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Ficha Straight Outta Compton

EchelonForce

  • 11 Dec 2018

10


Straight Outta Compton
Ya era hora.F.Gary Gray firma su verdadera opera prima.La Mejor de su carrera sobre los que ahora son los verdaderos abuelos de Rap Gangsta.

Impresionante la puesta en escena,los cojones,Ice Cube will swarm on any muthafxxx in blue uniform.

Como amante del rap.El Comienzo.Lo mejor hasta que empezo a prostituirse,del unico que sobrevive sin venderse:Eminem.

Si te gusta el rap,entiende como comenzo la libertad de expresion en el gangsta rap.

Increibles cameos hay de 2Pac,Snoop Dogg entre otros.
Y como debe ser aqui brillan O Shea Jackson Jr. interpretando la vida de su propio padre y Jason Mitchell como Eazy-E.Que como Bohemian Rhapsody honra la memoria de Freddie Mercury con Justicia esta tambien lo hace.

10/10.No discutas.Opina tu y vedla.



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Ficha Ocean's Eleven (Hagan Juego)

Mad Warrior

  • 11 Dec 2018

7



Ocean's Eleven (Hagan Juego)
Aunque el viejo dicho afirma que la banca siempre gana, las reglas pueden cambiar de repente. Once hombres van a demostrar que eso es verdad. Su escenario: Las Vegas. Su objetivo: tres casinos y un montón de dinero.
Una de las películas de más éxito a comienzos del 2.000, tanto a nivel de público como de crítica, fue ¨Oceans Eleven¨. No es difícil adivinar que el sr. Soderbergh sabía que los 85 millones invertidos se iban a amortizar bien...y así sería: el quíntuple del presupuesto recaudado en taquilla.

Sin embargo, y hay gente que aún no lo sabe, lo de robar muchos casinos en Las Vegas al mismo tiempo no viene de nuevas. En 1.960, en plena gloria del ¨Clan Sinatra¨, conocido en Hollywood como ¨Rat Pack¨, el director Lewis Milestone reunió a sus integrantes (Frank Sinatra, Dean Martin, Joey Bishop, Sammy Davis Jr. y Peter Lawford) en ¨La Cuadrilla de los Once¨, cuyo guión firmaban al alimón Harry Brown y Charles Lederer con la inestimable ayuda de Billy Wilder.
En los últimos tiempos, la industria hollywoodiense ha retomado con entusiasmo la vieja costumbre de hacer nuevas versiones de películas que en su momento gozaron del favor del público, con lo que era el momento idóneo para que la Warner Bros. adaptara la obra de Milestone al siglo XXI. El proyecto cayó en manos de un Steven Soderbergh que renacía de sus cenizas con ¨Traffic¨ y ¨Erin Brokovich¨ tras algunos irregulares títulos; éste contó con el apoyo de su amigo George Clooney, con quien ya había trabajado en ¨Un Romance muy Peligroso¨, y que además participó en la producción a través de su compañía Section Eight Productions.

En esta revisión escrita por Ted Griffin sólo se mantiene el planteamiento inicial de la acción. Los que antes eran compañeros de armas en la 2.ª Guerra Mundial son ahora pintorescos individuos, algunos criminales, que dominan especialidades concretas. Los cinco casinos del robo original (el Sahara, el Riviera, el Flamingo, el Desert Inn y el Sands) ahora son tres. Y lo más importante: los demás personajes de la historia no son meras comparsas del protagonista, como pasaba con Frank Sinatra.
Tras estar una temporada en prisión, el criminal profesional Daniel Ocean ha planeado un golpe tan lucrativo como peligroso en Las Vegas: desvalijar en una noche, con mucha discreción, la cámara acorazada del Bellagio, que contiene más de 150 millones de dólares, recaudación de dicho casino y de dos más, el Mirage y el MGM Grand. Para ello, Ocean se hace con la ayuda de diez tipos: Rusty, su mano derecha; Linus, un joven carterista; Basher, experto en explosivos; Saul, un timador retirado; Frank, un croupier infiltrado; Livingston, un genio de la electrónica; Yen, un contorsionista circense; los hermanos Virgil y Turk, conductores profesionales, y Reuben, el millonario que financia la operación.

Con gran eficiencia y habilidad, Soderbergh ejecuta los numerosos giros, engaños y trampas de un argumento que en realidad no es sino la clásica película de ladrones, atracos, timos y estafadores, heredera de ¨Golpe Audaz¨, ¨Rififi¨ (más bien de ¨Rufufú¨) o ¨El Golpe¨. Sofisticada, elegante, llena de lujo y humor ligero, ¨Oceans Eleven¨ se desarrolla con rapidez en sus dos horas, ofreciendo lo que el director quería desde un primer momento: una película divertida, enfocada al éxito comercial, que no fuera enrevesada, sino asimilable para el público, y ante todo muy entretenida. En tres palabras: puro espectáculo hollywoodiense.
De ahí que los problemas que afrontan los protagonistas se resuelvan con una justificada sencillez que no merece la pena ni cuestionarse. Está claro que el grupo de ladrones no va a pasar por los trágicos hechos por los que pasan los personajes de ¨Atraco Perfecto¨ o ¨Los Reyes del Crimen¨. No se busca eso. Todo saldrá a pedir de boca para los buenos y el malo acabará jodido, es muy obvio. Para rematar se introduce algo muy típico de estas comedias: el amor entre el cerebro de la operación y la chica del hombre que va a ser robado, lo que da pie a la clásica guerra de sexos. Pero lo mejor para Soderbergh fue rodearse de un reparto coral para asegurarse aun más el éxito, todos sacando a relucir su faceta cómica y elegante.

Los Clooney y Pitt que aparecen aquí tienen más en común con los galanes del cine de antaño (el primero a lo Cary Grant, el segundo a lo Paul Newman) que con anteriores personajes suyos (nada que ver con lo que ambos hicieron en ¨O, Brother!¨ y ¨Snatch¨). Luego, los impagables Don Cheadle, Bernie Mac, Casey Affleck, Scott Caan, el tremendamente encantador Matt Damon, Andy García, que queda de miedo como el malo, y los veteranos Carl Reiner y Elliott Gould. Para rematar, el film cuenta con los cameos de Henry Silva y Angie Dickinson, dos de los actores de la versión de los 60.
Y en sustitución de la anterior una improbable Julia Roberts que se me hace del todo irritante (anda que no había buenas actrices para el papel...pues tuvieron que elegir a esta). De todas formas, eso es sólo una pequeña molestia para lo que la película asegura, que es pura diversión, vibrante y sin concesiones, y aunque todo suene a visto y oído, es imposible aburrirse con ella. La única verdaderamente potable de la inútil saga que después inició Soderbergh, sólo para tirar de la manta del éxito comercial.

Y acorde con las modas y las políticamente correctas ideas de hoy día, se ha estrenado una subnormalidad llamada ¨Oceans Eight¨, dirigida por Gary Ross (uf, el de ¨Los Juegos del Hambre¨...¡apaga y vámonos!) y con un reparto exclusivamente femenino.
Que cosas tan patéticas tenemos que aguantar en la actualidad, Dios mío...



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Ficha Poder Absoluto

Mad Warrior

  • 11 Dec 2018

8



Poder Absoluto
Luther Whitney es un astuto ladrón profesional que lleva operando muchos años y al que sólo han cogido tres veces, aunque nadie sabe nada de él desde hace tiempo, ni siquiera su hija Kate, con la que nunca ha mantenido una relación demasiado buena. A pesar de la edad él continúa desempeñando su lucrativo ¨trabajo¨ con la misma habilidad, cosa que va a demostrar cuando decida colarse en la mansión del millonario Walter Sullivan para sustraer todo lo que pueda y más; el robo le va perfectamente, Whitney encuentra dinero, joyas, relojes, pero no contaba con algo esa noche...
La joven esposa de Sullivan, Christy, aparece borracha en el salón con nada menos que el presidente de la nación, Alan Richmond; el ladrón no tiene más remedio que esperar oculto, aunque de repente se desencadenan hechos trágicos: el presidente es herido, la chica resulta muerta y en la escena se pierde un abrecartas con sangre de la víctima. Más tarde el detective Frank hará lo posible por resolver el caso, sin embargo Whitney ha sido testigo del atroz asesinato, y sólo en sus manos está desenmascarar al culpable, aunque ello ponga en peligro su propia vida.

¨Poder Absoluto¨ fue una de las primeras películas que descubrí del sr. Eastwood, mucho antes de que viera al actor como Harry Callahan, empuñando su mágnum y diciendo lo de ¨anda, alégrame el día¨, o con el poncho encima paseándose por nuestras tierras almerienses mientras le dirigía Leone; quizá la viera cuando contaba 10 años o así, lo que provocó que no le prestara la debida atención (...por aquella época yo estaba gilipollas perdido con el cine de acción de Seagal, Willis y Schwarzenegger), aunque con el tiempo y varias revisiones se le coge un cariño especial.
Los años 90 habían sido como una segunda juventud para el actor/director: consiguió su mayor ¨western¨, amén de una de sus obras más memorables, con ¨Sin Perdón¨, ¨En la Línea de Fuego¨ le devolvió su papel de hombre de acción y hasta dejó boquiabiertos a los más sensibleros con sus románticos puentes de Madison. Esa fue la última película que dirigió y protagonizó hasta que pensó en adaptar el best-seller de David Baldacci, ¨Absolute Power¨, el cual le había fascinado aunque estuviera en desacuerdo con ciertos puntos, y que iban a ser modificados, ni que decir tiene, para el guión cinematográfico, del que se ocuparía William Goldman.

Aparte de su más que evidente dominio del ¨western¨, Eastwood siempre ha tenido buena mano para el ¨thriller¨, cosa que viene demostrando desde el principio de su carrera, cuando debutó con la interesante ¨Escalofrío en la Noche¨, y que más tarde corroboró con títulos como ¨Impacto Súbito¨, ¨En la Cuerda Floja¨ (acabó rodando más metraje que el director Richard Tuggle) o ¨Un Mundo Perfecto¨; con ¨Poder Absoluto¨ regresa al género de forma elegante y eficaz. Una poderosa primera media hora mete al espectador en el corazón de la intriga, con el director dándoselas de Hitchcock: Whitney observa el crimen, paciente aunque con el corazón en un puño, sabe que no puede hacer nada y por lo tanto ha de esperar, y cuanto más espera más aumenta la tensión.
Al terminar la espiral de violencia se puede ir tranquilo, como nosotros, pero con un homicidio en lo más profundo de su inconsciente; asistimos, así, a una de las secuencias más asfixiantes e intensas que haya rodado Eastwood en toda su carrera. El resto sigue muy decentemente, aunque no a la misma altura, con el suspense desarrollándose entre engaños, traiciones, algunos buenos giros y el elemento clave que no puede faltar: el abrecartas ensangrentado; es como si DePalma y el mencionado Hitchcock (menudo guiño a ¨La Ventana Indiscreta¨) se dieran la mano con ese ¨thriller¨ de carga política tan propio de Sidney Lumet, aunque todo remite, al fin y al cabo, al mejor y más clásico cine negro.

Eastwood vuelve al papel de hombre solitario y mayor que ha de vencer toda adversidad si quiere proteger lo que más quiere, cosa que sus seguidores ya nos conocemos de sobra (pero resulta gratificante verle hacer de ladrón, tras tantos años llevando uniforme de policía). Gene Hackman, quien se enfrentaba a Eastwood en ¨Sin Perdón¨, sorprende en un personaje de lo más repugnante y patético, mientras que Ed Harris, Laura Linney, Judy Davis o Scott Glenn brindan unas muy notables actuaciones. Eso sí, brillante E.G. Marshall.
Una segunda parte mucho más previsible y convencional resta puntos a la película, sin embargo ¨Poder Absoluto¨ no deja de ser un gran ejercicio de intriga de principio a fin, con la suficiente inteligencia y estilo como para que al final sus dos horas hayan merecido la pena.



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Ficha La Tormenta Perfecta

Mad Warrior

  • 11 Dec 2018

7



La Tormenta Perfecta
¨La niebla se levanta, y entonces sueltas amarras, sales del canal Sur, pasas por Rocky Neck, cerca de la Isla Tenpound, te acercas a la altura del estanque Niles, haces sonar la sirena y saludas al hijo del farero de la Isla Thatcher. […]
Sale el Sol y navegas rumbo al Norte. Navegas a toda máquina. Los chicos faenan y tú estás al mando. Eres patrón de un maldito barco de pesca...¿hay algo mejor en el Mundo?¨.

Seguramente no para el capitán Frank William Tyne, pues su trabajo y su vida se hallan entre las olas del océano, entre gaviotas y aparejos, entre peces y cañas...por desgracia, el último viaje realizado en un pequeño pesquero donde ejerce de patrón, el Andrea Gail, no ha sido precisamente muy exitoso, cosa que desmoraliza tanto a la tripulación como al arisco dueño del barco, Bob Brown. Pero a Tyne no, ya que alberga la esperanza de regresar la próxima vez con un gran cargamento de pescado, y para conseguirlo no le queda más remedio que reunir a sus muchachos y embarcar otra vez.
Con la promesa de su patrón de obtener una gran recompensa, Bobby Shatford, Dale Murphy, Michael Moran, Alfred Pierre y David Sullivan, aceptan salir de su agradable pueblo de Gloucester a regañadientes; el objetivo del obstinado Tyne no es volver a los Grandes Bancos, sino a Flemish Cap, donde se hallan las mejores capturas. Es en ese momento cuando el huracán Grace se fusiona con un frente frío y una tormenta tropical en pleno Atlántico, poniendo a prueba a los seis hombres del Andrea Gail, quienes tendrán que enfrentarse a la furia de la naturaleza si quieren volver vivos a casa.

Todos estos acontecimientos tuvieron lugar desde el 28 de Octubre hasta el 2 de Noviembre de 1.991, cuando, en efecto, el mencionado huracán Grace aumentaba su intensidad dirigiéndose al Norte desde la costa atlántica mientras un frente frío que se precipitaba desde Canadá y un ciclón al Sur de la Isla de Sable aguardaban para encontrarse; ello provocó la llamada ¨Tormenta Perfecta¨, un devastador temporal como nunca antes se había registrado que azotó sin piedad la Costa Este de EE.UU., y cuyo avance coincidiría con el Andrea Gail, preparando para el barco y sus tripulantes un fatídico destino del que no podrían escapar. Testigo de los hechos, el escritor Sebastian Junger registró la historia de los valientes pescadores de Gloucester en su libro ¨The Perfect Storm¨.
Publicada seis años después de la tragedia, donde se añadía el mal trago que sufrieron los que iban a bordo del velero Satori (Mistral en el film) y el equipo de rescate de la Guardia Nacional que se encargó de salvarlos, la novela sería adaptada por William D. Wittliff a la espera de llevarse a la gran pantalla, en un momento en que el cine de catástrofes llenaba las salas de público (era la época de ¨Volcano¨, ¨Armageddon¨, ¨Un Pueblo llamado Dantes Peak¨...). Wolfgang Petersen, que venía de hacer fortuna con ese ¨thriller¨ de acción tan entretenido como absurdo llamado ¨Air Force One¨, sin duda era el indicado para dar vida a la novela de Junger.

Es bien sabido la fascinación del realizador alemán por el océano y sus peligros, lo cual demostró casi veinte años antes con la épica ¨El Submarino¨. Como en aquella, ¨La Tormenta Perfecta¨ habla de un grupo de hombres dispuesto a luchar contra los elementos y los aciagos reveses del destino para poder volver con sus seres queridos, hacinados en un pequeño barco, con la esperanza de que la tormenta amaine antes de verse devorados por su furia. Cuenta el director que en un bar del mismo Gloucester en el que su equipo rodó parte de la película, un borracho se le acercó, le agarró del cuello y le dijo ¨haz que sea real¨, así que ese fue su objetivo: retratar lo más fielmente posible la historia.
Petersen sabe combinar el cine de aventuras, el de catástrofes y la acción más trepidante con el drama y la emoción nacidos de los hechos reales, aunque el resultado no queda del todo bien, y es que la historia parece dispersarse demasiado con tanta subtrama (deberían haberse centrado sólo en el Andrea Gail), volviéndose, además, algo pesada a partir de la segunda hora de metraje, cuando vemos que Tyne decide navegar hacia la tormenta. Ahí patinó Petersen: según la verdadera Linda Greenlaw el Andrea Gail no se metió en el huracán antes de descargar sobre el océano, sino que le pilló de repente, después de tres días de viaje...

Un notable George Clooney, dando buena muestra de su versatilidad como actor, se pone a la cabeza de un competente equipo donde destacan los geniales John C. Reilly, William Fitchner y John Hawkes; en general, todo un reparto muy correcto, la verdad, exceptuando a Mark Wahlberg, que no lo soporto (su pasteloso romance con Diane Lane me recordó al de Affleck y Tyler en ¨Armegeddon¨).
Gran trabajo de música y fotografía por parte de James Horner y John Seale y, sobre todo, el de los impresionantes efectos visuales, los cuales acaban por convertirse en otro personaje más de la película. Podría haber ganado enteros si la trama hubiese estado enfocada sólo en el barco de Tyne, aunque eso no le impide disfrutar a uno de la tremenda aventura que es ¨La Tormenta Perfecta¨, a la vez trágica, intensa y muy entretenida.

Muy bueno el guiño a ¨Tiburón¨, por cierto.



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Ficha Amanece, Que no Es Poco

Mad Warrior

  • 11 Dec 2018

9



Amanece, Que no Es Poco
Películas españolas de comedia hubo muchas, y muy buenas (nótese que digo ¨hubo¨). Algunas fueron defenestradas por el público y la crítica, otras fueron recordadas durante algunos años...pero muy pocas trascendieron más allá de la pantalla y hoy siguen muy presentes en la memoria colectiva.
Pues todo lo anterior le pasó (y en ese orden) a la obra maestra de José Luis Cuerda. Incomprendida en su tiempo, reposa, casi treinta años después, en el panteón de los films más grandes del cine español.

Resulta que Teodoro, un ingeniero que trabaja en la universidad de Oklahoma, decide volver a su España para tomarse un año sabático en condiciones, lo que hace en compañía de su padre y representante ¨Jimmy¨ y un sidecar de lo más bonito; la sorpresa se la lleva cuando su progenitor le anuncia que tuvo que matar a su madre porque era una mujer muy mala...aunque eso no es problema para que se les amargue el viaje, claro. Y conduciendo por las tierras más remotas del país acaban aterrizando en un pueblo escondido entre montañas de aspecto muy sencillo y tradicional.
Sí, en aspecto puede que sea tradicional, porque lo cierto es que los dos visitantes han llegado a un lugar como ninguno. Un lugar en el que de los campos brotan señores, llueve arroz, hay reuniones para elegir a la puta del pueblo, las misas se dicen en latín y los extranjeros cantan en ellas, se tiene un respeto desmedido por William Faulkner, la gente se pone a levitar inesperadamente y los habitantes son de todo menos normales, aunque para ellos su día a día es tan normal como en cualquier otro pueblo, aunque haya un negro caminando en zig-zag por la calle o los vecinos se congreguen en la plaza para hacer ¨flashback¨. ¡Ni Twin Peaks, oiga!

Muchos sólo relacionan el nombre de Cuerda con ¨Amanece, que no es Poco¨ y la posterior ¨La Lengua de las Mariposas¨, pero hay que decir que ya era bastante conocido a mediados de los 80, así como el tipo de humor tan característico que le gustaba practicar. Tras la genial ¨El Bosque Animado¨, el director decidió abarcar otro proyecto en la línea de su película para televisión ¨Total¨, la cual se acabaría convirtiendo en la primera de una trilogía que completarían ésta que nos ocupa y ¨Así en el Cielo como la Tierra¨. Cuerda pretendía realizar una serie de televisión para TVE, pero como la cadena acabó rechazando el trabajo, los episodios que se tenían pensados se juntaron en un largometraje.
El director optó por rodar en las tierras manchegas donde nació, escogiendo los pueblos rurales de Molinicos, Ayna y Liétor y hasta incorporando a sus habitantes a la propia película, quienes tendrían la suerte de compartir pantalla con lo mejor del cine español del momento. ¨Amanece, que no es Poco¨ no es que sea difícil de entender, es que no hace falta para reírse con ella; sería una pérdida de tiempo intentar buscar de más un discurso o un saber a esta fantástica rareza que sólo rinde cuentas a sí misma, a su propio universo.

Sin embargo, la intención de Cuerda, que se adivina sin complicaciones, no es otra que la de darle la vuelta a todos los valores e idiosincrasias de la España tradicional por medio de la parodia y la sátira, caricaturizando figuras tan conservadoras y conocidas como la del cura, la Guardia Civil o el alcalde y abarcando temas como la hipocresía del clero, la libertad de expresión, sobre todo por parte de la mujer, el miedo a lo extranjero, la represión y la más importante: la transición de la dictadura a la democracia. Todo esto lo pasa Cuerda por el filtro de lo disparatado y lo surrealista, con un puñado de referencias literarias y guiños a Valle-Inclán y a sus ídolos Buñuel y Berlanga, aunque el humor del film no se aleja mucho del que hacían los Python.
La razón es que todo es un completo absurdo que pone al espectador en la piel de Teodoro y su padre, porque como ellos, nosotros llegamos a un mundo obtuso, extraño y patas arriba donde lo más ilógico se trata con total normalidad, cosa que deja siempre con una expresión de sorpresa. Eso sí, argumento no hay ninguno; básicamente el director une ingeniosos ¨gags¨ con los que vamos conociendo a las gentes del pueblo, sus originales costumbres y maneras de ver la vida. No obstante, llega un punto en que uno deja de pensar en la historia y disfruta con lo descabellado de la propuesta de Cuerda.

Si hay algo que destaca es la cantidad de rostros conocidos que van desfilando por la pantalla, cada uno en un papel de lo más impagable, desde José Sazatornil hasta Antonio Resines pasando por María Isbert, Casto ¨Cassen¨ Sendra , Manuel Alexandre, Pastora Vega, Antonio Gamero, Enrique San Francisco, Chus Lampreave, Rafael Alonso, Gabino Diego, Luis Ciges (imposible no partirse con sus ocurrencias), Guillermo Montesinos o esa despampanante Fedra ¨la Bombi¨ Lorente, amén del gran Samuel Claxton. Bueno, y cómo olvidar a la gente de los pueblos, que hicieron un trabajo excelente como extras.
En una época en que triunfaba el cine de Almodóvar, Trueba o Bigas Luna, ¨Amanece, que no es Poco¨ no gozó de una buena recepción, y nadie la entendía, pero poco importa. Hoy día ya ha alcanzado el estatus de obra de culto y se le ha dado la importancia que merece, además de que sus muchas frases y chascarrillos ya forman parte de nuestra cultura popular. Cuerda creó una de las comedias más originales e innovadoras del cine español. Bueno, ¡a ver qué película acaba con un guardia civil disparando al cielo y gritando ¨¡Me cago en el misterio!¨ mientras el Sol sale por el otro lado!

Y colorín, colorado, este cuento se ha acabado...y fueron felices y comieron perdices...y a nosotros nos dieron con la puerta en las narices, señores míos.



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Ficha Revolver

Mad Warrior

  • 11 Dec 2018

8



Revolver
¨Revolver¨ es una de las combinaciones de géneros más interesantes y originales que se han visto en el cine en los últimos diez años.
Una historia clásica de ladrones y gangsters unido a los parámeteros del ¨thriller¨ psicológico que en muchas ocasiones roza el cine experimental. Guy Ritchie prueba con una nueva fórmula, y no le sale nada mal.

Jake Green es un experto en cuanto a ganar se refiere. Tiene un talento innato para salir exitoso en cualquier apuesta o juego que se proponga y no hay quien le derrote al ajedrez; es un tipo tan paciente y determinado como implacable, y muchos de esos conocimientos los ha ido adquiriendo en la cárcel, entre soledad, acertijos y algoritmos matemáticos. Sin embargo, siete años después, Jake está sediento de codicia y venganza, y para ello se prepara bien.
Su objetivo es el hombre responsable de su confinamiento, Dorothy Macha, un arrogante y patético gangster que posee un lujoso casino y que se cree con el control del territorio, aunque no sabe que las cosas van a descontrolarse cuando Green se cruce en su camino. Por desgracia, éste también cae víctima de una trampa urdida por dos prestamistas dedicados a los timos y atracos, que se aprovecharán de él con la excusa de protegerle de los hombres de Macha mientras inician una guerra entre este último y un poderoso traficante de drogas chino. Green va a caer en un peligroso juego en el que tendrá que poner a prueba su inteligencia y luchar contra sus demonios interiores si desea ganar.

Guy Ritchie conoció a Madonna a finales de los 90 y aquello terminaría en romance y boda, lo cual fue bueno para él...pero no para sus fans, desgraciadamente. El director inglés, que se ya había ganado su prestigio con las brillantes ¨Lock & Stock¨ y ¨Snatch¨, le dio un radical giro a su filmografía con una comedieta romántica para mayor lucimiento de su esposa, ¨Barridos por la Marea¨, mediocre ¨remake¨ de ¨Insólita Aventura de Verano¨, que hiciera Lina Wertmüller en los 70, con el que dejó boquiabiertos a sus seguidores (un servidor da fe de ello...).
Tras ese fracaso, Ritchie decidió regresar a su cine de gangsters, timadores y ladrones, aunque dejando de lado la vía de la comedia, profundizando en temas mucho más serios como la mente del ser humano y su conflicto con el ego interior, elementos principales de la trama, y mostrando un especial interés por la Kabbalah, la psicología y la numerología. Dada su separación con Matthew Vaughn, el nuevo proyecto fue posible gracias a su asociación con el cineasta francés Luc Besson, financiándolo a través de su firma EuropaCorp, con la que produciría obras propias como ¨Arthur y los Minimoys¨ o ¨Angel-A¨.

Ritchie nos mete en los entresijos del mundo criminal desde una perspectiva mucho más seria, violenta y oscura, al tiempo que profundiza en los protagonistas de un modo dramático como nunca antes había hecho; el estilo lúdico de sus dos primeros films se deja atrás e intenta que le tomen en serio con ¨Revolver¨ (sigue siendo un misterio ese título), aunque sin abandonar su genuino estilo, donde siguen resaltando el humor negro, algunos de los más trillados clichés de las historias de mafiosos y timadores y los enfrentamientos cruzados entre diversos grupos de personajes, cosa que aquí se le va un poco de las manos, ya que tanta subtrama acaba por ahogar la principal.
La habilidad de Ritchie para enmarañarlo todo y confundir al espectador de principio a fin es al mismo tiempo agobiante y digno de elogio, siendo un buen ejemplo de ello la manera de narrar los hechos del film, totalmente alterados (se cuentan primero las consecuencias y luego los sucesos que las preceden). Pero si algo destaca en ¨Revolver¨ es el análisis que se nos plantea sobre los conflictos de la mente humana, provocados por culpa del ego, el mayor embaucador de los pensamientos y la personalidad, lo que eleva al film a un ¨thriller¨ de corte experimental que evoca el cine de Lynch y a películas sobre dobles personalidades como tema central, como ¨El Club de la Lucha¨, ¨Donnie Darko¨ o ¨ ¨Pi¨: Fe en el Caos¨.

El estilo del film ayuda a reforzar la sensación de paranoia que presenta el mismo, cuyos intensos colores, fotografía, elegante puesta en escena y movimientos de cámara crean una fascinante y cuasisurrealista experiencia visual, heredando Ritchie a partes iguales del cine de Wong Kar-Wai (atención a las escenas con los mafiosos chinos), DePalma, Scorsese o Tarantino (esas secuencias de animación que tanto recuerdan a ¨Kill Bill¨).
Un irreconocible Jason Statham sorprende a propios y extraños en el que sigue siendo el mejor papel de toda su carrera (lo importante de ¨Revolver¨ es el conflicto de personalidad de Jake Green, el motor mismo que empuja a la trama, y el actor nos demuestra estar a la altura de tan complicado personaje con un talento que rara vez exhibe en pantalla). Imapagable Ray Liotta en un personaje perfecto para él, e igualmente brillantes están Mark Strong, Vincent Pastore, Tom Wu y Andrew Howard.

¨Revolver¨ no contó ni con el beneplácito del público ni con el de la crítica. Bastante comprensible, ya que no es para nada una película comercial.
Sin embargo, Ritchie demostró que podía hacer algo más que acción y comedia, algo diferente, una obra seria y elaborada que le permitiese explorar nuevas vías cinematográficas. Yo soy de los que opinan que lo consiguió.



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Ficha The Mexican

Mad Warrior

  • 11 Dec 2018

7



The Mexican
Hace muchos, muchos años, un armero fabricó la pistola más hermosa que nadie había visto para entregársela a un noble que iba a casarse con su hija.
Sin embargo, sobre el arma pesaba una maldición...y será la desencadenante de una sucesión de acontecimientos que nos llevarán vivir una frenética aventura a través de las carreteras y el polvo del desierto mejicano.

Una aventura en la que tomará parte Jerry Welbach, un gangster la mar de patoso e imán de la mala suerte que se encuentra en una complicada situación: el clan de mafiosos para el que trabaja le tiene en el punto de mira desde hace tiempo por sus pifiadas (siendo la más gorda el haber enviado a la cárcel al jefe, Arnold Margolese, tras haber chocado accidentalmente con su coche). Así que su superior le encomienda una misión más: viajar hasta Mexico y hacerse con la valiosa pistola cuya maldición la convirtió en leyenda.
Para Jerry será el último trabajo antes de retirarse definitivamente, y, como cabía esperar, va a resultar más difícil de lo que cree, pues se tendrá que enfrentar a ladrones, policías corruptos, sus propios compañeros y lo peor de todo: su paranoica y ambiciosa novia Samantha, quien de camino a Las Vegas ha sido secuestrada por uno de los hombres para los que trabaja Jerry, un implacable matón que se hace llamar Leroy y que, para colmo de males, entabla una gran amistad con la mujer. Increíbles sucesos cruzados, personajes que van huyendo de otros y un montón de dinero de por medio girando en torno a la ancestral leyenda del arma maldita, la cual parece controlar el destino de todos.

Gregor Verbinsky, o más bien Gore Verbinsky, es un cineasta con una filmografía tan irregular como interesante, al fin y al cabo. Tras algún tiempo dedicado al negocio de los anuncios y los vídeos musicales, debutó en la industria cinematográfica con ¨Un Ratoncito duro de Roer¨, película para todos los públicos que se embolsó millones y que todos los que tengan mi edad recordarán haberla visto de pequeños (la de veces que puse la cinta en el VHS). Más tarde el director arrasaría en taquilla con ¨Piratas del Caribe¨, aunque eso es ya otra historia.
Antes de la aclamada peripecia de los piratas malditos y de la imperdonable revisión que hizo de ¨The Ring¨ (a este hombre le pirran las maldiciones...), se embarcaría en un proyecto escrito por J.H. Wyman, guionista de ¨El Secreto de Mr. Rice¨, con producción de Lawrence Bender, benefectador del sr. Tarantino, respaldado por la compañía de Spielberg, Dreamworks, y contando con dos de las estrellas hollywoodienses más cotizadas del momento en los papeles protagonistas: Brad Pitt y Julia Roberts.

Aunque la película estaba en un principio pensada como un proyecto independiente sin mucho presupuesto ni grandes actores, las ganas de Pitt y Roberts de colaborar juntos en pantalla dieron como resultado todo lo demás. Verbinsky es consciente del tirón comercial que da el tener a los dos en el film, y por ello éste queda enfocado a rendir bien en taquilla, una evidente fórmula del éxito para triunfar entre el público, pero ¨The Mexican¨ no es solamente eso; diversos géneros se juntan para dar lugar, pese a las apariencias, a una historia bastante atípica.
Comedia romántica con la clásica guerra de sexos, tergiversador ¨thriller¨ de gangsters, ¨road movie¨ de aventuras, violencia y acción cuyo estilo remite al cine de Tony Scott, Rodríguez, Badham (¿se acuerdan de ¨Dos Pájaros a Tiro¨?), Tarantino, los Coen e incluso al de Peckinpah, todo unido en base a una leyenda de venganza y amor con influencias que se extienden hasta los ¨westerns¨ crepusculares. Batiburrillo destinado al entretenimiento que engancha gracias a la historia del arma maldita, la cual vamos descubriendo junto a Jerry, torpe y simpático guía del espectador (lástima esos absurdos paréntesis protagonizados por Sam y Winston, que restan interés y crudeza al conjunto).

Genial Brad Pitt en el papel de adorable perdedor, antítesis de los héroes de acción de los 70, sin tener que esforzarse para caernos bien desde el primer momento (a algunos, por lo que parece); en el otro extremo, James Gandolfini sorprende en un personaje complejo y memorable, que acaba por dar a la película una dosis extra de categoría y carisma. Impagables J.K. Simmons y Bob Balaban, y para rematar la aparición del gran Gene Hackman.
Todos maravillosos exceptuando a una Julia Roberts histérica y gritona a la que dan ganas de arrojar por la ventanilla del Volkswagen. A pesar del inconveniente de tener a esta tía en medio (a la que nunca he soportado), Verbinsky sabe desenvolverse para sumergirnos en una emocionante y romántica aventura, llena de humor negro, giros, mucha mala leche y sus buenas secuencias de acción, todo adornado con la música de Alan Silvestri.



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Ficha Las Batallas de las Colinas del Whisky

Mad Warrior

  • 11 Dec 2018

9



Las Batallas de las Colinas del Whisky
Los indios se situaron en tres puntos, el convoy de Wallingham avanzaba escoltado por los hombres del 1.º de Caballería mientras que la columna del 2.º, al mando del coronel Gearhart, mantenía ¨contacto separado¨ con las prohibicionistas, que se movían habiendo doblado el Este, y la milicia ciudadana de Denver se dirigía ahora hacia el Norte...
¡Vaya panorama!, una carrera que invariablemente iba a acabar en choque, o en una de las batallas más alocadas y colosales que tuvieron lugar en el salvaje Oeste.

Con una carrera a sus espaldas de más de dos décadas, el gran John Sturges había tocado varios géneros a lo largo de todos aquellos años, pero si en alguno destacó especialmente ese fue el ¨western¨, donde cultivó verdaderos clásicos del celuloide como ¨El Último Tren de Gun Hill¨, ¨Duelo de Titanes¨ o la legendaria ¨Los Siete Magníficos¨, revisión de la obra de Kurosawa trasladada a los dominios del Oeste americano. Tras la cruzada bélica que supuso ¨La Gran Evasión¨ y el interesante ¨thriller¨ ¨The Satan Bug¨, Sturges regresaría a sus desiertos llenos de cowboys, indios y soldados, pero con una visión completamente distinta de los mismos.
Y la razón era la siguiente. Los derechos civiles y la expansión del feminismo abanderada por Betty Friedan (aspectos importantes en la película), entre otras muchas cosas, provocaron que la sociedad americana sufriera multitud de cambios a mediados de los 60, lo que se empezaba a reflejar en la industria del cine; de este modo, Sturges tomó el guión de John Gay, basado en la novela de Bill Gulick, y se preparó para pegarle un giro a su tan querido género del ¨western¨, inspirado, sobre todo, por el éxito que acumulaban aquellas inmensas y disparatadas comedias del momento, como ¨El Mundo está Loco, Loco, Loco¨ o ¨La Carrera del Siglo¨.

¨The Hallelujah Trail¨ nos lleva al año 1.867, donde en un Oeste que se ve resurgiendo de sus cenizas a base de cambios, los indios han terminado las guerras con los americanos y las mujeres claman a viva voz numerosas reivindicaciones. Sin embargo, los mineros siguen trabajando duro y el whiskey continúa siendo la bebida espirituosa más codiciada; los hombres de Denver, temerosos del invierno que se aproxima, esperan ansiosos para recibir una gran caravana de whiskey de la Wallingham Freighting Company...por desgracia, la ruta de ésta se va a ver plagada de obstáculos y grandes infortunios.
Cora Massingale, una feminista chiflada empeñada en detener la consumición de alcohol en el país, se armará de valor y saldrá junto a sus compañeras prohibicionistas desde Fort Russell para detener el cargamento de Wallingham, algo que provocará más de un dolor de cabeza al coronel Gearhart, quien se ve obligado a escoltar a las mujeres a lo largo del territorio; por si esto fuera poco, una levantisca tribu de Sioux ha elaborado un plan para hacerse con el whiskey. En mitad del amplio desierto y bajo el Sol abrasador se prepara un enfrentamiento de proporciones épicas que pasará a la Historia como la Batalla de las Colinas del Whiskey.

Relatada con mucha sátira y nostalgia en clave de falso documental, y tras un extenso preludio, la película posee en los primeros minutos de su arranque un gran homenaje al género donde a la vez se levanta acta del ocaso del mismo. Así, el espléndido paisaje natural de montañas, valles, praderas y desierto queda convertido, en palabras del narrador, en una tierra de ¨sueños destrozados por una naturaleza cruel y por la lanza de un guerrero indio¨. Sturges nos presenta su demolición del cine del Oeste, la misma que inició Ford con ¨El Hombre que Mató a Liberty Valance¨ y que poco después siguieron Peckinpah y Leone; esta desmitificación del ¨western¨ no sólo aparece encarnada en la figura de esas ruidosas y reivindicativas mujeres o en esos Sioux que hacen tratos amigablemente con los soldados de caballería (a Wayne se le revolvería el estómago con este film...), sino además en ese agotado e irascible coronel Gearhart que insiste todo el rato en su odio por el Oeste.
Melancólica o no, lo importante es que John Sturges nos ofrece con ¨The Hallelujah Trail¨ una gran película de aventuras, realzada por el formato UltraPanavision 70, que la hace aún más épica de lo que ya es; el director apuesta por el puro espectáculo hollywoodiense y el enorme despliegue de medios, lo que se traduce en grandilocuentes efectos atmosféricos, un gran plantel de actores y extras y espectaculares persecuciones por el desierto tremendamente bien rodadas. Pero si algo distingue a esta obra es su uso de la comedia, a veces muy sutil, otras muy disparatada, y con la que Sturges demuestra que el Oeste también puede servir para pasar un rato de lo más divertido, no sólo para contar historias de venganza, sangre y plomo (si se fijan bien, aquí no muere ni un alma).

Encabezando el amplio reparto tenemos a un genial Burt Lancaster sacando a relucir su lado más cómico y desenfadado en la piel de ese pobre Gearhart, quien tiene que soportar con resignación las zapatiestas organizadas por la cínica e irritante srta. Massingale, a la que da vida una Lee Remick que se me hace del todo detestable. Donald Pleasance está absolutamente genial como ese borracho y caradura ¨Oráculo¨ Jones, al igual que Brian Keith, Jim Hutton, John Anderson, Tom Stern y un irreconocible Martin Landau haciendo del jefe indio al que mandan como ¨símbolo de buena de fe¨.
Hay que reconocer que su larga duración es un hándicap, pero gracias a los ingeniosos diálogos y al entretenido espectáculo que monta Sturges, ¨The Hallelujah Trail¨, al menos en mi opinión, pasa por ser uno de los mejores (y más infravalorados) ¨westerns¨ de aventuras que se han realizado.

Dos momentos míticos: el enfrentamiento durante la tormenta de arena y la persecución final de las carretas, con todo ese champagne saliendo a borbotones. Nunca me reí tanto con una película del Oeste.



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Ficha Una Historia del Bronx

Mad Warrior

  • 11 Dec 2018

8



Una Historia del Bronx
En el barrio de una gran ciudad siempre hay multitud de historias que contar, ya que hay muchos tipos de personas morando en él.
Historias de gente que gana, de gente honrada, de perdedores sin remedio, historias de sangre y violencia, de romances únicos, de familias humildes, de jóvenes soñadores. Pequeños cuentos callejeros que ocupan un lugar en nuestro corazón y nuestra memoria.

La que vamos a escuchar se sitúa a comienzos de los años 60 y nos la narra Calogero Anello, un joven de orígenes sicilianos que reside en Fordham, una de las muchas zonas concretas del Bronx. Vive con su madre Rosina y su padre Lorenzo, un recto y honrado conductor que intenta educarle y enseñarle a llevar una vida honesta, digna y trabajadora. Sin embargo, lo único que tiene fascinado al chico, aparte del baseball, es la excitante y lujosa vida que lleva Sonny LoSpecchio, un duro gangster temido y respetado por todos que tiene el control total del territorio.
Aunque se convierte en testigo de un asesinato frente al portal de su casa cometido por el propio Sonny, Calogero decide no delatarle ante la policía, lo que hace que inmediatamente pase a ser su protegido. Poco a poco, con el paso de los años, el chaval acaba sumergiéndose en un mundo que no le conviene, un mundo plagado de violencia y cinismo donde la ética no tiene cabida; esto choca con los ideales de Lorenzo, quien siempre ha intentado hacer que Calogero se mantuviese alejado de Sonny y los suyos, aunque este último ha llegado a quererle y tratarle como su propio hijo.

Una de esas películas que siempre son miradas con escepticismo o indiferencia por el gran público, que únicamente son recordadas con cariño por un reducido grupo de seguidores, que alcanzan el estatus de ¨películas de culto¨ y que envejecen muy bien a pesar de los años y los cambios en los gustos, es ¨Una Historia del Bronx¨. El origen de esta película se halla en la propia vida del gran actor y director Chazz Palminteri, quien a finales de los 80, tras un breve paso por el cine, decidió adaptar en obra de teatro.
La carrera de dicha obra, llamada ¨A Bronx Tale¨, sería una explosión de combustión lenta, pero poco a poco, semana a semana, siendo representada en Broadway y Los Angeles, ganaría el favor de la crítica y se convertiría en un gran éxito de público. No tuvo que pasar mucho tiempo para que atrajera a la gente de Hollywood, las cuales intentaron convencer a Palminteri de venderles los derechos de la historia. Sería casualmente Robert DeNiro, tras asistir a una representación, el que acabaría por discutir con el actor la posibilidad de trasladar la obra al cine. Palminteri aceptó encantado y escribió el guión junto a él.

Éste se estrenaría tras las cámaras (por ello tuvo que dejar el papel de Mitch Leary, el villano de ¨En la Línea de Fuego¨, a John Malkovich), siendo la primera de las dos experiencias que tuvo como director, junto con ¨El Buen Pastor¨, realizada trece años después. Fácil de entender y sentir, la historia de Calogero no es más que la sincera visión de un joven que mora en un mundo lleno de violencia, corrupción y vicio, donde la gente se mata por unos dólares, donde el odio racial entre blancos y negros es de lo más peliagudo (ojo a cómo se retrata esto: los dos bandos pegan por igual), un joven atrapado entre las facilidades que ofrece la vida al margen de la ley y los consejos de un padre que no desea ver a su hijo convertido en un repugnante gangster.
El actor reciclado en director afronta su cometido con mucha competencia y dota a la gran historia de Palminteri de una atmósfera nostálgica y poética, descorazonadora a veces, levemente humorística en ocasiones, y ante todo realista. Sin embargo, aun tratándose de la autobiografía de Palminteri, DeNiro aplica lo aprendido con los años, y es inevitable no acordarse de las películas de gangsters que él mismo interpretó cuando uno ve la que nos ocupa, tales como ¨Érase una Vez en América¨, ¨Malas Calles¨ y, sobre todo, ¨Uno de los Nuestros¨, con la que comparte muchos puntos en común (la esencia de Scorsese se respira en cada una de las escenas de ¨Una Historia del Bronx¨).

Por una vez, DeNiro deja de ser el mafioso italoamericano que está acostumbrado a encarnar y se pasa al otro bando, al de la gente humilde y trabajadora, en un memorable personaje secundario que se lleva la mejor frase de la película (¨no hay nada peor que el talento malgastado¨), enfrentándose a un soberbio Chazz Palminteri, cuya carrera fue lanzada gracias a su papel del despiadado y melancólico Sonny. El joven Lillo Brancato y el pequeño Francis Capra brindan unas solventes actuaciones interpretando a Calogero. Para rematar, DeNiro invita a su amigo Joe Pesci para un genial cameo.
Humana y trágica. Genuino drama sobre la pérdida de la inocencia combinado con el más clásico cine de gangsters. Una pequeña gran joya que, pese a sus tópicos, merece ser descubierta.



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Ficha La Vergüenza

Mad Warrior

  • 11 Dec 2018

9



La Vergüenza
Una tranquila mañana, el Sol ilumina el paisaje y en el horizonte sólo se ven nubes. De repente, empiezan a caer bombas por doquier, a escucharse ensordecedores disparos y a verse aviones cruzando el cielo a gran velocidad.
Es el horror de sentirse atrapado en una guerra desconociendo quién es el enemigo o el aliado, de sentirse como Eva, ¨participando involuntariamente en el sueño de otra persona que debería sentir vergüenza al despertar¨.

Los 60 se estaban terminando para Ingmar Bergman. Un decenio en el cual el maestro sueco había descendido a lo más recóndito de su alma y su arte, iniciando este periodo con la renovación creativa que significará ¨Como en un Espejo¨. El cineasta pasó de una conquista exterior a un movimiento de repliegue, ganando el espacio interior en una profundidad cada vez más vertiginosa; la Trilogía del Silencio y la quiebra estética de ¨Persona¨ dieron paso a otra especie de tríptico no oficial con Max Von Sydow y Liv Ullmann de protagonistas cuyo primer título sería ¨La Hora del Lobo¨.
Bergman uniría a los actores en su siguiente proyecto, rodando de nuevo en su adorada Isla de Farö, eso sí, abordando un tema no muy recurrente en su cine: el del conflicto bélico. Bien conocido por todos es el carácter del director, quien despreciaba el compromiso político en el arte y la burocracia de su país, dadas sus experiencias en plena juventud durante la 2.ª Guerra Mundial, a partir de las cuales decidió condenar el determinismo social y el autoritarismo suecos. Aunque, en respuesta a los que pretendían encontrar similitudes entre su obra y la Guerra de Vietnam, tan presente entonces, ¨La Vergüenza¨, pese a tener la guerra como escenario, no trata sobre ésta.

El matrimonio Jan y Eva Rosenberg residen y trabajan en su humilde granja apaciblemente, aunque con sus conflictos personales, en una isla en la que se está viviendo una terrible guerra civil que asola el territorio. Sin radio ni teléfono, permanecen desinformados con respecto a la delicada situación; de repente, los efectos del conflicto les llegan a ellos, pasando de inmediato a ser perseguidos, maltratados y manipulados sin razón ninguna por unos crueles militares que buscan a cualquier sospechoso de estar contra su régimen.
Jan y Eva sufren una situación desesperada. No están en contra ni a favor de nadie, no saben qué sucede ni quienes son los malos o los buenos, sólo que sus vidas van a verse tambaleadas por el fuego, el odio, la pobreza y la masacre, que precipitarán a los demonios de su pasado a buscar una salida, cuya vía de escape más rápida será la de la violencia. Así nos introduce Ingmar Bergman en los horrores del conflicto bélico, de forma cruda y directa, criticando el control y la manipulación militar y con la intención de que nos sintamos como la pareja protagonista: atrapados, asfixiados y subyugados a los elementos derivados de una guerra cuyos motivos se desconocen, representados en el asedio y captura por parte de los soldados o encarnados en Jacobi.

Elementos destinados a romper la rutina de Jan y Eva y, por ende, a trastocar sus vidas drásticamente, las cuales pasarán por mutaciones diversas, ya sea acorde con los violentos hechos acaecidos (Jan deja de ser un cobarde timorato a un hombre desalmado y vengativo) o en contra de éstos (Eva cuenta a su marido en dos ocasiones sentirse en un sueño), y por extremas situaciones que les hagan aflorar sentimientos ocultos (el joven soldado herido podría ser el hijo sustitutivo que tanto desea Eva). Toda esta cadena de efectos colaterales de la guerra asalta al matrimonio sin previo aviso, que asiste resignado a su descomposición.
Para conformar ese hogar colmado de engaños y distanciamiento el director vuelve a recurrir a personajes clásicos de su obra: fríos, anclados en un malestar constante y cuyos rencores no dejan de alimentar un odio ansioso de manifestarse; de este modo, Eva y Jan no forman sino la típica pareja bergmaniana, hostil y mortificada (la misma de ¨Como en un Espejo¨, ¨Secretos de un Matrimonio¨ o ¨De la Vida de las Marionetas¨). Mientras tanto, la nostalgia, los recuerdos, el recurso de los sueños como evasión de la cruel realidad y la aparente imposibilidad de hallar una escapatoria y un futuro mejor impregna el descorazonador drama de ¨La Vergüenza¨.

En su tercera colaboración con Bergman, Liv Ullmann vuelve a sorprender en su encarnación de esa criatura aquejada por el pasado, frígida y neurótica al tiempo que enérgica en sus decisiones, enfrentándose de nuevo a un Max Von Sydow que interpreta de forma brillante a ese artista atormentado, cobarde indeciso e incapaz de afrontar los obstáculos al que los hechos transformarán radicalmente. Vuelve también Gunnar Björnstrand, habitual del director, esta vez dando vida al detestable coronel Jacobi, uno de los muchos elementos exteriores que invaden a la pareja.
Secuencias cámara en mano y banda sonora compuesta únicamente de disparos y explosiones sirven para que Bergman nos introduzca de lleno en una realista y trágica pesadilla, amarga, seca, siniestra, difícil de digerir. Última obra cinematográfica en blanco y negro del maestro sueco (¨El Rito¨ fue un trabajo para televisión), no tan recordada como otras realizadas en el decenio pero igualmente magistral, que encontraría su virtual continuación en ¨Pasión¨, de nuevo con Sydow y Ullmann como pareja protagonista.



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Ficha El Luchador

Mad Warrior

  • 11 Dec 2018

8



El Luchador
La gloria no es eterna, nadie permanece por siempre en lo más alto, y es que hay una verdad como un templo que dice que los años no pasan en balde...sin embargo, algunos todavía pueden levantarse, quitarse el polvo de encima e intentar brillar como antaño hicieron.
El siempre interesante Darren Aronofsky vuelve a la carga para sumergirnos en el que es, con perdón a los amantes de ¨Black Swan¨, su más duro, realista y mejor drama hasta la fecha.

Años atrás, Robin Ramzinski, más conocido como Randy ¨The Ram¨, era la envidia de los luchadores de lucha libre. Su fama y reputación eran bien conocidas. Todos le adoraban. Desgraciadamente, los 80 pasaron y ahora este hombre cansado y de vida rota es sólo un demacrado reflejo del campeón que un día fue y que creyó sería por siempre; su vida de excesos, drogas y alcohol le ha pasado factura y ahora se encuentra viviendo en una caravana, con una hija que le odia, trabajando en ocasiones en un supermercado a las órdenes de un capullo y visitando un club de striptease donde se consuela gracias a la ayuda de su amiga Pam.
Aunque ya no mantenga espectaculares combates como antes, participa con la misma energía y aplomo en algunos shows independientes en los que sigue siendo el rey del cuadrilátero; de repente, una gran oportunidad se le presenta: cruzar puñetazos de nuevo con Bob, ¨el Ayatollah¨, luchador que un día le venció convirtiéndose así en su máximo oponente, en el 20.º aniversario de su pelea conjunta. Pero esos planes se torcerán cuando a Robin le sobrevenga un ataque al corazón que quizá le aparte del mundo de la lucha libre para siempre...

La trayectoria cinematográfica de Darren Aronofsky, aquel genio que nos puso el estómago del revés con ¨Réquiem por un Sueño¨ y la inclasificable ¨Pi¨, puede ser corta (sólo seis películas) pero sin duda muy provechosa. Dos años después de la no muy bien acogida aventura existencialista de ciencia-ficción ¨La Fuente de la Vida¨, el director se interesó por el guión del escritor y redactor Robert D. Siegel, que centraba su acción en el mundo de la lucha libre (ese brutal ¨deporte¨ tan americano con más coreografía que un ballet que nada y menos tiene que ver con el clásico boxeo) y en una vieja gloria anclada en él.
Aunque fuese el celebérrimo Nicolas Cage quien estaba contratado para el papel protagonista, acabó marchándose del proyecto ya que Aronofsky deseaba colaborar con Mickey Rourke, otra estrella vejada que en tiempos anteriores se erigía como uno de los más atractivos, deseados y controvertidos actores de su generación gracias a títulos como ¨El Corazón del Ángel¨ y ¨Nueve Semanas y Media¨, y quien además tuvo un pasado como boxeador (bien reflejado en ¨Homeboy¨, que escribió y protagonizó), lo que le sirvió para dar forma a su Randy, ¨The Ram¨, pues él mismo revisó y reescribió ciertas partes del guión.

Aunque el director deja de lado las paranoias de corte surrealista y su tan característico estilo experimental, no abandona su obsesión por esos personajes caídos en desgracia y sus trágicas existencias, supeditadas a los reveses de las malas decisiones y un destino aciago que siempre se presenta en su contra; Aronofsky nos sumerge sin compasión en los entresijos del ¨wrestling¨ mientras dota al film de un tono realista y crudo, colocando su cámara detrás del protagonista para que le sigamos a todas partes y compartamos su infierno personal de primera mano, sus problemas para sobrevivir en un mundo que le ha dado la espalda y su nostalgia por el pasado tan glorioso del que una vez gozó.
¨El Luchador¨, no obstante, se aleja de la espiral de miseria en la que caían sin remedio los personajes de ¨Réquiem por un Sueño¨ y ofrece una alternativa a los suyos, así podemos ver que, aun siendo ¨viejos trozos de carne podrida¨, Pam y Randy pueden aspirar a una esperanzadora redención, especialmente este último, quien al final sólo ve la posibilidad de ser alguien respetado y querido dentro del ring, resucitando al gran luchador que en su día fue. Encarnando un papel no muy alejado del Johnny de ¨Homeboy¨, Rourke, inmenso a todos los niveles (ojo a su conversación con Evan Rachel Wood frente al mar), encontró en Randy a su álter-ego perfecto, ya que le sirvió para resurgir de sus cenizas en el mundo de Hollywood y olvidar, de algún modo, la vida de drogas, alcohol y excesos que propiciaron su debacle como actor.

La entrañable y a menudo tremendamente detestable Marisa Tomei se convierte en un personaje esencial del film al representar ese apoyo que necesita el protagonista en el mundo ¨real¨, aunque finalmente sea uno de los motivos de su desengaño y posterior decisión de volver a pelear. Muy correcta Evan Rachel Wood seguida de un desfile de profesionales del ¨wrestling¨ que ante todo funciona como un guiño a los fans.
Descorazonadora y nostálgica historia sobre la soledad, el precio de la fama y la búsqueda de una redención bastante convencional (sabemos que el héroe regresará a las cuerdas para recuperar su gloria y de paso morir en el lugar en el que puede ser él mismo) adornada con la espectacular banda sonora de Clint Mansell, que incluye temas de algunos de los más grandes grupos de ¨rock¨ y ¨heavy¨ de los 80.

La conversación entre Randy y Pam sobre la música de dicha época y el desprecio a los 90 y al ¨maricón de Kurt Cobain¨ es simplemente impagable.



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Ficha Altamira

Parnaso

  • 11 Dec 2018

7


Altamira
Pues era ignorante del tema y no había investigado quien había descubierto Las cuevas de Altamira. Ya por esto mismo, verla a merecido la pena. El descubridor de las pinturas de la cueva fue el descubridor y científico Marcelino Sanz de Sautuola que en una de sus multiples excursiones por las montañas, acompañado de su hija María, esta le espeto: ¡Mira, papá! ¡Bueyes pintados!
Después comenzó la búsqueda de los orígenes de las pinturas que no fue nada fácil pues entre otras cosas, se enfrentó con un par de prehistoriadores franceses católicos que se negaron a afirmar que las pinturas eran tan vetustas y lo tacharon de falsificador. En la peli se ve bien reflejada esta lucha de razón y fe. Aunque todo en su conjunto está bien, ya que Antonio Banderas me parece que hace uno de sus papeles más correctos, la ambientación y vestuario cumplen sin problemas, la fotografía brilla, y la música de Mark Knopfler con cuatro notas de guitarra que nos refleja la vida campestre,satisface. Eso si, que Irene Escolar aparezca simplemente como prólogo y epílogo es una pena.

Por cierto, que después de años pasados, uno de esos preshistoriadores franceses dió la razón al cántabro.

Interesante.



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Ficha Tully

Parnaso

  • 11 Dec 2018

7


Tully
Buena muestra de lo que conlleva ser madre. Aquí está, Marlo(Charlize Theron), una mujer con dos hijos a punto de traer a este mundo otro churumbel más, una vez nace este, si el estrés de cuidar de dos hijos y hacerse cargo de las tareas del hogar, el estrés se triplica y comienza su depresión post parto. Todo lo ve gris, sin alma, ya no se ve reflejada como ella era, todo cambia, pierde la chaveta y conoce a una ¨niñera¨ que la hace salir de su agujero oscuro.

Su marido, no se toca las pelotas, colabora en casa y con los hijos tras llegar del trabajo aunque de manera inconciente no se fija del estado moral de su mujer, y es que no se puede estar en todo, señores.

Me ha gustado, trata bien el tema de la maternidad sin caer en fantasías como que lo hijos te hacen mejor persona o te hacen una vida más feliz y mejor. Abriendo los ojos, ¡Ci ceñóh!



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Ficha Blanka

Parnaso

  • 11 Dec 2018

10


Blanka
¡OBRA MAESTRA!

EL directo japonés Kohki Hasei con ayuda de producción italiana pudo componer esta maravilla que trata sobre la pobreza en Manilla y la niñez. Recuerda Hasei en una entrevista que viajó a Manilla cuando niño y que años después volvía para dar regalos a los niños que conoció trabajando en el basurero.

El elenco no es profesional pero tienen un carisma y rezuman tanta ternura que llegan al alma. El hombre mayor llamado Peter, fue un músico callejero que el director conoció en el año 2012 y que lo necesitaba en su proyecto si o si, y tardaron en buscarlo un mes entero, después el rodaje con todos los niños que viven en la calle fue un tanto dificultoso ya que se metían en el set para ver como iban rodando la cinta.

Bien refleja la pobreza y el ¨modus vivendi¨ de los desfavorecidos y la alegría que muestran los filipinos a pesar de sus circunstancias. Hasei se encargo de no rascar la cara amarga de la situción y ofrecer una cara más alegre, y así es, pues Peter y Blanka componen un tandem perfecto lleno de humor, amor y fidelidad. Ver la peli es una constante de sonrisas, lágrimas y ternura.

La niña que es huérfana roba dinero con intención de que alguna mujer la adopte y a cambió le dé una cantidad de dinero, en el camino conoce al bonachón Pete que se convierte en su compañero fiel.



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Ficha El Santo

Mad Warrior

  • 11 Dec 2018

5



El Santo
Es carismático, inteligente, seductor, con un arte magnífico para el disfraz, un apetito voraz por el dinero y las emociones fuertes y, por encima de todo, un alma justa y generosa.
Jode a malvados millonarios, ayuda a los pobres, tiene más trucos que un mago, se llama Simon Templar y, para los que no lo conozcan, sus hazañas se cuentan por miles. Ahora, tras ocho años de ausencia en la pantalla, vuelve para enfrentarse a la que quizá sea su más peligrosa misión...

Este legendario personaje de ficción salido de la pluma del escritor Leslie Charteris allá por finales de los años 20, fue el protagonista de una serie de novelas que duró más de medio siglo, aunque sus correrías no se limitaron únicamente al universo literario; en 1.938, Templar vio su aparición en la gran pantalla de la mano de la RKO con ¨El Santo en New York¨. A partir de ahí, el gusto por ese criminal de fantásticas aventuras se extendió como la pólvora: en los 40 empezó una serie en la radio y una tira de cómics a finales del mismo decenio, por no hablar de todas las películas que siguieron.
Pero si por algo es recordado el bueno de Templar es por la exitosa serie de televisión ¨El Santo¨ durante los 60, con producción inglesa y un fantástico Roger Moore de protagonista (el actor encarnaría en la misma época a otro personaje de similares características). Mucho tiempo había pasado y muchos habían dado vida al antihéroe, aunque ninguno superó a Moore; Simon Dutton fue el último Templar en una adaptación de la televisión australiana hasta que los señores de Paramount Pictures tuvieron interés en revivir al ¨Santo¨ de Charteris, cosa que, por otra parte, también llevó su tiempo.

Parece que en los 90 la fiebre de modernizar series de televisión clásicas y llevarlas al cine estaba en su máximo apogeo. En 1.993 ¨El Fugitivo¨, en 1.996 ¨Misión: Imposible¨, y ese mismo año llegaría por fin la resurrección de Simon Templar; hasta su conclusión el proyecto fue una explosión de combustión lenta, con un guión que cambiaba a cada dos por tres y la dificultad de no encontrar a ningún actor para el papel. Finalmente, sería Val Kilmer el elegido, a quien dirigiría Phillip Noyce, de vuelta a la industria desde que realizara ¨Peligro Inminente¨ (segunda de las dos peripecias de Jack Ryan de las que se encargó) dos años atrás.
Esta vez, Simon Templar, ladrón profesional y sofisticado de turbulento pasado, se ve envuelto en una trama de corrupción política y estafa cuando intenta robar un microfilm al poderoso empresario y otrora jefe del partido comunista ruso Ivan Tretiak. Éste, enterado de sus habilidades, decide contratarle para apropiarse de la fórmula de un método revolucionario de energía llamado Fusión Fría, desarrollado por la guapa y soñadora doctora Emma Russell, a la que Templar tendrá que seducir y engañar...aunque eso será lo más fácil de la arriesgada misión.

Como suele ocurrir en las adaptaciones modernas cinematográficas, los personajes y su esencia no se respetan, y el Simon Templar que tenemos aquí tiene poco o nada que ver con el de la serie de televisión al que dio vida Roger Moore y menos aún con el original de Charteris; por supuesto sigue siendo un criminal con los atributos clásicos que se le concedieron, pero sus métodos y ética son muy diferentes, su pasado ha sido pura invención de Jonathan Hensleigh, así como su arte para disfrazarse. Todo ello deriva de un guión escrito acorde a la figura y personalidad de Val Kilmer, para mayor lucimiento de él.
Básicamente, la intención del sr. Noyce es hacer una película que entretenga, añadiendo todo aquello que pueda entrar en la coctelera de este tipo de ¨thrillers¨: asesinos mercenarios, políticos corruptos, guapas doncellas, microfilms, misiones de alto riesgo, agentes secretos, peligrosos romances...es decir, puro y duro espectáculo. Da igual si la trama carece de lógica o sentido, si a veces la absurda comedia hace sombra a la intriga y el suspense o si los diálogos parecen escritos por un oligofrénico, todo vale mientras el ritmo trepidante y las grandes dosis de acción entretengan al personal. Pero a decir verdad, la película entretiene lo justo como para no caer en el bostezo, aunque a veces se haga pesadísima.

Kilmer es un hombre carismático, para qué negarlo (sin embargo con los años ha ido perdiendo mucho...), pero jamás estará a la altura de Moore, y es que después de que el inglés encarnara a Templar ya nadie pudo hacerle sombra. Lo peor de todo es que le toca compartir pantalla con una Elisabeth Shue irritante; siempre me ha gustado esta actriz, pero aquí le falta más de un hervor.
Para rematar, unos villanos de chiste interpretados por Valery Nikolaev y Rade Serbedzija, quien se merecía un papel más digno (y pensar que en un futuro sería Boris, ¨el Navaja¨). Lo dicho, mucha persecución, mucha explosión, ritmo de videoclip, clichés de películas de ladrones profesionales y espías a punta pala, todo muy efectista, muy artificial, muy vacío, entretenido y poco más...pero lo peor son los personajes.

Uno de los puntos más flojos en la carrera de Phillip Noyce junto con ¨Furia Ciega¨ y ¨El Coleccionista de Huesos¨.
Este director, que siempre ha destacado por su habilidad con los ¨thrillers¨, podría haber hecho algo mucho mejor.



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Ficha An Education (Una Educación)

Parnaso

  • 12 Dec 2018

7


An Education (Una Educación)
En su día la vi y no me sedujo en absoluto. Ahora... Como han cambiado las cosas. Para se británica, no está mal, pero claro, si tenemos en cuenta que cuenta con un elenco medio americano, la cosa comienza a tomar su lógica pues hubiera llegado a ser interpretada por un elenco completamente inglés, ahora estaríamos hablando de otra película británica insípida más. Menos mal que tenemos a Alfred Molina y a Peter Sarsgaard por ahí aunque Carey Mulligan para ser inglesa tampoco nos deja fríos del todo.

La historia es interesante, trata sobre, como bien dice su título, la educación y el futuro. La peli transcurre en los años 60, por aquel entonces la rigidez moral estaba a la orden del día, con lo cual, ahí tenemos a Jenny encorsetada en su vida disciplinaria en la que obedece a sus padres y no vive una vida juvenil y alegre como quisiera, en entonces cuando conoce a Brit, un hombre díscolo que le ofrece una vida más improvisada. Ella al principio duda un poco pero el amor la nubla y no duda en relacionarse con él, Brit es un embaucador tremendo, sabe encandilar a los padres de Jenny con sus tretas, milongas y dominio bocal. Los padres quedan encantados, ellos mismos se alegran de que haya entrado en sus vidas y no les importa que este chico tenga más edad que su hija. Después llegan los contratiempos, se descubre la realidad de Brit, sus movimientos, su trabajo... Y toda la ilusión se desploma.

Me ha gustado, abordan bien los temas, todos cooperan en la educación de alguna manera, sus padres, la maestra, ella misma... Lo peor de todo, es que Jenny es una apasionada de Francia y por lo tanto nos tenemos que tragar canciones populares francesas que producen auténtico dolor de cabeza.

¨LA ACCIÓN NOS DA CARÁCTER¨



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Ficha Infierno de Cobardes

Mad Warrior

  • 11 Dec 2018

9



Infierno de Cobardes
Un jinete de origen desconocido baja de las altas llanuras y cruza el desierto para dirigirse a un pequeño pueblo que descansa a orillas de un gran lago y que guarda bajo sus hogares un pecado inconfesable que merece ser castigado.
Así se inicia el que es uno de los ¨westerns¨ más grandes y enigmáticos (sino el que más) que se hayan realizado, pese a no ser de los más conocidos. Una historia de castigo y venganza surgidos del mismísimo Infierno.

En los 70, no eran muchos los que proseguían con la honorable tradición del ¨western¨, género que había alcanzando su época crepuscular gracias a Peckinpah, Huston, Penn o Monte Hellman y que había viajado a su propio inframundo en el ¨spaghetti¨ capitaneado por Leone. A comienzos de década, un Clint Eastwood consagrado que vivía su momento de gloria, habiéndose ganado en EE.UU. tanto fans como detractores, y dos años después de debutar a la dirección con una interesante intriga deudora a partes iguales de Hitchcock y Siegel, ¨Escalofrío en la Noche¨, abordaría por fin su primera película del Oeste.
Un borrador de la historia fue suficiente para que el actor/director se lo propusiera a Universal Pictures, y del guión se encargarían Ernest Tidyman, escritor de ¨The French Connection¨, y Dean Riesner, colaborador habitual de Eastwood. Pero lo que éste tenía pensado no iba a ser, en absoluto, un tributo al ¨western¨ más clásico y convencional (pese a lo convencional de su planteamiento), sino una extravagante desviación en el camino de dicho género, de ahí que en lugar de iniciar el rodaje en los estudios de la Universal decidiera hacerlo en el pintoresco paisaje de Mono Lake, que dotaría de una extraña y exótica atmósfera al film.

¨Dicen que un muerto no descansa si en su tumba no está escrito su nombre¨, afirma Sarah casi divertida. En Lago se cometió un asesinato: el sheriff Jim Duncan fue apaleado hasta morir por tres indeseables que acabaron condenados, y todos lo presenciaron en silencio, sin hacer nada por él. Más tarde, un hombre llegará a Lago, un misterioso y cínico pistolero al que los habitantes pedirán ayuda para acabar con los que mataron a Duncan, quienes además tienen una cuenta pendiente que saldar con los del pueblo. Estos dos hechos, aparentemente separados, están conectados por un sentimiento irrefrenable de venganza.
Pocos ¨westerns¨ se han revelado tan desmitificadores y mordaces. ¨Infierno de Cobardes¨ tergiversa las claves del género hasta llevarlo a su más negro y pesimista reverso, burlándose de clásicos como ¨Sólo ante el Peligro¨ o ¨Raíces Profundas¨ mientras rinde homenaje a Siegel, Leone, Peckinpah y ¨Conspiración de Silencio¨, de John Sturges, en particular. En todo el ¨western¨ ha existido ese forastero que llega a un pueblo para luchar contra los malvados, ahora el extraño llega para castigar sin piedad a los lugareños. Llega de la nada, cual ángel exterminador, y a la nada regresa, su nombre y origen quedan en incógnita, tradición seguida por Eastwood desde ¨Cometieron dos Errores¨ (el muerto que vuelve de la horca convertido en comisario para vengarse...).

Así, el ¨bueno¨ pasa a ser un antihéroe en las antípodas de Wayne o Cooper y más propio de una novela negra de Jim Thompson. En futuros títulos como ¨El Fuera de la Ley¨ y ¨El Jinete Pálido¨ (versión luminosa de la que nos ocupa), los personajes encarnados por Eastwood tienen un objetivo: convertirse en benefactores de una comunidad, que reúnen y protegen, una pequeña nación capaz de resistir la maldad del Mundo; en ¨Infierno de Cobardes¨ esa comunidad soñada experimenta un revés de pesadilla, pues el forastero siembra la discordia entre las gentes, culpables de un crimen. Eastwood lanza su dura crítica: el pueblo americano ha avanzado a lo largo de su historia a base de injusticias y sacrificios en pos del progreso (así lo declara Lewis), por lo que toda comunidad puede ocultar un acto horrible si en ello le beneficia; el pueblo será, finalmente, pintado de rojo: América se va al Infierno.
Pero si algo da el valor a este ¨western¨ para distinguirse de los demás es la fantasmagoría que lo recorre de principio a fin, el enigma de ese sueño torturando la mente del extraño, la imagen del restallar de los látigos y un Duncan moribundo, la incógnita final con respecto a la identidad del forastero (el personaje de Eastwood le dice a Mordecai ¨Ese era mi hermano¨, refiriéndose al sheriff Duncan. Una frase que cambia, de arriba abajo, todo el sentido del film; pero resulta que este sabotaje contra la trama no sólo se da en el doblaje al castellano...¡sino también al francés, al alemán y al italiano! Paradójicamente, y esto es algo que no todos saben, la versión original del guión revelaba que el extraño pistolero es en realidad el hermano del ¨sheriff¨. Parece que esta visión más convencional de la historia fue adoptada por los que se encargaron del trabajo del doblaje. Sin embargo, en la versión original todavía se preserva el misterio, aun resultando más obvio cada vez que se ve la película: el forastero es el vengador espiritual del sheriff, un ángel exterminador encarnado en un pistolero, representación del reverso tenebroso de los tradicionales héroes del ¨western¨. ¡Adiós a toda esta fantasmagoría por culpa del doblaje! Pero como el Oeste es tierra de inmortalidad, sueños, imaginería y eternidad, dejemos que la incógnita se mantenga).

Eastwood reinterpreta al ¨Hombre sin Nombre¨ de la Trilogía del Dólar y lo hace más cínico, bruto, desagradable y despiadado, logrando una de sus actuaciones más salvajes y radicales; a su sombra, unos muy decentes Verna Bloom, Mitchell Ryan, Walter Barnes y Ted Hartley junto a los impagables Geoffrey Lewis, Mariana Hill y Billy Curtis, sin olvidar al colaborador del director (además de su doble) Buddy Van Horne, que da vida a Duncan.
Suspense de tintes sobrenaturales que por momentos roza el terror psicológico, realzado por una arriesgada y experimental puesta en escena, unos diálogos mordaces y cargados de humor negro y la ensoñadora música de Dee Barton, todo ello engarzado en un Oeste degenerado y desencantado, lo que no gustó nada a los defensores de los ideales tradicionales (se cuenta que John Wayne mandó una carta a Eastwood quejándose de la película...).

En cualquier caso, un ¨western¨ imprescindible.



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Ficha Anastasia

Parnaso

  • 11 Dec 2018

5


Anastasia
Pues será en mi opinión una de las películas clásicas animadas que más me ha defraudado. La historia de la Anastasia en ningún momento logra subyugarme. La historia es sencilla, no contiene momentos destacables ni álgidos y su final tampoco me ha gustado nada, para colmo, media película transcurre en París y es algo que no me agrada en absoluto. La peripecia de Rasputín no ofrece sus frutos y apenas aparece en pantalla cuando podría haber dado muchísimo más juego, su aparición final me parece irrisoria y atropellada. Es una historia sin brillo, sin chispa, las canciones no destacan, y el amorío es una pastelada monumental.

Aun así, poniéndole todo el interés del mundo logra aprobar los los pelos de los dedos meñiques del pie...



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Ficha El Grano de Mostaza

Parnaso

  • 11 Dec 2018

9


El Grano de Mostaza
Gran comedia negra protagonizado por el gran cómico Manuel Gómez Bur. En su travesía lleno de contratiempos le acompaña Rafael Alonso y más en la retaguardia una Gracita Morales que se desprende por un rato de su indumentaria de sirvienta y nos deleita, en mi opinión, con uno de sus mejores papeles. Su aparición es escasa, pero cada vez que abre la boca suelta alguna que produce una risa acojonante, esa escena de las galletas de barquillo es lo puto mejor.

Luego, la peli dirigida por Heredia(RAZA, SOLO ANTE EL STREAKING) es un ejercicio sobre en lo que se puede convertir una tontería mal resulta. El protagonista es un joyero de buenas virtudes que en un juego de cartas discute con un compañero y decide retarse con él en una fecha concreta, el hombre comienza a pensar en lo que le viene encima, se arrepiente, se amedentra... Y lo habla con un colega que se ofrece a ayudarlo para no acudir a la cita temida. Todo se vuelve en una historieta de Zipi y Zape, mala suerte, meteduras de pata, aprietos... Pasan por varios baches que les impide crear excusas para poder decir a su enemigo que no podrá ir.

Todo en ella está perfecto, las situaciones, el guión, el ritmo, el humor, el elenco está formidable... Y ese final que le pondría de mal humor a cualquiera porque no se puede tener tan mala suerte. Y es que el prólogo no puede ser más acertado, un grano puede convertirse en una bola gigante.

¡No se la pierdan!



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Ficha Ali

Parnaso

  • 11 Dec 2018

5


Ali
Ali es la opera prima del director español Paco R. Baños, en ella, cuenta la vida de una adolescente que adquiere mal carácter tras ver como la vida amorosa de su madre se va al traste cada dos por tres y porque ha de hacerse cargo de ella y del hogar, y por otro lado está negada a enamorarse del chico con el que se enrolla viendo la experincias fallidas de su madre.

No me ha gustado gran cosa, Ali es una borde de primera categoría, tiene la costumbre de contestar mal a todo el mundo aunque no les conozca de nada. Su amistad con las amigas no trasciende en ningún momento y la relación regulera que tiene con su madre tampoco es que incluya su génesis y por tanto queda un tanto a medio hacer. Luego las cosas se resuelven y Ali decide ser una muchacha diferente.

Aprueba por los pelillos de la nariz.



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