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Aquaman y el Reino Perdido

No esta tan mal tenemos una relacion entre hermanos como Thor y Loki en que tiene que luchar con otro enemigos en comun, los efectos especiales está bien y el humor es correcto quizas lo que me choca es el enimgo final que duro 5 segundos y la ultima escena del antiguo DCEU fue decepcionante que sea comer una cucaracha

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Naruto Shippuden 3: Los Herederos de la Voluntad de Fuego

Película: “Gekijô-ban Naruto Shippûden: Hi No Ishi Wo Tsugu Mono“ (2009).

Sexta película de Naruto y tercera de Shippuden. Hasta ahora mi favorita, ya que el nivel sube considerablemente y es una historia mucho más efectiva que las anteriores. Diálogos correctos. De ritmo anda bien. La animación es buena. Los personajes son varios y todos con un desarrollo de buena manera, la participación de casi todos los equipos y como se trata a Kakashi es de gran manera. Buena banda sonora. Las escenas de peleas son buenas. Desarrollo correcto y un final decente.

Mi puntuación para “Gekijô-ban Naruto Shippûden: Hi No Ishi Wo Tsugu Mono“ es 7 de 10 posibles. Cinta entretenida, aunque a veces abusa del humor simplón, pero como es muy característico de Naruto.

Tabo.

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Naruto Shippūden 2: Vínculos

Película: “Naruto Shippuden: The Movie 2 - Bonds“ (2008).

Quinta película de Naruto y segunda de Naruto Shippuden. Otra entrega más que decente, con personajes secundarios más interesantes que de costumbre y con una historia bastante fácil de disfrutar. Diálogos correctos. De ritmo anda bien, no se hace una cinta pesada. Animación a la altura. Personajes adecuados, la participación de Sasuke igual es un plus. Buena banda sonora. Las escenas de peleas son decentes, aunque quizás la pelea final daba para algo más. Desarrollo decente y un final predecible.

Mi puntuación para “Naruto Shippuden: The Movie 2 - Bonds“ es 6 de 10 posibles. Cinta entretenida, con algún momento más que bueno y pese a no ser canon, para pasar el rato esta bien.

Tabo.

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Naruto Shippuden: The Movie

Película: “Gekijô-ban Naruto Shippûden“ (2007).

Cuarta película de Naruto y primera de Naruto Shippuden. Una cinta con una historia más llevadera que las antecesoras y con mejor desarrollo general. Diálogos adecuados. Buenos personajes. La animación es buena. Buena banda sonora. Las escenas de peleas son decentes. Tiene un desarrollo correcto y un final decente.

Mi puntuación para “Gekijô-ban Naruto Shippûden“ es 6 de 10 posibles. Hasta ahora es la película que más me ha entretenido de Naruto, se siente ese salto de calidad similar a lo que pasa con el paso de Naruto a Naruto Shippuden. Buena película, pero sigue siendo recomendada solo para los que siguen el anime.

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Dark Parasite

El atraco perfecto, la basura del alien y la excusa inexplicable.

El presupuesto increíblemente bajo de Dark Parasite (30.000 €) significa que no solo no vemos mucho del monstruo, sino que tampoco vemos mucho de nada, incluso el tiroteo del atraco ocurre en su mayor parte fuera de la pantalla. Lo que sí vemos es mucho deambular en la oscuridad mientras Abraham se dedica a gritar e insultar, Nikita sigue insistiendo en que todos están condenados y Mark busca una manera de salir sanos y salvos de este lío, él, Nikita y su hijo por nacer.
Aparte de que Nikita ve ocasionalmente el fantasma de su hermana muerta por razones inexplicables.
Desafortunadamente, muy poco de esto es emocionante. Todos los miembros del reparto están doblados y sus actuaciones no son convincentes. Nunca se explica nada, ¿las criaturas están aquí por casualidad o es una invasión? ¿Son inteligentes los extraterrestres? ¿Son los escritores? Hay una escena a mitad de créditos, pero confunde aún más las cosas. El diseño de la criatura tiene un aspecto bastante cuidado, pero el pésimo CGI es solo el último clavo en el ataúd de la película.

Esperaba que Dark Parasite fuera al menos una entretenida y agradable película, pero la ausencia del extraterrestre durante la mayor parte de la película y la falta de cualquier tipo de acción para compensarlo rápidamente lo convirtió en una aburridisima y hueca película donde el guión, las actuaciones, el sonido ambiente, la música y hasta los FX o la fotografía no dan ni lo mínimo como para llegar a verla hasta el final.

PD: Huye de este subproducto lo más lejos posible.

2/10

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Alien Shark

La soldado Aleesha celebra una fiesta con amigos frente al mar, pero de a poco descubre la existencia de un tiburón alienígena por causa y efecto de un meteoro.
En la mayor parte de la insulsa trama no ocurre nada, los personajes hablan y ejercen el ocio, con diálogos superficiales y vacíos.
El papel de la protagonista Aleesha (Brittany Altenbrach) es lo único correcto de la película y algo del joven extraño de la playa, Mickey, pero las amigas y amigos de Aleesha sólo parecen impulsados por el alcohol y los tontos saltitos en la playa (con malas actuaciones).
Un gran tiburón de archivo y jóvenes poseídas de ojos verdes alucinógenos y brillantes son los inofensivos villanos de la historia. Cuando el tiburón no es real (material de archivo), se utilizan unos CGI nefastos para un tiburón físicamente irrisorio. La escena más increíble es cuando el tiburón expulsa en la playa una especie de perro (de horrible CGI) con cabeza de escualo y ataca a los y las jóvenes, con la cámara en primera persona como si fuera la visión de la bestia. De no creer, para colmo la escena dura muy poco y de tan bizarra merecía que diera cierre a la historia, lo cual no ocurre.

No se sabe que tenían en mente los realizadores de tan absurda película intencionalmente mala, de guión ridículo y con situaciones grotescas.
Otra ¨sharksploitation¨ muy mala y que la salvan únicamente las decenas de películas sobre tiburones peores que ésta.

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Noche de paz

Simplemente excelente. Acción pura con toques de comedia efectivos al mejor estilo de ¨Deadpool¨.
La acción es frenética, constante y contiene adrenalina.
Tiene bastante sangre y violencia por lo que no es para estómagos sensibles.
Los efectos especiales son excelentes, de los mejores efectos que vi en films últimamente.
Las actuaciones son muy buenas. David Harbour como Santa Clous está brillante ya que es carismático.
Sumamente recomendable!

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Un grito en la niebla

Muy buena película protagonizada, principalmente, por Doris Day. A mí esta famosa actriz no me encantaba debido a que le tenía prejuicios simplemente por su aspecto físico; no me transmitía demasiado sumado a que solía a actuar en muchas comedias ingenuas pero éste film la consagró. Está brillante. El resto del elenco, por más que sean actores poco carismáticos, también está soberbio.
La historia es bien al estilo de las cintas que hacía Alfred Hitchcock (uno de los mejores, si es que no es el mejor, y más famosos directores de películas de suspenso de la historia del cine). Se notan muchas influencias de él en el buen sentido ya que salió un producto redondo y sumamente entretenido.
La fotografía al igual que la colorimetría, bastante malas.
Más que recomendable!

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Yumeji

¡La pintura!, ¡el color! Puedo escuchar los colores, puedo oler la piel de las mujeres que posan para ser inmortalizadas en los grabados y lienzos más allá de las aguas del lago encantado de Kanazawa, tierras de romance, fantasmas y otros hechos extraños.
Amores de unos, pecados de otros, ¿qué es aquí real o no? Hikono, mi amor, dímelo antes de morir...

¿Qué belleza se esconde bajo esa piel? Piel de mujer. ¿Qué captaban los ojos de Mojiro (o Yumeji) Takehisa para plasmarlas en aquellas pinturas de formas tan inusualmente alargadas, de rostros tan tristes, de movimientos tan melancólicos y al mismo tiempo tan llenas de color? Eran los ojos de un artista único, cuya vida se vio marcada tanto por las aventuras amorosas como por las desilusiones y la muerte, sobre todo desde la de su adorada Hikono, auténtica compañera hasta el fin de sus días, acabándolos enfermo de tuberculosis (igual que ella) en el hospital de Nagano, casi a los 50 años...
El actor Kenji Sawada, sin embargo, es un Yumeji muy feliz, despreocupado, excéntrico y no poco irritante en la recreación que realiza Seijun Suzuki para una última entrega con la que completará la llamada Trilogía Taisho, periodo al que no volvía desde hacía casi una década, cuando decidió perderse en el mundo de los espectros, la sutileza de las emociones, el romanticismo místico y las almas femeninas de esa obra maestra del cine universal que es “Kagero-za“. Con “Yumeji“ no se abandona del todo dicho mundo aunque esta vez la historia no procede de una fuente literaria, sino de la propia invención de Yozo Tanaka.

Lo que vemos aquí en realidad, y desgraciadamente, no es una transcripción de los acontecimientos de la vida del pintor y poeta, no vamos a seguir sus turbulentos pasos; el director se detiene en la belleza romántica y el misterio de la hermética e impenetrable era Taisho que lleva concibiendo desde “Zigeunerweisen“, en 1.917, cuando el artista, con 33 años y junto a su esposa y su hijo Fujihiko, presentó una exposición de pequeñas piezas líricas en el Kanaya Hall de Kanazawa, un instante de gloria y reconocimiento para él, que era lo que más ansiaba y nunca tuvo del todo...
Pero este es un 1.917 más fantástico que real. Según el film, que desde el primer minuto nos absorbe en un imaginario de figuras etéreas, movimientos hipnóticos y colores vibrantes, destacando los tonos ocres sobre el rojo y el marrón, muy pronunciados en esos ricos escenarios diseñados por el genio Noriyoshi Ikeya, Yumeji es un fanfarrón amante de las geishas, de la belleza del cuerpo femenino, un hombre que desfila entre el sueño y la realidad, entre los mundos de sensaciones que abren sus extrañas obras. Kimiko Yo, que me enamoró en “A Night in Nude“, es la primera de la larga lista de mujeres que pasará ante los ojos del protagonista.

Tampoco se demora Suzuki en introducir ese toque absurdo tan ligado a un estilo que ha logrado definir como único, para hacer de la belleza artística algo sorprendente, inédito, capaz de dejar boquiabierto incluso al más experimentado en el surrealismo. En “Yumeji“, sin embargo, esa belleza, ese misterio sobrecogedor, viene desde el universo de la pintura, tal como en “Zigeunerweisen“ fue la música y en “Kagero-za“ el teatro (podríamos hablar de una Trilogía de las Artes); la realidad se pinta en un precioso lienzo de comienzos del siglo XX igual que el artista pinta los cuerpos desnudos de las mujeres que ama.
Se introduce a la verdadera Hikono, encarnada por Masumi Miyazaki, pero el guión poco hincapié hace en ella, y al parecer no hay ni rastro de ningún hijo ni de la primera esposa de Yumeji, Tamaki. La realidad, si podemos concebir lo que nos presenta el cineasta como tal, sufre un desvío con un viaje a un lugar lejano, aquella misma Kanazawa en la que se perdía el Matsuzaki de “Kagero-za“, la misma donde se supone que el artista se reunirá con Hikono, quien se recuperá de su tuberculosis. Una nueva posada sirve de refugio oculto entre frondosos bosques de enigmas, peligros y aventuras que desplazan la línea espacio-temporal a un plano de realidad distinto.

De fondo surge algo un tanto extraño, un turbulento asunto que concierne a un hombre que ha degollado a su esposa por serle infiel con otro hombre, y es perseguido entre las montañas; por ahora no es más que una historia de fondo, pero no tarda en convertirse en parte esencial de la película, del mismo modo que el drama personal de Tomoyo, aún en busca de su marido, a quien cree muerto en el lago cercano a la posada donde se hospeda Yumeji.
Tanaka, como hiciera en las entregas previas de la trilogía, prosigue con los encuentros entre diversos personajes unidos de alguna manera u otra y en los que poco a poco se profundizará.

Y lo que les une es el dolor de un romance fallido, de una traición, un engaño, una desilusión, una pérdida; esta vez el guión no trata las figuras dobles ni la confusión de identidades, en lugar de eso se centra en las debilidades de las relaciones entre hombres y mujeres, ya sean estrictamente matrimoniales o elevadas por sentimientos más profundos que escapan a la lógica. Tomoko Mariya, deslumbrante, hermosísima, es Tomoyo, objeto de obsesión del protagonista hasta engañar a su amada Hikono; esto, por supuesto, es una invención de Tanaka y Suzuki, un tanto infame, todo sea dicho, ya que Yumeji sólo buscó a otra mujer tras fallecer su esposa.
Hablando de quebrar la lógica. El arte, los sueños y las sensaciones vuelve a guiar la narrativa, la razón no tiene cabida entre los vaporosos paisajes de esta rural Kanazawa, y es precisamente esta falta de cuidado en el argumento lo que hace divagar “Yumeji“, más o menos llegando a la mitad del metraje, hasta volverla confusa de un modo nada agradable; el problema es que en las anteriores entregas de la trilogía, por ejemplo, al ser todo producto de la fantasía y no presentarse un protagonista concreto, la introducción de otros individuos o tramas secundarias no resultaba molesto.

Aquí, sin embargo, se usa de protagonista a un personaje real, con una historia personal interesante de por sí que da para un “biopic“ convencional. Él acapara nuestra atención, es Yumeji quien destaca por encima del resto, y esto no sucedía con Yusaku Matsuda en “Kagero-za“; concederle tanta dedicación y luego desplazarle a un segundo plano es la decisión más errónea que se podía tomar. La persecución del asesino (interpretado por el legendario director Kazuhiko Hasegawa), el amor herido de Tomoyo y sobre todo la llegada del supuestamente muerto marido de ésta (Yoshio Harada regresa ahora más detestable que nunca) dejan al artista reducido a la nada...
El Wakiya de Harada es un trasunto del anarquista Wada de “Kagero-za“, y se hace con el protagonismo en cuestión de segundos, igual que esa enviada de Hikono, la joven geisha Oyo (o lo que quiera ser este estrafalario personaje de Kumi Hirota), en cualquier caso Yumeji termina pasando por la pantalla sin suscitar el más mínimo interés, simplemente reaccionando sorprendido por los sucesos que ocurren a su alrededor o actuando con total indiferencia. Hikono, la mujer más importante del artista en la vida real, es un cero a la izquierda. La buena Miyazaki y Michiyo Yasuda (quien tenía mucho más que ofrecer), son engullidas por las imponentes personalidades de Hirota y Mariya.

Y lo real es engullido por las fantasmagorías que se arremolinan alrededor de Yumeji y su panda de amigos; Suzuki, y eso es lo más satisfactorio de la película, se recrea en la atmósfera con un cariño superlativo. Cada color, ambiente, sonido o escenario es elegido para combinarse en un mismo espacio generando un impacto de belleza indescriptible, mientras bien se excede en el melodrama o enfatiza el humor surrealista.
Como siempre en su cine no hay evolución previsible, todo se mueve por los caminos de lo imposible, hasta llegar a un clímax donde ninguna de las tramas propuestas se resuelve (salvo la del asesino), pero poco importa...

Sueño y realidad, muerte y amor, violencia y sexo, se vuelven a unir en un espectáculo fascinante. El rojo de la sangre inundando las habitaciones, los fantasmas regresando de los vivos desde las profundidades, Mariya en el suelo con sus caderas arqueadas y muslos brillantes, los fluidos del ojo reventado de Hasegawa, el campo de cereales y Yumeji perdido en él, evocando una muerte próxima, la que le llegaría 17 años después...
Por última vez Suzuki nos impregna con la nostalgia mágica, los registros sensibles de su particular era Taisho. Nada tiene sentido, pudo tenerlo, pero no lo hay dentro de estos límites. “Yumeji“ es reconocida y galardonada a nivel internacional y considerada una de sus obras maestras; en este caso no estoy de acuerdo, lo que no resta para seguir dejándome impresionado ante tal catarata de imaginación, emociones y expresión artística cuyo objetivo es, simplemente, alcanzar el cenit de dicha expresión...

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Corazón Trueno

En el interior de las llanuras de Dakota del Sur, más allá de Red Deer Table, se libra una guerra de sangre y poder cuya violencia remite a la de la misma Historia norteamericana.
El veterano agente del F.B.I. Coutelle afirma “Esta es una nación conquistada“. Aquellos que poseían la tierra deben resignarse a luchar o morir...

Michael Apted es uno de esos directores comprometidos dispuestos a usar con ingenio el cine para poner sobre el tapete algunos problemas sociales que merecen conocerse. La injusticia en las reservas indias fue una de sus obsesiones, y después de servir a Robert Redford para el documental “Incident at Oglala“ le llegó, como un suceso milagroso, un guión de John Fusco, otro estudioso del tema, inspirado en los trágicos enfrentamientos entre miembros y simpatizantes del Movimiento Indio Americano contra agentes del F.B.I. y otros organismos del país, en el asedio a Wounded Knee de Febrero a Mayo de 1.973.
La cobertura mediática fue nacional sobre este incidente en la reserva de Pine Ridge cuando los nativos decidieron no soportar más la corrupción, abuso de poder y fraude del presidente del Consejo Tribal, Richard Wilson, y aun con la intervención del Departamento de Justicia la lucha no se detuvo hasta las desapariciones y asesinatos de varios notables entre los nativos. Resulta curioso que el director británico se ocupara de plasmar casi al mismo tiempo dos hechos tan importantes para la situación de las reservas indias, sin embargo la película era más bien una recreación ficticia en un contexto contemporáneo.

Fusco adapta el tema a la década de los “90 e inicia la historia, que compraría Robert DeNiro, desde la perspectiva de un joven agente del Gobierno con la misión de investigar el misterioso asesinato de un nativo en una reserva; éste es Val Kilmer, cuando era joven y apuesto (él mismo tiene sangre cherokee corriendo por sus venas), haciendo equipo con un Sam Shepard bastante desagradable. Siguiendo esta premisa, y durante un inicio que tarda en arrancar, “Thunderheart“ podría ser el cruce entre “Arde, Mississippi“ y “Único Testigo“ en el mundo indio.
Primero al proponer una zona de racismo, opresión y guerra civil en la que también son enviados dos agentes, y segundo al hacer un esfuerzo por mostrar la idiosincrasia de una hermética cultura rodeada y marginada por la moderna civilización (los amish, en el caso del film de Weir) y en la cual deberá introducirse el protagonista; Levoi, igual que Kilmer, también tiene raíces indias, algo de lo que se aprovechan en el F.B.I., pero Fusco podría evitar ciertos clichés en la trama (recurrir a la contaminación y el mensaje ecológico) si se hubiese acogido a los hechos reales de Pine Ridge, por mucho que Apted no pretendiera “hacer otro documental“.

Aun así sabe combinar los resortes más rutinarios del “thriller“ de investigación y el sentimiento de denuncia, haciendo alusiones tanto a hechos como a personajes reales (Fred Ward, en su rol de Jack Milton, no es otro que el álter-ego del corrupto Richard Wilson, mientras que la activista Anna Mae y el jefe de la Nación Oglala Independiente, Frank “Fools Crow“, se transmutan en Maggie “Eagle Bear“ y Sam Reaches). No parece, de todas formas, que al caso de asesinato y la búsqueda del sospechoso Jimmy (John Trudell, presidente del mismo M.I.A. en los años “70) se les dé la importancia que merecen.
Y la razón está en que el guión, o al menos eso da a entender, utiliza todas estas situaciones, conflictos y burocracias para contar la historia de un solo hombre, Levoi, de cómo llega a un territorio hostil donde le importa menos que un pimiento qué sangre es la que se derrama, de cómo se siente utilizado por una herencia sanguínea que ni siquiera desprecia, simplemente le da la espalda, y de cómo poco a poco se integra en la cultura nativa y comprende sus miedos y sus quejas mientras observa quiénes son en realidad los malos y quiénes los buenos.

Por eso, aunque la historia continúa con la persecución a Jimmy y presenta la tensión cruenta entre esas diferentes facciones que se estorban y se critican unas a otras mientras arrasan en la reserva, es al alma de Levoi a lo que sigue de cerca Apted, a su interior, a la forma en que la comunión con la tierra y sus antepasados le cambia por dentro para ver más allá de su deber como agente de la ley. Esto hace que “Thunderheart“ se vea envuelta en una especie de misticismo onírico un tanto fuera de lugar, pero en ningún momento resulta excesivo o disparatado (los viajes interdimensionales de “En Tierra Peligrosa“ sí lo eran).
Kilmer, contenido y sobrio, retrata en su personaje este viaje emocionante al corazón de un lugar sagrado, hasta formar parte de leyendas y despertar cual guerrero legendario para vengar la crueldad hacia su pueblo sioux. Por eso mismo Fusco y el director deberían haber situado a Levoi en una recreación, aunque ficticia, del asedio a Wounded Knee y dar más protagonismo a Milton...en lugar de irse por otros caminos y salir con tramas auxiliares de contaminación y apropiación de tierras, cosa que ya hemos visto miles de veces, pero con otras tribus y etnias.

En cuestiones técnicas Apted logra crear unas atmósferas fascinantes, a veces sutiles, otras intensas y de calor agobiante, gracias a las localizaciones y los trabajos de fotografía y música de Roger Deakins y James Horner.
Por desgracia no es tan recordada (incluso casi ha quedado enterrada en el olvido, igual que los nativos americanos) como los “thrillers“ de Weir y Parker, pero tiene todas esas virtudes para estar a su altura.

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