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La Noche del Conejo
Masacre de conejos - La noche de los conejos.Peculiar pelicula de los 70 que tiene como exponente de terror a los conejos un animal que nunca inspiró miedo y aqui los hacen seres asesinos.
La película es muy antigua pero tiene su punto ver a los conejos estos gigantes haciendo de las suyas quizás esperaba más sangre pero ya sabemos como en esos años era aún así tiene buenas escenas como cuando atacan a esa señora en la tienda o cuando rodean a Janet Leigh en esa furgoneta sin duda Buenas escenas.
Por otro lado las actuaciones son muy buenas de todo el reparto y eso se agradece y me gustó el final como mueren estos animales, la recomiendo en especial si eres fan de animales mutantes que atacan no te la puedes perder a quien no le guste que la deje pasar.
6
El Gato Chino
Otro nuevo caso para el detective Charlie Chan, y en este caso, uno bastante distinto a lo que nos tienen acostumbrados, pues el asesinato ocurrió 6 meses antes...Acompañando a nuestro detective, tenemos a su hijo y al chófer negro que ya conocimos en “Charlie Chan en el Servicio Secreto“, que parece que el personaje gustó y ha vuelto, esta vez como taxista.
Es, hasta el momento, la película de este personaje más “simple“ que he visto, y es que no es que haya, como de costumbre, un grupo de sospechosos entre los que buscar el culpable, sino que aquí casi desde el principio sabes que son un grupo de mafiosos, y la trama consiste en descubrir quiénes son y por qué lo hicieron.
Es también, una película donde el guión juega un poco con la trama, y es que desde el principio Charlie Chan pregunta que si el despacho está exactamente igual que el día del asesinato, le dicen que sí, pero nosotros sabemos que no... ¿fallo, o conveniencia de guión para alargar la historia?
En definitiva, se deja ver pero ni de lejos es de las mejores de este personaje.
3
Titanic 666
El Titanic III, en su primer viaje, es enviado sobre los restos del barco original.Ésta producción de Asylum está basada libremente en los acontecimientos reales sucedidos en el hundimiento del legendario Titanic en el año 1912.
La trama es muy básica, donde poderes oscuros surgen de las profundidades del océano y las víctimas fantasmales del Titanic regresan para complicar la vida de los tripulantes de la nueva versión del ¨Titán¨ de los mares, que además cuenta con equipamiento de alta tecnología.
Es una película de presupuesto limitado que mezcla varias ideas del género del terror, con trama poco sólida, defectos en la narrativa y con un transcurso predecible.
Plagada de actuaciones limitadas, personajes poco interesantes y efectos baratos, como el oscurecimiento digital de ojos y grandes quijadas típicos de
películas sobrenaturales de clase B para reproducir rostros fantasmales, aunque el aspecto de los cuerpos congelados es acertado y espeluznante.
El diseño interno del barco es interesante, aunque en la escena de la partida del mismo desde el puerto con miles de personas despidiendo a la embarcación, se ve una fallida utilización del presupuesto que podría haber sido la escena mas épica de la película y termina siendo terriblemente defectuosa.
¨Titanic 666¨, con pocas ideas, sólo parece intentar lograr sobresaltos y con algo más de presupuesto podría haber sido relativamente mejor: 3½.
3
Invoked
Película de metraje encontrado nada original, donde cinco jóvenes de ambos sexos son acechados por presencias sobrenaturales espeluznantes.Toda la trama se desarrolla en una zona alejada de la ciudad, en Irlanda.
Es esperable la infinidad de veces que se repite en películas la situación de jóvenes dirigiéndose un fin de semana de diversión y que van grabando
absolutamente todos sus nefastos diálogos, relatos de leyendas urbanas, una sesión de espiritismo con tabla ouija, tonterías y cualquier cosa llamativa que puedan filmar en los lugares que encuentran.
En este tipo de género donde graban to con video cámara, suelen hablar y gritar para que el espectador no se aburra o entienda lo que ve, pero en ¨Invoked¨ es un récord el relleno de palabrerías que saturan totalmente con diálogos torpes e innecesarios y donde cualquier oportunidad de silencio es un alivio que pocas veces sucede durante el transcurso de la trama.
El reparto tiene un desempeño entre limitado y algo dinámico. Clichés los hay en exceso (incluída la mujer fantasma que abre una gigantesca quijada en un pestañeo) y el final, calcado de muchas otras películas similares, es pésimo.
Nada recomendable para quienes no pueden soportar decenas de minutos ininterrumpidos de gritos de histeria femenina ante el acoso de una entidad sobrenatural.
¨Invoked¨ es un derivado de ¨El proyecto de la bruja de Blair¨ y ¨Paranormal Activity¨, por eso no ofrece nada nuevo, sólo intenta generar sustos desordenados entre oscuridad excesiva y diálogos terriblemente exasperantes.
3½.-
Gun Woman
Empiezo confesando que el sr. Kurando Mitsutake es un tipo muy simpático y agradable.Le he conocido, sabe escuchar a quien le habla y hacerse escuchar, y cuando alaban sus películas, ya sea el detalle más insignificante, siempre actúa con mucha humildad, nada de arrogancia.
Pero aparte de lo maravilloso que es como persona, sus obras no lo son tanto; el pobre, igual que muchos directores independientes, y sé lo que es eso, carece de presupuesto para hacer lo que le gustaría realmente. Esto es un impedimento que nunca las redondea, aunque no resta importancia al tremendo esfuerzo y pasión que pone en ellas; el mejor ejemplo, al contrario de lo que todo el mundo se niega a aceptar, está en “Gun Woman“, un bache profundo entre (las que considero mejor acabadas) “Karate Kill“ y su debut “Samurai Avenger“.
El motivo fue su enorme compromiso con Asami Sugiura, a quien conoció en una convención en Alemania y prometió entregarle “la película por la que siempre sería recordada“, su obra maestra; y así fue, la actriz contaba no poder leer el guión porque se le inundaban los ojos de lágrimas de alegría. Ella lo sintió así...pero yo no, yo siento la mediocridad golpeándome con violencia durante hora y media, desde ese inicio (y menudo inicio) en el que el toque “amateur“ pesa tanto que tienes miedo de ver el micrófono o a algún miembro del equipo asomando en una esquina de la pantalla. Aun así el presupuesto no tiene por qué influir para narrar bien una historia...
Y la forma de hacerse aquí no es la adecuada de ninguna de las maneras, proponiéndose un diálogo entre asesinos a sueldo al más puro estilo Tarantino, y así es como nace la leyenda de “Gun Woman“: del arte del relato, la fábula. Tras introducir al psicótico hijo de un hombre que pudo entrar en política (menudo homenaje se le hace a Tatsuya Nakadai), un irreconocible Matthew Miller nos introduce en la venganza (tema recurrente del director) que un cirujano lleva a cabo contra él por matar a su esposa, y el argumento se construye por medio de “flashbacks“ y narraciones. Mala elección, aunque más tarde veremos cobrar sentido a todo gracias al milagro del enredo de guión, o “deus ex machina“...
El conductor, cuya función es la de espectador de la película, no aporta nada, y de las carreteras interminables norteamericanas vamos al interior de una especie de almacén (otro mal detalle: el film sólo tendrá lugar en descampados, garajes, almacenes o talleres, dando buena cuenta del presupuesto) donde se sucede el grueso de la trama, que repite el esquema de “Nikita“. Así Mitsutake, fanático de Luc Besson, sopesa que lo mejor que puede hacer el inteligente cirujano es agenciarse a una chica drogadicta, otrora prostituta, y entrenarla para convertirla en asesina.
No hay nada más, el resto es un envoltorio de desviaciones sexuales repugnantes y erotismo y “splatter“ de andar por casa. Esa es la idea, el de Tokyo brinda su tributo a las “pinku-eiga“ que tan populares se hicieron en la industria cuando los mejores directores abandonaron a las principales productoras y la televisión acaparaba la atención del público. Pero el impacto visual ni se acerca al atractivo de aquellos títulos de Yasuharu Hasebe, Kazuhiko Yamaguchi o Teruo Ishii, quienes deslumbraban con su puesta en escena colorida y tan “kitsch“, esto está más en la línea de Naoyuki Tomomatsu, otro colega del “underground“ nipón más farragoso, o Takashi Miike (al inicio de su carrera y en un día que le pillara simpático).
Sin embargo la srta. Sugiura, pese a venir de la pornografía, tiene esa fuerza arrolladora que en sus tiempos desprendían Reiko Ikeda, Reiko Oshida (heroínas del “pinku“) o la mismísima Meiko Kaji, a la que se asemeja gracias a su poderosa mirada. Ella y sólo ella es toda la película, pone su alma, todo su bello cuerpo y su sangre y los explota y exprime hasta la saciedad; más mérito tiene porque muchas escenas de acción las hace ella y completamente desnuda (¡!). El cirujano vengativo sin embargo es un personaje obtuso y extraño que mata por matar, resulta muy desagradable, hace cosas sin sentido y suele hablar con una teatralidad excesiva.
Pero gracias a Dios la protagonista está ahí para maravillarnos con su mala sombra y batallas cuerpo a cuerpo con villanos mediocres, por desgracia durante un clímax 20 minutos más largo de lo necesario en un sitio terrible (por cierto, ella llega allí gracias al poder de “la página de guión arrancada“ y no le importa a nadie) y adornado con florituras como algunas escenas de acción a cámara lenta en homenaje a John Woo o ríos de sangre, balas (Dios santo, digitales, con lo mal que queda eso) y delirio psicotrópico al estilo Rodríguez.
Pero la muestra más grande de la caradura del director (además de introducir flashes del clímax mientras el cirujano explica a la chica el plan para acabar con los villanos, que eso no lo hace nadie...), es intentar dar un giro sin pies ni cabeza a todo haciendo que los personajes del principio no sean quienes parecían y se sucedan una serie de sorpresas pretenciosas que yo ya sabía que iban a ocurrir desde el principio. Todo queda bien encajado, pero de forma torpe y descuidada, no guay, como se pretendía.
Menos mal que nos trajo después “Karate Kill“ y se redimió de este desastre cuyo único placer es Asami, no me cansaré de decirlo (y no precisamente por estar enseñando su cuerpo el 80% de metraje)...
Lo siento si son duras mis palabras, sr. Mitsutake, pero es la verdad. Tenía que decirlo.
7
Hatchet III
Tercera parte de la trilogía de Hatchet, y para mí la más divertida. El argumento es bastante básico y tontorrón (como pasaba en las anteriores) pero aquí ya directamente Victor Crowley se lía a matar y desmembrar desde el principio. La parte gore es muy buena y bestia, de hecho en cuanto a gore también es la que más me ha gustado.Una película que da lo que promete. Entretenimiento y gore loco sin tomarse en serio.
8
1984
El libro de Orwell de alguna forma fue un presagio de lo que se vive en pleno siglo XXI, camaras por todos lados siguiendo nuestros pasos, pantallas de todos los formatos que nos mantienen “entretenidos“ por poderes de más arriba, la trama de la peli es una critica al futuro que ya llegó hace rato, que los individos pierdan su libertad, que la masa sea la que gobierne, y todo manipulado por los medios de comunicación, les parece conocido ese aspecto? Big Brother controla todo los aspectos de la vida de las personas, las actuaciones son muy buenas y transmiten todas las sensaciones, la cinta rebosa en actualidad y golpea todos los cimientos de lo preestablecido.
Pasión Cruel
Interpretación libre, más que una adaptación, británica, de “Justine” del Marqués de Sade, que, por supuesto, está lejos de incluir la escatología, sadismo y pornografía del libro original. En realidad, la única película que se ha atrevido a recrear los oscuros delirios del divino marqués ha sido “Saló”.Lo que no significa que esta sexploitation de Chris Boger no sea sórdida ni haya estado exento de polémica. Todo lo contrario, la virginal y desdichada Justine, y su hermana Juliette, pasan por un orfanato regentado por sáficas monjas, para luego caer en un prostíbulo con depravados clientes y terminar raptada por una banda de crueles criminales. Si bien la película evita las representaciones demasiado gráficas del sexo y la violencia, Boger se las arregla para sorprender y horrorizar con escenas que incluyen violaciones, sadomasoquismo y necrofilia; además de monjas pervertidas, curas abusadores, regentas de lupanares, prostitutas, bandidos asesinos, toda una fauna de malvados.
Destaco la presencia de Koo Stark, desinhibida actriz que apareció en varias películas eróticas setenteras, con escenas lésbicas subidas de tono, y que fue novia del príncipe Andrés de Inglaterra.
3
The Lord of the G-Strings: The Femaleship of the String
parodia erotica de lord of the rings pero sin ganas, aplaudo el plantel femenino, todas son unas diosas,pero no supieron llevar esto, tenian todos los condimentos pero totalmente desaprovechados, se deja ver quizas para quienes gusten de los prouctos donde salga misty mundae, ruby larocca, pero mas alla de de eso, es bastante deficiente a mi gusto
7
Uncharted
Me ha parecido una peli entretenida, fácil de ver, con mucha acción (como no podía ser de otro modo) y bastante fiel al juego, cosa que es de agradecer.Y digo bastante porque para el papel de Sully yo hubiese elegido a otro actor. No es que Mark lo haga mal, es que es mucha diferencia con el del videojuego y Holland mas o menos.
Y eso que me parece que los dos trabajan bien en la película.
Las escenas de acción, acertijos, puzzles y zonas remotas me han recordado al videojuego, Asi que la verdad que he quedado satisfecho con esta adaptación.
3
Chainsaw Killer
otra de mark polonia, esta vez un slasher de bajisimo presupuesto donde le pusieron mucho empeño en el personaje de la motosierra, la trama la vimos miles de veces, quizas la sepan disfrutar los fans mas acerrimos del slasher que se bancan todo lo que deribe de ese subgenero,,,, al resto, las hay mejores.
4
Splatter: Architects of Fear
estamos ante un documental de bajisimo presupuesto donde vemos la ficcion y el detras de escena, este tipo de trabajos te dan ganas de haber hecho efectos para peliculas clase B, no esta mal y su duracion es corta, no llega a hacerse pesada.para ver y olvidar
A la Caza
Película protagonizada por el gran Al Pacino y dirigida por el maestro William Friedkin (director de excelentes films como “El Exorcista“ o “Los Chicos de la Banda“, entre otras) bastante subida de todo, sobre todo para la época.Tiene una historia policial que engancha desde el principio y no aburre ni decae hasta el final.
La fotografía está genial y me gustó como muestran la sordidez de la ciudad (en eso me recordó un poco a “Taxi Driver“, otra fenomenal cinta dirigida por Martin Scorsese).
Recomendable!
El Motorista Fantasma
Confieso con cierto desánimo que este curioso personaje es uno de los contados con los dedos de una mano que conocí en película antes que en tebeo, y si bien Marvel era parte importante de mi vida cuando vi “Ghost Rider“ allá en 2.007, aún no tenía constancia de sus historietas. Descubrí tarde a Blaze, pero creo que la adolescencia y no la infancia es la mejor etapa para hacerlo, pues él está lo más alejado posible de los coloridos superhéroes que todos relacionamos con la editorial; una creación muy de su momento, principios de los “70, de esencia “pulp“ violenta, con aire a cine de serie “B“, tanto más cuanto que contenía toda esa cultura motera, ocultista y satánica, en absoluto para lectores infantiles.Y uno, ante el producto cinematográfico resultante, puede ver que se trata de uno de esos proyectos que circulan durante años y años pero nunca maduran como es debido. En mi opinión debió ver la luz en los “90, cuando a las pantallas llegaron “Blade“, “Spawn“, “Juez Dredd“ o “El Cuervo“, cuando el mundo de los héroes de cómics, en el cine, aún era sombrío, duro y destinado a un público más adulto; pero en 2.007 todos estaban acostumbrados a las aventuras con muchos efectos digitales y cierta levedad para adaptarse a todas las edades.
Curioso que Mark S. Johnson, artífice de “Daredevil“, aún situada en esa línea entre lo muy adulto y lo muy infantil, adaptara de esta forma un cómic mucho más controvertido y oscuro; Nicolas Cage, que pujaba por llevarse el papel desde inicios del 2.000, tenía razón: el film pedía clasificación “R“, no “PG-13“. En el guión se respetan más o menos los orígenes del personaje de Gary Friedrich y Roy Thomas, aunque cambie la situación original de sus padres adoptivos, los Simpson (de quienes Roxanne era hija), y se le confiera uno biológico que también tiene cáncer...
Sin embargo, aquí Blaze es víctima de los planes del demonio Mephisto, y en el tebeo él lo invocaba para pedir ayuda. Trasladado al 2.007 cambia toda la esencia, aunque pretendan darle aires épicos con esa introducción narrada por Sam Elliott (interpretándose a sí mismo) sobre la procedencia del llamado jinete fantasma. Tras el prólogo Blaze se va y cede su puesto a un Cage caracterizado (interpretándose a sí mismo también) que con más de 40 años tiene que pasar por más joven para igualarse a Eva Mendes (la sabrosa cubana a la que engañaron diciéndole que valía para ser actriz y que está a kilómetros de la Roxanne original).
El dislate empieza con la aparición de Blackheart, horrible monstruo en el tebeo convertido por culpa de Wes Bentley en una versión amariconada que presagia, junto a su panda de seguidores muerdealmohadas, a los vampiros de “Crepúsculo“, estrenada al año siguiente; el remate lo da una de las transformaciones más divertidas de la Historia, y a partir de aquí Cage, que se había mostrado increíblemente comedido, deja salir al chiflado pasado de vueltas que ha sido siempre..pero rodeado de llamas digitales. El resto de película es una excusa para la fantasía y la acción más palomitera y descerebradamente deliciosa que pueda existir.
Y aquí un par de puntos, más bien hándicaps, a destacar. Por un lado la trama, con todo ese embrollo de un contrato de no se qué con un pueblo que no interesa a nadie, porque todo lo mencionado se olvida mientras se está contando; básicamente es el momento de la batalla entre el motorista infernal y los demonios mariquitas, resuelto en escenas trepidantes con el habitual y tan poco apasionante espectáculo de efectos digitales. Por otro, Cage, acostumbrado a sobresalir por encima de todos, hace suyo al personaje, y eso no es bueno, pues lo lleva a su terreno excesivo, tan poco creíble como siempre.
Muy divertido es también que de por medio se metan cosas como un par de policías súperduros tras la pista de Blaze que aparecen tres veces mal contadas y no sirven de absolutamente nada o una chica salvada por éste en su primera noche de transformación, la única situación no relacionada con la trama en sí donde usa sus poderes; como sucedía en “Los Inmortales“, parece que Johnson busca añadir algún que otro momento con personajes del “mundo real“ para dar un toque más dramático o más humorístico al film, no se sabe bien. Y por ello se olvida de refinar otros aspectos.
Y es lo que nos queda. La subtrama romántica con Roxanne, los clichés y las obviedades (esa relación mentor-alumno entre Blaze y Carter, cuya verdadera identidad (buen guiño al clásico Jinete Fantasma, otro héroe de Marvel) conocemos desde que asoma en pantalla), las incongruencias y elipsis argumentales, repetidas hasta la saciedad, y las esperpénticas interpretaciones (la de Cage ante el espejo, hay que verlo para creerlo). En su último acto, cuando el motorista va en busca de sus enemigos al pueblo (¿que en pleno desierto posee un pantano cual jungla amazónica?), la película sí se nutre bastante de esa fantasía de serie “B“ alocada y gamberra tan propia de la era del cómic original.
Me gusta mucho menos que Mendes tenga una participación tan prolongada porque verla “actuar“ es un dolor de cabeza (al menos sus curvas amenizan el mal trago) y sobre todo que amenacen con una secuela, que terminaría llegando unos años más tarde. El legendario Peter Fonda, por cierto, es un demonio genial, no cabe duda.
El héroe de Cage no tanto; es más Johnny Cage que Johnny Blaze, pero en modo alguno afectaría esto a las recaudaciones en taquilla, y lo puedo asegurar: recuerdo estar con 14 años en aquella sala, el día del estreno, y ni una butaca quedaba vacía. Me sacude la nostalgia, por eso soy tan indulgente con ella.
La Momia
Hubo un sacerdote allá en Egipto, Imhotep, que se presentó al público de una forma inolvidable en 1.932, nada menos que con el rostro de Boris Karloff, pero su grandeza terminó, volvió a su sarcófago y nunca más se supo de él.Sin embargo, 67 años después, ha regresado a la vida, y más peligroso de lo que nunca fue...
Otro título impregnado de la palabra nostalgia. Antes de convertirse en una mezcla cutre de Roland Emmerich y Paul W.S. Anderson por aberraciones como “Van Helsing“, el sr. Stephen Sommers demostró una forma infalible de éxito tomando viejas leyendas del cine y remodelándolas para el siglo XXI; se podría decir que “La Momia“ es una película realizada en el momento oportuno y el lugar adecuado, entre los “90 y el nuevo siglo para destacar con cierto esplendor. Aunque él llegó tarde, cuando el proyecto hervía en el seno de Universal desde hacía más de una década y nunca pudiendo llevarse a buen término.
Sólo Dios sabe la cantidad de guiones y personas que se involucraron (incluidos George Romero, Joe Dante y Clive Barker), pero no fue hasta final de década que apareció el de Indiana con una proposición muy distinta a la idea que todos tenían de terror gótico de bajo presupuesto con violencia y misticismo. Él, fanático de la obra original de Karl Freund, sabía que lo mejor era tomar los elementos conocidos y darles un vuelco a través de una aventura de gran despliegue y mucho uso de efectos visuales/digitales; no se equivocaba, sólo el inicio de esta “Momia“, pésimamente narrado, por cierto, ya establece el estilo, el tono y el ritmo del film, en terreno extraño: ni para niños ni exclusivamente para adultos (típico de los “90).
Olvidémonos de la melancolía tétrica de Karloff, cuyo Imhotep regresaba a la vida al principio de la historia y años después, convertido en historiador, vagaba para hallar al amor de su vida en un nuevo cuerpo. Ahora el más apuesto Arnold Vosloo, secundario acostumbrado al papel de villano, adquiere un rol cercano al cómic, un hombre condenado por una maldición que sólo espera su momento para renacer hecho criatura del inframundo con el mismo propósito (para mí él es la auténtica víctima: sólo quería vivir con su amada, el pobre...). Sommers sigue así los preceptos básicos del género de aventuras y todos los vistos en “Indiana Jones“.
La historia se reinventa y “spielbergiza“ de algún modo, con el simpático Brendan Fraser (en su momento de gloria) en una versión más dura y chulesca si cabe del héroe de Ford (y más ruidosa también). Tampoco tarda en llegar la presencia femenina; y uno, al ver a Rachel Weisz de bibliotecaria cazatesoros, además de rendirse a sus pies, ya puede intuir TODO lo que engloba al personaje: que se prendará del protagonista al instante, mantendrá con él una relación de amor-odio constante hasta el final y será utilizada por el villano para alentarle aún más. Es la sexy dama a rescatar del cine de aventuras de toda la vida, pero algo más dura e inteligente.
El director hace de todos estos elementos meros vehículos de la acción y la trama, y los mantiene en continuo movimiento sin rebajar una sola vez el ritmo; realmente pocas secuencias hay (y cuando las hay se basan en diálogos llenos de clichés desfasados y torpes) donde los personajes se sienten a hablar y parezcan humanos en lugar de marionetas. Este ritmo, imparable, da poca tregua a asimilar lo que sucede en pantalla, ya que se va pasando de una secuencia de acción aparatosa a la otra; en ese sentido es cuando más recuerda a la de Spielberg, sobre todo a “El Templo Maldito“, por culpa de dos cosas: la concesión a lo repulsivo y a ese humor absurdo, tontorrón, que se introduce en el guión, casi siempre a destiempo.
A veces este factor resulta tan infantil (el héroe batalla espada en mano contra momias que se tropiezan y pierden la cabeza al estilo de un “sketch“ de los Monty Python) que el tono se acerca peligrosamente a “Cazatesoros“, de moda entonces. En la trama no hay misterios que no conozcamos de millones de títulos anteriores (desde el tesoro milenario que desata la maldición al grupo con el que compiten los héroes por dicho tesoro, el secuestro de la dama, el escurridizo repelente que servirá de esclavo al villano, la persecución por el desierto, la sociedad secreta que lo sabe todo, el templo donde los héroes lucharán por sus vidas y el derrumbamiento cuando el villano fenezca).
Pero Sommers es un zorro que sabe lo que el público quiere. Hay muestras de acción con no poca violencia que contenta a los adultos, hay bromas (que se creen) simpáticas para quitar hierro y contentar a los más jóvenes, la correspondiente historia de amor (en este caso por partida doble), los impresionantes efectos especiales y digitales y esa magia aventurera clásica que tanto nos gusta y que carece de coherencia lógica.
Porque cuando en el horizonte el Sol se alza (y muy deprisa, creo yo) para mostrar el camino a Hamunaptra a los dos grupos que aguardan impacientes, sabes que no hay otra manera de tomar esto salvo dejarte arrastrar por la fantasía ingenua, y deseas que el duro Rick haga lo que promete al capitán Winston: salvar a la chica, vencer al malo y salvar el Mundo. “La Momia“ es tan absurda, aparatosa, romántica y “kitsch“ que podría pertenecer a finales de los “80 de no ser por sus innovadores efectos, un entretenimiento de primera clase que pronto arrasó en cines igual que la mítica tormenta de arena.
Y además tiene a Weisz, quien tanto significaría para quienes vimos la película en nuestra preadolescencia...
10
Ed Wood
Se necesita mucho estómago y un día de buen humor para decidir ver una obra de Edward D. Wood Jr. y sobrevivir al visionado; puede decirse sin rodeos y no por ello perder uno su condición de cinéfilo de culto.Pero también es cierto que tras la miseria cinematográfica se puede apreciar algo, levemente, y es la pasión puesta en ella...
Es horrible estar tocado por el genio del arte pero no tener ocasión de expresarlo debidamente por las circunstancias de la vida, doy absoluta fe de ello y por eso, aunque no figuren en mi lista de realizadores favoritos, gente como Edgar Ulmer, Phil Tucker o el propio Wood son con los que más me identifico; la pasión mueve el entusiasmo hasta que la cruda realidad, humana y monetaria, obstaculiza el camino. Para estos hombres la tarea sería doblemente difícil al ser su obstáculo un Hollywood como industria impersonal donde lo que contaba era la fama y el dinero. Mal lugar para intentar desarrollar la vena artística personal.
En una actuación maravillosa, la mejor de toda su carrera, Johnny Depp se mete en la piel del mítico cineasta en ese instante en que sólo dispone de unos días, un equipo ínfimo, va vestido de mujer porque él protagoniza la película y no tiene permiso para filmar en la calle, y aún así, al terminar de rodar la secuencia, sonríe orgulloso. A Wood le movía su emoción al saber que estaba creando algo que, según su adorable ingenuidad, pudiera pasar a la Historia; dicho sentimiento lo capturaron a la perfección los guionistas Scott Alexander y Larry Karaszewski, quienes experimentaron también fracasos cercanos a su ídolo.
Y es que mucho se habla de Tim Burton y su gran inventiva a la hora de plasmar las hazañas del hombre que da título al film, pero fueron estos colegas de la USC quienes les dieron forma, cuerpo, vida y voz, y por mucho que el rigor histórico no sea respetado al 100% lo que sí sobresale es ese amor sin prejuicios por él. Claro, muy distinto habría sido todo esto si Michael Lehmann (eminente artífice de “Heathers“) se llega a poner tras la cámara; Burton llegó tarde al proyecto pero era (tanto como, quizás, Joe Dante o Tarantino) la elección perfecta para contar la historia del más grande de los directores del peor cine de bajo presupuesto que ha existido.
Sólo él podría haber imaginado una introducción tan fascinante, a partir de las palabras de un Jeffrey Jones orador de lo misterioso y lo prohibido para viajar ahora la cámara hasta un cementerio cubierto de niebla, lluvia y relámpagos y levantarse en un plano aéreo sobre el Hollywood de los “50 cubierto de ese hiperestilizado blanco y negro de Stefan Czapsky que le da un toque tan “gothamiano“; y lo redondea Howard Shore con su partitura ridículamente escalofriante. Esto es un homenaje puro y desde el corazón al cine clásico de terror y de serie “B“. Se queda uno ya sin palabras...
Y de aquí, de este viaje al paraíso de la abstracción, pasamos a un plano más terrenal. El guión se salta un buen pedazo de la vida de Wood y no tocará ni sus traumas infantiles por culpa de su chiflada madre, ni su efímera participación en la guerra, ni su carrera como director de anuncios y guionista, ni siquiera su alcoholismo, vamos directamente a cuando se prepara a dar el salto a director de una obra cinematográfica. Depp carece de semejanza con su álter-ego, de hecho Bill Murray (que deslumbra cada vez que asoma en pantalla, aun siendo secundario) es más parecido físicamente a Wood.
Pero el anterior logra insuflarle un brillo especial, con su sonrisa, su dramatismo exagerado, sus expresiones, su forma de mirar y moverse; este no es el realizador de “Plan 9 del Espacio Exterior“, es una embellecida recreación, de igual modo a, por poner ejemplos cercanos, la de Margot Robbie en la piel de Sharon Tate o la que interpretó Jim Carrey de Andy Kaufman en “Man on the Moon“ (también del puño y letra de la pareja Alexander-Karaszewski). Burton y Depp dejan a la persona en sí y se quedan con su esencia; éste no se influenció de la actuación que dio Wood en su “Glen or Glenda“, sino de Ronald Reagan y Casey Kasem, y al mismo tiempo no parece un falta de respeto hacia él. ¿La razón? La transparencia.
El Wood de Depp es una persona arropada en una cálida inocencia, sin temer decir cómo es, ni confesar sus secretos íntimos si eso le ayuda a expresarse mejor. No es que le guíe la dignidad (más de una vez aparece suplicando a productores y personalidades codiciosos), pero sí la honestidad, y, aunque también devorado por la ambición, no se derrumba cuando el fracaso le golpea una y otra vez por culpa de su falta de talento.
El drama alrededor del personaje es triste, pero no sombrío; a Burton ni se le ocurre impregnar de melancolía la historia cuando se trata de Wood, él está siempre iluminado cual faro en el océano...eso se lo reserva a Lugosi.
Motivos tiene. Cuando uno ve en “Plan 9“ al veterano actor saliendo de su propia casa a oler los rosales sólo una palabra describe su rostro: agonía. Agonía profunda, la de la muerte, que está muy próxima. De diferente configuración en la película de Burton, la escena original, pese a ser un solo plano estático y general, logra producir esa sensación de tristeza absoluta; el que una vez fuera el Drácula más famoso del cine estaba ahora en un estado físico y emocional lamentable. Martin Landau se apega a la teatralidad propia de Lugosi, pero le encarna con una humanidad y ternura más allá de lo imaginable.
No se concibe la carrera de Wood sin la presencia del envejecido actor; la combinación no era buena (el hombre con menos talento del cine unido a una estrella en el momento más mediocre de su vida), pero su unión es como la de un padre y un hijo. Aquí el joven director es el apoyo continuo que el veterano, enganchado a las drogas, perdió hace tiempo, es también quien sigue dándole ese entusiasmo por el cine que a él le sale a borbotones del alma. Cada vez que Depp y Landau comparten pantalla el bello se eriza por la sinceridad tan pura que dan a sus personajes...la que éstos compartieron cuatro décadas antes.
Burton sigue así sus pasos, desde el maquillaje sutil, a veces melodramático, a partir del rodaje de “Glen or Glenda“, a la mística conexión con Lugosi, las peleas con el productor Weiss y con Dolores (quien en realidad no era tan desagradable, aunque Sarah Jessica Parker, actriz que nunca me ha hecho ni pizca de gracia, resulta simpática), la llegada del luchador Tor Johnson (genial imitación la de George Steele) y “Bride of the Monster“, la separación con Dolores y el encuentro de una Patricia Arquette celestial como Kathy, segunda esposa de Wood (erróneo, porque se conocieron en un bar, no en una clínica)...y por supuesto el gran proyecto de “Plan 9“.
Nunca perdiendo el ritmo ni el sentido de la sorpresa gracias a los giros del melodrama y ayudado por esa puesta en escena que hipnotiza a cualquiera (Tom Duffiel, diseñador artístico, es otro que merece nuestros elogios), Burton va enlazando anécdotas, encuentros, experiencias divertidas y otras más traumáticas y creando magia entre los decorados de cartón-piedra de las producciones “B“ de la época; puede que se hable de cine de baja estofa, pero “Ed Wood“ respira cine auténtico en cada fotograma. Más que nunca en la elaboración del título por el que el protagonista sería recordado.
Es imposible negar a qué fondo ponzoñoso del tarro de la serie “Z“ llega “Plan 9“, pero una vez se conoce la historia humana que la envuelve la cosa cambia un poco. No se trata de una de tantas producciones impersonales, detrás hay un alma y un corazón, un hombre luchando contra los elementos, un espíritu ya olvidado, el de Lugosi, que clama por llegar a los ojos del público una última vez.
Algo por lo que luchar, como afirma ese Orson Welles resucitado por un Vincent D“Onofrio que aparece unos minutos y se merienda toda la película con su magistral actuación en una bellísima y cuasionírica escena que jamás tuvo su equivalente en la realidad. Yo creo que fue concebida a modo de sueño, producto del alcohol, tal vez, y cuya función es servir de inspiración mística a Wood.
No sabremos nada tras la proyección “gloriosa“ de “Plan 9“; Depp más comprometido que nunca, bajo la lluvia, fugándose con Kathy. Nunca se contará cómo terminó sus días el verdadero Wood escribiendo horribles novelas pornográficas y ahogado en el alcohol, abandonando su Planeta Marte para no volver nunca...hasta que algún genio loco creyó necesario traerle a la vida.
Por desgracia la película pareció tocada por el mal signo del apellido y fue un tremendo fracaso de taquilla. De todas formas sigue siendo la mejor de las respectivas carreras de Burton, Depp, Landau y Parker; la crítica profesional fue la sensata esta vez.
Zathura: Una Aventura Espacial
Judy y Peter Shepherd dejaban el juego de Jumanji en el parque. De repente otros dos niños, Walter y Danny Budwing, lo tomaban sin saber las consecuencias que traería a jugar a eso.Así se inicia la loca aventura espacial de Zathura.
Este detalle tan simpático se encuentra en los libros de Chris Van Allsburg, un genio de los cuentos infantiles fantásticos; finalizado el del juego de mesa que desataba todos los horrores selváticos muchos se preguntaron si volvería este atractivo universo de peripecias, pero el hombre necesitó dos décadas para traerlo de vuelta...de una forma un tanto diferente. Todo un viaje por los rincones de la “space opera“ y la calidez familiar, “Zathura“ cumple su propósito de entretenimiento, a pesar de los horriblemente desfasados dibujos que ilustran sus páginas. Una historia hecha para plasmarse en la gran pantalla.
A día de hoy, que Jon Favreau ha metido sus manos en películas de grandes presupuestos, dependencia absoluta de efectos digitales e incluso ha aportado su (esencial) granito de arena al mundo de los superhéroes en el cine con “Iron Man“, no sorprende verle firmar un producto como éste, pero allá en 2.005 era un actor casi recién convertido en director de comedias. El haber tenido dos hijos le hace comprometerse con el proyecto, y elige la opción adecuada al querer realizarlo al estilo clásico: con mucho efecto especial práctico y poca intromisión de lo digital...pero eso también causó que el presupuesto se disparase.
Una de las cosas que destacan de esta adaptación, para el conocedor del texto, es que toda conexión con “Jumanji“ no existe, primero porque a Favreau no le caía en gracia la película, y luego porque David Koepp tampoco consideró necesario unir las dos historias en un mismo universo. Y no lo es. Aquí el juego Zathura no es la mera “cara B“ de Jumanji, como imaginó Allsburg, sino que posee su propia misteriosa mitología, y así el pequeño Danny (muy bien interpretado por Jonah Bobo) lo descubre en las escaleras del sótano de casa, esperando a ser abierto.
Por desgracia, antes de empezar la partida, tenemos un cuarto de hora insufrible que soportar, dentro del clásico núcleo familiar disfuncional donde el padre, inventado para la ocasión y con el físico de Tim Robbins (ya podría haber sido mejor utilizado), no tiene tiempo para sus hijos, que se llevan fatal, algo de drama de andar por casa que tantas veces vimos en títulos similares. Y Bobo es el único con quien se puede simpatizar, pues a un lado está el horrible Josh Hutcherson, encarnando aquí a un niñato muy desagradable, y al otro nada menos que la Kristen Stewart pre-“Crepúsculo“ de hermana gilipollas, también inventada en el guión (ojalá supiera el motivo), y que es un absoluto cero a la izquierda.
Esos dos personajes, e interpretados por esos dos actores, me provocan un rechazo difícil de describir. Por suerte Danny abre la caja, gira una llave, pulsa el botón y empieza el juego, con una lluvia de meteoritos que es el primero de muchos desafíos que harán peligrar la vida de los hermanos y destrozarán la casa; ésta se ha lanzado al Espacio y por el mismo arte de magia nos ha lanzado a nosotros a la aventura. Sólo que hay que dejarse llevar, ya que los protagonistas no controlan el argumento, sino que reciben con sorpresa todo lo que les viene.
Esto no es muy inteligente, pero pensar en un film así es una tontería, la imaginación es lo importante. Favreau se maneja de maravilla tanto en la acción desenfrenada y absurdamente espectacular (a lo que ayuda la presencia del veterano Stan Winston y su equipo) como en las partes más oscuras de drama personal e intriga; su estilo y tono se aleja del cine de fantasía y ciencia-ficción de mediados del 2.000 y está más cerca, en sus propias palabras y deseos, del cine que veía de pequeño. Por eso lo infantil y lo adulto está mejor equilibrado y planean de principio a fin las sombras de Joe Dante, Richard Donner, Joe Johnston y por supuesto Spielberg.
De haberse realizado “Zathura“ en los “80 éstos habrían sido buenos candidatos a dirigirla, pero es realmente “spielbergiana“ en su empeño de hacernos tragar esa lección moral familiar que debe llevar impregnada la historia, dando al juego un significado más allá del simple divertimento: el incentivo para unir a los hermanos. Entonces Koepp, muy ingenioso él, saca lo demás de su chistera, desde el ataque de los alienígenas Zorgon (¡qué diseños más ochenteros!) en adelante, añadiendo al aparentemente aleatorio astronauta (simpático Dax Shepard), que más de un secreto guarda, hasta convertirse en la causa de una vuelta de tuerca que ni a Christopher Nolan se le habría ocurrido (y eso que se nos van dejando pistas...).
Es un personaje necesario pues actúa de padre sustitutivo para los hermanos, que siempre están enzarzados en broncas y acusaciones...por desgracia no se puede decir lo mismo de esa hermana mayor cuya presencia sigue siendo un enigma para mí y supongo que para todo el mundo; la influencia de Spielberg se nota en este aspecto porque Lisa cumple la misma función que la rubia de “Indiana Jones y El Templo Maldito“. Pero donde Kate Capshaw al menos era agradable de mirar, Stewart da asco...su forma de hablar, de moverse, y en especial de chillar, siempre está chillando como una imbécil y con la misma expresión repulsiva.
Cómo ha conseguido trabajo en el cine cuando hay actrices mejores pudriéndose en televisión es un misterio, mucho mayor que el de Zathura; de hecho su mejor momento aquí, y el de toda su carrera si me apuran, es cuando se queda criogenizada. Así debería permanecer hasta el final: callada y sin molestar.
El entusiasmo y la pasión de Favreau también se congelaron al ser la película un gran fracaso de público, una pena porque sabe ofrecer entretenimiento para niños y adultos de primera calidad. También tuvo la mala suerte de competir en las mismas fechas con la 4.ª entrega de “Harry Potter“, una rival imposible de eclipsar...
3
Zombies from Banana Village
“La primera película de zombies de Malasia“... y una buena muestra de por qué el cine malayo no es muy conocido que digamos.Desde el principio, uno se da cuenta de que no puede tomarse esta película en serio. Es una película de zombies y una parodia al género al mismo tiempo, una película cómica con poca o ninguna gracia donde el mayor interés es ver las diferencias culturales para el tema de la religión y del concepto de “zombie“, que en este caso son todo personas con el pelo largo despeinado y la cara pintada de blanco y rojo. Da igual que la persona tuviera el pelo corto o fuera calvo, si se convierte en zombie, va a llevar peluca.
La peli viene a ser un montón de escenas de gente haciendo cosas (la mayoría de las veces corriendo y gritando mientras son “perseguidos“ por los zombies más inofensivos que he visto en una película, y eso que suelen ir armados y mantienen cierto grado de inteligencia).
En general, una película que, la verdad, no vale la pena. Esta bien grabada, aunque los efectos de sonido son de capítulo de “Pesadillas“ o algo así, muy infantiloides, pero la trama no tiene ni pies ni cabeza.
Der Nachtmahr
Tina (una maravillosa Carolyn Genzkow) es una adolescente que va a raves con música estridente y luces de neón (donde se consume abundantemente drogas y alcohol), tiene amigas, un ex novio, y una relación distante con sus padres. Pero su existencia y su salud mental se tambalean cuando una noche, al asistir a una fiesta en algún lugar de las afueras de la ciudad, irrumpe en su vida un ser monstruoso, conectado indisolublemente a ella, real o metafórico, y aquí hay múltiples interpretaciones.Interpretar lo que está sucediendo es uno de los desafíos de esta película, escrita y dirigida por AKIZ, que funciona como horror fantástico, thriller psicológico, terror adolescente y sobrenatural, con ese monstruo grisáceo y enano, de origen misterioso, pero no inexplicable. AKIZ nos muestra otra cara de la juventud berlinesa, alienada, perdida, desesperada y sin rumbo, que vive dentro de una pesadilla, en la que los monstruos de la mente son una vía de salvación, de uno mismo y de un mundo de falsedad.
Atención a la escena de la clase de inglés sobre los poemas de William Blake, y donde la maestra es interpretada por nuestra querida Kim Gordon, bajista y líder de la banda de culto Sonic Youth.
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dalton gellar
9
Megan is missing
Peligros de Internet - Megan is missing.Esta película en forma de mock es una de las más shockeantes que se han hecho y se me hace raro que el director solo tenga Mary después de esta pero este sin duda fue un gran debut por donde se mire.
Aquí la historia de unas amigas muy diferentes entre ellas pero con una amistad verdadera tenemos a Megan una chica algo popular pero tiene una madre que no la quiere y fue abusada al contrario de la otra chica nada popular y que llaman perdedora pero que los padres si la quieren y tiene una buena vida.
Megan conoce a Josh un hombre por Internet y comienzan a tener conversaciones con este hombre el cual resulta un pederasta, lo más triste de esta película es que esta basada en un caso real que tienen otros nombres las chicas una verdadera tragedia lo que pasó y que el asesino lo sentenciaron a dos cadenas perpetuas sin libertad condicional.
Ahora los últimos 20 minutos son un verdadero viaje al infierno tristes, crueles y no muy alejado de la realidad que no solo pasaron las chicas sino seguramente muchas personas más, te deja un mal cuerpo este final.
Recomendable.
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