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Lonely Heart

El término “sabishinbo“ se refiere a alguien que siente un amor muy poderoso e inevitable por otro al que, asimismo, también embarga un anhelo melancólico...

Un sentimiento que permite soñar, vivir una fantasía idílica aunque nunca posible en la realidad. “Sabishinbo“ es eso: el amor o el deseo imposible, inalcanzable, producto de la debilidad del corazón, y es el sentimiento que atraviesa la película bautizada con este curioso término; su escenario es, cómo no, Onomichi, la idealizada y mitificada Onomichi que bajo la mirada de Nobuhiko Obayashi se convierte en un lugar atemporal, alejado de todo concepto real del tiempo y el espacio (y así fue literalmente, ya que allí filmó “The Girl who Leapt through Time“).
La Trilogía de Onomichi iba a cerrarse con un proyecto que tenía en mente desde hacía muchos años, y que, pese a posponerlo siempre, llegó la oportunidad a finales de 1.985 mientras esperaba la puesta en marcha de otra producción, coincidiendo con las vacaciones de invierno de Yasuko Tomita, joven que poco antes había debutado y ardía en deseos de convertirse en una gran estrella. ¿Qué mejor que hacerlo en los brazos de Obayashi, el creador de “idols“ por excelencia de los “80? La historia, como bien se nos menciona al principio, se hunde en sus raíces; este es un regreso a sus días de juventud, de fantasías, diversión y descubrimiento...

Por eso el aire nostálgico se respira en cada secuencia, cada plano, gracias a la fotografía de colores sepia de Yoshitaka Sakamoto, y el director sigue ateniéndose al tono sobrio, poético e intimista que distinguió “Haishi“ y las películas previas realizadas en su ciudad natal, mientras se transmuta en su álter-ego más fiel, Hiroki, quien nos presenta su hogar, a su familia y a la chica de la que está enamorado, Yuriko. Y ella es, como en algún momento de nuestras vidas también hemos experimentado, ese anhelo inalcanzable; él la observa en la distancia con su cámara interpretando en una clase de su instituto, en solitario, el “Vals de la Despedida“ de Chopin. Parece un mundo ideal construido desde su ilusión.
Pero ella es un símbolo más que un personaje como tal, y Hiroki la persigue con su cámara igual que Obayashi, así que rara vez les veremos cruzarse. ¿Qué sucede entonces? Que éste va dejando caer historias mientras el milagro no se produzca: por un lado tenemos las aventuras del protagonista y sus amigos, una pandilla de idiotas que llevan de cabeza a sus profesores y otros compañeros, lo que hace desviarse a la película a terrenos de comedia absurda absolutamente fuera de lugar; por otro tenemos la difícil relación entre Hiroki y su estricta y poco agradable madre Tatsuko, quien se hará poco a poco con el protagonismo.

Y la guinda a este pastel de géneros la pone la misteriosa muchacha que, tras el incidente en el que se pierden varias fotos de la anterior, “sale“ de la cámara de Hiroki como por arte de magia y aparece en su habitación. ¿Un espíritu?, ¿un producto de su imaginación? Se llama “Sabishinbo“, es todo lo que sabemos. La intención de Obayashi de utilizarla, del mismo modo que a Yuriko (ambos personajes los interpreta, no en vano, Tomita), de símbolo de lo nunca logrado en la vida, de la tristeza infinita que produce el eterno anhelo, establece un tono melodramático realmente conmovedor...pero esto no puede ir por desgracia más allá por culpa del galimatías que se esfuerza en perpetrar el guión.
Y la razón es que el director, para tener una base concreta sobre la que ir añadiendo el resto de sus ideas, escogió la novela “Nanda ka Hentoko“, del autor de cuentos infantiles Hisashi Yamanaka; de aquí surgen Hiroki y la extraña chica (“Hentoko“) que en sus manos se transforma en “Sabishinbo“, y los pasajes de humor y los coloridos y extravagantes personajes acaban mezclados con la historia, más dramática, de Tatsuko, a la que en un principio se le iba a dar el papel principal. Esta amalgama deja a dichos personajes sin una función clara, ocupan varios episodios en la vida de Hiroki y su madre, pero son totalmente desechables para la historia.

Lo más triste de todo es el trato indiscriminado que se le da a un ser tan entrañable, adorable e interesante como “Sabishinbo“, ya sea más o menos simbólico y producto de la fantasía; aunque aparezca intermitentemente al principio su presencia no adquiere importancia hasta pasada más de la mitad de la película, y apenas mantendrá un vínculo creíble con Hiroki, ni mucho menos con Tatsuko. Yuriko es la que le arrebata el protagonismo y la que evidencia las similitudes que unen a las tres féminas, gran secreto del argumento que promete una gran revelación pero que, aun con sólo unas pistas, ya lo podemos intuir desde más de media hora antes...
Al final lo que hace Obayashi, siempre usando de tema central la relación entre una madre y un hijo, es elaborar una especie de lugar fantástico donde confluyen los recuerdos, los sueños y las ilusiones, donde pasado y presente interaccionan y se entrelazan, haciendo imposible discernir qué es real y qué no ante los inocentes ojos de Hiroki, mientras la nostalgia por un pasado mejor, el sentimiento de la pérdida y la agonía por las oportunidades desperdiciadas se transmiten entre todos. Pero a la película le iría mejor una estructura más centrada, porque el director se dedica a contar la historia usando sus recuerdos...y claro, en el recuerdo todo se vislumbra de forma fragmentada e indiscernible.

No se podría calificar a “Sabishinbo“ de otro modo salvo de melodrama “obayashiano“; la mezcla de estilos, situaciones y personajes es inclasificable, incomprensible, pero en sus manos, por alguna extraña razón, todo posee una bella, peculiar naturalidad.
La química de sus actores es una de sus mejores bazas (Tomita y Toshinori Omi están en los papeles de sus vidas). Concluye así la poética, romántica y personal Trilogía de Onomichi, que tanto ha significado para el director...

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The Girl who Leapt through Time

La chica que saltaba a través del tiempo, Kazuko, atrapada entre amores adolescentes, entre problemas cotidianos y entre grietas que se abren en el espacio hacia realidades ya vividas o quizás imaginadas...
Todos conocen ya su historia, de alguna manera u otra.

Aunque resulte fácil llegar a la increíble aventura de esta chica tan especial gracias a la archiconocida película de anime que catapultó a Mamoru Hosoda en 2.006, “Toki wo Kakeru Shojo“, en su origen un relato de Yasutaka Tsutsui de 1.965, publicado por entregas en la revista juvenil Gaku-shu Kenkyu-sha, cuenta con muchas adaptaciones anteriores y posteriores. La presente, aunque casi totalmente desconocida para Occidente, en Japón sigue siendo un amado icono de la cultura popular de los años “80; y también fue un proceso accidental...
El todopoderoso Haruki Kadokawa, con los derechos adquiridos desde hacía tiempo, deseaba realizar una versión propia; el detonante fue su amor incondicional hacia Tomoyo Harada, una estudiante de 14 años de Nagasaki que soñaba con convertirse en toda una “idol“. Por desgracia, y aunque acabara tomando los roles protagonistas para las versiones televisivas de “Nerawareta Gakuen“ y “A Sailor suit & A Machine-gun“ (ambos, curiosamente, interpretados en el cine por Hiroko Yakushimaru), la suerte le iba dando de lado en proyectos más importantes, quizás por su apariencia tan poco “exótica“ y moderna...

Llevar la novela a la gran pantalla por primera vez fue el regalo de Kadokawa a Harada, quien casi deja para siempre la industria del entretenimiento; y al ilustre Nobuhiko Obayashi, responsable de grandes éxitos para la productora, y siempre con historias ocupadas por jóvenes, lo requieren casi con súplicas para encargarse de la de “TokiKake“ (repitiéndose exactamente el mismo proceso que en la adaptación de “Nerawareta Gakuen“). Es también un regalo para él, ya que recibe total libertad sin verse obligado a respetar el complicado material original (en realidad pocas opiniones coinciden sobre el gusto por la mezcla de ciencia-ficción, fantasía, drama adolescente y humor negro que imaginó Tsutsui, con sus habituales salidas de tono, tan controvertidas).
Su guión, en colaboración con Wataru Kenmochi, tardó casi un año en desarrollarse, sin embargo el rodaje fue más apresurado de lo que hubiera querido: sólo un mes, para poder estrenar la película junto a “Tantei Monogatari“ (protagonizada por Yakushimaru) y asegurar el éxito comercial. Lo que entonces decide el director es utilizar la novela sólo de sugerencia lejana; cualquiera que conozca su estilo personal lo verá grabado en todos los planos de ese inicio en mitad de un escenario nevado y en blanco y negro. Es la presentación del trío protagonista, Kazuko, Goro y Kazuo, amigos y compañeros estudiantes.

El cielo estrellado a lo lejos, la nieve, las miradas inocentes, los jóvenes que imaginan un futuro soñado más allá de la aburrida rutina. Obayashi se pierde, y se perderá, en estos pequeños instantes íntimos enfocando en primer plano el rostro de sus debutantes actores; Harada, aun no tan magnética como otras actrices de su generación, desprende una dulzura atemporal, y la cámara, al parecer sabiendo que el film está por entero dedicado a ella, se regocija en destacar su hermosa presencia. Flota en el aire una levedad que poco recuerda al libro; esta versión es muy personal y profunda.
El principal motivo es que está rodada en Onomichi, ciudad natal del director, como sucedió en su obra anterior, “Tenko-se“, con la que comparte no pocos puntos en común temática y estéticamente. Aquí deja de nuevo que la sensación de nostalgia se apodere de todo, creándose una atmósfera más propia del melodrama romántico clásico; aunque se produzca temprano el desastre en el laboratorio de química que trastocará la vida de Kazuko no habrá cambios de ritmo, y los fans de los locos desvaríos del nipón se darán de bruces con un cuento de amor adolescente que fluye a través de una poesía evocadora.

Este ritmo, muy pausado, puede ser un inconveniente. Hasta que la protagonista pasa de su confusión por culpa de la engañosa realidad en la que está habitando una y otra vez a tomar conciencia de los poderes que posee para deslizarse por las grietas del tiempo ha transcurrido más de la mitad de metraje, y dando el guión una atención especial a la relación de los tres personajes principales.
La novela se servía de la ciencia-ficción como base sin profundizar demasiado en detalles, pero el exceso del toque romántico es cosecha de Kenmochi y Obayashi, que prefieren centrarse en el aspecto más humano de la historia.

Y es curioso cómo el argumento falla precisamente en esto. La pareja utiliza la ciencia-ficción en su versión cual escape de fantasía y a la vez metáfora sobre la vida; aquí Kazuko se ve incapaz de salvar a los seres que más quiere, puede, sin saber muy bien de qué manera, predecir el futuro, pero tampoco hace nada por evitarlo. Esto es un sinsentido. En lugar de avisar con antelación a Goro del terremoto y el incendio decide esperar a que suceda la misma noche...¿pero serviría de algo o sólo cambiaría una tragedia por otra? Podría o no. No lo sabemos porque ni siquiera lo intenta.
Otra diferencia primordial con el libro es que Goro sí conocía los poderes de “teletransporte“ de Kazuko (y éstos no los revela Kazuo, sino el profesor Fukushima, que aquí tiene menos protagonismo...), pero en este guión se transforma en una especie de simple anhelo; ella parece estar enamorada de él, él parece estar enamorado de ella, pero no lo expresan. Mientras construye un romance mitificado y sugerente, el director sólo esboza a los personajes, sin profundizar en ellos como es debido, sin desarrollarles como seres humanos reales; la evolución de Kazuko, por ejemplo, se va sucediendo a causa del incidente.

Libro y guión coinciden en las pocas explicaciones que se aportan sobre los hechos fantásticos y la implicación de la protagonista con respecto a sus poderes (básicamente Tsutsui la hacía regresar en el tiempo para deshacerse de ellos y ya está), pero éste debería haberse tomado mucho más tiempo tratando los aspectos psicológicos y los temas esenciales de la amistad, la soledad, la distancia familiar, el amor, los celos y el destino que nos presenta. Kazuo también parece funcionar como un símbolo, no sólo del amor no correspondido, igual que Goro, sino del amor ideal e imposible.
La presencia de este personaje es todo un misterio; incluso cuando la película regresa atrás para revelar su relación con Kazuko en la infancia, da la sensación de necesitar más explicaciones. Kazuo es, de hecho, lo que hace que la trama se desmorone, también aquí y en el libro; en ambos casos sucede un giro sorpresa absolutamente increíble, apareciendo éste como un viajero del futuro, y, por ende, condenado a vivir un romance imposible con Kazuko. Esto estaría muy bien si fuera su historia, pero no es suya. Así como así le roban a ella el protagonismo y se lo dan al chico.

No es sólo un insulto a la heroína, sino a la inteligencia del espectador; pareciera otra película que se mete de por medio sin pedir permiso. Para compensar esta ofensa a la estructura narrativa Obayashi nos bombardea con su magia en ciertos instantes catárticos, siendo el más memorable el clímax de los “saltos“ en el tiempo, un fascinante delirio de técnicas visuales innovadoras para su momento y que pone de manifiesto la libertad creativa de la que gozaba el maestro.
Incluso para los créditos finales se saca de la manga un vídeo musical complaciendo los deseos de Kadokawa: Harada es alabada como la nueva “idol“ del momento por todos sus compañeros en una catarata de alegría colectiva.

Destaca entre tanto joven la presencia de dos leyendas del cine japonés, Ken Uehara y Takako Irie, a quienes el director les ofrece unos hermosos personajes ausentes en el libro, y a través de los cuales enfatiza el hecho de que por mucho que se deseen cambiar las cosas y “traer de vuelta“ a alguien desaparecido, la vida toma otros caminos más crueles...
La película, pese a la cantidad de errores de guión que tiene, y a un rodaje lleno de accidentes y complicaciones por culpa del ajustado plazo, batió récords en taquilla sorprendiendo a toda una generación de adolescentes que sólo pretendían disfrutar con la aventura de Yakushimaru y por partida doble también encontraron otra chica muy interesante...y, por qué no, excitante. Obayashi, por otro lado, se ganó el apelativo de “El cineasta de la juventud”, lo que seguiría manteniendo en años futuros...

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The Visitor in the Eye

Aunque el título de la crítica sugiera un “giallo“ de los años “70, no es así. Esto trata del cirujano más popular de todo Japón, también el más costoso y extraño.
Aquí, en la gran pantalla, tenemos oportunidad de contemplar en carne y hueso las aventuras de Kuro Hazama...
afortunadamente será la primera y la última vez.

Un curioso personaje, más conocido por su apodo “Black Jack“, que hizo su aparición en 1.973 de la mano del maestro Osamu Tezuka, y poco tardaría en convertirse en toda una sensación que incluso en nuestros días continúa generando secuelas; no goza, sin embargo, de mi entusiasmo, este cirujano experto de trágico pasado y apariencia inquietante atrapado entre las intrigas de aquellos pacientes que decide operar, siempre al margen de lo legal y por sumas de dinero inimaginables, y los serios dilemas morales que se le van presentando capítulo tras capítulo.
Es un trabajo con pros y contras, como tener un buen ritmo y personajes extravagantes y carismáticos pero también que sus historias sean independientes, que esté fuera de lugar su mezcla de temas serios y humor ligero, y su originalidad surrealista al aparecer a veces tramas involucradas en lo sobrenatural. A Obayashi, que se había vuelto la envidia de todos al hacer algo tan inclasificable y gamberro como “House“ en los dominios de la todopoderosa Toho, Hideo Sasai, otrora productor de Nikkatsu, le ofreció el desafío de adaptar el cómic de Tezuka; la desconfianza de este proyecto siempre estuvo presente, y no pocas veces se arrepentiría de ello en el futuro...

Pero en aquel entonces el joven director aceptaría simplemente por continuar poniéndose a prueba y por homenaje a Tezuka, apreciable durante esos eclécticos créditos iniciales animados, tal vez lo único bueno que ofrece esta “Hitomi no Naka no Homonsha“, cuyo guión se basa en la historieta “Haru Ichiban“, y que resulta difícil de encajar desde el principio. Parece que estamos ante una comedia juvenil por el desfile de rostros (y piernas) de chicas jóvenes recién descubiertas por Toho y esa especie de ligereza propia de serie televisiva...hasta que una pelota de tenis destroza el ojo de Chiaki.
A la sosería insoportable del trío Nagisa Katahira/Etsuko Shihomi/Shingo Yamamoto se unen unos aires de melodrama poco creíbles que se mezclarán con la todavía menos creíble excentricidad de “Jack“, interpretado por un Jo Shishido de más de 40 años (cuando rondaba la veintena en el manga...) y con unas pintas que producen entre miedo y vergüenza ajena; incluso aparece Pinoko, la asistente con cuerpo de niña, pero errónea (y terriblemente) presentada aquí como esposa del cirujano (cuando era ella quien lo afirmaba en el manga...). Al ser el actor quien es el guión mantiene la actitud ambigua, cínica y áspera del personaje, pero también su buena voluntad y dedicación por sus pacientes.

Todo está atravesado por los alardes experimentales del director, menos delirantes que en “House“ y más elegantes y estilizados; la técnica, en realidad, no es el problema, incluso da gusto perderse en la riqueza visual y la aberrante estética con la que se nos bombardea, más propia de las películas de Nikkatsu de finales de los “60. El problema es todo lo demás: para empezar la nefasta progresión, del humor al melodrama romántico y de repente al misterio y un poco al terror, al verse Chiaki atormentada por alucinaciones y espectros desde el ojo que le ha sido transplantado.
Podría ser interesante toda esta intriga, pero no cuadra porque “Jack“ no se hace en ningún momento con el protagonismo, sino que queda en segundo plano, cual mero artista invitado (en ese caso debería haber aparecido como un cirujano normal y corriente). La protagonista es Chiaki...un error, porque Katahira no puede lidiar con todo esto, y menos cuando la película se abre a una especie de romance sobrenatural con ecos de la “Fascinación“ de DePalma; el “fantasma“ en el ojo pasa a ser un amante misterioso, también extravagante (jovencísimo Toru Minegishi), y tal vez sólo en la imaginación de la chica.

Ojalá hubiera sido así, ya que la trama pega otro vuelco y lo que era romance fantástico-psicológico-sobrenatural (sí, la lista de géneros se acumula sin orden ni concierto...) se transforma en una simple y trilladísima historia que podría haber pertenecido perfectamente a un “giallo“ o un “thriller“ de la época (con la chica imbécil de turno enamorada/obsesionada con un hombre que nunca conoce del todo y oculta un terrible secreto mientras sus amigos la intentan avisar y, en última instancia, rescatar de las garras del rufián, pues sus intenciones eran más aviesas de lo que parecían...).
Este desarrollo con tan pocas sorpresas se intuye ya desde la mitad de la película, y el ritmo, tedioso hasta la náusea, no ayuda en absoluto. “Hitomi no Naka“ fue una mala idea desde el principio, no porque Obayashi no tuviera la capacidad ni el dominio visual para llevar el trabajo de Tezuka a imagen real, sino porque no eligió una buena manera de contarlo; narrativamente y en términos de ritmo y personajes es una catástrofe de proporciones gigantescas, como casi todas las adaptaciones de mangas en personajes reales. Cuando la película se estrenó tardó sólo dos semanas en ser cancelada, y los críticos, que ya le tenían tirria al director, no dejaron pasar la oportunidad para hundirle definitivamente.

El mayor regocijo en esta patraña es poder ver juntos a tantos veteranos del cine japonés en pequeños papeles; no sólo Shishido, también están Hiroyuki Nagato, Koji Wada, ¡incluso Sonny Chiba!
No es de extrañar que sea la única versión cinematográfica del manga; desde entonces sólo se ha llevado a la pequeña pantalla, el formato ideal.

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La Verdadera Historia del Cine

Un falso documental sobre el redescubrimiento de un cineasta neozelandés de la era del cine mudo. De hecho, dudo en llamar a esto un “falso documental“ porque es más inteligente que divertido. Hay algunos chistes discretos (principalmente centrados en un vodevil pirata llamado “Stan the Man“), pero en realidad no son tan divertidos. Aún así, es una producción inteligente y Peter Jackson (junto con el codirector Costa Botes) tiene un compromiso admirable con la autenticidad. Las películas están envejecidas maravillosamente y definitivamente podrían pasar como reliquias olvidadas. No sé si los cameos de Harvey Weinstein y Sam Neill añaden tanta verosimilitud, pero ciertamente podría ver a Leonard Maltin involucrado en un documental como este. Me pregunté si podría haber una especie de complejo de inferioridad de Nueva Zelanda en juego aquí, con Jackson y compañía (conscientemente o no) queriendo inventar su propia leyenda cinematográfica kiwi. Es una pequeña película divertida que parece divertida de hacer.

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Madame Web

Película: “Madame Web“ (2024).

Un desastre de proporciones colosales. Si Sony venía hacer una película tan mala como “Morbius“, uno pensaba que lo próximo no podía ser peor, pero claramente Sony puede lograr esto. Una historia bastante floja e incoherente. Diálogos malos. Actuaciones muy flojas y no es para sorprender si Dakota Johnson es la estelar. Personajes mal desarrollados. De ritmo es muy lenta. Banda sonora aceptable. Efectos visuales malos. Escenas de peleas poco interesantes. Desarrollo absolutamente lento, la primera hora no sucede nada interesante y al final con 10 minutos de acción muy pobre intenta solucionar todo, cosa que obviamente no pasa.

Mi puntuación para “Madame Web“ es 3 de 10 posibles. Yo disfruto el contenido en general de Marvel, pero estos últimos años han sido muy flojos, sobre todo por parte de Sony que debería replantearse el querer colgarse de la fama de los personajes ya vistos por parte de Disney, trayendo productos de tan mala calidad creyendo que el publico es tonto y disfrutaría de cintas como estas. Para nada recomendada.

Tabo.

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The Collingswood story

La prueba de que realmente no se necesitan todos esos millones para hacer un buen entretenimiento. Esta joya de bajo presupuesto lo tiene todo. Un guión inteligente, personajes creíbles, una muy buena historia de fondo y un ritmo lo suficientemente rápido como para que nadie pierda el interés por el camino.
Si te gustó Blair Witch (y compararás este con él más de una vez), te encantará The Collingswood Story.
Esos cineastas importantes de Hollywood tienen mucho que aprender con Michael Constanza.
¡No te lo pierdas!

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Tomás está enamorado

Acabo de recibir esta película de la biblioteca; La cara extraña y los colores brillantes realmente me llamaron la atención. No sabía que me esperaba una historia refrescante y original en la que nunca se llega a ver al protagonista. El efecto sutil del formato de la película (sólo vemos a las personas que Thmoas ve en su videoteléfono) crea lentamente una tensión claustrofóbica palpable. Sólo una actuación sincera podría hacer que este guión funcionara y los actores merecen un gran crédito, así como la visión clara del director. Las secuencias de animación también fueron divertidas de ver. Esta película desafía las nociones típicas de alienación en un mundo moderno. Es una fantástica exploración del mundo de los agorafóbicos en un futuro no muy lejano. Es fantástico saber que se puede hacer una película como ésta.

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U.F.O. Abduction

Una película realmente poco apreciada y que realmente fue pionera en el género del metraje encontrado hiperrealista. La película, de sólo 1 hora de duración, está rodada como una película casera durante una reunión familiar que toma un giro aterrador tras la aparición de misteriosas luces en el cielo. Tiene un presupuesto ultrabajo: los efectos son inexistentes y el vestuario casi ridículo, pero la grabación granulada hace muchos favores. La actuación es decente durante los momentos de bromas familiares discretas, pero es menos creíble a medida que aumenta la tensión. No hay mucha historia que encontrar; En realidad es sólo una cámara apuntando a algunos eventos extraños, pero la producción de baja calidad logra que esto sea bastante escalofriante.

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Acto de Violencia en una Joven Periodista

Grabada con cinta de video y una cámara amateur por un aficionado al cine. El film es muy malo, pero eso lo convierte en algo disfrutable. El guión es pobrisimo rozando lo absurdo, totalmente delirante, las actuaciones son hermosamente malas, lo cual las hacen diferentes al resto.
La pelicula va de una periodista que investiga sobre la violencia, hace reportajes largos sobre la violencia, y luego comienza a vivirla en persona.
Si se es fan del cine b no puede dejar de ver esta pelicula, nomas por la experiencia de ver algo que llega al extremo de lo bizarro sin intentar serlo.

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Bajo el signo de Ishtar

Una pasable mezcla entre aventuras y fantasía, un poco al estilo de Julio Verne o H.G. Wells. Protagoniza el cotarro el incombustible John Agar, como en tantos otros films de los míticos años “50.
El resultado es más o menos aceptable, pero está realizado muy al estilo clásico (tipo años “30 y “40), aunque los curiosos monstruos que aparecen sí que ya son más de los “50, y que pueden recordar a otros films de esa época.
Lo malo es que algunos decorados se nota que estan dibujados y la nieve de la montaña se ve muy falsa. Además hay momentos en que el argumento se queda como estancado y se vuelve un poco rutinario.
En conjunto es todo muy “light“ y moderado, así que de terror no vais a ver prácticamente nada. Esto es más bien para ver en una tarde de domingo.
En fin, que no es de lo mejor de los años “50, pero se deja ver.
Reservada para fans de John Agar (si los hay), y de monstruos mutantes de los “50; el resto le podéis echar un vistazo, más que nada como curiosidad.
Puntuación : 5`5.

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