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What you Wish for

Ryan, un chef talentoso pero autodestructivo, huye a un remoto paraíso latinoamericano para escapar de las deudas de juego. Allí es acogido por Jack, un viejo amigo y estrella culinaria que vive en una casa lujosa cocinando para multimillonarios. Ryan intenta no envidiar la vida de Jack, pero un giro del destino le da la oportunidad de asumir su identidad y descubrir que el “trabajo” de su amigo implica satisfacer los gustos más oscuros y criminales de una élite sin escrúpulos.

Un punto a favor es la presencia de Nick Stahl, ya recuperado luego de una vida de excesos. Su actuación siempre ha tenido una fuerza silenciosa, con una angustia emocional bajo una aparente quietud, por lo que está perfecto en su personaje. La trama tiene guiños a películas como El talentoso Mr. Ripley, con una pizca de The Menu, así como una crítica a la maldad de las élites, que no tiene nada de exagerada luego de lo que hemos visto en el caso Epstein.

Es una propuesta refrescante y perversa dentro del género del suspenso, destacada por su capacidad para construir tensión en espacios reducidos y elegantes. Utiliza la sofisticación de la alta cocina como un contraste macabro frente a la brutalidad de las acciones de los personajes, y el humor negro para aliviar la presión de las situaciones. Es también un estudio sobre la codicia y las consecuencias de “desear lo que otros tienen”, donde el lujo se convierte en una jaula de oro de la que parece imposible escapar.

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The Profane Exhibit

The Profane Exhibit es una película antológica de terror que tardó algunos años en terminarse y salir a la luz. En ella colaboraron diez reconocidos cineastas del género de terror: Nacho Vigalondo, Anthony DiBlasi, Ryan Nicholson, Michael Todd Schneider, Sergio Stivaletti, Marian Dora, Yoshihiro Nishimura, Uwe Boll, Ruggero Deodato y Jeremy Kasten.

Es, más que una simple antología, un testamento del exceso y la transgresión. Concebida como una colección de cortometrajes infames, la cinta sufrió un proceso de producción caótico que duró casi una década. El resultado es una obra nihilista que no busca entretener en el sentido convencional, sino explorar las fronteras de lo abyecto, la depravación humana y el sacrilegio.

Dentro de su estructura irregular, destacan segmentos como “Maná“, dirigida por Michael Todd Schneider, ambientada en una discoteca parisina que alberga una sociedad secreta que realiza impactantes rituales BDSM; “Goodwife“, dirigida por Ryan Nicholson, donde un hombre llamado John esconde tras la apariencia de un esposo amoroso a un asesino sanguinario, mientras su esposa, en lugar de escandalizarse, decide unirse a él y compartir su depravación; o “Madre, ¿puedo?“, dirigida por Anthony DiBlasi, en la que la Hermana Sylvia abusa de las niñas que se hospedan en su refugio.

Esta no es una película apta para todos. Su falta de cohesión narrativa se compensa con una brutalidad estética que desafía los estándares del cine comercial. Es una galería de horrores que funciona como un catálogo de las obsesiones más oscuras de sus directores. Es el cine de horror en su forma más libre y, como indica su título, profundamente profana.

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Jugando con Fuego

Esta es una de las propuestas más desconcertantes y entretenidas de la serie B de mediados de los ochenta. La película comienza como un thriller erótico clásico, centrado en la seducción entre una profesora universitaria y su joven alumno, pero de pronto da un giro radical hacia el slasher más sangriento. Esta colisión de géneros es su mayor atractivo, lo que parece una comedia de enredos sexuales con tintes de suspenso se transforma en una historia de asesinatos brutales y secretos familiares, manteniendo al espectador en un estado de confusión constante.

La sensual Sybil Danning, en el papel de la profesora Diane Stevens, despliega todo el carisma y la presencia física que la convirtieron en una de las reinas indiscutibles del cine de explotación. Danning domina cada escena con una mezcla de autoridad, picardía y erotismo, incluso cuando el guion decide tomar caminos inverosímiles.

Hoy en día, una trama así —donde el sexo, la sordidez, el crimen y el slasher se unen de manera promiscua— sería considerada “incorrecta“. No es una obra maestra de la lógica narrativa, pero para los aficionados al cine de género es una pieza esencial gracias a su audacia para romper esquemas, su amoralidad y, por supuesto, al inolvidable protagonismo de una Sybil Danning en la cima de su carrera.

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Pesadilla americana

Suspense policiaco ambientada en los mas lugrubes antros decadentes de baja estofa de la epoca. Pelicula bien rodada con buenos actores que le da un plus de interes siendo el argumento bastante flojillo. Puede llegar a ser un poco pesada por la falta de agilidad en la direccion.

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El Caso de las Dos Bellezas

El caso de las dos bellezas es una pieza clave de la etapa más psicodélica de Jesús Franco, donde el argumento detectivesco es una excusa para desplegar un festín visual. La cinta se sumerge en una atmósfera propia del pop-art con una paleta de colores que define la libertad creativa de finales de los años 60, funcionando como un divertido ejercicio de estilo.

Aunque la historia es relativamente aburrida, el alma del filme reside en su dúo protagonista: Janine Reynaud y Rosanna Yanni. Ambas interpretan a dos detectives privadas bajo el nombre en clave “Labios Rojos“, derrochando un magnetismo y una sofisticación que llenan la pantalla. Reynaud, con su aura enigmática, y Yanni, con su belleza imponente, se convierten en las bellezas que justifican el título, moviéndose entre el erotismo sugerente y el misterio con una naturalidad que eleva el tono de la trama. A destacar la presencia de un jovencísimo Manolo Otero.

Franco explicó en una entrevista que su idea original era fusionar el estilo de Abbott & Costello con el género de comedia-thriller de los sesenta, aprovechando el éxito de James Bond. La película tendría una especie de secuela titulada Bésame, monstruo.

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El Orfanato

Recuerdo que en su día fue una película de la que se habló, sobre todo en España. A mi me ha parecido inconsistente. El niño con el saco en la cabeza, que es lo más espeluznante, es un recurso que no se se explota lo suficiente, en lugar de ello queda como algo más bien secundario, focalizando la mayor parte del tiempo en el juego del tesoro. Luego, en la sesión espiritista protagonizada por Geraldine Chaplin, nos dicen que l@s cri@s fueron envenenados. ¿Por qué y por quien? ¿Uno de ellos no murió durante uno de los juegos por un accidente? ¿Cuál es la explicación del sótano? Belén Rueda acaba ahí porque claro, un sótano siempre queda guay en una peli de terror, es un elemento cuasi obligatorio. Ah, y qué clase de madre dejaría a su hijo de 7 años adentrarse solo en una gruta desconocida y oscura...

Todas estas preguntas sin respuesta para concluir con que la protagonista es una nostálgica del orfanato, y un final agridulce que en lugar de enternecer me genera rechazo. Lo bueno son las interpretaciones y los escenarios. También me recordó un poco a Los Otros, otra película de dirección española que tampoco me hizo mucha gracia pero que aprobé por los pelos debido a su giro final. Si lo que buscas es pasar miedo, no recomiendo ver El Orfanato.

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Albino

Albino es una pieza cinematográfica que se sitúa entre el thriller de venganza y el cine bélico de explotación. Ambientada durante la guerra civil de Rodesia, la película narra la persecución obsesiva de un policía británico tras un terrorista africano albino que ha cometido un crimen atroz. Destaca por su crudo retrato de la violencia; una inmersión en la brutalidad del conflicto y el descenso psicológico de sus protagonistas hacia un odio ciego.

La presencia de Christopher Lee eleva considerablemente el nivel de la producción. En el papel de un experimentado oficial, Lee aporta gravedad y elegancia, recordándonos su capacidad para dominar la pantalla incluso en los proyectos más oscuros. A su lado, la magnética Sybil Danning aceptó una escena brutal y clave de la trama.

Técnicamente, la dirección de Jürgen Goslar aprovecha los paisajes áridos para crear una sensación de aislamiento y desesperanza, casi como en un western. También destaca de esta producción alemana su capacidad de retratar a los gobernantes coloniales, a los terroristas y a la población relativamente imparcial atrapada en medio de la violencia

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Los Siete Gladiadores

I sette magnifici gladiatori es una de las cintas más pintorescas del cine peplum tardío y la explotación italoamericana de inicios de los 80. Bajo la dirección de la incansable dupla conformada por Bruno Mattei y Claudio Fragasso, la película no intenta ocultar su naturaleza de puro cine de explotación. Es, guardando las abismales distancias, una reinterpretación de Los siete samuráis transportada a un mundo de fantasía antigua y espada y brujería. La dirección de Mattei y Fragasso se caracteriza por un ritmo vertiginoso, donde el reciclaje de ideas y la puesta en escena exagerada crean una atmósfera de pura serie B que resulta tan caótica como entretenida.

Lou Ferrigno, en el apogeo de su físico post-Hulk, interpreta a Han con una presencia imponente que compensa cualquier limitación actoral, convirtiéndose en el pilar visual de las escenas de acción. A su lado, la guapa Sybil Danning aporta el carisma y la actitud necesaria como Julia, consolidando su estatus de icono del cine de género.

Fue la primera película producida por la Cannon Italia y, a pesar de sus evidentes carencias técnicas y su guion básico, sobrevive gracias a su honestidad como espectáculo pulp. Mattei y Fragasso logran inyectar una energía rudimentaria en cada combate, haciendo que las coreografías, los elementos fantásticos y efectos de luz artesanales resulten entrañables para los aficionados al género.

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Scream 5

Ya con el póster nos damos cuenta que estamos ante un cambio muy grande en la saga, siendo la primer pelicula en la que Wes no esta involucrado debido a su fallecimiento en 2015, una secuela 11 años despues de la 4ta parte la cual ya tenia 11 años de diferencia con la 3ra.

En esta secuela Ghostface se siente muy, pero muy imponente, sin vueltas y más decidido a ejecutar a cualquiera, realmente se siente que tiene el control. Aun asi hay varias incongruencias sobre su accionar pero no entraré en detalles.

En este caso nuevamente vemos a las nuevas estrellas de la época asi como en la 4ta parte veíamos actores en despegue en este caso pasa lo mismo, Jack Quaid, Jena Ortega, entre otros, aca la pelicula trata de dar una vuelta de tuerca buscando contar una nueva historia desde otra perspectiva, la hija de Billy, si al parecer Billy tuvo una hija, esto ya hace que se tome por los pelos toda la historia, sin mencionar que Billy era demasiado joven y diria que no era muy heterosexual que digamos, guiño, guiño, aun asi, la pelicula es entretenida, tiene un respiro y nos desvía de la atención de los protagonistas originales que una vez mas sirven de puente para amagar entregar el legado de una franquicia un poco exprimida a las nuevas generaciones, es asi que scream 5 trata de darle mas profundidad al personaje de Billy con un gran esfuerzo y poder del guión.

Los personajes de Neve y Cornie se sienten sobre explotados y cansados de la saga. Con ganas de pasar de página. Desgraciadamente para los fans no podes hacer una scream sin los originales, pensamiento que termina por destruir franquicias (un claro ejemplo de esto es terminator, con Arnold)

Entretenida y digna secuela que mantiene el interés de lo que vendrá.

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Scream 4

Un cambio generacional enorme a la vuelta de la esquina, introduciendo actores que en ese momento estaban despegando, como Emma Roberts o Hayden Panettiere, Scream 4 se siente como “este ya no es el mundo que conocias“ la fama instantánea como eje central, si bien en esta década ya envejeció bastante, nos damos cuenta del gran salto generacional entre una y otra y el elenco de la trilogía original como puente para conectar. Aca nos enteramos que Sydney (Neve Campbell) tiene una prima y una tia, curioso que no se haya mencionado antes. Pero este dato sirve para introducir nuevos personajes al universo.

Esta cuarta parte parece una crítica a los remakes de la primer década de los 00 en la que muchos eran remakes traídos para las nuevas generaciones, lo cual agradezco ya que muchos fueron vistos en DVD antes de ver las originales.

Aca el asesino es mas morboso ya que busca documentar absolutamente todo

Al final queda como una digna secuela que con el tiempo se siente mas valorada que en su época de estreno.

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