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Ficha Ju-on: The Beginning of the End

DE NIRO

  • 4 Jun 2023

5


Ju-on: The Beginning of the End
Es entretenida aunque sea más de lo mismo, tarda en arrancar como todas las de esta saga, terror clasico del folklore japones, quizás lo que tiene esta es que ahonda en la historia de hechos pasados, el niño Toshi que es el alma mater de las escenas de terror junto a los ruidos espeluznantes de su madre, explicando en forma vaga el comienzo de la maldición, siento que a esta altura ya se hace un tanto repetitiva, valoro que esté en idioma original, le suma bastante.



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Ficha Classroom 6

DE NIRO

  • 4 Jun 2023

2


Classroom 6
Es mala a rabiar, un falso documental, esta vez en un colegio, en la clase 6 donde se han producido hechos paranormales, pero durante todo el desarrollo no pasa nada de nada, solo se ven a los protagonistas en sus preparativos, para mi solo se salvan los ultimos quince minutos y lo linda de la protagonista, pareciera más un trabajo de estudiantes de cine que un filme de verdad.



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Ficha Iron Man 2

DE NIRO

  • 3 Jun 2023

7


Iron Man 2
Lo que destaco en esta entrega es la profundización en el personaje de Tony Stark, el porque de su personalidad y su busqueda de aprobación, aqui el gobierno norteamericano quiere quedarse con las licencias de sus creaciones, sus potenciales armas en contra de los paises en guerra, me gustó mucho el villano, Mickey Rourke, un cientifico exiliado en Rusia, busca la venganza y está bastante trastornado, tambien los inicios de los agentes de SHIELD, con Fury, Natasha Romanov etc, y como siempre el carisma de Robert D.J.



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Ficha La Tumba de Ligeia

Mad Warrior

  • 3 Jun 2023

7



La Tumba de Ligeia
¨Los ardientes ojos negros de mi amor perdido refulgieron con un glorioso brillo, mientras los pálidos dedos se volvieron del color de la cera, y las venas de su amplia frente latieron vehementes con una dulce emoción. Vi que ella debía morir [...]. Pero no fue así. Las palabras no alcanzan a crear una idea de la feroz resistencia por ella mostrada en su lucha contra la muerte...¨.

Las descripciones y elucubraciones que el narrador anónimo de Allan Poe realiza a lo largo de ¨Ligeia¨, publicado en 1.838, inspirado por la mujer que da nombre al cuento, son de tal elaborada exquisitez que el lector tendrá la sensación de que ella misma se materializa a su lado y la siente en carne y hueso, desde esa ¨cabellera negra como el plumaje de un cuervo, profusamente rizada¨, y por supuesto esos ojos de los que habla largo y tendido. Narración detallista, con varios arcos, una gran cantidad de sucesos y giros, hasta llegar a un clímax apabullante de interpretaciones diversas...
Roger Corman la utilizará para dar carpetazo a su ciclo iniciado con ¨La Caída de la Casa Usher¨, tras cuatro años en los que ha llevado su cine de bajos presupuestos a una elevada concepción artística, y muy rentable; en impresionantes escenarios de la campiña inglesa recrea esa obra maestra de la ficción gótica a partir de un guión rico en detalles firmado por su colaborador, el luego muy aclamado Robert Towne. Pero como viene sucediendo en la saga el argumento debe extenderse hasta cubrir un largometraje...empañando la pureza y la belleza del texto original; de hecho aquí ya se empieza por eliminar a la inefable mujer de la ecuación. ¡Oh, mi Ligeia!

¨La Tumba¨ abre con su funeral, una secuencia inquietante y que ya impregna un halo de tragedia e insondable misterio, tal vez exhalado desde las ruinas de Castle Acre, y que acrecienta la presencia de un gato negro, muy importante en la historia pero ausente en el cuento, y de ese Verden Fell que modela Vincent Price a partir de otra sutil variación más del lejano Roderick de ¨Usher¨, también afectado de una peculiar enfermedad (a la luz, que no puede mirar, algo más metafórico que literal...), de un gran pesar en su mente y corazón provocado por una dama que ya no está junto a él y de una soledad que le consume poco a poco en su gran refugio gótico.
Se recuerda ¨El Entierro Prematuro¨ y se acerca una mujer (antes Emily, ahora es la Rowena del cuento) al protagonista de manera accidental, forjándose así los recelos, la atracción por éste, por su mansión, y el enigma que le rodea; sin embargo Elizabeth Shepherd, que encarna tanto a la fallecida Ligeia como a la noble rubia inglesa (desvelando Towne la influencia más que notable de ¨Vértigo¨) no acierta con ésta última, pues su actitud y su ininteligible carácter resultan un impedimento para comprender sus intenciones. Y típico de las otras adaptaciones, un tercero en discordia hace de la pareja un trío protagonista.

En este caso el inventado caballero Christopher, enamorado de Rowena...y al que no le tiembla el labio superior cuando decide por las buenas casarse con Verden. Pese al suspense que genera la presencia de Ligeia, ausente pero siempre cercana, y de las opresivas atmósferas que logran Corman, el operador Arthur Grant y el genio Daniel Haller, debemos poner voluntad en esta 1.a parte, que abusa de diálogos e interacciones que no llevan a ninguna parte, de inexplicables comportamientos y de elipsis despachadas con toda la desgana (¡en dos minutos Verden se vuelve a casar y regresa de su luna de miel a su abadía!).
Es la sesión de regresión realizada a Rowena lo que inicia una 2.a parte más interesante y satisfactoria; este momento, de hecho, posee una carga de emociones que se pone por encima de la lógica y abre la fisura a esferas más emparentadas con la realidad de los sueños. Llega así la posesión, casi demoníaca, la confusión de identidades, y con ella el paulatino descenso a la locura y al delirio; una secuencia de pesadilla que trastoca la mente de la nueva esposa, bellamente filmada, hace a la tragedia abierta a libres interpretaciones del relato escorarse a una fantasmagoría de fuerte potencia onírica y misticismo...

Cada esquina de la mansión parece rezumar el espíritu de la muerta, que toma posesión de los presentes y les manipula, funcionando el atormentado Verden cual esclavo de sus designios desde el más allá. Como historia de terror gótico que sigue los pasos iniciados en ¨Usher¨ con esos elementos tan característicos en tributo al poético, melancólico, oscuro y descarnado imaginario de Poe y la Hammer, ¨La Tumba¨ cumple su objetivo absorbiéndonos en sus fascinantes y asfixiantes recovecos, pero eso implica destruir con la mayor ruindad a la Ligeia original, y transformarla en un personaje pérfido, malicioso y vengativo sin razón...
Lo opuesto a su álter-ego de 1.838. Y es que la razón de la posesión de Rowena por la anterior quedaba en incógnita ya que las emociones y la consciencia del narrador no eran de fiar (en la tradición ¨poeniana¨) debido a su inestabilidad mental (y sobre todo a un recurrente consumo de opio); ¿incluso puede que Ligeia sólo fuese producto de la fantasía de un soñador? Pero aquí la fantasía pasa a ser una pesadilla muy real, cuya tensión y confusión estalla en un clímax de violencia visceral y espectáculo donde no puede faltar ese gran fuego purificador que condene los pecados y a los malos espíritus.

Price, que por poco no sale vivo del incendio ya que la escena se fue de las manos, trae consigo los tan imponentes tics que hicieron famoso a su personaje-tipo en la saga, si bien el papel iba a ser en un principio para el joven Richard Chamberlain (quien hubiese encajado mejor).
Su complejidad y temas hizo ser a la obra muy apreciada por el cineasta y por la crítica en general, pero en taquilla no rindió tan bien como sus predecesoras. Aunque el espíritu de la joya literaria que es ¨Ligeia¨ se profane un poco ésta termina siendo una de las más dignas entregas del ciclo Corman/Poe...



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Ficha El Terror

Mad Warrior

  • 3 Jun 2023

6



El Terror
Un gran castillo en mitad de la nada, un bosque donde los fantasmas se cruzan con maldiciones, una cripta desde donde los muertos se han levantado clamando venganza.
Es el misterio del barón Von Leppe y la extraña mujer que le atormenta, Ilsa, digno del mejor Allan Poe.

Y es que entre medias de la larga saga dedicada al autor, Roger Corman aprovechó y dio vida a algunas obras que bien proseguían la herencia de su imaginería única; ¨El Terror¨ es sin duda la más representativa. También se puede considerar la quintaesencia de lo que significaba el ¨método Corman¨ en cuanto a creación de películas; en ese momento ha terminado la horrible versión de ¨El Cuervo¨, convertida en una fantasía de terror y humor, y el productor Samuel Arkoff se percata de que los decorados aún no han sido desmontados. En efecto, iban a ser reutilizados en un proyecto personal que sólo un cineasta ¨maverick¨, y muy descarado, podría acometer.
La historia de la caótica filmación y la forma de armar las piezas resultantes es todo un asunto de análisis para los estudiantes de cine en cuestión de imaginación y economía más allá de límites presupuestarios. La cosa (sin profundizar mucho en ello) consistió en usar a Boris Karloff para unos días de rodaje sin ninguna historia concreta; más tarde el guión empezó a elaborarse pero Corman no se pudo encargar de la dirección por falta de dinero y las leyes sindicales cinematográficas...así que sus ayudantes le sustituyeron en los meses siguientes, cada uno realizando pequeñas porciones de metraje con sus propios gustos mientras el argumento iba mutando en cada una de ellas.

Todo un desafío tuvo que ser para Stuart OBrien el cuadrar en la sala de edición lo hecho mes tras mes por Francis F. Coppola, Jack Hill, Monte Hellman, Dennis Jakob e incluso el propio Jack Nicholson, a quien vemos aparecer en la historia como esos extraños viajeros que ocupan la saga de Poe, de cuyo mundo se hereda cada palmo, cada frase, cada plano y cada nota, y cualquiera afirmaría que parece encajar a la perfección según la enfermiza lógica ¨cormaniana¨. Si en ¨El Péndulo de la Muerte¨ un caballero inglés llegaba a la mansión de Nicolás Medina ahora un soldado francés (Andre) cruza las puertas del castillo de Von Leppe.
Se apoya en su llegada un misterio zurcido en las incógnitas de la muerte, en la presencia etérea e inquietante de una joven que ya hemos conocido entre cuevas de acantilados y bosques ahogados en neblina espesa. Ella (Sandra Knight, esposa de Nicholson) es otro espectro atrapado en la clásica tragedia romántica ¨poeniana¨; mientras, una anciana en el bosque acrecienta la sensación de amenaza y Karloff reemplaza a Vincent Price en su rol de noble aislado y afectado por un enorme pesar que pudre su espíritu entre paredes donde se respira el hedor de la muerte a cada segundo. Gótico puro, de pasadizos, sombras y secretos enterrados en las mazmorras en la tradición de Ann Radcliffe.

Antes fueron Madeline y Elizabeth, ahora es Ilsa. Pero por culpa de ese guión intragable de Leo Gordon planea el desconcierto, y aún así pareciera un desconcierto de manual, propio de lo detectivesco clásico; los personajes, que es lo único que Karloff recuerda del rodaje, van de aquí para allá sin rumbo fijo en repetidas ocasiones, cruzando estancias intentado resolver un misterio sin resolución. Se sobrepasa la mitad de metraje y el protagonista, cada vez más seducido por la muchacha, carece de pistas ni ha averiguado realmente nada, y mientras el barón está cada vez más consumido por la culpa y las apariciones de su antigua amada...
No se sabe cómo pero el guión irá tomando cuerpo como un remedo de las maniobras de ¨El Péndulo¨, dando a la mujer un propósito y una manera de ser cerca de la maldad de las ¨femme fatale¨ (o más bien de la Elizabeth encarnada por Barbara Steele), si bien Matheson elaboró mejor el drama de Medina y las tragedias de infidelidad y crimen, aquí presentadas demasiado pronto (así el ritmo se estanca en el ecuador del film, ya que todo ha sido descubierto antes de tiempo...), pero una vez más Corman (y su troupe de directores suplentes) logran que las piezas conformen un puzzle interesante.

La mayor parte de culpa la tiene el estilo y la estética, tan deudora del gótico clásico y la Hammer ya explotados en el ciclo de Poe, esa imaginería fácil de capturar nuestra atención, colores vivos y estancias ricas en detalles, aunque sin presentar la sofisticación de dicho ciclo (y eso que la dirección artística vuelve a estar a cargo del genio Daniel Haller), y, por otro lado, el encantador absurdo del género que choca con el absurdo de la serie ¨B¨ y lo hace todo más digerible por audaz, arriesgado o simplemente descarado.
De hecho, para compensar el tedio al que es sometido el espectador en buena parte de la película, Corman y Jack Hill apostaron por una de esas piruetas mortales narrativas que tanto le gustaban al primero, derribando los clichés predecibles y la identidad de los personajes hasta transformar la historia en algo más complejo (y alocado), todo mezclándose en un clímax que dispara el puro espectáculo donde al típico fuego purificador ¨poeniano¨ lo reemplaza una gran inundación, cruzando varios elementos de violencia, brujería y posesión que acercan esto más a Lovecraft.

Si algo garantiza el director en su cine es el entretenimiento, y lo vuelve a lograr, pese a ser ¨un ejemplo de decisión precipitada¨, tal y como admitió Nicholson. Pero ahora en serio, ¿quién diría que este sorprendente cuento de amor, niebla, espectros, catacumbas, maldiciones y venganza se compuso a base de pedazos mal planificados?
Que un desastre en su proceso de realización pueda ser finalizado de una forma tan aceptable para el fan sólo lo logra un maestro (en este caso con ayuda, claro). De estar vivo Allan Poe habría hecho una novelización del film, no tengo ninguna duda.



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Ficha El Palacio de los Espíritus

Mad Warrior

  • 3 Jun 2023

7



El Palacio de los Espíritus
Maldiciones que caen sobre el Mundo, seres torturados hasta las últimas consecuencias por su terrible efecto, nigromantes caminando para saciar su sed de venganza, demonios salidos de las entrañas de la tierra para devorar a inocentes, palacios de esquinas mohosas donde se esconden horrorosas criaturas...

No es fácil adaptar a alguien como Howard P. Lovecraft, sus estremecedores imaginarios, sus mundos imposibles cuyas reglas sólo obedecen a su propia configuración maligna y rinden cuentas a sí mismos, razón de que tardase tanto en aparecer algo remotamente de su propiedad en la gran pantalla y de que a veces funcionen mejor aquellos films que simplemente le rinden tributo. Llegó en 1.963, cuando otros autores de terror ya habían sido llevados al cine décadas antes, de la mano de un Roger Corman en ese momento de su carrera en el cual su maestría ha quedado más que demostrada.
Ese momento en que está recreando varios cuentos de Allan Poe para A.I.P. junto a un equipo magnífico y principalmente con Vincent Price de protagonista; opta por desmarcarse de dicha serie cuando descubre un guión de Charles Beaumont inspirado en la mítica ¨The Case of Charles Dexter Ward¨, no publicada hasta veinte años después de su concepción y muy importante en su obra pese a renegar de ella el nativo de Providence. Lo malo es que la productora, para no arriesgarse y aprovechando la popularidad del ciclo, exige al cineasta agregar el poema ¨The Haunted Palace¨ al libreto y hacer pasar la película como otra adaptación de Poe.

El resultado es un híbrido interesante y una de las mejores producciones de Corman. Las semejanzas con los anteriores títulos no tarda en aparecer repitiéndose una vez más el esquema argumental de los extranjeros que llegan a un castillo de misteriosa historia en los límites de una tierra envuelta por la desolación y la maldad; aquí sucede lo mismo, pero después de enfrentar una encarnación tan real del Mal como el noble y cruel alquimista Curwen, actos de sacrificio y brujería y una violencia física y psicológica extrema cuando el pueblo entero se revela contra la magia negra y las maldiciones.
Esta es la ficticia Arkham, creada minuciosamente por Lovecraft y que tantos relatos suyos ocupó, y aunque aquí nos desplacemos cientos de años en el futuro nada parece cambiar; Daniel Haller, Floyd Crosby y el compositor Ronald Stein nos sumergen en un lugar de neblina perpetua, enclaustrado en su propia maldición, lo que refuerza el que se use a los mismos actores para encarnar a los descendientes de aquellos que condenaron a Curwen. Tanto en exteriores como en interiores Corman parece prestarse más a subrayar esta sensación de claustrofobia por medio de una fijación obsesiva por los tonos negros, que devoran el espacio y a quienes se adentran en él.

Los destellos inconfundibles de la imaginería ¨poeniana¨ se infiltra en los poros de las viscosas horrorosidades de Lovecraft, y la combinación de ambas realidades no podía ser más atractiva, sobre todo en el plano formal; la caída en la histeria, el desequilibrio y la confrontación de identidad debido a la herencia de una estirpe maligna, ¨marca de la casa¨ de la saga (y en este caso muy cerca de la sufrida por Medina en ¨El Péndulo de la Muerte¨), tienen gran peso en la historia, pero todo rastro del romanticismo, la bella poética macabra y el melancólico existencialismo de Poe es barrido por las garras de un terror escabroso que se abre paso con violencia.
Nueva Inglaterra como reflejo del miedo ancestral y Price increíble en la piel de un Ward cuya mente se desmorona por la influencia de Curwen, pero una reimaginación del protagonista de la novela, así como una reescritura de ésta, pues los caminos que trazan Beaumont y Corman son narrativamente más fieles a la lógica del autor de Massachusetts que al periplo en el cual se embarca aquel joven Charles huido del manicomio y cuyos pasos sigue el genial antagonista Marinus Willet (quien regresa en el film convertido en el doctor del pueblo) al enterarse de que el primero vive obsesionado con su antepasado, temible nigromante que termina resucitando y asesinándole para tomar su lugar.

Este Charles no se aparta de los torturados individuos a quien Price se ha especializado en dar vida, en el que se recrea y saborea en su actuación, un derivado elegante, misterioso e incluso sensual del desquiciado original (pero por encima de ellos, pues se trata en realidad de un doble papel), al que además se le otorga la presencia de una esposa, Ann, la bellísima Debra Paget, quien por desgracia no posee la fuerza de anteriores personajes femeninos, ni revela que pueda haber algo interesante bajo esa débil figura de ¨mujer-florero¨ obediente y sacrificada hasta ya llegados los instantes climáticos...
Instantes de gran fuerza visual para hacer honor a los mundos de Lovecraft, donde vuelve a brillar la composición de la estética, las atmósferas y colores que ofrece Haller a la mano maestra de Corman, muy cuidadoso como nunca antes filmando en interiores y por medio de unas maniobras con la cámara y el espacio que hacen de ese epílogo donde se vuelven a concentrar todos los elementos del imaginario ¨lovecraftiano¨ (criaturas informes, brujería, demonios, muertos resucitados, sacrificios, el legendario Necronomicón) uno de los mejores del cine de terror que jamás se hayan visto. Y rematado con las líneas del poema de Poe, por supuesto, para que el público no acabara confundido...

Esta versión de ¨Charles Dexter Ward¨ toma su propio camino, pero en absoluto defrauda a los fans del género; quizás sí a los fans del autor, aunque hubiese resultado casi imposible adaptar el relato tal y como lo imaginó él (yo siempre he creído que Lovecraft es infilmable).
Y no podemos olvidar las grandes apariciones de Elisha Cook, Leo Gordon, Frank Maxwell y el gran Lon Chaney; pero es Price quien acapara, ni que decir tiene, toda la atención. Inolvidable sus expresiones durante la ambigua conclusión...



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Ficha La Pequeña Tienda de los Horrores (La Tienda de los Horrores)

Mad Warrior

  • 3 Jun 2023

7



La Pequeña Tienda de los Horrores (La Tienda de los Horrores)
En lo profundo de un distrito bullicioso se encuentra un lugar recóndito cuya puerta conduce al más pavoroso de los terrores...o a la más alocada de las amenazas.
Ahí está para invitarnos a pasar el sr. Roger Corman, con una sonrisa de oreja a oreja. ¡Admiremos un rato a Audrey!

Conociendo a éste, de haberse dedicado a la floristería, seguro que no habría dudado en crear una abominable planta para salvar su negocio, aunque ello implicase alguna que otra muerte necesaria; lo más importante es el beneficio a corto plazo. Otro objeto de estudio para cineastas, ¨La Pequeña Tienda de los Horrores¨ desafiaría toda logística actual; antes de cambiar las leyes de producción y distribución en 1.960 y después de la no muy buena respuesta de ¨Un Cubo de Sangre¨, se unen dos hechos casuales: al director se le permite utilizar un poco más los decorados de esa película y a su guionista Charles Griffith se le ocurre escribir otra comedia.
La tormenta de ideas, aunque el primero considera muy difícil tener éxito en el género, termina con una historia ocupada por una planta que devora personas. Los posteriores ensayos y la rápida filmación interior y exterior aseguró poco menos de tres semanas de una producción completa hasta que su nuevo desafío estaba listo para llevarse al público; desde el mismo inicio se huele a caricatura, y en efecto, la narración que provee un detective acerca de un misterioso caso en el barrio de Skid Row parodia las series policíacas de la época. Pero esto es sólo el comienzo de una de las más locas sátiras que se han realizado...

El esquema no se aleja del de ¨Un Cubo de Sangre¨: un camarero por un ayudante de floristería, los dos iguales de patéticos y torpes. Aquí John Haze en un remedo pobretón de Jerry Lewis, quien junto con un jefe adusto y una chica complaciente (antes Anthony Carbone y Barboura Morris, ahora Mel Welles y Jacqueline Joseph) conforman el trío protagonista de esta ¨sitcom¨ de barrio por cuya tienda pasan algunos individuos chiflados, todos ellos cruzando unos ágiles diálogos cargados de feroz sarcasmo. Corman y Griffith escupen sobre la comedia ¨slapstick¨ y la farsa creando algo audaz y delirante.
Dentro y fuera, pues la trama se nutre de las apariciones de seres indignos, insoportables y enfermos que son producto de la retorcida ridiculización que hace el guión de ciertos estereotipos sociales y ficticios, desde esa anciana siempre de luto al dentista sádico, pasando por las chicas tontas y fáciles, ese paciente también sadomasoquista (un joven Jack Nicholson en una actuación pasadísima de vueltas), la madre posesiva y alcohólica que cree estar siempre enferma o el bueno de Dick Miller como el paroxismo de la obsesión vegetariana. Aunque es Welles, encarnando a ese judío cínico que sólo piensa en los beneficios, quien se lleva las mejores frases.

Es necesario, por tanto, un remedio para poner fin a tal miserable sociedad. Llega casi como un virus donde la violencia es la solución, esa planta carnívora que el idiota de Seymour está cultivando, heredera de la orquídea asesina del relato de Arthur Clarke publicado poco antes, que quizás inspiró a Griffith (¨The Reluctant Orchid¨), una fuerza extraña de confines remotos, tal vez con un oscuro propósito concreto (las semillas, recordemos, se las dio un japonés al protagonista; ¿una venganza contra la sociedad norteamericana por perder la guerra?).
Se abre la brecha a una irrealidad macabra cuando es sangre lo que pide, literalmente, la dichosa planta. Corman traspasa así el umbral del mal gusto gracias al disparatado tratamiento del horror que hace el guión; los instantes en que el protagonista desciende a lo más ruin convirtiéndose en asesino por accidente (igual que el camarero de ¨Un Cubo...¨) provocan una náusea incómoda, más aún porque el director se recrea en esa violencia grotesca que tanto le gusta. Provocativo y enfermizo entretenimiento donde se destapa lo peor de la condición humana: como el comercio de Mushnick prospera no se desea informar a la policía de los crímenes cometidos...

¿Pero algunos crímenes no resultan justificados? Ese ladrón malencarado (el propio Griffith) o el maldito dentista, que sólo son parásitos sociales, insectos que no importa devorar, ¡así que vaya doble moral que nos plantea aquí el sr. Corman! A esta mala sombra que pulula por encima de las cabezas de todos se une la estupidez general mientras el narrador se persona en el escenario dejando en el fango a los eficaces policías al estilo ¨Dragnet¨ o ¨M. Squad¨. La comedia negra de toques Ealing tergiversa todos los géneros y los lleva a sus viscosos reversos: el terror de monstruos, el cine negro, la farsa, el romance...nada escapa a la sátira brutal del cineasta y el guionista.
Y esto pese a que ciertos episodios, dado el ínfimo tiempo de producción como para pararse a sopesar detalles, no se presentan muy elaborados y a veces se pasan de tediosos y ridículos (los encuentros amorosos entre Audrey y Seymour, las escenas de éste con su repulsiva madre, los repetitivos ¨gags¨ de caídas y tropiezos o la larguísima secuencia del protagonista y la prostituta rubia en la calle, la cual no ve el momento de acabar y provoca cierta náusea...), del mismo modo que esa peregrina resolución de Griffith para descubrir a Seymour y la planta, y el atropellado clímax.

A pesar de sus evidentes errores y personajes malogrados, la audacia del nativo de Michigan para esta desviación cómica de lo terrorífico adelantándose a muchos cultivadores del mismo tipo de humor, unido a su eficiencia para despachar toda una producción en unas semanas, no puede sino colocar a su ¨Pequeña Tienda de los Horrores¨ en un estante privilegiado del mejor cine de culto estadounidense de todos los tiempos, lo que terminaría consiguiendo gracias a las dobles sesiones y los pases televisivos.
Y debo insistir en que Welles hace aquí el papel de su vida...



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Ficha Yo Fui un Cavernícola Adolescente

Mad Warrior

  • 3 Jun 2023

3



Yo Fui un Cavernícola Adolescente
Época de cavernas, indefinida, extraña y oscura, de tribus y civilizaciones tempranas, de miedos a temores inexplicables, también de curiosidades.
En uno de los vistazos más cutres uno de sus moradores se empezará a preguntar un montón de cosas...

En A.I.P. las cosas seguían como siempre: viento en popa en materia de ofrecer películas de bajo consumo para atraer algo de público adolescente (una moda pronunciada al ofrecer de manera tan seguida ¨Yo fui un Hombre-lobo Adolescente¨ y ¨Yo fui un Frankenstein Adolescente¨); el sr. Roger Corman, por su parte, ha rodado en diez días ¨ ¨Machine-gun¨ Kelly¨ y se trata de una de sus experiencias más satisfactorias, sobre todo teniendo en cuenta que es la primera vez que la crítica profesional habla bien de él. Pero es un director de contrato y debe seguir cumpliendo, por ello se mete en la rápida producción de ¨Teenage Caveman¨, de unos 70.000 dólares.
De nuevo los créditos son lo más destacado, arreglados a base de pinturas y dibujos abstractos para, de la manera más barata posible, comentar el origen de La Tierra y el ser humano según los principios bíblicos. De ahí nos vamos al seno de una clásica tribu prehistórica...o así debería ser, pero el dinero, la falta de tiempo y la poca atención a los detalles de su artífice, que no está muy contento con el proyecto, no nos ofrecen un trato auténtico de este mundo y sus individuos. Es ridícula la visión de un puñado de hombres de las cavernas perfectamente arreglados, limpios y en unas condiciones mejores que muchos ciudadanos de clase baja de aquel 1.958.

Pues resulta que estos pulcros señores también se cuestionan sobre la tierra que les rodea, en concreto el más joven, un Robert Vaughn de carrera recién empezada que con casi 30 años tiene que pasar por un adolescente (y con el cabello engominado) deseoso de atravesar los límites impuestos por las absurdas leyes de su grupo, leyes que alaban los logros conseguidos por la especie, desprecian lo ajeno y temen lo desconocido. Sin duda unos cavernícolas modelo; además de un aspecto impoluto se enredan en discusiones intelectuales acerca de los misterios de la existencia, la defensa de las normas e incluso los dioses (¿pero qué dioses?, ¡si son cavernícolas!).
Lejos de estas peroratas el escenario está resuelto gracias a las tomas robadas del clásico de Hal Roach ¨Hace un Millón de Años¨, cuya estética, también pobre en realismo, seguía muy vigente una década después; el guión de Robert W. Campbell apunta a temas muy interesantes, pero dado que todo esto ocurre en dicho escenario la combinación no podría ser más anacrónica y estrafalaria. La acción y el ritmo tampoco ayudan y el escaso metraje se estanca y alarga más de lo que debiera, ya que las huidas aventurescas del protagonista vuelven a conducir a peleas reflexivas con sus congéneres.

Con respecto a ellos son personajes ininteligibles y desagradables. El padre del chico (y narrador del film, el precario Leslie Bradley) no le defiende cuando todos desean matarle por transgredir las reglas; su novia (preciosa Darah Marshall que, al igual que sus compañeras de tribu, está recién salida de una agencia de modelos) es una subnormal que habla poco y nunca le acompaña en sus viajes (un pobre reclamo de A.I.P. para el público); y el hombre que le manipula para ir a la zona prohibida luego se levanta iracundo contra él, que no revela nada de esto a los demás, por cierto...
Es un desarrollo extraño, de idas y venidas y enfrentamientos que no parezcan que puedan llevar a ninguna parte. Podrían considerarse atractivas las apariciones de dinosaurios y criaturas, pero es que están tomadas de otra película con toda la caradura; queda el misterio de ese ser aberrante con pinta de monstruo de ciencia-ficción al cual denominan ¨un dios que mata al contacto¨, y que viene a convertirse en la parte más interesante del argumento. En una decisión audaz Campbell y Corman hacen de él la pieza fundamental de una ingeniosa vuelta de tuerca que hace añicos la lógica de la historia y el escenario.

De hecho consiguen adelantarse en años al apocalíptico y amargo desenlace sorpresa de ¨El Planeta de los Simios¨ mientras el cineasta recupera el miedo a la amenaza nuclear tan típica de aquellas fechas, que ya expuso en ¨El Día del Fin del Mundo¨. Pero aquí todo está mal.
El error del guión es profundizar más de lo que se debe (y lo hace de manera chapucera) en esa sorpresa en lugar de dejarla en algo simplemente insinuado y ambiguo, para hacer pensar al espectador en las múltiples posibilidades; no es raro que Corman despreciase el film, y menos aún Vaughn, que para colmo de males sufrió un rodaje lleno de percances, antes de saltar a la fama con ¨Los Siete Magníficos¨ y su papel de Napoleon Solo en ¨The Man from U.N.C.L.E.¨.



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Ficha Conquistaron el Mundo

Mad Warrior

  • 3 Jun 2023

4



Conquistaron el Mundo
Desde luego no estamos seguros, nuestra bonita civilización, con sus defectos, vuelve a estar en peligro por fuerzas de más allá de la Luna.
Lo peor que nos puede pasar es que uno de los nuestros sirva de ayuda a ello...

Demonios, un servidor no se explica cómo entre 1.955 y 1.957 el ser humano pudo salir indemne con tanta invasión extraterrestre amenazando su planeta; era la tónica, si la ciencia-ficción se distinguía por algo en aquellos años fue por las películas sobre seres del Espacio con no muy buenas intenciones, la inmensa mayoría pertenecientes al cine de ínfimo presupuesto, seguramente usando sus productores decorados, escenarios y actores de otras anteriores, alimentados por la ilusión de lograr algo como George Pal o Robert Wise. Y Roger Corman estaba en medio de todo eso.
El director, con 30 años, ya era muy querido en ARC, que iba a cambiar su nombre por AIP y le financiarían su próxima obra, salida de un guión de Lou Rusoff influenciado por un film de su propia cosecha, ¨El Día del Fin del Mundo¨ (y otros similares de la época con pedigrí alienígena). Pero éste se tiene que ir del proyecto y es llamado Charles Griffith a terminar y retocar la historia, la cual le parece un desastre (de hecho pedirían que fuese retirado su nombre); aunque el auténtico desastre es el monstruo y villano de la historia ideado, y que también habrán de corregir (visto el resultado final yo no sé qué arreglaron...).

Con su capacidad innata para ponernos en situación y esa velocidad siempre presente en sus trabajos (más aún teniendo en cuenta que tardó una semana en rodar esto), el de Michigan establece una atmósfera de amenaza y conspiración cuando un proyecto gubernamental de lanzar un satélite al cosmos es mal visto por Anderson, el típico científico que sabe toda la verdad pero al que nadie escucha; la intriga consiste en crear un lazo amistoso entre él y un extraño visitante de Venus, que viene a La Tierra con intenciones algo dudosas en el mismo satélite lanzado anteriormente.
Y aquí reside el meollo de ¨Conquistaron el Mundo¨, más allá de la cutre puesta en escena, los risibles efectos especiales con marionetas de dólar y medio y unos personajes tan acartonados como los decorados por los que se mueven; el guión a mitad entre lo hecho por Rusoff y Griffith apunta claramente, sin ningún tipo de discreta insinuación y con el objetivo de lanzárselo a la cara del espectador, al miedo comunista que se vivía en el momento, debido a esa Guerra Fría que con las protestas y revueltas de Polonia y Hungría se iba recrudeciendo cada vez más. Se recurren además a los mismos temas de ¨Ultimátum a La Tierra¨ e ¨Invasores de Marte¨.

Esto es: primero la suspensión de toda fuerza tecnológica del planeta y más tarde el control de la población; esta vez eso último tiene lugar por la picadura de una especie de monstruo volador que libera el ¨terrorífico¨ visitante venusiano. Discursivo como pocos, el guión es una continua perorata hacia la maldad del enemigo encabezada por el doctor Nelson, amigo de Anderson, las dos posturas enfrentadas: la del ciudadano americano con los pies en la tierra consciente de la invasión y la del ciudadano engañado por el invasor y doblegado a sus órdenes, a su deseo de conquista.
De hecho la película es tan directa en sus sermones, su moralismo de andar por casa, su clima de conspiración y su perspectiva e ideales de un solo sentido, que hasta resulta difícil entretenerse con ella, pese a toda su algarabía mediocre y de explotación ¨Z¨, resuelta, más o menos decentemente, con esa gracia que tanto caracteriza a Corman y que tanto hace de sus (sub)productos algo perfecto para la evasión. Así que, mientras somos forzados a asistir a la tediosa explicación de Nelson acerca de la voluntad del ser humano y su derecho de libertad individual, intentando sacar al adoctrinado Anderson de su error, destaca la decisión y arrojo de Claire.

Increíblemente, algo que se ve pocas veces (y teniendo en cuenta que los que lideran el reparto son unos jóvenes Lee Van Cleef y Peter Graves), es la esposa la que toma el protagonismo y se lanza contra el peligro, esa carismática y atractiva Beverly Garland, tan recurrente en las películas de Corman (y a la que de nuevo veríamos haciendo frente a un extraterrestre en ¨Emisario de otro Mundo¨).
Pero lo más increíble de todo es saber que la que nos ocupa tuvo su relativo éxito, incluso de parte de la crítica; desde luego lo de Corman era un don o tema de otra conspiración: ofrecer productos de tan escaso presupuesto y mediocres medios y lograr que al público le encantasen. No muchos fueron capaces de algo así...tal vez él también vino de otro planeta.



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Ficha El Día del Fin del Mundo

Mad Warrior

  • 3 Jun 2023

5



El Día del Fin del Mundo
Fábula del fin de los días, la hecatombe ha sucedido y las ciudades son amasijos de escombros.
Con todo esto da comienzo el amanecer de una nueva era según la visión de uno de esos directores clave para entender la ¨sci-fi¨ de los 50 en adelante.

Además se halla en un momento importante. Roger Corman tiene 29 años y ha dirigido ya, oficialmente, dos películas, en el género que menos le atraía de todos: el ¨western¨. Es una parte más de la ínfima productora A.R.C. propiedad de Samuel Arkoff, James Nicholson y Alex Gordon, y va a ser contratado para ocuparse de su primer largometraje de ciencia-ficción escrito por el guionista todoterreno Lou Rusoff, cuñado Arkoff, tras ocurrírsele a Nicholson el título. Con exteriores situados en Los Angeles e interiores precarios el joven director se hizo con un presupuesto holgado, para lo que estaba acostumbrado (de 70.000 a 90.000 según las distintas leyendas).
Unos títulos de crédito llamativos, lo que sería una de sus señas de identidad para la posteridad, nos meten de cabeza en un entorno provocado por lo que parece ser una 3.ª Guerra Mundial con agravante atómico. Tema estrella de aquellos tiempos debido a la crisis de la Guerra Fría, era cuando Eisenhower y sus asesores planeaban respuestas nucleares contra la U.R.S.S. y se anunció que los comunistas podrían haberse infiltrado en la C.I.A., tiempos de pánico donde aún se respiraban las nubes radioactivas de Hiroshima y Nagasaki, haciendo que en la ficción esto se tradujera en historias de fantasía apocalíptica.

Pero el más directo predecesor de ¨El Día del Fin del Mundo¨ lo marca ¨Cinco¨, pequeño clásico de Arch Oboler pionero en proponer un entorno post-apocalíptico ocupado por unos pocos supervivientes. La principal desemejanza, además de que éste se filmó en exteriores, es que su cierta audacia presentando a un grupo heterogéneo lo pasa Rusoff por el filtro de lo convencional y lo fantasioso (al estilo de un John Wyndham, por ejemplo). También se permite licencias pues el tiempo de rodaje (menos de dos semanas) no dejaba márgenes para desarrollar la trama ni los personajes.
Ahora éstos aumentan a siete y se reúnen, al mismo tiempo y llegados de no se sabe dónde porque no se nos explica, en la morada del científico militar (o lo que quiera que sea) Maddison y su hija Louise, bien protegida en un cañón contra la radiación exterior. En primer lugar: ni las montañas protegen de la radiación ni por culpa de ella se producen mutaciones monstruosas, que será uno de los elementos clave de la historia, pero esto es horror/ficción de entretenimiento y no de base científica. La importancia recae en la relación de los seres humanos cuando no queda civilización a la que aferrarse, tema típico de estas historias e interesante si sabe llevarse a cabo.

El problema son esos convencionalismos del guión, que asigna a cada actor un rol de estereotipo algo farragoso, sin salirse demasiado de la norma: el sensato líder que a lo Noé acoge en su arca a los desamparados en el diluvio nuclear (un ¨johnwayniano¨ Paul Birch); el adonis valiente y romántico (Richard Denning); la chica pueblerina de espíritu puro (actriz de Universal Lori Nelson), en oposición con la mujerzuela de ciudad, desgraciada, lujuriosa y envidiosa (la actriz clásica de comedias Adele Jergens, y la más auténtica del acartonado grupo); el buscador de oro simpático pero cínico (la estrella del mudo Ray Hatton); y el italoamericano buscaproblemas que crispa el ambiente (repelente Mike Connors).
No cuesta averiguar, desde su aparición, quiénes van a quedar en pie; preferentemente aquellos con buenas intenciones, evocadores de la creencia religiosa y la fe, cristianos bondadosos. Por supuesto es la chica dispuesta a asumir los tradicionales votos nupciales la destinada a vivir; a la otra le espera lo que pide: un destino trágico. Los pecaminosos, brutos o egoístas no tienen ninguna posibilidad (cuando en la vida real sería al revés); el séptimo en discordia es un pobre tipo (inquietante Paul Dubov) afectado por la radiación que poco a poco irá mutando en una criatura humanoide violenta, a quien todos evitan con miedo.

Maddison incluso planea su asesinato sin pararse a pensar en la utilidad de observar los efectos para aprender. Durante un buen trecho de trama, como la base narrativa está establecida, no habrá casi movimiento ni sorpresas lejos de las rencillas entre los supervivientes encerrados; se forjan algunos misterios con respecto a las mutaciones y crece la paranoia y el miedo a la amenaza exterior, como si no fuese suficiente la amenaza interior, haciendo que no sea realmente necesaria la aparición de un monstruo extraño (mejoraría, dado las pobres técnicas y maquillaje, que éste se mantuviera oculto al ojo del espectador, insinuándose pero no mostrándose).
Valía más construir un elaborado drama humano. Pero esa no era la intención de los productores; tampoco de Corman, cuyas habilidades de cineasta no habían aflorado aún, quejándose muchos de los actores de su falta de dirección. Y es que éste no sé sentía entonces ni mucho menos un artista, sino un trabajador que deseaba poner sobre el tapete los resultados gastando lo menos posible; lo importante para él era ésto, el resultado final, no el proceso de realización...y esta falta de tacto en los detalles, de desgana en la calidad creativa, provoca la mediocridad en líneas generales.

Aun así, por alguna razón incomprensible, a pesar de todas esas flagrantes limitaciones y errores (¿no debería haber tenido el papel de Radek más protagonismo dramático?), el producto consigue entretener con su mezcla bizarra de suspense, melodrama negro de andar por casa, distopía, horror fantástico y romance.
Es esa curiosa habilidad mágica del nativo de Michigan de extraer algo bueno de donde aparentemente no lo hay y enganchar hasta el final. Desde luego funcionó en aquel momento, recaudando en sesiones dobles más del quíntuple del presupuesto; artista o no, sólo un genio logra eso.



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Ficha La Matanza del Día de San Valentín

Mad Warrior

  • 3 Jun 2023

8



La Matanza del Día de San Valentín
Todo parecía normal aquel 14 de Febrero de 1.929. Bajo la nieve, Norteamérica aún no tenía ni idea de la gran crisis que afrontaría en breve. Otros problemas sucedían bajo las aceras.
Se preparaba un suceso que cambió la Historia de la nación, en un almacén de la calle North Clark a las 10:30 a.m..

Tal vez no fue el posterior ¨crack¨, sino la matanza dentro de aquel garaje lo que llevó la era de la locura, el desenfreno, el ¨jazz¨ y el alcohol a cauces más lúgubres. Aunque dichas matanzas siempre estaban circulando por culpa de los gángsters, tan famosos y respetados como odiados y temidos. En una época en que los grandes estudios apuestan por inyectar sangre nueva a sus productos, Roger Corman se dispuso a tratar aquel evento, la ¨Masacre del Día de San Valentín¨, pero desde un enfoque lo más realista posible; despreciado por 20th Century Fox años atrás, es irónico que volviera a su seno con un contrato que le aseguraba el mayor presupuesto de su carrera.
Por fin, después de una década curtiéndose y asegurándose una amplia legión de fans desde lo más bajo, y de su disputa con Columbia, tiene a su cargo un equipo enorme y casi 2 millones de dólares para recrear con todo lujo de detalles el despiadado asesinato de algunos de los gángsters más notorios de la parte Norte de Chicago durante la Prohibición; para ello recurre al hábil autor de ficción Howard Browne (director de la mítica revista Amazing Stories), quien ha escrito el mismo suceso para un programa de televisión, y con un impresionante trabajo de documentación.

Ya desde el mismo inicio podemos deleitarnos con él. Desde un travelling en descenso, bellamente filmado, a la ciudad de Chicago, alfombrada con la nieve de Febrero, un narrador de voz tosca empieza a ponernos en situación sin olvidarse una sola coma; se trata de una de las mejores introducciones de todo el cine de gángsters, a la que acompaña una secuencia con la que se deja patente la repugnante catadura de éstos. Corman hubo de soportar las clásicas presiones que tanto odiaba de los estudios, sin salirse del esquema de producción, sin poder rodar en Chicago ni tener a Orson Welles para dar vida a Al Capone...
No obstante también pudo presentar su historia como deseaba: sin concesiones ni subterfugios, sin verse obligado a introducir a un personaje romántico que luchara contra el crimen. Éste y Browne elevan el género a un nivel moderno inusual y vital para entender su mutación posterior, donde la mirada se produce siempre desde dentro, en dos sentidos, y ninguno bueno: la de George Moran y la de Capone, los caciques que a la ciudad tienen temblando por sus sangrientas luchas en plena calle. Corman no escatima en violencia. Al principio se nos muestra a Peter Gunsenberg acorralando a un barman para comprarle alcohol, y la sensación de opresión es tal que al final de la secuencia hemos de exhalar profundamente por la falta de oxígeno.

Crudeza pura que ni Coppola, pupilo del anterior, igualaría en ¨El Padrino¨, tal vez debido a su elegante estética; eso no quiere decir que el de Michigan no exprima su capacidad artística al máximo. Su filmación es sobria y estilizada, con una producción rica en detalles y la elaborada fotografía de Milton Krasner, rugosa pero de colores vivos; Browne, que de vez en cuando relata hechos pasados (donde introducirá un ¨flashback¨ dentro de otro), describe a pie de acera (recordando en la lejanía a la técnica de Kazuo Kasahara) a un personaje tras aparecer en pantalla igual que si escribiese una crónica documental, aunque eso implica permitir sólo un corto espacio a cada uno ya que actúa un reparto coral muy amplio.
Así Sorello, el mecánico Johnny, la salvaje Myrtle o el esencial Aiello (cuatro Gaqqq Frank Silvera, Bruce Dern, Jean Hale y Alexander DArcy) se merecían más minutos en pantalla. A quien nos acercamos es a los dos capos enfrentados, Capone y Moran, y a su particularmente cínica filosofía de profesión. Jason Robards, muy alejado físicamente del mafioso real, ofrece una actuación sublime y dura, que no consigue igualar Ralph Meeker, pero ambos transmiten la esencia de los gángsters y su microcosmos, tan alejado de las reglas del mundo real.

Ni un sólo gramo de lealtad o piedad. Aquí se hace un retrato de inhumanidad riguroso siguiendo el texto de Browne; no hay héroes ni romances innecesarios, ya que a las mujeres las usan o las maltratan (Hale será la única ¨chica de gángster¨ típica que veamos y sólo se enzarzará en peleas demasiado incendiarias a ojos del espectador de hoy día, que por cierto terminaron en daños físicos para los actores debido a esa autenticidad que buscaba Corman). Aquí el romanticismo se resbala por la carne chamuscada que dejan las Thompson en las frías aceras.
Corrupción política y policial, mansiones de lujo pagadas con sangre, burdeles de barrios suburbiales, crueles atentados, traiciones y trapicheos en garajes destartalados, arrogancia, nihilismo y egolatría que causan asesinatos en callejones oscuros o vagones de trenes vacíos; habitamos un submundo de monstruos astutos y megalomaníacos y muertes solitarias, y por ninguno de esos personajes podemos sentir compasión. De hecho el director desea lo contrario: nos fuerza a sentir una fiera repulsión; mafiosos que no son los tipos ¨coolfellas¨ que traerá Scorsese en los 90, sino los forajidos ruines pretendidos en importantes hombres de negocios del periodo que se recrea.

Un clímax que desgarra las tripas por esa inhumanidad tan bien lograda asegura la reafirmación de maestría de aquél, que ya dejó impresa en su saga de Allan Poe, pero que terminó de subrayar en una de sus más elaboradas obras...pese a no resultar el gran taquillazo que los de Fox esperaban, lo que volvió a desplazar al anterior a la producción independiente.
Conexión de sucesos: un antes y un después en el papel de los gángsters sobre la sociedad estadounidense y un antes y un después en el cine que a éstos retrataba. Nada sería igual, y todo gracias a Roger Corman.



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Ficha Girl Hell 1999

ragman

  • 3 Jun 2023

4


Girl Hell 1999
filme nipon que es una mera escusa para disfrutar de la violencia, el gore y mujeres ultrajadas por enfermizos personajes... muy propio de japon. sin embargo los personajes son muy bizarros, desde la mujer con la muñeca hasta los dos violines, toda gente desagradable e ideal para un filme de esta indole.
no es un filme para todo mundo, aunque su corta duracion la hace mas dinamica.



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Ficha Halloween Kills

prin

  • 3 Jun 2023

3


Halloween Kills
buen bodrio nos han colado, la mas sanguinaria dicen por hay, el michael mayers mas sanguinario, puaf que decepcion. si lo mas bestia y sanguinario de toda la pelicula lo protagoniza el loco que se escapa del manicomio y es su propia muerte, lo demas no vale para nada, creo que no he visto toda la saga y ahora se porque, si esta es la mas sanguinaria como deben de ser las otras de mala, la primera causo sensacion por los años de su estreno pero ahora seguro que no valdria nada.



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Ficha Women in Cellblock 9 (Tropical Inferno)

Miguel Arkangel

  • 3 Jun 2023

5


Women in Cellblock 9 (Tropical Inferno)
“Frauen für Zellenblock 9” (bonito título) aka “Women in Cellblock 9”, aka “Tropical Inferno” es una de las incursiones de Jesús Franco en el WIP, y que en este caso se beneficia de la presencia de guapas actrices como Karine Gambier, Aida Gouveia, Esther Studer y, atención, Susan Hemingway, que desde los 16 años participó de la troupe (y juergas) de Franco, y que incluso aparece en las películas hardcore del director malagueño.

Las cuatro bellas chicas (extrañamente no aparece Lina Romay, lo que lamento) están desnudas casi todo el tiempo y son obligadas a pasar por las humillaciones típicas de una película de mujeres en prisión: desnudez, interrogatorio, tortura y amenazas de los malvados y sádicos Dora Doll y Howard Vernon. A destacar la escena en que Doll y Vernon, elegantemente vestidos y tomando champagne, obligan a Susan Hemingway a lamer la vagina de Doll. O la escena en que la rubia platinada Karine Gambier es violada y torturada con el cuerno de un rinoceronte y un ratón vivo. Algo más agradable: una larga escena lésbica entre las cuatro beldades para intentar seducir a un incauto carcelero.



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Ficha Y todos Arderán

ilustrador.tk

  • 3 Jun 2023

6


Y todos Arderán
La película ¨Todos Arderán¨ tiene un ambiente muy similar al de la serie ¨30 Monedas¨, con un anunciado apocalipsis que ocurrirá en un pueblo rural lleno de supersticiones y rituales ancestrales que forman la base de la historia.

Aunque la trama puede resultar predecible en algunos momentos, el trabajo actoral de Macarena Gómez es excepcional, logrando transmitir el dolor y la angustia de su personaje por la pérdida de su hijo. La acción y los giros de guión hacen que la película sea muy entretenida y disfrutable.

En resumen, ¨Todos Arderán¨ es una película que captura el encanto y la atmósfera de un pueblo lejano en el apocalipsis, en donde se oculta más de algún secreto que se irá revelando incluso después de los créditos finales.

Y aunque su trama es fácil y a veces un tanto caricaturesca, me atrevo a decir que no todos la disfrutarán por igual.



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Ficha La Esclava Blanca

Miguel Arkangel

  • 3 Jun 2023

4


La Esclava Blanca
Una pareja de recién casados, Mary (Karin Dior) y Oliver (Diego Porta), parten de luna a miel a un safari africano, ya que nada une más al matrimonio que matar animales en peligro de extinción. Son guiados por “Michel” y su esposa despiadada y controladora. También los acompaña un ayudande yonqui (que se chuta heroína en media selva). No sospechan que son vigilados por los nativos, que desean una mujer para violarla y sacrificarla. Es curioso que los nativos claramente especifican que la víctima debe ser rubia y virgen, y Mary tiene el cabello oscuro y, al estar casada, obviamente no es virgen (¡!).

Estamos ante otra película de aventuras en la jungla de Jesús Franco, y está entre las más flojas, ya que el prolífico director tenía sus buenos momentos en el terror, el gótico y el erótismo, pero cuando se zambullía en el género de aventuras generalmente se hundía. Acá tenemos un presupuesto mísero, una trama que incluye el tráfico de diamantes, las infaltables escenas de chica desnuda atada, poca violencia, nada de sexo y a Franco haciendo el montaje y el doblaje, por lo que puedes escuchar su voz como un loro y como el yonqui Marco.



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Ficha Tokyo snuff 3: Broken Love Killer

TANO

  • 3 Jun 2023

6


Tokyo snuff 3: Broken Love Killer
Esta tercera parte de la ¨saga¨ cambia de nuevo totalmente el rollo, para ofrecernos un thriller policíaco puro, donde una detective de la policía japonesa es la encargada de resolver un caso antiguo que ha salido de nuevo a la luz: la de una chica de instituto desaparecida tiempo atrás.
La peli tiene un ritmo raro, y se hace larguísima para lo ¨poco¨ que tiene que contar, realmente, y es que hay montones y montones de escenas que están ahí para nada, -como una larguísima escena de la protagonista persiguiendo a pie a un coche por toda la ciudad, tan absurdo como parece-.
La historia dentro de lo que cabe no está nada mal, y si la hubieran llevado mejor, podría haber salido una buena película de asesino en serie, y es que hay ciertos detalles en la peli que recuerda, atención con lo que digo, a un giallo puro.
Pero eso, que tenemos desde el principio a un único sospechoso, al que se investiga entre poco y nada, y una protagonista que se supone que es policía pero no se comporta como tal. Pasable, pero muy mejorable.



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Ficha The Boogeyman

campano

  • 3 Jun 2023

5


The Boogeyman
The Boogeyman es una película de terror que, aunque tiene buenas intenciones, no logra destacar dentro del género. La trama intenta jugar con los miedos infantiles y la sensación de vulnerabilidad, pero no logra desarrollarlos de manera efectiva.

El mayor problema de The Boogeyman radica en su guion. La historia es predecible y carece de momentos realmente impactantes o sorprendentes. Los sustos son escasos y no logran generar una sensación genuina de miedo.

A pesar de sus intentos por crear una atmósfera escalofriante, la película no logra mantener un ritmo adecuado. Hay momentos en los que la trama se estanca y resulta aburrida, haciendo que los minutos se sientan interminables.

Le otorgo una calificación de 5 sobre 10.



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Ficha Spider-Man: Cruzando el Multiverso

campano

  • 3 Jun 2023

4


Spider-Man: Cruzando el Multiverso
Antes de nada, tengo que decir que la primera parte me encantó. Era una peli original, con una animación súper chula y fresca. El guion no era una maravilla, pero se notaba que los directores le habían puesto cariño. Pero con esta segunda entrega no puedo decir lo mismo.

Vamos a ver, la animación es una pasada, eso es indiscutible. Pero ¿el guion? Madre mía, es un desastre. Los chistes son pésimos y se pasan de la raya ridiculizando a personajes. Lo que le hacen a Peter Parker no tiene perdón. Y no hablemos de la inclusión forzadísima de personajes negros. Oye, que está bien que Miles Morales sea negro y su entorno sea mayormente de personas negras, lo entiendo. Pero, ¿qué sentido tiene meter a Spider-Woman embarazada? ¡Es un personaje espantoso!

La peli tarda una eternidad en arrancar, en serio, es un suplicio. Y encima te meten como 4 o 5 escenas con los padres de Miles que se hacen interminables. El ritmo está fatal.

Y los cameos... El abuso de los cameos para atraer al público se les ha ido de las manos. Quieren meter tantos Spider-man que ni los disfrutas. A veces, menos es más, ¿sabes?

Esta peli NO tiene nada que ver con la primera.



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Ficha The Boogeyman

RoboTop

  • 3 Jun 2023

5


The Boogeyman
The boogeyman es una propuesta de terror que asusta desde un punto de vista psicológico más que visual. La película crea un concepto aterrador en torno al monstruo, rememorando las pesadillas de la infancia. La criatura se mantiene en la oscuridad para estimular la imaginación del espectador.

Destacan las actuaciones de Sophie Thatcher y Vivien Lyra Blair. Aunque se echa en falta una mayor profundización en la historia, la película entretiene y espanta, haciendo que más de uno revise su armario y debajo de la cama antes de dormir.



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