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Superman

Calmadas las aguas, puedo hacer un balance ponderado de esta nueva adaptación de Superman.

Lo positivo: David Corenswet, sin emocionar demasiado, logró capturar esa esencia de “boy scout“, medio torpe, de Clark Kent; su Superman transmite una bondad genuina que no veíamos desde Christopher Reeve. Gunn llena la pantalla de color y nos recuerda, en estos tiempos grises, que Superman es un símbolo de esperanza. Ver a Krypto, más allá de ser solo un truco de marketing, añadió calidez. Rachel Brosnahan me pareció una Lois Lane digna.

Lo negativo: La trama simple, con un montaje algo atropellado, tiene altibajos y nunca conecté totalmente con ella. Si bien Hoult es un buen actor, no me convenció su Lex Luthor. Si no eres fan del humor de Gunn (bromas rápidas, situaciones algo absurdas), hubo momentos que pueden sacarte de la épica necesaria.

Superman no intentó ser una película “seria“ de superhéroes, y DC sigue intentando emular el estilo (y el éxito en taquilla) de Marvel sin conseguirlo. Pretende ser el acto fundacional del nuevo Universo DC, diseñado por James Gunn y Peter Safran. No es solo una película, es la piedra angular de un proyecto corporativo. Pero James Gunn demostró que se puede ser moderno siendo fiel a la esencia clásica, con algún momento emotivo y un héroe que salva gatos de los árboles y también salva al mundo de un terrible villano.

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Operacion: Isla del Oso

Thriller de intriga basado en la novela de Alistair MacLean que combina aventuras en hostiles tierras heladas, nazis, tesoros escondidos y científicos en peligro alejados de la civilización.

Es una curiosa muestra del cine de suspense de finales de los setenta que cuenta con un reparto de primer nivel, incluyendo a Donald Sutherland, Lloyd Bridges, Christopher Lee y Vanessa Redgrave. El ritmo es algo errático; se toma demasiado tiempo en establecer la tensión y las rivalidades entre los científicos en el Ártico antes de revelar que, en realidad, estamos ante una despiadada búsqueda de oro nazi. Sin embargo, la ambientación gélida y la fotografía logran crear una atmósfera de aislamiento bastante efectiva.

Lo más destacable son sus impresionantes secuencias de acción en la nieve, particularmente la estupenda persecución en motos de nieve que fue innovadora para su época. Funciona como un entretenimiento sólido para los amantes del género, con reminiscencias de la Segunda Guerra Mundial.

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28 Años después: El Templo de los Huesos

Aburrida.
Esta supuesta película de zombis es, paradójicamente, la que menos luce a sus zombis. Los infectados quedan relegados a un segundo plano mientras la historia se obsesiona con la secta de los “elegidos”: un culto de psicópatas con pelucas rubias y nombres idénticos que pretenden ser profundos, místicos y perturbadores. El problema es que sus diálogos suenan exactamente a lo que parecen: generados por IA en modo “filosofía barata”. Redundantes, pomposos y completamente huecos.

Hacia el tramo final la película consigue, por fin, un atisbo de la mística que prometía desde el principio. Hay imágenes potentes, un par de momentos que respiran atmósfera y hasta cierta inquietud religiosa. Pero ese fogonazo llega tarde y queda flotando en un limbo incómodo: puede parecerte genial… o simplón, según lo mucho (o poco) que te hayas enganchado con los personajes.

El gran lastre es la continuidad. Todo se siente como un universo mal cosido, una historia sin gancho real y un guion que estira hasta el delirio lo que perfectamente podría haber sido un tenso cortometraje de 30-40 minutos. Dos horas que se hacen eternas para contar lo que se podría haber dicho en la mitad del tiempo y con el doble de fuerza.

Después del tibio recibimiento en taquilla y de las críticas divididas, dudo mucho que lleguemos a ver esa tercera parte que supuestamente cerraba la trilogía. Y, sinceramente, tampoco la espero.

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Sin piedad

Bastante entretenida, se me pasó rápida y eso ya es buena señal.

La peli engancha desde el principio con una idea que llama la atención y mantiene el suspense casi todo el rato, aunque tampoco voy a decir que sea perfecta porque hay momentos en los que la historia hace aguas y te quedas pensando “esto no tiene mucho sentido”. Aun así no llega a fastidiarla, sigue siendo divertida y con buen ritmo, de esas que te mantienen mirando sin aburrirte.

No es redonda ni mucho menos, pero como entretenimiento cumple de sobra y se deja ver muy bien.

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Sin piedad

Investigación policial que se cimenta sobre un asesinato extrapolado a una presumible distopía futurista en donde el acusado es culpable «Sin piedad» ante un programa cibernético de IA llamado Mercy y mientras no se demuestre su inocencia.

Creí que este largo iba a ser otra cosa pero lo cierto es que su historia, escenificación y progreso no me apasionó, siendo su impacto en mi intelecto más cercano al 0 que al 5 en esta supuesta escala, de manera que calificaré al producto con un 1️⃣/5 y «Sin piedad». .DEFICIENTE. ..PICARD..

Anexo: estimo que, con absoluta probabilidad, esta política absorbería el aplauso enfático de la administración actual estadounidense de D. Trump.

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El Sonido De La Muerte

El SONIDO DE LA MUERTE (Jose Antonio Nieves Conde, x-08-1966) - * * *

Uno de los pocos largometrajes que hemos descubierto… que desmienten la vieja tesis del maestro Paul Naschy… según la cual el primer film de fantaterror español fue su “La Marca Del Hombre Lobo” (1968)… a no ser que se refiriera a las rodadas en color.

Y es que aquí tenemos una cueva con tesoro perdido, influencias de la Hammer y de los monstruos de autocine cincuenteros, colaboración en el guion de Gregg Tallas, - que filmara la primera versión sonora de “La Atlántida” (1949) -, y los huevos de una bestia prehistórica que se hace invisible… lo que nos aporta ciertos rasgos lovecraftianos.

Fue ninguneada durante décadas… por proceder de uno de los supuestos mesías del realismo cinematográfico español… que aquí filma probablemente su mejor trabajo… pese a una evidente precariedad que les lleva a provechar los retales de las grandes pelis de Samuel Bronston, a unos efectos visuales menesterosos, a ambientar la Grecia mediterránea en la sierra de Madrid… y a un elenco actoral eficiente… pero que algunos considerarán disparatado… incluyendo a Lola Gaos, Arturo Fernández, José Bódalo, o la starlette yeyé Soledad Miranda.

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VHS Summer Camp

Huy dios que malo es esto.
Todo es indigno de ver,malo pero malo en serio.
Trama mala,muertes malas,personajes malos,todo absolutamente es malo.
Ya en un principio daba la sensación de que esto iba a ser horroroso.Pero no me imaginé tanto,es increíble que todavía salgan propuestas tan penosas como esta.
El film trata de un grupo que va a un campamento por trabajo,y como no podía ser el campamento esta embrujado.La bruja y su pareja dan pena,los momentos que sale el fantasma de una chica,los efectos son espantosos,y el final todo tan simple como si nada.A este descalabro de película que dura 70 minutos,hay escenas después de los títulos que ni se para que las ponen.Y en cuanto a actuaciones son verdaderamente deprimentes.Este film no merece punto alguno.

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The Silent Scream

Rebecca Balding es una estudiante que busca una residencia cercana a su universidad, y conseguirá alojamiento, junto a otros estudiantes, en el caserón de la familia Engels. No sospecha los horrores que guarda esa casa…

Un muy buen slasher, de la edad dorada del género, que injustamente es poco conocido y recomendado. Dirigida por Denny Harris, logra distanciarse de sus contemporáneos gracias a una tensión psicológica que se cocina a fuego lento. Utiliza los pasillos sombríos y las escaleras crujientes de una mansión victoriana para generar una sensación constante de amenaza invisible, para que el espectador sienta que el peligro no solo está acechando, sino que es una presencia física que emana de las paredes mismas de la casa.

El reparto es estupendo: Yvonne de Carlo, Barbara Steele (magnifica como la villana) o incluso un desperdiciado Cameron Mitchell, suman a una trama macabra bien elaborada con un claro regusto a terror de la vieja escuela, con un guiño hitchcockiano a Psicosis, combinado con la violencia del slasher.

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Spiders on a Plane

Producida por la prolífica pero muy cuestionable Jagged Edge Productions, es un ejercicio de masoquismo cinematográfico que intenta ser un ¿remake? de Snakes on a Plane sin aportar ni un gramo de ingenio.

Es horrible desde su primer acto debido a un guion que parece escrito por una inteligencia artificial defectuosa, plagado de diálogos absurdos y personajes tan insoportables que terminas apoyando a los arácnidos. El uso excesivo de chistes escatológicos y situaciones sin sentido no logra ocultar una dirección totalmente errática.

Lo verdaderamente imperdonable es la paupérrima calidad de sus efectos visuales. El diseño de producción es tan barato que el interior del avión se siente como un set de cartón piedra. Una pérdida de tiempo tediosa e insoportable.

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Sospecha

Cedido esta vez a RKO, Hitchcock (pues tras investigarse documentación se demostró fehacientemente que fue más que probablemente él mismo el artífice del cambio de enfoque y no la RKO y/o los censores como quiso vender a lo largo de su vida) le da la vuelta a un amargo thriller psicológico sobre la paranoia, manteniéndolo en el subgénero pero haciéndolo más tolerable para el Hollywood del código Hays, y su cartón piedra, su glamour y sus mentiras blancas.

Joan Fontaine, en una brillante, tensa, casi bipolar sin tampoco llegar a ese extremo pero al mismo tiempo llena de glamour, interpretación que le valió un Oscar, vuelve con Hitch para interpretar a Lina McLaidlaw, una joven de muy buena familia que, disgustada por el aburrimiento de la vida burguesa y puritana que se ha autoimpuesto, se casa con el simpático caradura Johnnie Aysgarth, otro burgués, en este caso rebelde, famosete de segunda fila y sin un duro, bajo los rasgos de Cary Grant haciendo, pues de Cary Grant, y de verdad, inquieta verlo comportarse como un personaje de comedia mientras va desgraciando su matrimonio. Pero esto es solo al principio. Y es que con el tiempo, Lina empieza a ver signos de una mente criminal en su marido. Los ve por todos lados. Y ve también que ella es su objetivo, por mucho que ella misma y los demás se lo quieran sacar de la cabeza. Aunque debe decirse, el tipo poco aporta a disipar las dudas sobre él.
Reparto secundario muy destacado, con Cedric Hardwicke como padre de Lina y el retorno de May Whitty - como madre de Lina - y Nigel Bruce - como amigo de toda la vida de Johnnie en el papel de su vida: con lo que detesto su Watson, ver que realmente era un notable actor ha sido muy refrescante - a las órdenes de Hitchcock.

Guion del dramaturgo e importante escritor Samson Raphaelson junto a las eternas colaboradoras de Hitchcock: Joan Harrison y la esposísima Alma Reville. Como siempre, poco que ver con la escalofriante novela “Before the fact“ de Francis Iles. Hace más paladeable la historia al público de la época sin perder la tensión constante del argumento. Hitchcock y el trío guionista sabían que la novela en su estado original era irrealizable en Hollywood y actuaron en consecuencia: no se entiende que el cineasta se desmarcara de su propia decisión con el paso de los años, porque simplemente se avanzó sabiamente a los que le pudieran censurar.
Cada escena es un constante cambio de ánimo: pasa de la screwball comedy al melodrama y de allí al thriller e incluso al terror, conceptos que van intercambiándose constantemente para crear inquietud y desasosiego, retratando la situación mental de Lina. Es excelso y solo falla ligeramente con el abrupto final, que, todo debe ser dicho, tiene bastantes defensores. Yo defiendo el cambio respecto a la novela para contentar a los defensores de la moral y/o los productores (depende de a quién creamos; yo personalmente defiendo las tesis del experto Donald Spoto), pero hubiera preferido de dos a cinco minutos más para que me contaran más detalles de la trama.

Como en toda peli de Hitchcock, la iluminación y la fotografía son claves, pero es la música de Franz Waxman, utilizando el alegre vals Wiener Blut de Johann Strauss II como un siniestro leitmotiv, lo que destaca más, en todo momento remarcando el tono de cada escena, empezando optimista y acabando tétrico.

Tiene un par de puntos débiles que, creo, la alejan de ser una obra maestra del cine a mi juicio, pero es aún así un gran tour de force narrativo y otra excelente entrega del canon hitchcockiano.

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