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Classroom 6

Es mala a rabiar, un falso documental, esta vez en un colegio, en la clase 6 donde se han producido hechos paranormales, pero durante todo el desarrollo no pasa nada de nada, solo se ven a los protagonistas en sus preparativos, para mi solo se salvan los ultimos quince minutos y lo linda de la protagonista, pareciera más un trabajo de estudiantes de cine que un filme de verdad.

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La Tumba de Ligeia

¨Los ardientes ojos negros de mi amor perdido refulgieron con un glorioso brillo, mientras los pálidos dedos se volvieron del color de la cera, y las venas de su amplia frente latieron vehementes con una dulce emoción. Vi que ella debía morir [...]. Pero no fue así. Las palabras no alcanzan a crear una idea de la feroz resistencia por ella mostrada en su lucha contra la muerte...¨.

Las descripciones y elucubraciones que el narrador anónimo de Allan Poe realiza a lo largo de ¨Ligeia¨, publicado en 1.838, inspirado por la mujer que da nombre al cuento, son de tal elaborada exquisitez que el lector tendrá la sensación de que ella misma se materializa a su lado y la siente en carne y hueso, desde esa ¨cabellera negra como el plumaje de un cuervo, profusamente rizada¨, y por supuesto esos ojos de los que habla largo y tendido. Narración detallista, con varios arcos, una gran cantidad de sucesos y giros, hasta llegar a un clímax apabullante de interpretaciones diversas...
Roger Corman la utilizará para dar carpetazo a su ciclo iniciado con ¨La Caída de la Casa Usher¨, tras cuatro años en los que ha llevado su cine de bajos presupuestos a una elevada concepción artística, y muy rentable; en impresionantes escenarios de la campiña inglesa recrea esa obra maestra de la ficción gótica a partir de un guión rico en detalles firmado por su colaborador, el luego muy aclamado Robert Towne. Pero como viene sucediendo en la saga el argumento debe extenderse hasta cubrir un largometraje...empañando la pureza y la belleza del texto original; de hecho aquí ya se empieza por eliminar a la inefable mujer de la ecuación. ¡Oh, mi Ligeia!

¨La Tumba¨ abre con su funeral, una secuencia inquietante y que ya impregna un halo de tragedia e insondable misterio, tal vez exhalado desde las ruinas de Castle Acre, y que acrecienta la presencia de un gato negro, muy importante en la historia pero ausente en el cuento, y de ese Verden Fell que modela Vincent Price a partir de otra sutil variación más del lejano Roderick de ¨Usher¨, también afectado de una peculiar enfermedad (a la luz, que no puede mirar, algo más metafórico que literal...), de un gran pesar en su mente y corazón provocado por una dama que ya no está junto a él y de una soledad que le consume poco a poco en su gran refugio gótico.
Se recuerda ¨El Entierro Prematuro¨ y se acerca una mujer (antes Emily, ahora es la Rowena del cuento) al protagonista de manera accidental, forjándose así los recelos, la atracción por éste, por su mansión, y el enigma que le rodea; sin embargo Elizabeth Shepherd, que encarna tanto a la fallecida Ligeia como a la noble rubia inglesa (desvelando Towne la influencia más que notable de ¨Vértigo¨) no acierta con ésta última, pues su actitud y su ininteligible carácter resultan un impedimento para comprender sus intenciones. Y típico de las otras adaptaciones, un tercero en discordia hace de la pareja un trío protagonista.

En este caso el inventado caballero Christopher, enamorado de Rowena...y al que no le tiembla el labio superior cuando decide por las buenas casarse con Verden. Pese al suspense que genera la presencia de Ligeia, ausente pero siempre cercana, y de las opresivas atmósferas que logran Corman, el operador Arthur Grant y el genio Daniel Haller, debemos poner voluntad en esta 1.a parte, que abusa de diálogos e interacciones que no llevan a ninguna parte, de inexplicables comportamientos y de elipsis despachadas con toda la desgana (¡en dos minutos Verden se vuelve a casar y regresa de su luna de miel a su abadía!).
Es la sesión de regresión realizada a Rowena lo que inicia una 2.a parte más interesante y satisfactoria; este momento, de hecho, posee una carga de emociones que se pone por encima de la lógica y abre la fisura a esferas más emparentadas con la realidad de los sueños. Llega así la posesión, casi demoníaca, la confusión de identidades, y con ella el paulatino descenso a la locura y al delirio; una secuencia de pesadilla que trastoca la mente de la nueva esposa, bellamente filmada, hace a la tragedia abierta a libres interpretaciones del relato escorarse a una fantasmagoría de fuerte potencia onírica y misticismo...

Cada esquina de la mansión parece rezumar el espíritu de la muerta, que toma posesión de los presentes y les manipula, funcionando el atormentado Verden cual esclavo de sus designios desde el más allá. Como historia de terror gótico que sigue los pasos iniciados en ¨Usher¨ con esos elementos tan característicos en tributo al poético, melancólico, oscuro y descarnado imaginario de Poe y la Hammer, ¨La Tumba¨ cumple su objetivo absorbiéndonos en sus fascinantes y asfixiantes recovecos, pero eso implica destruir con la mayor ruindad a la Ligeia original, y transformarla en un personaje pérfido, malicioso y vengativo sin razón...
Lo opuesto a su álter-ego de 1.838. Y es que la razón de la posesión de Rowena por la anterior quedaba en incógnita ya que las emociones y la consciencia del narrador no eran de fiar (en la tradición ¨poeniana¨) debido a su inestabilidad mental (y sobre todo a un recurrente consumo de opio); ¿incluso puede que Ligeia sólo fuese producto de la fantasía de un soñador? Pero aquí la fantasía pasa a ser una pesadilla muy real, cuya tensión y confusión estalla en un clímax de violencia visceral y espectáculo donde no puede faltar ese gran fuego purificador que condene los pecados y a los malos espíritus.

Price, que por poco no sale vivo del incendio ya que la escena se fue de las manos, trae consigo los tan imponentes tics que hicieron famoso a su personaje-tipo en la saga, si bien el papel iba a ser en un principio para el joven Richard Chamberlain (quien hubiese encajado mejor).
Su complejidad y temas hizo ser a la obra muy apreciada por el cineasta y por la crítica en general, pero en taquilla no rindió tan bien como sus predecesoras. Aunque el espíritu de la joya literaria que es ¨Ligeia¨ se profane un poco ésta termina siendo una de las más dignas entregas del ciclo Corman/Poe...

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El Palacio de los Espíritus

Maldiciones que caen sobre el Mundo, seres torturados hasta las últimas consecuencias por su terrible efecto, nigromantes caminando para saciar su sed de venganza, demonios salidos de las entrañas de la tierra para devorar a inocentes, palacios de esquinas mohosas donde se esconden horrorosas criaturas...

No es fácil adaptar a alguien como Howard P. Lovecraft, sus estremecedores imaginarios, sus mundos imposibles cuyas reglas sólo obedecen a su propia configuración maligna y rinden cuentas a sí mismos, razón de que tardase tanto en aparecer algo remotamente de su propiedad en la gran pantalla y de que a veces funcionen mejor aquellos films que simplemente le rinden tributo. Llegó en 1.963, cuando otros autores de terror ya habían sido llevados al cine décadas antes, de la mano de un Roger Corman en ese momento de su carrera en el cual su maestría ha quedado más que demostrada.
Ese momento en que está recreando varios cuentos de Allan Poe para A.I.P. junto a un equipo magnífico y principalmente con Vincent Price de protagonista; opta por desmarcarse de dicha serie cuando descubre un guión de Charles Beaumont inspirado en la mítica ¨The Case of Charles Dexter Ward¨, no publicada hasta veinte años después de su concepción y muy importante en su obra pese a renegar de ella el nativo de Providence. Lo malo es que la productora, para no arriesgarse y aprovechando la popularidad del ciclo, exige al cineasta agregar el poema ¨The Haunted Palace¨ al libreto y hacer pasar la película como otra adaptación de Poe.

El resultado es un híbrido interesante y una de las mejores producciones de Corman. Las semejanzas con los anteriores títulos no tarda en aparecer repitiéndose una vez más el esquema argumental de los extranjeros que llegan a un castillo de misteriosa historia en los límites de una tierra envuelta por la desolación y la maldad; aquí sucede lo mismo, pero después de enfrentar una encarnación tan real del Mal como el noble y cruel alquimista Curwen, actos de sacrificio y brujería y una violencia física y psicológica extrema cuando el pueblo entero se revela contra la magia negra y las maldiciones.
Esta es la ficticia Arkham, creada minuciosamente por Lovecraft y que tantos relatos suyos ocupó, y aunque aquí nos desplacemos cientos de años en el futuro nada parece cambiar; Daniel Haller, Floyd Crosby y el compositor Ronald Stein nos sumergen en un lugar de neblina perpetua, enclaustrado en su propia maldición, lo que refuerza el que se use a los mismos actores para encarnar a los descendientes de aquellos que condenaron a Curwen. Tanto en exteriores como en interiores Corman parece prestarse más a subrayar esta sensación de claustrofobia por medio de una fijación obsesiva por los tonos negros, que devoran el espacio y a quienes se adentran en él.

Los destellos inconfundibles de la imaginería ¨poeniana¨ se infiltra en los poros de las viscosas horrorosidades de Lovecraft, y la combinación de ambas realidades no podía ser más atractiva, sobre todo en el plano formal; la caída en la histeria, el desequilibrio y la confrontación de identidad debido a la herencia de una estirpe maligna, ¨marca de la casa¨ de la saga (y en este caso muy cerca de la sufrida por Medina en ¨El Péndulo de la Muerte¨), tienen gran peso en la historia, pero todo rastro del romanticismo, la bella poética macabra y el melancólico existencialismo de Poe es barrido por las garras de un terror escabroso que se abre paso con violencia.
Nueva Inglaterra como reflejo del miedo ancestral y Price increíble en la piel de un Ward cuya mente se desmorona por la influencia de Curwen, pero una reimaginación del protagonista de la novela, así como una reescritura de ésta, pues los caminos que trazan Beaumont y Corman son narrativamente más fieles a la lógica del autor de Massachusetts que al periplo en el cual se embarca aquel joven Charles huido del manicomio y cuyos pasos sigue el genial antagonista Marinus Willet (quien regresa en el film convertido en el doctor del pueblo) al enterarse de que el primero vive obsesionado con su antepasado, temible nigromante que termina resucitando y asesinándole para tomar su lugar.

Este Charles no se aparta de los torturados individuos a quien Price se ha especializado en dar vida, en el que se recrea y saborea en su actuación, un derivado elegante, misterioso e incluso sensual del desquiciado original (pero por encima de ellos, pues se trata en realidad de un doble papel), al que además se le otorga la presencia de una esposa, Ann, la bellísima Debra Paget, quien por desgracia no posee la fuerza de anteriores personajes femeninos, ni revela que pueda haber algo interesante bajo esa débil figura de ¨mujer-florero¨ obediente y sacrificada hasta ya llegados los instantes climáticos...
Instantes de gran fuerza visual para hacer honor a los mundos de Lovecraft, donde vuelve a brillar la composición de la estética, las atmósferas y colores que ofrece Haller a la mano maestra de Corman, muy cuidadoso como nunca antes filmando en interiores y por medio de unas maniobras con la cámara y el espacio que hacen de ese epílogo donde se vuelven a concentrar todos los elementos del imaginario ¨lovecraftiano¨ (criaturas informes, brujería, demonios, muertos resucitados, sacrificios, el legendario Necronomicón) uno de los mejores del cine de terror que jamás se hayan visto. Y rematado con las líneas del poema de Poe, por supuesto, para que el público no acabara confundido...

Esta versión de ¨Charles Dexter Ward¨ toma su propio camino, pero en absoluto defrauda a los fans del género; quizás sí a los fans del autor, aunque hubiese resultado casi imposible adaptar el relato tal y como lo imaginó él (yo siempre he creído que Lovecraft es infilmable).
Y no podemos olvidar las grandes apariciones de Elisha Cook, Leo Gordon, Frank Maxwell y el gran Lon Chaney; pero es Price quien acapara, ni que decir tiene, toda la atención. Inolvidable sus expresiones durante la ambigua conclusión...

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Yo Fui un Cavernícola Adolescente

Época de cavernas, indefinida, extraña y oscura, de tribus y civilizaciones tempranas, de miedos a temores inexplicables, también de curiosidades.
En uno de los vistazos más cutres uno de sus moradores se empezará a preguntar un montón de cosas...

En A.I.P. las cosas seguían como siempre: viento en popa en materia de ofrecer películas de bajo consumo para atraer algo de público adolescente (una moda pronunciada al ofrecer de manera tan seguida ¨Yo fui un Hombre-lobo Adolescente¨ y ¨Yo fui un Frankenstein Adolescente¨); el sr. Roger Corman, por su parte, ha rodado en diez días ¨ ¨Machine-gun¨ Kelly¨ y se trata de una de sus experiencias más satisfactorias, sobre todo teniendo en cuenta que es la primera vez que la crítica profesional habla bien de él. Pero es un director de contrato y debe seguir cumpliendo, por ello se mete en la rápida producción de ¨Teenage Caveman¨, de unos 70.000 dólares.
De nuevo los créditos son lo más destacado, arreglados a base de pinturas y dibujos abstractos para, de la manera más barata posible, comentar el origen de La Tierra y el ser humano según los principios bíblicos. De ahí nos vamos al seno de una clásica tribu prehistórica...o así debería ser, pero el dinero, la falta de tiempo y la poca atención a los detalles de su artífice, que no está muy contento con el proyecto, no nos ofrecen un trato auténtico de este mundo y sus individuos. Es ridícula la visión de un puñado de hombres de las cavernas perfectamente arreglados, limpios y en unas condiciones mejores que muchos ciudadanos de clase baja de aquel 1.958.

Pues resulta que estos pulcros señores también se cuestionan sobre la tierra que les rodea, en concreto el más joven, un Robert Vaughn de carrera recién empezada que con casi 30 años tiene que pasar por un adolescente (y con el cabello engominado) deseoso de atravesar los límites impuestos por las absurdas leyes de su grupo, leyes que alaban los logros conseguidos por la especie, desprecian lo ajeno y temen lo desconocido. Sin duda unos cavernícolas modelo; además de un aspecto impoluto se enredan en discusiones intelectuales acerca de los misterios de la existencia, la defensa de las normas e incluso los dioses (¿pero qué dioses?, ¡si son cavernícolas!).
Lejos de estas peroratas el escenario está resuelto gracias a las tomas robadas del clásico de Hal Roach ¨Hace un Millón de Años¨, cuya estética, también pobre en realismo, seguía muy vigente una década después; el guión de Robert W. Campbell apunta a temas muy interesantes, pero dado que todo esto ocurre en dicho escenario la combinación no podría ser más anacrónica y estrafalaria. La acción y el ritmo tampoco ayudan y el escaso metraje se estanca y alarga más de lo que debiera, ya que las huidas aventurescas del protagonista vuelven a conducir a peleas reflexivas con sus congéneres.

Con respecto a ellos son personajes ininteligibles y desagradables. El padre del chico (y narrador del film, el precario Leslie Bradley) no le defiende cuando todos desean matarle por transgredir las reglas; su novia (preciosa Darah Marshall que, al igual que sus compañeras de tribu, está recién salida de una agencia de modelos) es una subnormal que habla poco y nunca le acompaña en sus viajes (un pobre reclamo de A.I.P. para el público); y el hombre que le manipula para ir a la zona prohibida luego se levanta iracundo contra él, que no revela nada de esto a los demás, por cierto...
Es un desarrollo extraño, de idas y venidas y enfrentamientos que no parezcan que puedan llevar a ninguna parte. Podrían considerarse atractivas las apariciones de dinosaurios y criaturas, pero es que están tomadas de otra película con toda la caradura; queda el misterio de ese ser aberrante con pinta de monstruo de ciencia-ficción al cual denominan ¨un dios que mata al contacto¨, y que viene a convertirse en la parte más interesante del argumento. En una decisión audaz Campbell y Corman hacen de él la pieza fundamental de una ingeniosa vuelta de tuerca que hace añicos la lógica de la historia y el escenario.

De hecho consiguen adelantarse en años al apocalíptico y amargo desenlace sorpresa de ¨El Planeta de los Simios¨ mientras el cineasta recupera el miedo a la amenaza nuclear tan típica de aquellas fechas, que ya expuso en ¨El Día del Fin del Mundo¨. Pero aquí todo está mal.
El error del guión es profundizar más de lo que se debe (y lo hace de manera chapucera) en esa sorpresa en lugar de dejarla en algo simplemente insinuado y ambiguo, para hacer pensar al espectador en las múltiples posibilidades; no es raro que Corman despreciase el film, y menos aún Vaughn, que para colmo de males sufrió un rodaje lleno de percances, antes de saltar a la fama con ¨Los Siete Magníficos¨ y su papel de Napoleon Solo en ¨The Man from U.N.C.L.E.¨.

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El Día del Fin del Mundo

Fábula del fin de los días, la hecatombe ha sucedido y las ciudades son amasijos de escombros.
Con todo esto da comienzo el amanecer de una nueva era según la visión de uno de esos directores clave para entender la ¨sci-fi¨ de los 50 en adelante.

Además se halla en un momento importante. Roger Corman tiene 29 años y ha dirigido ya, oficialmente, dos películas, en el género que menos le atraía de todos: el ¨western¨. Es una parte más de la ínfima productora A.R.C. propiedad de Samuel Arkoff, James Nicholson y Alex Gordon, y va a ser contratado para ocuparse de su primer largometraje de ciencia-ficción escrito por el guionista todoterreno Lou Rusoff, cuñado Arkoff, tras ocurrírsele a Nicholson el título. Con exteriores situados en Los Angeles e interiores precarios el joven director se hizo con un presupuesto holgado, para lo que estaba acostumbrado (de 70.000 a 90.000 según las distintas leyendas).
Unos títulos de crédito llamativos, lo que sería una de sus señas de identidad para la posteridad, nos meten de cabeza en un entorno provocado por lo que parece ser una 3.ª Guerra Mundial con agravante atómico. Tema estrella de aquellos tiempos debido a la crisis de la Guerra Fría, era cuando Eisenhower y sus asesores planeaban respuestas nucleares contra la U.R.S.S. y se anunció que los comunistas podrían haberse infiltrado en la C.I.A., tiempos de pánico donde aún se respiraban las nubes radioactivas de Hiroshima y Nagasaki, haciendo que en la ficción esto se tradujera en historias de fantasía apocalíptica.

Pero el más directo predecesor de ¨El Día del Fin del Mundo¨ lo marca ¨Cinco¨, pequeño clásico de Arch Oboler pionero en proponer un entorno post-apocalíptico ocupado por unos pocos supervivientes. La principal desemejanza, además de que éste se filmó en exteriores, es que su cierta audacia presentando a un grupo heterogéneo lo pasa Rusoff por el filtro de lo convencional y lo fantasioso (al estilo de un John Wyndham, por ejemplo). También se permite licencias pues el tiempo de rodaje (menos de dos semanas) no dejaba márgenes para desarrollar la trama ni los personajes.
Ahora éstos aumentan a siete y se reúnen, al mismo tiempo y llegados de no se sabe dónde porque no se nos explica, en la morada del científico militar (o lo que quiera que sea) Maddison y su hija Louise, bien protegida en un cañón contra la radiación exterior. En primer lugar: ni las montañas protegen de la radiación ni por culpa de ella se producen mutaciones monstruosas, que será uno de los elementos clave de la historia, pero esto es horror/ficción de entretenimiento y no de base científica. La importancia recae en la relación de los seres humanos cuando no queda civilización a la que aferrarse, tema típico de estas historias e interesante si sabe llevarse a cabo.

El problema son esos convencionalismos del guión, que asigna a cada actor un rol de estereotipo algo farragoso, sin salirse demasiado de la norma: el sensato líder que a lo Noé acoge en su arca a los desamparados en el diluvio nuclear (un ¨johnwayniano¨ Paul Birch); el adonis valiente y romántico (Richard Denning); la chica pueblerina de espíritu puro (actriz de Universal Lori Nelson), en oposición con la mujerzuela de ciudad, desgraciada, lujuriosa y envidiosa (la actriz clásica de comedias Adele Jergens, y la más auténtica del acartonado grupo); el buscador de oro simpático pero cínico (la estrella del mudo Ray Hatton); y el italoamericano buscaproblemas que crispa el ambiente (repelente Mike Connors).
No cuesta averiguar, desde su aparición, quiénes van a quedar en pie; preferentemente aquellos con buenas intenciones, evocadores de la creencia religiosa y la fe, cristianos bondadosos. Por supuesto es la chica dispuesta a asumir los tradicionales votos nupciales la destinada a vivir; a la otra le espera lo que pide: un destino trágico. Los pecaminosos, brutos o egoístas no tienen ninguna posibilidad (cuando en la vida real sería al revés); el séptimo en discordia es un pobre tipo (inquietante Paul Dubov) afectado por la radiación que poco a poco irá mutando en una criatura humanoide violenta, a quien todos evitan con miedo.

Maddison incluso planea su asesinato sin pararse a pensar en la utilidad de observar los efectos para aprender. Durante un buen trecho de trama, como la base narrativa está establecida, no habrá casi movimiento ni sorpresas lejos de las rencillas entre los supervivientes encerrados; se forjan algunos misterios con respecto a las mutaciones y crece la paranoia y el miedo a la amenaza exterior, como si no fuese suficiente la amenaza interior, haciendo que no sea realmente necesaria la aparición de un monstruo extraño (mejoraría, dado las pobres técnicas y maquillaje, que éste se mantuviera oculto al ojo del espectador, insinuándose pero no mostrándose).
Valía más construir un elaborado drama humano. Pero esa no era la intención de los productores; tampoco de Corman, cuyas habilidades de cineasta no habían aflorado aún, quejándose muchos de los actores de su falta de dirección. Y es que éste no sé sentía entonces ni mucho menos un artista, sino un trabajador que deseaba poner sobre el tapete los resultados gastando lo menos posible; lo importante para él era ésto, el resultado final, no el proceso de realización...y esta falta de tacto en los detalles, de desgana en la calidad creativa, provoca la mediocridad en líneas generales.

Aun así, por alguna razón incomprensible, a pesar de todas esas flagrantes limitaciones y errores (¿no debería haber tenido el papel de Radek más protagonismo dramático?), el producto consigue entretener con su mezcla bizarra de suspense, melodrama negro de andar por casa, distopía, horror fantástico y romance.
Es esa curiosa habilidad mágica del nativo de Michigan de extraer algo bueno de donde aparentemente no lo hay y enganchar hasta el final. Desde luego funcionó en aquel momento, recaudando en sesiones dobles más del quíntuple del presupuesto; artista o no, sólo un genio logra eso.

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Girl Hell 1999

filme nipon que es una mera escusa para disfrutar de la violencia, el gore y mujeres ultrajadas por enfermizos personajes... muy propio de japon. sin embargo los personajes son muy bizarros, desde la mujer con la muñeca hasta los dos violines, toda gente desagradable e ideal para un filme de esta indole.
no es un filme para todo mundo, aunque su corta duracion la hace mas dinamica.

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Women in Cellblock 9 (Tropical Inferno)

“Frauen für Zellenblock 9” (bonito título) aka “Women in Cellblock 9”, aka “Tropical Inferno” es una de las incursiones de Jesús Franco en el WIP, y que en este caso se beneficia de la presencia de guapas actrices como Karine Gambier, Aida Gouveia, Esther Studer y, atención, Susan Hemingway, que desde los 16 años participó de la troupe (y juergas) de Franco, y que incluso aparece en las películas hardcore del director malagueño.

Las cuatro bellas chicas (extrañamente no aparece Lina Romay, lo que lamento) están desnudas casi todo el tiempo y son obligadas a pasar por las humillaciones típicas de una película de mujeres en prisión: desnudez, interrogatorio, tortura y amenazas de los malvados y sádicos Dora Doll y Howard Vernon. A destacar la escena en que Doll y Vernon, elegantemente vestidos y tomando champagne, obligan a Susan Hemingway a lamer la vagina de Doll. O la escena en que la rubia platinada Karine Gambier es violada y torturada con el cuerno de un rinoceronte y un ratón vivo. Algo más agradable: una larga escena lésbica entre las cuatro beldades para intentar seducir a un incauto carcelero.

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La Esclava Blanca

Una pareja de recién casados, Mary (Karin Dior) y Oliver (Diego Porta), parten de luna a miel a un safari africano, ya que nada une más al matrimonio que matar animales en peligro de extinción. Son guiados por “Michel” y su esposa despiadada y controladora. También los acompaña un ayudande yonqui (que se chuta heroína en media selva). No sospechan que son vigilados por los nativos, que desean una mujer para violarla y sacrificarla. Es curioso que los nativos claramente especifican que la víctima debe ser rubia y virgen, y Mary tiene el cabello oscuro y, al estar casada, obviamente no es virgen (¡!).

Estamos ante otra película de aventuras en la jungla de Jesús Franco, y está entre las más flojas, ya que el prolífico director tenía sus buenos momentos en el terror, el gótico y el erótismo, pero cuando se zambullía en el género de aventuras generalmente se hundía. Acá tenemos un presupuesto mísero, una trama que incluye el tráfico de diamantes, las infaltables escenas de chica desnuda atada, poca violencia, nada de sexo y a Franco haciendo el montaje y el doblaje, por lo que puedes escuchar su voz como un loro y como el yonqui Marco.

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The Boogeyman

The Boogeyman es una película de terror que, aunque tiene buenas intenciones, no logra destacar dentro del género. La trama intenta jugar con los miedos infantiles y la sensación de vulnerabilidad, pero no logra desarrollarlos de manera efectiva.

El mayor problema de The Boogeyman radica en su guion. La historia es predecible y carece de momentos realmente impactantes o sorprendentes. Los sustos son escasos y no logran generar una sensación genuina de miedo.

A pesar de sus intentos por crear una atmósfera escalofriante, la película no logra mantener un ritmo adecuado. Hay momentos en los que la trama se estanca y resulta aburrida, haciendo que los minutos se sientan interminables.

Le otorgo una calificación de 5 sobre 10.

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The Boogeyman

The boogeyman es una propuesta de terror que asusta desde un punto de vista psicológico más que visual. La película crea un concepto aterrador en torno al monstruo, rememorando las pesadillas de la infancia. La criatura se mantiene en la oscuridad para estimular la imaginación del espectador.

Destacan las actuaciones de Sophie Thatcher y Vivien Lyra Blair. Aunque se echa en falta una mayor profundización en la historia, la película entretiene y espanta, haciendo que más de uno revise su armario y debajo de la cama antes de dormir.

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