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El Último Reloj

Episodio de la serie Tras la puerta cerrada donde Chicho Ibáñez Serrador adapta libremente “El Corazón delator“ de Edgar Allan Poe.

Narciso Ibáñez Menta - actor fetiche de su nene - con su vozarrón y particular capacidad para el cine de terror, interpreta a un huraño, avaro, borde, violento, obsesivo y medio loco relojero inglés. Un sociópata de libro, ejemplo magnífico de lo que sería la schadenfreude, el prenda. Manuel Galiana es Sidney, el sobrino del relojero, un ingenuo joven de pueblo que también tiene lo suyo: tras su afabilidad, amabilidad y generosidad se esconde un perfeccionismo patológico que se va desatando conforme avanza la acción.

Como principal diferencia con el original de Poe, Serrador caracteriza a los dos personajes principales de la historia original, que eran dos personas indeterminadas salvo por un par de detalles físicos y psíquicos - hombre, anciano, ojo raro vs persona que dice tener carácter nerviosillo pero que sobre todo no está tarumba - y pone a unos pocos secundarios que vienen y van. El director usa sus métodos habituales como su buen uso del blanco y negro, el juego con el sonido (busca poner al respetable de los nervios, ponerlo en la piel de los personajes y generar inquietud: resulta artificioso pero efectivo), giros argumentales, aprovechamiento máximo de recursos menguados y una atmósfera enfermiza donde reina la locura sobre todas las cosas. El producto final resulta lento pero electrizante.

Notabilísima adaptación con un puñado de interesantes sorpresas si uno se espera ver una adaptación total del cuento original: si este programa es un lienzo, el relato de Poe solo es el caballete.

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Mami nunca te Haría Daño

El título promete bastante más de lo que realmente ofrece, y eso ya te pone en alerta desde el principio. La película avanza tirando de tópicos bastante evidentes y de situaciones que se ven venir con mucha antelación, así que cuesta tomársela en serio. Además, hay decisiones de los personajes que parecen metidas solo para forzar tensión y no porque tengan sentido, y eso acaba cansando un poco.

Eso sí, se nota que el reparto intenta sacar adelante el material como puede y por momentos lo consiguen, pero el guion no ayuda demasiado. Al final es de esas pelis que puedes ver sin sufrir mucho, pero que seguramente olvidarás rápido y que solo convencerán a quienes disfrutan de dramas sencillos y previsibles.

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Atrapando a un Monstruo

Le doy un 4/10 porque se presenta como algo intenso y oscuro cuando en realidad tiene un tono mucho más suave y cercano a un entretenimiento familiar o juvenil. Lo que realmente destaca es el apartado visual, con un diseño artístico, vestuario y ambientación bastante cuidados que aportan personalidad y resultan lo más interesante del conjunto, ya que el guion y la base de la historia se quedan bastante flojos. Con una promoción más honesta y un desarrollo mejor trabajado podría haber funcionado mucho mejor, pero tal y como está solo resulta aceptable como pasatiempo ligero si se ve sin expectativas demasiado altas.

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Poseidón

Poseidón es pura adrenalina y llevó, en su año de estreno, el concepto de cine catástrofe a su máxima expresión técnica. A diferencia de la versión original de 1972, este remake prescinde de presentaciones prolongadas para sumergirte, casi de inmediato, en el caos provocado por una ola gigante. El impacto visual es incuestionable, la escena del transatlántico volcado y el uso del agua como un enemigo letal y claustrofóbico demuestran el dominio de Wolfgang Petersen en el género. Es una película que entiende su propósito como mero espectáculo de supervivencia.

Si bien se pierde el carisma coral que hizo popular a la obra original, Poseidón compensa esa carencia con una puesta en escena espectacular y efectos visuales que, incluso años después, conservan su potencia. Es una pieza clave para entender la evolución del cine de desastres en el siglo XXI, donde la narrativa se vuelve más cruda y directa, centrándose en el realismo de la catástrofe y en la desesperación por sobrevivir de un grupo de desconocidos atrapados en un laberinto de hierro y agua.

Por cierto, en una escena, Richard Dreyfuss tiene que liberarse de un desafortunado mesero para salvar su vida, dejando que el hombre caiga en una muerte espantosa. Un interesante dilema moral.

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El abominable hombre de las Nieves

Peter Cushing en un gran protagonico, aqui es un expedicionario que reune a un grupo para confirmar la existencia del famoso Yeti del Himalaya, es como una doble historia la del cientifico que busca confirmar la existencia y uno de los exploradores que tiene un fin comercial, capturar a la bestia y llevarla para exponerla y ganar dinero, los escenarios en las montañas están bien logrados es una peli de aventuras, muy buena.

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El extraño en mi casa

Nada más empezar ya me dio mala espina. Esa forma de presentar a los actores como si fuera una serie de televisión me sacó completamente de la historia y, en lugar de generar tensión, me provocó más risa que otra cosa. Si la idea era venderlo como un thriller serio, desde luego no lo consigue.

La sensación general es la de estar viendo una producción televisiva bastante básica. Incluso dentro de ese tipo de cine hay propuestas más entretenidas y mejor resueltas. La trama tenía potencial para ofrecer algo interesante, pero el desarrollo se queda a medio gas y nunca termina de explotar lo que podría haber sido una buena historia.

Me gusta poner películas sin saber demasiado sobre ellas porque a veces te llevas sorpresas agradables… pero esta no fue una de esas ocasiones. Esperaba algo bastante mejor y al final resultó una experiencia bastante olvidable.

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The Nasty Rabbit

El inefable Arch Hall Sr. produce otro vehículo para su hijo. Tras la bizarrada del cavernícola despertado por el rock de “Eegah“ y la sorprendentemente buena “The Sadist“, ahora le da por parodiar la Guerra Fría y las pelis de espionaje con una comedieta sobre un espía de un país no nombrado donde se ve que todos beben vodka en una misión secreta que tiene que soltar un conejo con un virus mortífero en territorio yanqui, y cuando llega ya tiene esperando a los mismos yanquis y a una coalición internacional de espias con un nazi, un charro mexicano, un japonés de esos que se perdían en las islas, una Mata-hari inglesa de saldo y un enano del Mosad. Se encuentran todos en un rancho y se arma.

Michael Terr (alias Mischa Terr o Manuel Francisco) es el espía en cuestión, amén del compositor de la banda sonora. Arch Hall Jr. co-protagoniza haciendo [otra vez] de joven cantante de pop al que el Tío Sam captó y que parece se enteró del lagomórfico asunto cuando estaba de gira en el país no nombrado donde se ve que todos beben vodka. La stripper y actriz - una de las musas de John Waters - Liz Renay es una glamourosa espía internacional. Finalmente, el mismo Arch Hall Sr. se reserva el papel de villano: un mariscal del país no nombrado donde se ve que todos beben vodka y que parece salido de un tebeo de los de Bruguera. Bueno, y está el conejo. Que resulta que habla. El conejo que tiene que destruir la civilización occidental habla, mire usted qué bien (bueno, en realidad una voz de pitufo nos dice lo que piensa, más bien, pero qué coño…). Como detalle, Richard Kiel vuelve a trabajar con los Hall en un pequeño papel.

James Landis vuelve a dirigir para los Hall, mientras que el mismo Arch Hall Sr. se encarga del guion junto a Jim Critchfield, uno de los guionistas del mítico Show de Rocky y Bullwinkle (del que soy bastante fan), que era, en efecto, una parodia de las historias de espías de la Guerra Fría. Chistes malísimos, ruidos aleatorios, paros en la acción y aburrimiento general.

La música incidental corre a cargo de Terr, pero las canciones pop son de unos jóvenes Lolly y Pat Vegas, que en los 70 lograrían grandes éxitos con su grupo Redbone. Otra promesa, en este caso de la cámara, Vilmos Szigmond, se encarga de la fotografía.

Mala de solemnidad. Hay escenas que incluso lo ponen a uno nervioso, pero al menos no me he aburrido. Después de esto vino un western trágico y ya se pudo decir que Arch Hall Sr. lo había probado todo para colocar a su hijo en la industria del espectáculo, así que lo dejó en paz para que pudiera dedicarse al pilotaje de aviones.

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Juegos Criminales

Pathology es un thriller de horror menor que destaca por sumergirse en los rincones más oscuros de la ética médica y el “complejo de Dios“. La trama sigue a un joven patólogo que se ve arrastrado a un juego clandestino, donde un grupo de residentes compite por cometer el “crimen perfecto“, aquel que ni siquiera sus colegas más expertos puedan descifrar. La cinta utiliza con eficacia la frialdad de la morgue para acentuar una atmósfera de amoralidad absoluta, valiéndose de efectos visuales grotescamente realistas que muestran la fragilidad del cuerpo humano cuando es tratado simplemente como un rompecabezas de carne.

El director, Marc Schölermann, pertenece definitivamente a la generación post-MTV, lo cual se refleja en el uso constante de cortes rápidos y recursos de cámara poco convencionales. Sin embargo, detrás de su fachada de cine gore estilizado, la película flaquea en su desarrollo. En última instancia, funciona mejor como un ejercicio macabro de serie B que como un estudio profundo de la psique criminal.

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La Legión de los Hombres sin Alma

La joven y feliz pareja conformada por la simpática Madeline (Madge Bellamy) y Neil (John Harron) está decidida a casarse en la plantación haitiana del Sr. Beaumont (Robert Frazer). Sin embargo, las intenciones de Beaumont son siniestras, ya que está enamorado de Madeline. Incapaz de evitar el matrimonio, recurre a Legendre (Bela Lugosi), quien le proporciona una droga para mantener a la joven bajo su control, convirtiéndola en una zombie sin emociones.

Tras el enorme éxito de Universal con Drácula y Frankenstein, otros estudios y varios cineastas independientes comprendieron que el gusto del público por el terror no era una moda pasajera y se sumaron rápidamente a la tendencia. En 1929, el autor William B. Seabrook publicó The Magic Island, un libro sobre Haití en el que introdujo al público estadounidense el concepto de zombie. Los hermanos Victor y Edward Halperin tomaron la idea, unieron fuerzas y —con un presupuesto de 50.000 dólares, un rodaje de 11 días y sets reciclados— crearon White Zombie. La cinta goza del honor de ser considerada la primera película de zombies de la historia; una pequeña obra maestra de atmósfera inquietante y onírica, una pesadilla en claroscuro.

La estrella es Lugosi, quien interpreta al villano con un estilo teatral, mucha acción de manos retorcidas, ojos brillantes y mirada malvada. No obstante, el verdadero horror de la historia reside en la amenaza de la pérdida del “yo“ y la esclavitud del alma.

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El Perro

El padre Karras versus el perro implacable…

El perro es un estupendo largometraje que combina thriller, crítica política y terror animal, con un toque de naturaleza salvaje y aventuras, todo en uno. Una mezcla muy inusual. Está dirigida con buen pulso por Antonio Isasi-Isasmendi y fue escrita por Juan Antonio Porto junto al propio director, basándose en la novela Como un perro rabioso, de Alberto Vázquez-Figueroa.

En realidad, El perro es una versión muy libre de la novela. En su primera parte, la trama —ambientada en un estado totalitario, en algún lugar indeterminado de un país latinoamericano (fue rodada en Venezuela)— se centra en Arístide, Jason Miller, un preso político que escapa de la cárcel y es perseguido implacablemente por un perro. Sin embargo, el animal pronto se transforma en un símbolo que encarna la tiranía política, funcionando como una crítica a toda forma de dictadura.

En el tramo final, la película se adentra más en el género del thriller político, la historia se enriquece, aparecen nuevos personajes y la ambientación cambia de lo rural a lo urbano. Aun así, el duelo mortal entre Arístide y el perro se mantiene como eje central hasta el final.

Al inicio, aparece un mensaje que aclara que ningún animal fue lastimado durante el rodaje. Un mensaje tranquilizador.

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