden, viejo amigo y dueño absoluto de Gun Hill, pero eso a Matt no le preocupa; su misión es subirse al próximo tren con dos hombres que han de pagar su crimen...y la va a cumplir.
Clásica historia de venganza, justicia y ley la que nos trae el sr. Sturges a partir de una idea original de Les Crutchfield; una historia, en concepto y argumento, claramente influenciada por otros grandes títulos de entonces, como ¨Sólo Ante el Peligro¨ o la antes mencionada ¨El Tren de las 3:10¨, con las cuales comparte algunas similitudes. El director maneja con oficio, como es lógico, la puesta en escena y el desarrollo de la trama, conducida por la búsqueda de venganza en un Oeste cínico gobernado por hombres injustos y habitado por cobardes desalmados donde se replica uno de los patrones más usados del género: la confrontación de ideales y emociones que sitúa en un gran dilema a los protagonistas principales, unidos por una vieja y larga amistad presta a quedarse al borde del precipicio.
Otro de los temas que trata el guionista James Poe son la posición de ayudar a los indios, siempre satanizados en el ¨western¨, y la reflexión sobre las malas relaciones entre unos padres conservadores y unos hijos descarriados y abocados a la decadencia (era lo que estaba a la orden del día en los 50). Pero lo mejor del film es, sin duda, ese aire de suspense e intriga que tan bien sabe imprimir Sturges, reforzado gracias a los últimos 40 minutos del metraje, ya que, como en la de Zinnemann, Morgan se encuentra sólo ante el peligro, esperando en la habitación del hotel, y cuanto más espera más se tensa el ambiente.
Disfrutamos de la gran presencia de esos enfrentados gigantes que son Douglas y Quinn, los dos maravillosos en sus respectivos papeles (aunque yo prefiero al primero); muy notable también la secundaria Carolyn Jones, al principio en un personaje un tanto estereotipado (a las mujeres de hoy les repateará) pero revelándose importante en la historia, y atención a un joven Brian G. Hutton, futuro director de ¨Los Violentos de Kelly¨ y ¨El Desafío de las Águilas¨, encarnando al desgraciado de Lee Smithers. Apuntar también los buenos diálogos de Poe, secos, mordaces y punzantes, lo que hace subir el tono de amargura y cinismo de la película, y, cómo no, el gran duelo final entre esos dos actorazos que logran aquí una de sus mejores interpretaciones.
Joyita del género rodada en grandiosa VistaVision, de las más importantes de aquel último resquicio de los 50, el adiós a una etapa y el comienzo de otra: el crepúsculo. Sturges vuelve a dejar claro que es de los más grandes.
El diálogo entre Matt y Rick, donde el primero le explica el aciago destino que le aguarda en la horca (con cuyas frases he empezado esta crítica), es demoledor a más no poder, y absolutamente magistral.
Rodada en escenarios naturales de Chipre e Israel, ¨Éxodo¨ describe las horas más sombrías, dramáticas y triunfales del movimiento sionista, motor del renacimiento judío en ámbitos como el espiritual, el cultural y el político desde finales del siglo XIX.
Escrita en 1.958 por Leon Uris, la novela en que se basa la película supuso un acontecimiento para la industria editorial americana sólo comparable, en magnitud de cifras, al éxito obtenido años atrás por ¨Lo que el Viento se Llevó¨.
Ambientada en los meses previos a la resolución de la ONU adoptada en noviembre de 1.947 y en virtud de la cual las Naciones Unidas decidieron la creación de dos Estados, uno árabe y uno judío, en el territorio donde se asentaba el protectorado británico de Palestina, ¨Éxodo¨, concebida como un fresco multifacético, daba a conocer algunos hechos decisivos que desembocaron en el nacimiento del moderno Estado de Israel, exploraba las razones del conflicto árabe-israelí, los orígenes centroeuropeos del sionismo y la interminable serie de desastres sufridos por el pueblo judío desde finales del XIX hasta la culminación del Holocausto.
Novela repleta de referencias históricas, la obra de Uris mezclaba elementos de realidad y ficción con una calidad literaria poco común en los best-sellers de consumo rápido, por lo que no tardó en convertirse en objeto de una adaptación cinematográfica y en una de las películas más caras y controvertidas del gran director austriaco de origen judío y maestro del cine negro Otto Preminger, quien ya nos había dejado films inolvidables como ¨Buenos días, Tristeza¨, ¨Laura¨ o ¨Cara de Ángel¨.
En 1.946, un año después del final de la guerra en Europa, casi medio millón de judíos se agolpan en campos de refugiados a la espera de tener un sitio adonde ir, y su deseo es empezar una nueva vida en un Estado que aún no existe y a cuyo territorio los ingleses, temerosos de que beneficiando a los judíos pongan en peligro sus relaciones comerciales con los árabes, no les permiten acceder. Hacinados en el campo chipriota de Caraolos, más de 600 de esos refugiados son designados por el mando de una de las organizaciones judías de combate, el Mossad Aliyah Bet, como punta de lanza del más importante desafío al poder inglés.
Con la determinación como única arma suben a bordo de un viejo buque con la intención de llegar a Israel o de morir; liderados por el enérgico Ari Ben Caanan, los refugiados advierten que en caso de ser asaltados, harán volar el barco por los aires. A medida que pasan las horas, varios de los personajes atrapados en esa lucha sorda entre un Imperio y la más elemental desesperación, sueñan con el futuro, como Karen, una chica que ve en Israel la posibilidad de encontrar a su padre, un prestigioso científico; Dov, un joven que anhela unirse al IRGUN, o Kathy, una enfermera americana cuya perplejidad ante lo que cree una gran injusticia le ha llevado a estar a favor del pueblo judío.
Avalada por un gran presupuesto, una extraordinaria riqueza de medios y un extenso reparto encabezado por unos maravillosos Paul Newman y Eve-Marie Saint, ¨Éxodo¨ contiene todos los atributos de una superproducción hollywoodiense, si bien su estructura interna y su gestación merecen ser objeto de un estudio que trasciende el terreno del celuloide. La adaptación, escrita por el guionista Dalton Trumbo (uno de los de la lista negra), sirve a dos corrientes de interés muy opuestas entre sí: por un lado, al gusto del público americano, a quien se evita la mala imagen atribuido a los ingleses y las continuas referencias positivas al sionismo socialista, amén de dotar a Kathy de una importancia desmedida que cumple las expectativas románticas de la ficción.
Por otro lado, a los intereses propagandísticos del entonces Gobierno israelí dominado por la corriente de izquierdas del sionismo, cuyos miembros no podían permitir una proyección heroica de sus oponentes de derechas, básicamente los miembros del IRGUN, a cuyo líder en la vida real, el después primer ministro Begin, trasunto real del personaje de Caanan, preferían ver muerto tal como sucede en el film.
Con su maestría, sus más de tres horas y media de duración y sus, no obstante, algunas imperfecciones, ¨Éxodo¨ es una de las más complejas y conseguidas grandes producciones del cine americano de los 60, fruto de un momento histórico muy complicado y de la pasión por contar grandes historias que subyace en buena parte de la filmografía de Preminger, quien, pese a su relativo fracaso comercial, nunca dejó de considerarla su trabajo más importante y al que aportó un mayor grado de compromiso personal e ideológico.
Uno de los rancheros más pobres de Arizona y uno de los forajidos más peligrosos que existen han de cabalgar juntos hasta Contention, donde les esperará un tren que va hacia Yuma a las 3:10...
James Mangold resucita el clásico de los 50 trayéndonos uno de los mejores ¨westerns¨ que han aparecido en nuestras contemporáneas pantallas. ¿Quién dijo que el cine del Oeste había pasado a mejor vida?
Pues casi que sí, que había pasado. Sólo Clint Eastwood se atrevió a desenterrar este género por todo lo alto considerado moribundo ya en los 90 con la maravilla de ¨Sin Perdón¨, muchos pensando que se había vuelto loco; sin embargo, desde mediados del año 2.000, parecía que el ¨western¨, pieza fundamental de la cinematografía americana durante más de cuatro décadas, estaba viendo el renacer de sus cenizas de una forma muy digna, el cual estaría capitaneado por ¨Open Range¨. Después hemos tenido la suerte de ver a otros tantos cineastas que se han atrevido a insuflar algo de vida a este género olvidado por muchos.
Más o menos por las mismas fechas en que el señor Costner estrenaba su film, Columbia Pictures estaba en tratos para producir un ¨remake¨ de ¨El Tren de las 3:10¨, que dirigiera Delmer Daves en 1.957 basándose en el relato del gran Elmore Leonard, contando con el responsable de ¨Copland¨ y ¨En la Cuerda Floja¨ tras las cámaras, pero el proyecto no se materializó hasta pasados tres años, cuando Columbia acabó por vender los derechos a otra productora, eso sí, con el mismo director entre manos.
Dan Evans es un veterano de la Guerra Civil que vive como buenamente puede junto a su esposa Alice y sus dos hijos en un rancho, pero la suerte no parece estar de su parte: sus tierras no producen frutos, su ganado está en mal estado y tiene importantes deudas que pagar. En otra parte del territorio, el despiadado e inteligente forajido Ben Wade asalta una diligencia cargada de armas con rumbo a Bisbee...y casualmente se cruza con Evans en el camino.
Pero será en Bisbee donde se decida el destino de estos hombres: Wade es capturado en la ciudad y será conducido hasta el tren que parte desde Contention a Yuma para ser llevado ante un tribunal federal y terminar ahorcado; Evans se une al grupo de custodia ya que ve en esa misión su oportunidad de ganar algo de dinero y poder prosperar...pero no va a resultar nada fácil el viaje hasta Contention, sobre todo porque la banda de Wade va en su rescate. Será un viaje en el que este último y Evans enfrentarán sus puntos de vista con respecto a la honradez, la sensatez y la dignidad humana.
La historia de Michael Brandt, Derek Haas y Halsted Welles, guionista de la versión del 57, mantiene prácticamente la misma trama aunque se diferencia bastante de aquella en muchos puntos y sucesos, sobre todo en el final, que no tiene absolutamente nada que ver (prefiero el de la original). Mangold nos trae una revisión más dura, cínica, violenta y oscura que la de Daves, y aunque se trate de un ¨western¨ modernizado, por decirlo de algún modo, respeta las raíces y la esencia clásica del género, mientras que consigue imprimir unas buenas dosis de suspense e intriga que evocan el estilo de Anthony Mann, Raoul Walsh, John Sturges o bueno, el mismo Daves, donde el clasicismo se adornaba con elementos de cine negro y misterio.
Lo realmente interesante de esta película no creo que sea el argumento (qué coño, si ya nos lo sabemos), más bien es el desarrollo de la psicología y comportamiento de los personajes durante la trama, y cómo acaban poniéndose en contrapunto los procederes, creencias y formas de apreciar la vida de Evans y Wade, tan diametralmente opuestos. Aparte de este trascendente choque de moralidades, Mangold nos honra con un buen espectáculo de tiros, persecuciones, caídas y sangre, en la mejor tradición del cine del Oeste.
Reemplazando a los grandes Van Heflin y Glenn Ford tenemos a Christian Bale y Russell Crowe, quienes logran unas brillantes actuaciones, sobre todo este último, quien encarna de una manera muy peculiar, cínica y romántica a Ben Wade, escapando a la conducta de los villanos más tópicos y tradicionales del género. Buenas interpretaciones ofrecen también Ben Foster como Prince (que mira que me cae mal este tío, pero aquí me ha sorprendido), el inglés Alan Tudyk como Potter, Dallas Roberts como Butterfield, esa preciosa Gretchen Mol sustituyendo a Leora Dana en el papel de Alice y el genial Peter Fonda.
Los de Lionsgate quisieron adelantar el estreno del film para ponerlo en competición con el de Andrew Dominik, ¨El Asesinato de Jesse James...¨, el cual estaba respaldado por Warner Bros., y vaya si les salió bien la jugada.
En fin, yo no diría que supera al original de Daves, porque no lo hace, pero un gran ¨western¨ moderno sí es, de los mejores que se han realizado en el cine actual, de hecho.
Él no se dejó sobornar, ni se dejó amedrentar. Se encontraba en mitad de una espiral de corrupción y perdición pero decidió mantenerse honesto y digno...y eso no les hacía ninguna gracia a sus compañeros policías.
De la mano del maestro Lumet vamos a conocer su historia. La historia de Franceso Vincent Serpico.
Este descendiente de italianos nacido en Brooklyn pasó dos años en la guerra de Corea y a los 23 se introdujo en el cuerpo de policía de New York, pero sus métodos diferían horrores de los de sus compañeros. Residiendo en el pintoresco Greenwich Village se hizo a la contracultura, sin embargo cumplía como nadie sus obligaciones de agente de la ley (de lo más contradictorio, la verdad); no vestía de uniforme, para él lo más importante era mezclarse entre la gente, patrullar por las calles y conocer de primera mano el submundo que descansaba bajo los altos rascacielos de la ciudad, en el cual dominaba la decadencia, las drogas, los asesinatos, la corrupción...en fin, la basura.
Pero no sólo en las calles había basura, ni mucho menos. Dentro del departamento también existía otro tipo de decadencia: policías que se dejaban sobornar, que no arrestaban debidamente, que se hacían amigos de traficantes y criminales, que organizaban pequeños grupos clandestinos al margen de la ley...y Serpico, claramente, no encajaba en ellos. Él defendía la honradez y la justicia, y decidido a acabar con toda esta red de corrupción informó del caso fuera del cuerpo, interviniendo la Comisión Knapp y hasta llegando a oídos de la prensa. Desde ese día, Frank se convirtió en un hombre marcado.
¨Serpico: El Policía que Desafió al Sistema¨ fue la biografía que el autor Peter Maas escribió sobre el héroe, cuando éste ya había recibido la condecoración más alta del departamento de New York, la Medalla de Honor (que le fue dada sin ceremonias ni nada de nada), y residía apaciblemente en tierras suizas. Fue entonces cuando el productor Martin Bregman habló a Maas de la posibilidad de llevar a la gran pantalla aquella biografía, y el proyecto acabó aprobándose, con la colaboración del mítico Dino de Laurentiis y siendo elegido John G. Avildsen (responsable de las míticas ¨Rocky¨ y ¨Karate Kid¨) para ocupar el puesto de director.
Sin embargo, a causa de las diferencias que hubo entre este último y Bregman, fue finalmente Sidney Lumet, que regresaba de Inglaterra de rodar el muy interesante drama ¨La Ofensa¨ junto a Sean Connery, quien se quedó tras las cámaras. Cuando Al Pacino, cuya fama y popularidad iba en aumento en aquellos años, fue elegido para encarnar al protagonista, sabía que la única forma de preparase debidamente era aprender del hombre en el cual basaba el guión, con lo que decidió invitar al Frank Serpico auténtico a su residencia de New York; que nadie diga que el actor no se esforzó para interpretar el papel.
Los guionistas Waldo Salt y Norman Wexler, si bien plantearon algunos pequeños cambios, mantuvieron los hechos tal y como ocurrieron. Aunque una cosa es cierta, en una película como ¨Serpico¨ la trama no tiene gran importancia, pues se va desarrollando gracias a los personajes, y en ese detalle Sidney Lumet es un experto; amante de sucesos reales que han significado importantes cambios en la sociedad y la cultura o que, sencillamente, han formado parte de la historia de ésta, el director vuelve a centrarse en el aspecto humano y realista de la historia, narrando en forma de crónica lo que les va pasando a los protagonistas, pues siempre ha tenido muy buena mano retratando el carácter de éstos.
El film se dispone como un ¨thriller¨ policíaco clásico pero sin los elementos del mismo, dejando la acción, la intriga y la violencia gratuita, máximas del género en la década de los 70 (y es algo que atestiguan ¨Harry, ¨el Sucio¨ ¨, ¨The French Connection¨ o ¨América Violenta¨), más apartados en favor del drama y el suspense. Lo que realmente toma importancia es la visión del director con respecto al cinismo e hipocresía que reinan dentro de las fuerzas policiales y ese dilema al que debe enfrentarse el personaje de Serpico, un hombre asqueado por la corrupción, acorralado, viviendo en peligro constante y a merced de las burlas y amenazas de sus propios compañeros del departamento, pero sin mostrar signos de debilidad y defendiendo hasta el final sus principios y convicciones.
Al Pacino vuelve a brindarnos una versátil y magistral interpretación, una de las más memorables de su carrera, en la piel de Frank Serpico, lo que le valió un Globo de Oro. Todas las miradas y elogios recaen sobre este gigante, pero también hay que recordar a unos solventes Tony Roberts, John Randolph, Biff McGuire, Jack Kehoe, M. Emmet Walsh y esa sorprendente Barbara Eda-Young.
Emocionante, cruda y absorbente. Quizá no tan mítica como la siguiente colaboración que se daría entre Lumet y Pacino, ¨Tarde de Perros¨ (más que nada porque el anticlímax de ésta no puede compararse al gran final de aquella), pero fácilmente está llamada a ser uno de los más brillantes ¨thrillers¨ de los 70.
La película gustara mas o menos pero esto es cine de calidad,a mi me ha gustado todo,desde la parte mas familiar del protagonista hasta la parte mas técnica y aterrizaje.
Un buen recorrido de todas las dificultades del proceso hasta llegar al objetivo y con unos ultimos cuarenta minutos son un espectáculo,dignos de cualquiera de los grandes directores,todo con el tono justo y preciso que necesitaba la historia.
Otra gran obra de este director y otro gran trabajo de Ryan Gosling que hay gente que le acusa de ¨cara palo¨ pero para mi de los mejores actores que hay en circulación y que se amolda perfectamente a cada personaje que interpreta.
Un dirigible se aproxima hacia el inmenso estadio de Miami. Más de 80.000 personas se encontrarán allí disfrutando de la Super Bowl. Sucederá una catástrofe de dimensiones colosales si alguien no detiene a los terroristas.
Buenas bases para construir un electrizante ¨thriller¨ de intriga y acción como ¨Domingo Negro¨, sin duda uno de los más brillantes realizados en la década de los 70.
Los fatídicos acontecimientos en las Olimpiadas de Munich de 1.972 crearon un clima de concienciación en todos los medios, tanto en la realidad como en la ficción, a la vez que de inspiración. Aquella era la época de las novelas y las películas sobre conflictos internacionales, conspiraciones políticas y, sobre todo, brutales ataques terroristas; el señor Thomas Harris, autor y creador de la saga del famoso psicópata Hannibal Lecter, fue uno de los que se inspiraron por aquel entonces en los sucesos acaecidos en Munich, lo cual dejó patente en su primera novela, ¨Black Sunday¨.
Al contrario de sus expectativas, la obra fue un éxito moderado, pero suficiente para que el productor Robert Evans, que había obtenido buenas cifras gracias a ¨Marathon Man¨ y ¨Chinatown¨, se interesara por ella y lograra los derechos para la Paramount. Aunque la realizada por Friedkin fuese insuperable, la buena acogida de la secuela de ¨French Connection¨ garantizó a John Frankenheimer el puesto de director en la adaptación de la novela de Harris, de la que se encargaron, entre otros, Kenneth Ross, quien había escrito el guión de ¨Chacal¨ poco antes (¨thriller¨ de connotaciones políticas y terroristas cuya influencia está muy presente en el que nos ocupa).
Ésta se inicia con el cuidadoso plan que tiene el grupo terrorista palestino Septiembre Negro, en el que una miembro, Dahlia Iyad, desea asesinar a miles de inocentes como venganza contra los americanos a causa de las injusticias hacia a su pueblo y la estrecha relación que mantienen con Israel. El propósito será hacer explotar un dirigible sobre el estadio de Miami en mitad del gran acontecimiento de la Super Bowl, al cual asistirán miles de personas e incluso el presidente de la nación.
Para ello Dahlia se servirá de Michael, un piloto desequilibrado por los años que pasó de prisionero en Vietnam y que también desea vengarse por cómo fue tratado a su regreso por sus compatriotas. Ese es el panorama: 600 kilos de explosivos junto con dardos de acero que se usarán para matar a mucha gente, sin embargo el F.B.I. y el Servicio de Inteligencia de Israel harán todo lo que esté en sus manos para evitar el inminente desastre; de esta misión se encargará el mayor David Kabakov, un implacable agente israelita empeñado en cazar a los terroristas.
La clave de este gran ¨thriller¨ está en lograr que el espectador se ponga en tensión durante sus últimos 34 minutos de metraje, justo cuando el dirigible se pone en marcha rumbo al estadio; porque el director nos hace esperar, y cuanto más esperamos más nerviosos nos sentimos, y vemos que el monstruo flotante ese se acerca y nos preguntamos ¨¿pero cuándo va a ocurrir?¨, ¨¿qué pasará?¨, ¨¿explotará de una vez?¨, y en eso el señor John Frankenheimer se las pinta solo. El director maneja con oficio, nervio y ese particular talento que le caracteriza una compleja trama llena de suspense y sorpresas, tan intrigante como excitante y, aunque por momento resulte tan increíble como un film de James Bond, sin perder un ápice de inteligencia y precisión.
Y qué mejor que el responsable de ¨Siete Días de Mayo¨ y ¨El Mensajero del Miedo¨ para ocuparse de la adaptación de la novela, pues es bien sabido lo ducho que está en retratar contextos sociales y políticos del momento en sus obras; además de esto y de las tremendamente bien filmadas secuencias de acción que garantiza ¨Domingo Negro¨, el director vuelve a enfocarse en sus personajes, ahondando en el pasado, emociones y psicología de éstos, desarrollando así unas dramáticas y muy interesantes subtramas que en manos de otro habrían sido reducidas o, sencillamente, obviadas.
El gran Robert Shaw hace del clásico agente de película de los 70, duro y de pocas palabras, cosa que se le da a las mil maravillas, aunque está sin duda eclipsado por un soberbio Bruce Dern que sorprende en su papel de ex-soldado torturado por su pasado y sediento de venganza contra su pueblo; ellos son las estrellas absolutas, por mucho que se pretenda Marthe Keller, quien resulta la mar de odiosa y pesada (no me cayó tan mal en ¨Marathon Man¨). Este trío protagonista es seguido de unos solventes Fritz Weaver, Bekim Fehmiu y Steven Keats.
Si no gozó de mayor éxito fue por la mala acogida de ¨Pánico en el Estadio¨, estrenada poco antes y que explotaba una temática parecida a la de ¨Domingo Negro¨. De todos modos ésta se queda como un musculoso y emocionante ¨thriller¨ cuyos efectos especiales, gran banda sonora de Williams, trabajo de Tom Rolf a la edición y dos memorables momentos (la cacería de Fasil por Miami y el espectacular final), terminan por redondear una de las obras maestras de Frankenheimer.
Una curiosidad para los cinéfilos: dos secuencias de la película aparecen de prácticamente igual manera en ¨Kill Bill (Vol. I)¨ y ¨Los Odiosos Ocho¨. Tarantino, como de costumbre, pillando cacho de todas partes.
Vuelve el analista más sagaz, inteligente y, ¿por qué no decirlo?, famoso de la C.I.A., John Patrick Ryan. Y esta vez vuelve más duro que nunca.
No para proteger a su país de terroristas ni detener un golpe de Estado, sino para salvar la vida de su propia familia, y pasando por encima de quien sea para lograrlo.
Estaban Frank Mancuso, presidente de la Paramount allá por los 90, y el productor Mace Neufeld, quienes disfrutaban de la buena acogida que tuvo ¨La Caza del Octubre Rojo¨, sopesando la idea de proseguir con las aventuras del personaje de Tom Clancy; fue este último quien tuvo la brillante idea de realizar las adaptaciones cinematográficas de dos de las novelas del autor sobre la serie, ¨Patriot Games¨ y ¨Clear and Present Danger¨. Tras adquirir los derechos cayó la primera, que se centraba mucho más en Jack Ryan, lo cual era la principal intención de Neufeld: ahondar en el analista y en su vida personal haciendo de él un personaje más humano.
Volverían a contar con Alec Baldwin para encarnar al protagonista y mientras tanto se trajeron a Phillip Noyce (quizás el director australiano que más se acomodó en el Hollywood de los 90 después de Roger Donaldson), lo que significaría su salto definitivo en la industria americana. Sin embargo, Baldwin se marchó en el último momento, lo que puso en un aprieto a los productores; por suerte, Harrison Ford aceptó el papel tras quedar encantado con el guión...aunque fuera veinte años mayor que la primera versión que se hizo del personaje.
Después de muchos años de servicio, Jack Ryan vive retirado de la C.I.A. llevando una apacible vida junto a su esposa Catherine y su hija Sally; no obstante, si se cree que sus días de acción han terminado está muy equivocado, ya que justo en mitad de las vacaciones que se estaba tomando en Londres con su familia, varios miembros de un grupo terrorista clandestino de origen irlandés cometen un atentado contra el secretario de Estado William Holmes. Jack, sin pensar mucho en las consecuencias, le echa valor y logra detener el ataque, asesinando al hermano menor de uno de los terroristas, Sean Miller.
Ryan y su familia regresan a EE.UU. mientras los medios acusan al I.R.A. del atentado y Miller está en prisión comido por los deseos de venganza; poco después, el grupo terrorista irlandés al que pertenece, le libera y empieza a prepararse para un próximo ataque...pero a él lo que le importa no es asesinar a ningún político, sino cazar al hombre que mató a su hermano. De este modo, Ryan deberá afrontar la misión más peligrosa de toda su vida, una en la que no puede haber fallos: proteger a su mujer y su hija.
Como pretendían los productores, ¨Juego de Patriotas¨ lo que hace es profundizar en el personaje de Jack, ya retirado llevando una vida tranquila, aunque convirtiéndolo no en un cerebral analista de oficina encargado de resolver una misión gracias a su perspicacia, que era mayormente como quedaba representado en ¨La Caza del Octubre Rojo¨, sino en un hombre más activo (curioso, porque en esta película es más mayor que en la anterior), preparado para ser un héroe de acción, y no porque sus jefes se lo ordenen o porque él quiera, sino porque ha de evitar que asesinen a las dos personas a las que más quiere, sacando a relucir, de esta forma, su cara más humana y vulnerable.
Es lo que diferencia a esta adaptación de Clancy de la que dirigió McTiernan: mientras que aquella era un ¨techno-thriller¨ de espías de aires clásicos, ¨Juego de Patriotas¨ deja las connotaciones políticas un tanto relegadas, aunque parezca que no, en detrimento de la acción más intensa y un drama e intriga más cercanos, más familiares, dejando el sr. Noyce bien patente que puede manejar la absorbente trama con pulso y nervio, la cual, a todos los efectos, no pasa de la clásica y manida historia de venganza que llevamos viendo desde tiempos inmemoriales (-¿Qué has matado a mi hermano?, ¡pues yo voy a matar a tu mujer! -¿Qué tú a quién vas a matar?, ¡espera que te pille, cabrón!).
Harrison Ford le da otro enfoque y maravillosos matices a Jack Ryan, no teniendo nada que ver con cómo lo encarnó Alec Baldwin; aunque el hombre hace un personaje que ya le hemos visto hacer cien veces hay que reconocer una cosa: el mejor Ryan es el que Ford ha interpretado, y aquí lo interpreta de miedo. En el otro extremo, Sean Bean lo borda como el malo que sólo quiere venganza, mientras que Anne Archer y Thora Birch brindan unas muy creíbles y emotivas actuaciones; repite James Earl Jones en el mismo papel, sobrio como él solo, seguido del veterano Richard Harris y de un gran Sam Jackson previo al estrellato que le daría ¨Pulp Fiction¨.
Más del triple de su presupuesto recaudado en taquilla dejó a ¨Juego de Patriotas¨ como uno de los films más exitosos de 1.992. A quien no gustó pero nada fue a Tom Clancy, que quedó frustrado por el final tan precipitado e increíble que inventaron los productores para la historia, el cual difería horrores del que tenía el texto original.
¨Hace tiempo conocí yo a una persona, Miguel...nos hicimos amigos, fíjate tú. Pasamos por lo bueno y por lo no tan bueno […] era la única persona en la que yo podía confiar. Vamos, que le admiraba […] bueno, pues ahora me parece que todo eso fue hace cien años […] y tú no eras el hijo de la gran puta que eres ahora mismo...¨.
Y es que, cuando el dinero se mete de por medio, pese a los obvios beneficios que produce, termina con todo, la amistad, la piedad, el respeto y, sobre todo, la dignidad, transformando a las personas en animes salvajes.
¨Los Lobos de Washington¨, desgraciadamente no conocida por muchos, pasa por ser una de mis películas españolas favoritas. Siendo el ¨thriller¨ uno de los géneros que más me apasionan tengo que reconocer que, pese a no contar una historia nada original, la obra de Mariano Barroso logra engancharme de principio a fin, y más con cada visionado...una obra que destila esencia de cine negro clásico por los cuatro costados.
Esta es la tercera del director, quien poco a poco (y tras llevarse un Goya por su debut) fue haciéndose un nombre dentro de nuestra industria, sobre todo gracias a su segundo trabajo, ¨Éxtasis¨, con el que logró pasar con éxito por varios festivales internacionales llevándose el aplauso del público y la crítica. El guión de Juan Cavestany fascinó al director, quien decidió al instante adaptar a la gran pantalla, y que acabó llegando a las manos de Javier Bardem, que hacía las veces de productor ejecutivo del film; de este modo, Barroso volvería a contar con él para el papel protagonista.
En un mundo frío, gris, y donde no para de llover, Miguel y Alberto son dos amigos y socios que llevan un montón de años metidos en empresas bastante turbias, siempre a las órdenes de Claudio, un despiadado individuo que no está pasando por su mejor momento, ya que sospecha que su mujer Elena le está siendo infiel. Este último acaba engatusado por Miguel para tomar parte en un lucrativo negocio de venta de coches...un negocio que no pinta nada bien en el que también participarán Alberto y Pablo, un chico bastante lento de entendimiento.
Claudio suelta 20 millones de pesetas, como estaba previsto, pero Miguel le pega un giro a los acontecimientos llevándose el dinero y dejando tirados a sus compañeros; al final los años de amistad y colaboración que han pasado no significarán un carajo, lo único que importa, sobre todo, es recuperar el dinero. Para colmo de males, se mete en el tema Antonio, el amante de Elena, con la intención de robar el dinero al marido de ésta, mientras que la ex-mujer de Alberto es ingresada en un hospital por un accidente de tráfico en el que Miguel parece tener algo que ver.
Tal y como señala el director, la clave de ¨Los Lobos de Washington¨ no se halla en el argumento, y es cierto, porque ya nos lo conocemos y no es que sea precisamente muy original (los gangsters de pacotilla que quieren robar un dinero al jefe, entonces éste coge y va a vengarse de ellos), lo importante es ver cómo los personajes se desenvuelven y van evolucionando. El guión de Cavestany profundiza con melancolía en la debilidad de unos hombres que tienen que hacerse pasar por tipos duros para sobrevivir en un ambiente de marcado desencanto social, duros pero arrastrando una pesadumbre infinita; que Miguel robe el dinero ya es la gota que colma el vaso, lo que les acaba convirtiendo en bestias dispuestas a matarse para llevarse el botín.
Los sentimientos y las jerarquías (pues se comportan como en una manada) quedan sepultadas por el afán de lucro, y en tanto en cuanto la historia, repleta de violencia, drama y un humor negro de lo más amargo, se desarrolla a través de giros bien planteados, el cinismo, la hipocresía, el miedo y el odio se van acrecentando. Por estos aspectos y elementos se aprecia la influencia de directores como Peckinpah, Schlesinger y los Coen de ¨Sangre, Fácil¨ y ¨Fargo¨ en la obra de Barroso, la cual tampoco desentonaría entre las novelas de Westlake o en la filmografía de alguien como Siegel (aunque la portada me recuerda a la de ¨Gonin¨, de Ishii, con la que también guarda algún que otro parecido).
El plantel es la gran baza del film. Mira que Javier Bardem nunca me ha hecho ni puta gracia (buf, desde que lo vi por primera vez en ¨Huevos de Oro¨...), pero reconozco que aquí está impresionante el tío, al igual que Pep Cortés, el cabrón de Eduard Fernández, ese monstruo que es José Sancho y el tonto de Alberto San Juan, que añade una nota cómica a la cosa; Ernesto Alterio también brinda una memorable actuación, seguido de unas correctas Vicenta Ndongo, Alicia Cifredo y María Pujalte.
Dirigida por Barroso con nervio, crudeza y un interesante aire de clasicismo, destacando la banda sonora de Bingen Mendizábal y el buen trabajo de fotografía de Néstor Calvo, ingredientes que convierten a ¨Los Lobos de Washington¨ en uno de los ¨thrillers¨ españoles más poderosos de la década de los 90...cosa de la que todavía algunos mentecatos no se han dado cuenta, qué le vamos a hacer.
50 millones de yenes. Cuatro ladrones. Un atraco perfecto. Un traidor. Un solo motivo para matar o morir...
Kinji Fukasaku vuelve por sus fueros al cine de gangsters, al de traiciones, al de tipos duros, al de balas, sangre y huesos rotos. A su cine de siempre, al fin y al cabo, y con una de sus películas más frenéticas y divertidas.
Kanzaki, Imura y Shiba son tres amigos que han perpetrado lucrativos robos con más narices que nadie, a veces incluso a plena luz del día; la policía no ha logrado atraparles pero todos los periódicos hablan de ellos...son, como se suele decir, unos putos profesionales. Tras un año sin verse llevando una vida ociosa y más o menos apacible, Shiba reúne a la banda para hablarles de un gran golpe que un energúmeno llamado Kadomachi ha planeado ya que necesita dinero para poder abrir una discoteca en la ciudad.
Los tres antiguos compañeros se alían con el chaval en un atraco muy sencillo: asaltar un coche donde se halla la recaudación de un hotel que alcanza la friolera de 200 millones de yenes, pero cuando descubren, para su desgracia, que la cantidad sustraída sólo es de 50 millones, a Kadomachi se le cruzan los cables y decide quedarse con todo el dinero, asesinando a los demás. Éste, que estaba compinchado con la joven y muy pintoresca novia de Shiba, Mai, cree que la jugada le ha salido redonda...y ambos la joden pero bien al pensar eso, pues se dejan un cabo suelto, Kanzaki, quien les perseguirá sin descanso con dos fines: recuperar el dinero y vengar a sus amigos.
El mismo año en que un joven americano reventaba el panorama del cine independiente con ¨Reservoir Dogs¨, un Kinji Fukasaku de 61 años regresaba al género de gangsters, yakuzas y atracadores que había dejado colgado allá por 1.977 con una película cuya premisa no era muy distinta del debut de Quentin Tarantino. Aquellos que conozcan bien el nombre de Fukasaku, y esto no va para los que creen que sólo ha dirigido ¨Tora! Tora! Tora!¨ y ¨Battle Royale¨, conocerán también la clase de películas con las que se encumbró; su inclinación por el cine negro y el empuje que le dio a los films de yakuzas a comienzos de los 70 con sus míticas ¨Batallas sin Honor ni Humanidad¨, terminó por convertirle en un maestro del género.
Sus aventuras de mafiosos, tan directas, ultraviolentas y realistas, pasaron a ser toda una influencia para muchos cineastas, tanto de dentro como de fuera del país, pero el sr. Fukasaku, que ya gozaba de una longeva y consagrada carrera, optó por inmiscuirse en nuevos géneros y estilos tras su última película de gangsters, ¨Doberman Cop¨. Catorce años más tarde, y viendo cómo había evolucionado el cine de acción (sobre todo en la industria hongkonesa), decidió volver a sus películas de antaño encargándose del guión de Shoichi Maruyama con producción de la gran Shochiku.
¨Itsuka giragira Suru Hi¨, o ¨Triple Cross¨, no nos presenta una historia original, de hecho les recordará por sus similitudes (argumentalmente hablando) al clásico de John Boorman ¨A Quemarropa¨, basado en la novela de Westlake. Este film de Fukasaku no es más que un tributo al cine de atracadores y mafiosos de toda la vida, con un aire moderno y estilizado cargado de intriga, cinismo, giros de trama bastante previsibles, unos personajes podridos hasta el tuétano (no se salva ni el apuntador) y esos valores tan particulares del mundo de los yakuza que tan bien nos conocemos, tomando de referencia el estilo frenético y el ritmo de videoclip imperante en la década heredado del que practicaba John Woo.
Pero a la vez que se recupera la esencia clásica de la ¨crook story¨, Fukasaku se inclina hacia lo esperpéntico, lo excesivo y hacia un tono marcadamente cómico con el que parodia de manera muy desenfadada el mismo cine que en su día le hizo famoso (la figura del duro y leal yakuza que había adornado sus obras en los 70 aparece aquí ridiculizada sin compasión). La trama avanza poco a poco entre enfrentamientos, amenazas, deseos de venganza, romance y codicia hasta que llega la media hora final, una sucesión de mareantes secuencias de acción donde tenemos explosiones, tiros, persecuciones, sangre y peleas por doquier, garantizando una sesión intensiva de entretenimiento que no defraudará a los fans del género.
Kenichi Hagiwara se muestra como una mezcla letal entre Lee Marvin y Tetsuya Watari, compartiendo protagonismo junto a la guapa Yumi Takigawa, los veteranos Renji Ishibashi y Sonny Chiba, otra vez en colaboración con el director, y los más jóvenes Kazuya Kimura y Keiko Oginome, ambos en unos papeles detestables a más no poder. En una pequeña aparición tenemos al gran Rikiya Yasuoka, al que algunos recordarán por sus intervenciones en ¨Black Rain¨ y en la disparatada ¨Osaka Tough Guys¨, de Takashi Miike.
En fin, un divertidísimo producto de evasión lleno de suspense, violencia, humor negro, sexo, acción de ritmo taquicárdico y ¨rock¨ a todo volumen que demostró que, a pesar de la edad, Kinji Fukasaku no sólo se mantenía en plena forma, sino que podía competir perfectamente con directores más jóvenes que practicaban el mismo tipo de cine.
Cincuenta Sombras Mas Oscuras se estreno en el año 2017. Esta dirigida por James Foley y protagonizada por Jamie Dorman, Dakota Johnson y Kim Basinger.
Cuando Christian Grey, que se siente herido, intenta convencer a Anastasia Steele de que vuelva a formar parte de su vida, ella le exige un nuevo acuerdo antes de aceptar. Pero cuando la pareja empieza a ser más confiada y a tener una cierta estabilidad, aparecen mujeres del pasado de Christian decididas a frenar en seco sus esperanzas de un futuro juntos... Secuela de ¨50 sombras de Grey¨, en la que Grey sigue explorando sus demonios interiores y la joven Anastasia confronta sus sentimientos y confusión sobre su relación con el atractivo millonario, un tipo misterioso lleno de secretos.
Secuela de 50 Sombras De Grey, una de las peliculas mas horribles que han tenido el privilegio de ser estrenadas en los cines de todo el mundo pero lo peor de todo es que todas obtuvieron buenos números en taquilla, eso si que es una verdadera vergüenza y no puedo creer que haya gente tan mal de la cabeza que pague por ver estas porquerías en el cine, yo no suelo criticar a la gente por sus gustos con las peliculas pero es que con 50 Sombras De Grey y con 50 Sombras Mas Oscuras no lo puedo pasar por alto y no como se vaya a sonar con esto pero esta clase de peliculas dizque eróticas es la clase de cine porno que puedes ver en casa tranquilamente con tu madre.
Ahora, sinceramente no tengo nada bueno para decir sobre esta pelicula si es que se le puede llamar asi a este pedazo de bazofia ya que no tiene argumento que valga la pena, lo mismo pasa con la primera entrega, estas peliculas no tienen argumento porque lo unico que vemos es a una mujer masoquista que le encanta ser maltratada en el acto por el chico millonario, el tal Christian Grey, vale que en la relación sexual con la pareja uno puede hacer lo que se le venga en gana siempre y cuando ambos se pongan de acuerdo y experimenten cosas nuevas pero la pendeja de Anastasia al principio dice que no le gusta la forma en como Christian le hace el amor y no han pasado ni cinco minutos cuando vuelve a caer en su cama.
Las actuaciones son penosas, tanto la de Jamie Dorman como la de Dakota Johnson, y es que yo no le veo nada destacable a estos personajes ya que son muy sosos y al igual que en la primera entrega Jamie solo esta para lucir su buen físico y Dakota solo esta para mostrar el culo y sus hermosos senos. A esto le añadimos la participación de Kim Basinger, una actriz que a mi no es que me llame mucho la atención y solo puedo decir que esta mucho peor que la pareja protagonista.
No hay nada mas para decir de esta pelicula, es una verdadera mierda y al igual que la primera para mi estan en el listado de las peores peliculas de la historia del cine, las escenas de sexo son mediocres y muy absurdas, vale que en vez de ver esta aburridisima pelicula erótica de mas de dos horas de duración prefiero ver un vídeo porno por Internet.
En definitiva Cincuenta Sombras Mas Oscuras me ha parecido una pelicula horrorosa, esta al mismo nivel de la primera y pues yo no me quiero imaginar como sera la tercera y la pienso ver solo para saber como concluirá toda esta historia tan patética y mediocre.
Lukas es una pelicula de accion y drama que se estreno en el año 2018. Esta dirigida por Julien Leclercq y esta protagonizada por Jean Claude Van Damme.
Lukas es portero en un club nocturno de unos cincuenta años que ha recibido golpes, literal y figurativamente, y lucha por criar a su hija de ocho años. Un día, Lukas pierde el control durante un altercado con un cliente y termina en la cárcel, mientras que su hija queda bajo el cuidado de los servicios sociales. Pero las cosas toman un giro inesperado cuando la Interpol recluta a Lukas para acabar con un cabecilla holandés que opera desde Bélgica a cambio de la custodia de su hija.
Lukas, tambien conocida como The Bouncer, es la ultima pelicula que ha estrenado el Belga Jean Claude Van Damme, es una pelicula francesa que en lo personal le tenia muchas ganas y al verla pues me ha parecido muy decepcionante, no me esperaba encontrar un film de accion con grandes peleas, explosiones y cantidad de tiroteos porque lastimosamente esa etapa se termino en lo noventa y ahora toca conformarnos con peliculas de serie B, me esperaba encontrar una pelicula por lo menos decente, entretenida o algo similar a JCVD, que se supone que es la mejor pelicula de Van Damme. Lukas ha sido una pelicula mas del montón, aburrida, nunca llega a generar interés pero lo unico bueno que tiene Lukas es que Van Damme demuestra una vez mas que es un buen actor pesele a quien le pese.
Ahora, la pelicula no tiene nada que destacar salvo la buena actuación de Van Damme, del resto poco que decir, el Belga interpreta a un tipo llamado Lukas, un portero de discoteca que lo unico que dia a dia tiene que estar al cuidado de su hija de 8 años, el rollo es que después de una serie de problemas Lukas sera enviado a prisión pero la Interpol lo recluta para derribar a un cabecilla de una banda holandesa que opera en Bruselas, vale que el argumento no es nada del otro mundo pero daba para ser una pelicula mas que entretenida y lastimosamente no ha sido asi.
Las actuaciones estan correctas, Van Damme es la estrella del film y asume el papel de protagonista con 8 cojones, pues es lo unico verdaderamente bueno que tiene Lukas. La accion es muy pobre, hay pocas peleas y un par de tiroteos pero no logran levantar a la pelicula del aburrimiento, puede que para algunos sea el resurgir de Van Damme pero a mi me ha parecido una pelicula mas del montón y muy olvidable.
En definitiva Lukas me ha parecido una pelicula flojisima, es una pelicula que mezcla la accion, el thriller y el drama pero en ninguno de esos tres géneros aprueba. Es una pelicula recomendable para aquellas personas que busquen algo diferente en la filmografia de Van Damme
No soporta las injusticias, los insultos ni a aquellos que abusan del poder, y si alguien le ofende o le traiciona que antes o después espere su venganza; tampoco ha matado a quien no se lo mereciera y sus iglesias han sido las montañas y las praderas.
Fue defensor de la ley, ahora un legendario pistolero...y esta será la última vez que dispare sus balas.
Su nombre es John Bernard Books, y, sí, se convirtió por méritos propios en el más famoso pistolero del salvaje Oeste, aunque su reputación de asesino despiadado también prevaleció. Él es un hombre de los que ya no quedan, fuerte, valiente, justo y muy tozudo, sin embargo los años no pasan en balde y la senectud le ha alcanzado dejándole sólo el recuerdo de lo que una vez fue, pero todavía ha de cumplir una última misión, vengarse de tres tiparracos que le hicieron buenas faenas en el pasado.
Uno mató a su hermano, otro le entregó a los indios apaches, y el último le disparó por la espalda. Tres hombres que según Books tienen los días contados, aunque todos crean que es un carcamal, aunque no tenga las mismas fuerzas que antaño y aunque esté atacado por un cáncer terminal que le han diagnosticado. Por su orgullo y por su nombre él está dispuesto a liquidar unas cuentas pendientes, y vaya si lo hará.
A mitad de los 70 pocos se atrevían a confiar en un género tan moribundo como el ¨western¨, el cual ya había alcanzado su fase crepuscular, pero hubo quienes que le dedicaron muestras de afecto, aparte de los italianos y sus más mediterráneas y desmitificadoras versiones. Siguiendo una corriente donde se daba la completa separación con los códigos más clásicos teníamos a Eastwood, quien brindó grandes trabajos como ¨Infierno de Cobardes¨ o ¨El Fuera de la Ley¨, Peckinpah, convertido en apóstol del Oeste crepuscular gracias a ¨La Balada de Cable Hogue¨ o ¨Pat Garrett y Billy, ¨el Niño¨ ¨, y otros como Monte Hellman o John Huston.
Sí, el Oeste ya no era lo que fue, sin embargo alguien estaría dispuesto a recordárnoslo, y ese iba a ser John Wayne. Porque, ¿acaso había alguien más grande que Wayne dentro del ¨western¨?...la respuesta, por si había alguno dudando, es que no. Y el hombre iba a volver, casualmente, cuando al productor M.J. Frankovich se le ocurrió adquirir los derechos de la novela de Glendon Swarthout, ¨The Shootist¨; Wayne, que por aquel entonces tenía 69 años, se empeñó en hacer ese papel a pesar de sus evidentes problemas de salud, sobre todo porque el argumento era semejante al del film ¨El Pistolero¨, de Henry King, cuyo papel, que fue a parar a manos de Gregory Peck, rechazó en su momento.
¨El Último Pistolero¨ se convertiría, así, en el film testamentario de ¨El Duque¨, y desde luego no podría revelarse más premonitorio, porque recordemos que a Books la muerte le amenaza en forma de cáncer, la misma enfermedad que acabaría tristemente con Wayne tres años después...pero ya podía estar muy anciano o en estado terminal, que su energía de toro bravo y su inteligencia de viejo zorro no se la quitaba nadie. Esa era la intención, más que otra cosa, de una película que no ofrecía nada nuevo y que se dedicaba a repetir añejos esquemas y valores del género: inmortalizar la excelsa figura del protagonista, de lo cual se encargan esas secuencias en blanco y negro que aparecen al principio, tomadas de anteriores películas donde podemos ver a un joven Wayne repartiendo justicia como mejor sabía, tirando de revólver y frases lapidarias.
Siegel, otro veterano consagrado del mundillo, nos presenta, con su particular, cínico y mordaz estilo, aunque rodando de un modo plano y clásico (salvo en un par de escenas que se notan que son suyas), un Oeste como el de ¨Duelo en la Alta Sierra¨, dominado por el progreso, con coches que atraviesan las calles mientras la gente no deja de hablar de adelantos y los jóvenes toman el relevo de las viejas generaciones. John Wayne y el ¨western¨ se encontraban así por aquel entonces, aunque con el personaje de Books tuvo la oportunidad de encarnar, por última vez, al estereotipo de hombre duro, noble y justo que tanta fama y gloria le dio en décadas pasadas, sin las ambigüedades y extrañezas de los personajes que hacía Eastwood.
Nuestro querido ¨Duque¨ sigue al pie del cañón pese a interpretar a un melancólico personaje abatido por el peso de los años, un personaje que le viene como anillo al dedo; además gozó del privilegio de cambiar la historia a su antojo (a ver quién se lo discutía), pues la novela toma derroteros diferentes. El caso más llamativo fue el cambio en el final (en el libro, Books disparaba a Pulford por la espalda, luego siendo abatido por Gillom, pero Wayne tenía muy claro que nunca había disparado a la espalda contra nadie, y no lo iba a hacer ahora, claro). Bien acompañado está el hombre de otras leyendas del cine como son Lauren Bacall y James Stewart, quien ya fue compañero de Wayne.
Otros grandes del negocio como John Carradine, Scatman Crothers, Bill McKinney o Richard Boone redondean el reparto, donde tenemos a un jovencillo Ron Howard antes de pasar a ser director, pero está claro que todos descansan a la sombra de Wayne.
Está claro que ¨El Último Pistolero¨, donde lo que más destaca es el duelo final en el bar, no es una joya del ¨western¨, aun estando realizada con el oficio de Siegel, es sobre todo una despedida, el adiós de ese centauro del desierto llamado Marion Robert Morrison que estuvo medio siglo dedicado al mundo del cine bajo el sobrenombre de John Wayne. El historiador Frank Thompson afirmaba que aquél había ejemplificado al héroe tradicional, siendo ¨el solitario que llega, cambia las cosas, corrige los errores, aprende cosas, enseña otras y se va¨.
Recordémosle, pues, no como el icónico astro del género abatido, privado de sus míticos abalorios y diluyéndose como el polvo al igual que el propio cine que le convirtió en estrella, sino como lo que fue: un héroe.
En 1.992, el director, que iba camino de convertirse en los más grandes cineastas de su generación, logró insuflar vida con ¨Sin Perdón¨ a uno de los géneros más olvidados del celuloide, el ¨western¨, género con el que él mismo empezó a convertirse en estrella; el caso es que la película, la cual hoy permanece como una de las joyas del cine del Oeste, fue un bombazo, llevándose el aplauso tanto de público como de crítica y siendo galardonada en los Oscar.
Después de eso decidió tomarse un descanso y ponerse a las órdenes del teutón Wolfgang Petersen en otro gran ¨thriller¨ que resultó un éxito de taquilla, ¨En la Línea de Fuego¨; fue entonces, en mitad de aquel proyecto, cuando le llegó el guión de John Lee Hancock, un guión que le fascinó y donde vio la oportunidad de poder dirigir tranquilamente sin tener que actuar. Aunque al final Kevin Costner, cuya carrera estaba cada vez más en alza en aquel momento (y es que aún no le había dado al hombre por las aventuras de corte post-apocalíptico...), sugirió que Eastwood quedaría de miedo haciendo del ranger Garnett.
Este viaje a través de las carreteras solitarias del Estado de Texas se inicia en 1.963, cuando Robert Haynes y Terry Pugh consiguen fugarse hábilmente de la prisión de Huntsville; el plan es que cada uno se vaya por su lado, pero esa huida se complica inesperadamente cuando Pugh asalta el hogar de una devota de Jehová, obligando a Robert a llevarse al hijo de ocho años de ésta, Philip, como rehén para poder escapar. El encargado de detenerlos será el rudo ranger Red Garnett, quien ya cruzó sus caminos con Haynes tiempo atrás, junto a la atractiva y sagaz criminóloga Sally Gerber y un agente del F.B.I. no demasiado simpático.
Tras tener que librarse de Pugh, el compañero de éste y el pequeño Philip prosiguen la marcha, y en el camino estrecharán lazos hasta nacer entre ellos lo más parecido a una gran amistad, ya que los dos tampoco son tan diferentes, como cree Robert. Justos emprenderán no sólo una huida al margen de la ley, sino una peripecia de descubrimiento vital con una idea muy clara en mente: experimentar esa sensación de libertad que ambos desean con tanto anhelo, a pesar de lo despiadado y cínico del mundo en el que viven.
Tirando de una premisa la mar de sencilla y bastante similar a la de otros dramas dirigidos por él, como ¨Bronco Billy¨ o ¨El Aventurero de Medianoche¨, las cuales presentaban a personajes que, a través de un viaje, van descubriéndose a sí mismos y alcanzando una especie de redención, Clint Eastwood vuelve a demostrar que en los terrenos del drama se mueve como pez en el agua. Humana e intimista, ¨Un Mundo Perfecto¨ empieza casi como un ¨thriller¨ policíaco y sigue como tal hasta que vemos que lo importante no es la cacería del ranger y los suyos, sino la relación que se establece entre el secuestrador y el rehén, una relación basada, pese al trágico hecho, en una profunda comprensión y confidencialidad que estos dos seres humanos nunca encontraron en sus respectivas vidas.
Quizás el largo metraje provoca que el ritmo descienda en ocasiones, volviéndose irregular cuando se dan esos breves momentos dentro de la caravana (aunque luego sabemos que algo de importancia tienen), no obstante el film coge la suficiente fuerza en los últimos 38 minutos para que suspiremos aliviados, porque el viaje ha merecido, efectivamente, la pena. 38 minutos magistrales que empiezan en la casa de Mack cuando el lado oscuro de Haynes se libera, tornándose la atmósfera lo más tenebrosa posible; un giro, desde luego, impecable y, a todos los efectos, necesario.
El sr. Costner vuelve a interpretar al tipo de personaje que tanto le gusta: a pesar de ser un criminal y un asesino, acaba cayéndonos en gracia y sabemos que le vamos a echar de menos cuando se vaya; hay que decir que aquí el buen hombre logra una de sus mejores actuaciones. Le sigue el pequeño T.J. Lowther, buenísimo en su debut cinematográfico, una correcta Laura Dern que no abandona sus papeles de mujer fuerte y un Eastwood impagable repitiendo por enésima vez su papel de tipo duro respetuoso con la ley.
Emocionante y siniestra ¨road movie¨, violenta y divertida, desgarradora y llena de esperanza y con un final inolvidable. No estará entre mis favoritas del director, pero por méritos propios merece figurar entre sus más logrados trabajos.
[Esta crítica está adaptada al subgénero de luchadores y por tanto la valoración de circunscribe a dicho subgénero, no al cine en general]
Santo retorna a los Estudios América y a los Cardona (René Cardona y René Cardona Jr.), entrando por su parte en dos mundos nuevos para él: uno, el de los clones de Bond, y dos, y más importante, en el del cine en color, que ya no abandonaría salvo por una excepción puntual.
Así, él y el musculitos y leyenda viva de la psicotronia mexicana y los westerns yanquis de finales de los 60 Jorge Rivero (que había interpretado a un “clónico” de Santo: El Enmascarado de Oro) son agentes secretos en misión para salvar el mundo. La parte femenina viene de la californiana Elizabeth Campbell, que interpretaba a Golden Ruby en la saga de Las Luchadoras.
La película está escrita como casi siempre por García Travesí, y es la primera de la saga que se conserva íntegra con los desnudos femeninos que en otras entregas o se añadieron a posteriori o se eliminaron para darles un tono familiar (parece paradójico, pero en el mercado del cine sesentero la cosa funcionaba así en todo el mundo). Las escenas de acción fusilan, como se señala en otras críticas, muy descaradamente varias escenas de la saga Bond, pero pese a la falta de originalidad, dentro de lo que cabe no están tan mal hechas.
Volver a Estudios América significa que vuelve la saga el ingenio en el diseño de los sets de Arcadi Artís-Gener. El color los resalta aún más pero salen poco. La música, a cargo de Enrico Cabiati, muy enérgica y marchosa, es agradable de escuchar pero a veces parece un poco fuera de lugar: suena como si Herb Alpert & The Tijuana Brass, fumaos y empastillados, estuvieran improvisando sobre la peli.
Dentro de lo que son las pelis de Santo me ha gustado e incluso sorprendido: creo que Operación 67 incluso podía plantarle cara -a nivel meramente técnico - a alguno de los eurospies de ese tiempo. Interesante.
Mad Warrior
7
Cometieron dos Errores
Clint Eastwood regresa a su patria convertido en una auténtica estrella. Él sería por siempre ¨El Hombre sin Nombre¨ de la celebérrima Trilogía del Dolar aunque hubiese trabajado en un par de proyectos más.Pero llega a EE.UU. y, adinerado como es y con ganas de iniciar proyectos bajo su absoluto control, funda la compañía Malpaso, donde enseguida ofrece trabajo a sus amigos Buddy Van Horne, James Fargo o, como en este caso, Ted Post, convirtiéndolos en sus colaboradores por muchos años.
Poco después se pone a trabajar sobre el guión de Leonard Freeman y Mel Goldberg, variación de ¨La Ley de la Horca¨ de Robert Wise, y recomienda al anterior mencionado (ya que Leone estaba algo ocupado), quien había dirigido varios de los episodios de la serie ¨Rawhide¨, a la dirección; nace la primera película de Malpaso y se llama ¨Cometieron dos Errores¨. Así volvemos a ver a Eastwood de nuevo en el Oeste, pero ya no es alguien sin nombre, no aparece con el mismo poncho de nuevo, no tiene barba y su personaje tiene nada y menos que ver con el que encarnó en las tierras almerienses.
Ahora se llama Jebediah Cooper, y es un hombre justo con título de abogado que ha sido linchado y colgado a sangre fría por un grupo de miserables que no saben cómo de rápido se les ha ido la suerte. Sí, no es una historia demasiado complicada, es una historia de venganza y punto...pero no como se espera: es una venganza cumplida a través de la ley.
La influencia de Sergio Leone le ha marcado de por vida (lo de la soga es un buen guiño a ¨El Bueno, el Feo y el Malo¨), y es algo que el joven Eastwood demuestra en el film, donde se conjuga el estilo del más clásico ¨western¨ estadounidense con un toque de ese cine del Oeste realizado bajo producción italiana. Pero lo que sobre todo quiere hacer el actor y futuro director es deshacerse una vez más de la etiqueta de ¨cowboy más guapo del Mundo¨ que le habían puesto los fans (más bien las fans) de ¨Rawhide¨, pues su personaje de la serie, Rowdy Yates, era poco más que un chiquillo plano y sin sombras, que obedecía órdenes y no servia para absolutamente nada...un personaje que Eastwood odiaba con toda su alma.
Tal era el odio que le tenía que el comienzo de ¨Cometieron dos Errores¨ no puede ser más esclarecedor: después de una bonita secuencia de apertura en la que vemos a Yates reencarnado en Cooper, entre terneros y naturaleza, aparecen de la nada unos cowboys que le dan una paliza y le dejan colgando medio muerto de un arbol; la imagen de Yates de niño torpe y guapo ha sido destruida por fin. Eastwood puede respirar tranquilo.
Entre tanto, en el film se trata en un sentido muy liberal de la imposibilidad de la venganza, del callejón sin salida existencial de toda justicia personal, además del frío horror del castigo del Estado (el ahorcamiento, la pena capital), pretendiendo realizar una crítica bastante severa de esa ¨justicia¨ impartida que muchos hombres, llamándose a sí mismos ¨defensores de la ley¨, llevaban a cabo para querer demostrar que el orden en el territorio se tenía de respetar si se quería hacer de él una gran patria (años después, veríamos cómo otro personaje de Eastwood, apellidado Callahan, lucharía también a brazo partido contra aquellos que aplicaban la ley como más les parecía, sin pensar realmente en los derechos de los culpables y las víctimas).
Así, con Eastwood y Post haciendo mella en el fondo moral y desarrollando un discurso en una línea cercana a la que practicaron y practicarían los revisionistas Arthur Penn, Monte Hellman o Sydney Pollack, y una muy interesante trama llena de acción, violencia, suspense e impactantes secuencias, como aquella de los seis ahorcamientos, se conforma este buen ¨western¨, olvidado entre otras futuras obras que se harían más legendarias (recordemos: hablamos de 1.968 y aún quedaba mucho por ver), pero erróneamente, la verdad, porque si algo demostró Clint Eastwood era que tenía la suficiente capacidad y talento para continuar con el género que le llevó al estrellato no haciendo parodia del mismo, sino rindiéndole el homenaje más sincero.
También merecen recordarse las colaboraciones de Pat Hingle, Ben Johnson, L.Q. Jones, unos desconocidos Bruce Dern y Dennis Hopper (a ver si alguien lo reconoce), la música de Dominic Frontiere, esa seca fotografía de Richard Kline y Leonard South, y la dirección de Post, que se maneja con oficio tras la cámara.
Lo único que no convence es ese final tan abierto que parece presagiar una secuela que en realidad nunca llegó y ese romance mal presentado (o presentado a medias, diría yo) entre Cooper y Rachel. Pero poco más. ¨Cometieron dos Errores¨ es un pequeño clásico del género, y quien no la vea presuponiendo que se va a encontrar ante una obra menor sí que estaría cometiendo un error.
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