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Tenants

Antologia compuesta de seis historias,la principal esta unida a las otras en la inteaccion de la prota con los personajes.
La primera historia es la de la actriz debenida a menos que luego de conseguir trabajo nuevmente,tendra la complicacion que le saldra un grano en la cara y se ira agrandando.Me gusto la histori y tambien su final.
La siguiente historia es la de un hombre mayor que es acumulador luego de la muerte de su esposa.Entretenida historia pero de menor calidad que la anterior.
La tercera historia es la del fotografo,es interesante ,con momentos sobrenaturales y un final justo.
la cuarta historia es la de la mujer que perdio su embarazo,tambien esta a la altura,y algo extraña pero que luego en el final se explicara el por que de los momentos raros(de la historia principal)
La siguiente historia es la de las compañeras de cuarto que no se soportan.Algo de humor,violencia y muerte,me ha gustado.
y en cuanto a la historia principal es la de la chica que busca en ese edificio a su hermana,y encontrara a estos personajes mientras algo misterioso la acecha.Es el segmento que menos me h gustado,pero en lineas generales es una buena pelicula y mi puntuacion es un 7.

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Peter Pan: Pesadilla en Nunca Jamás

Ah no esto es un milagro pocas veces visto,ITN por primera vez hace un film bueno,y esto supero lo bueno,para mi esto es milagroso.
La verdad me ha gustado todo de eta pelicula,un personaje muy violento y sangriento que elige a sus victimas para llevarlo a lo que el dice pais de nunca jamas.Me sorprendio para bien esta pelicula por que la trama es atrapante,hay escenas muy violentas,sangre a doquier,escapes muy buenos,pero la actuacion del personaje de Peter Pan es estupendo.Sus muertes una mejor que la otra,y encima tiene sus ultimos 30 minutos con muertes,peleas sangrientas,y un final buenisimo.Por mas productos como este.De lo mejor que vi en peliculas de cuentos infantiles convertidos en terror y por lejos mejor.Mi puntuacion es un 9.

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Hombre lobo

El hombre lobo promete mas de lo que ofrece.
No es un mal film,pero la pintaban como una gran pelicula,y esta aceptable hasta ahi.
Me habia entusiasmado esta pelicula por el comienzo,que me resulto prometedor,y tambien porla prota,ya que todo lo que le he visto hacer,lo hizo muy bien.Aca tambien su personaje y actuacion no desesntona,pero hay algunas cosillas que no me llegaron a gustar.Por ejemplo el hombre lobo,no me ha gustado su maquillaje,no me parecio tan feroz,tampoco,y esperaba unos buenos efectos en la transformacion,cosa que no ocurrio.Las escenas de escape y tension son las justas,pocas victimas,y el final algo rapido y sin mucho para destacar.En mi opinion la nota que le doy a esta pelicula es un 6.

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El Hotel del Horror

Interesante film de horror gótico, ejemplo temprano de folk horror, dirigido por John Llewellyn Moxey y protagonizado por el gran Sir Christopher Lee.

Nan Barlow es una estudiante de historia americana que llega al pueblo de Whitewood, en Nueva Inglaterra, para realizar una investigación sobre la casa de brujas ocurrida en dicho lugar a fines del siglo XVII. Al llegar notará que el pueblo y sus pocos habitantes parecen haber quedado atrapados en el tiempo, mientras ocultan un oscuro secreto.

El guion de lo que sería “City of the Dead” (1960) fue escrito originalmente por el escritor George Baxt a partir de una historia del productor Milton Subotsky, como piloto para la serie de televisión “Thriller” (1960-1962) presentada por el legendario actor británico Boris Karloff. Sin embargo, Subotsky lo reescribió alargándolo e incluyendo una subtrama romántica en la que el novio de Nan la buscaba tras su desaparición. A esa altura, Subotsky ya llevaba algunos años trabajando con Max Rosenberg en la producción de películas, desde “Rock, Rock, Rock” (1956) de Will Price, una historia de rock and roll, por lo que presentó el guión a su socio para producir el film. De esta forma, con un presupuesto de 45 mil libras esterlinas provenientes de la productora de televisión Hannah Weinstein, junto con fondos del club de fútbol Nottingham Forest, Subotsky y Rosenberg iniciaron el rodaje en los Shepperton Studios, en Surrey, Inglaterra, en el verano de 1959 y se prolongó al menos hasta octubre de ese año. Menciono desde ya las fechas porque serán importantes a la hora de hablar de “City of the Dead” y su contemporánea “Psycho” (1960) de Alfred Hitchcock más adelante, película con la que resultará inevitable establecer paralelismos y abordarlos como veremos en su momento.

“City of the Dead” (1960) es una película infravalorada y que necesita urgentemente ser reivindicada como pionera del folk horror, subgénero del horror que alcanzó su cúspide a fines de los 60 y principios de los 70 con la Tríada Maldita conformada por “Witchfinder General” (1968) de Michael Reeves, “The Blood on Satan“s Claw” (1971) de Piers Haggard y “The Wickerman” (1973) de Robin Hardy y que recientemente resurgió con gran éxito y expectación con filmes como “The Witch” (2015) de Robert Eggers, “The Ritual” (2017) de David Bruckner o “Midsommar” (2019) de Ari Aster. Ciertamente, “City of the Dead” (1960) contempla varios principios narrativos del subgénero a inicios de los 60, quizás remontable a la segunda mitad de la década de los 50 en el clásico “Night of the Demon” (1957) de Jacques Tourneur, que ayudarían a establecer principios del folk horror como son la comunidad aislada y remota como escenario de los hechos, una tierra con poca o nula presencia cristiana, a menudo considerada por ende “maldita” y en su lugar una fuerte presencia de paganismo y/o brujería satánica y la conservación de antiguos rituales precristianos y/o anticristianos. Si bien con el paso de las décadas, el subgénero terminaría estableciendo como uno de sus pilares fundamentales el paganismo, elemento que en este film está representado más bien en componentes de raíces judeocristianas y sus símbolos (el bien vs. el mal, el antagonismo entre el sacerdote y el brujo, el poder de la cruz y el fuego como agente purificador), que lo acercan mucho al horror satánico, no cabe duda que el film fue un ejercicio pionero y fundamental para la definición del folk horror.

Al respecto, conviene establecer y hablar de varios paralelismos de “City of the Dead” (1960) de John Llewellyn Moxey con la obra cumbre del folk horror, “The Wickerman” (1973) de Robin Hardy, para dimensionar su importancia, rastrear sus influencias y observar sus similitudes. Ambas películas ocurren en localidades remotas y aisladas, el de Moxey en el pueblo rural de Whitewood, en Massachusetts y el de Hardy en Summerisle, en Escocia. En ambos filmes se observan rituales, aunque en el de Moxey sea totalmente anticristiano o satánico por tratarse de un culto a Lucifer, no así en el Hardy que resalta por ser precristiano porque se trata de un ritual de abundancia a dioses adorados antes de la llegada del cristianismo. Al mismo tiempo, ambas películas tienen de protagonista a un líder de un culto ancestral, que en el caso de la película que analizamos hoy se trata de un brujo satanista a diferencia de “The Wickerman” (1973) encabezado por un sumo sacerdote pagano. No deja de ser curioso que ambos terminaran siendo interpretados por el legendario actor británico, Sir Christopher Lee, el primero oculto bajo la careta de un profesor de artes ocultas y brujería y el segundo como el líder político y social de una comunidad isleña.

Por otra parte, “City of the Dead” (1960) se vincula estrechamente con otros clásicos absolutamente contemporáneos, en el horror gótico con “La Maschera del Demonio” (1960) de Mario Bava y en el thriller psicológico con “Psycho” (1960) de Alfred Hitchcock, todas estrenadas en 1960 como podemos ver. Con estas compartirá principios, pero también tomará su propio camino. Con su pariente italiana, por ejemplo, coincide al ser una de las primeras películas en establecer un paradigma que se repetiría en varias películas europeas de horror gótico (especialmente británicas, italianas y españolas) respecto a la bruja condenada a muerte hace 300 o 400 años –durante las históricas cacerías de brujería de los siglos XVI y XVII– quien maldice el lugar y que regresa a cobrar venganza a quienes la ejecutaron y sus descendientes. En la película de Bava el tiempo transcurre y el espíritu de la bruja buscará poseer el cuerpo físico de una descendiente idéntica a sí misma, mientras que en la de Moxey el tiempo se ha detenido para la bruja, quien se mantendrá con vida a través de los siglos mediante sacrificios humanos anuales a Lucifer, cuyo culto encabeza junto a sus secuaces Driscoll y Keane.

Con su pariente estadounidense, “City of the Dead” (1960) también tiene similitudes evidentes, así como diferencias notables que ayudarían a definir estrictamente el horror y el thriller. Por supuesto, comparten el viaje de una mujer joven y bella desde la ciudad a una zona remota, aislada y ciertamente rural, en un pueblo fantasmagórico y en un hotel en una carretera solitaria, respectivamente. Respecto a las mujeres, una es movida por la curiosidad académica (una inocente en toda regla) y la otra, al contrario, por haber robado una gran cantidad de dinero (una mujer cuestionada moralmente), pero ambas tienen un fatal y brutal final. Pero, aunque ambas mueren por la misma arma, en cualquier caso, Hitchcock prefiere a un asesino en serie de carne y hueso como verdugo, a diferencia de la película de Moxey, que escoge a un grupo de satanistas sobrenaturales.

Cito estos paralelismos no por una cuestión caprichosa ni mucho menos, sino porque creo importante destacar cómo dichas películas, compartiendo semejanzas y diferencias, ofrecieron importantes paradigmas para el cine de terror y horror, toda vez que películas como “City of the Dead” (1960), y en extensión “La Maschera del Demonio” (1960) de Mario Bava, permitirían en resurgimiento del cine gótico y expandiría sus tópicos y principios, a la vez que películas como “Psycho” (1960), junto con “Pepping Tom” (1960) de Michael Powell, romperían con los esquemas y propondrían un terror real, como sabemos. No deja de ser interesante y será motivo para la especulación que todas las películas que he nombrado hayan sido rodadas en 1959 y estrenadas en 1960, llevándonos a hacernos la pregunta cuál influenció a cuál. Mientras “City of the Dead” (1960) se rodó entre septiembre y octubre de 1959 en Inglaterra, “Psycho” (1960) lo haría entre noviembre de 1959 y febrero de 1960. Por tanto, es prácticamente imposible que ambas películas se hayan influenciado mutuamente. No cabe duda que el clásico de Hitchcock lograría mayor notoriedad no sólo por sus propios méritos, pero también por ser producido por Universal Studios y distribuido por la Paramount, algo que “City of the Dead” (1960) no pudo emular por tratarse de una película independiente, incluso teniendo en cuenta que sus productores terminarían fundando en 1965 la reconocida productora Amicus, una de las competencias más fuerte de la legendaria y poderosa Hammer Films.

Ya he enumerado gran parte de las influencias y virtudes de “City of the Dead” (1960), principalmente por medio de paralelismos, porque es la mejor forma, creo, para dimensionar su importancia y aporte al cine de género. Filmada en un perfecto blanco y negro, a la que se suma un correctísimo uso de bruma por el fotógrafo Desmond Dickinson (“A Study in Terror”, 1965), “City of the Dead” (1960) posee una notable ambientación fantasmagórica y siniestra tanto en secuencias que pueden catalogarse como cotidianas, por ejemplo, cuando forasteros del pueblo como Nan y Dick Barlow pasean por las calles, como en las escenas de la procesión de brujos en el cementerio entre tumbas y cruces ruinosas. También vale destacar el prólogo de la ejecución de Elizabeth Selwyn en la hoguera que, a pesar de que no resulte tan brutal como de la princesa Asa Vajda en “La Maschera del Demonio” (1960) en la que finalmente se le ajusticia con una máscara de hierro con pinchos, como también el prólogo cuando Pat y Dick descubren el cuerpo de Selwyn encapuchado y calcinado, que resulta de nuevo bastante similar al de “Psycho” (1960) cuando Lila descubre el cadáver de la Sra. Bates momificado en el sótano.

Además del siempre solvente e imponente Sir Christopher Lee como Alan Driscoll, profesor de historia y miembro secreto del aquelarre de Whitewood, el reparto cuenta con competentes miembros como Dennis Lotis (“Sword of Sherwood Forest”, 1960) como Dick Barlow, hermano escéptico de Nan y oponente intelectual de Driscoll; Patricia Jessel (“The Man Upstairs”, 1958) en un doble papel como Elizabeth Selwyn/Sra. Newless, la bruja que maldijo a Whitewood y líder del aquelarre; Tom Naylor como Bill Maitland, el novio de Nan; Betta St. John (“Corridors of Blood”, 1958) como Patricia Russell, anticuaria y nieta del pastor de Whitewood; Venetia Stevenson (“Island of Lost Women”, 1959) como Nan Barlow, la curiosa estudiante de historia de Driscoll que investiga la brujería; Valentine Dyall (“The Haunting”, 1963) como Jethrow Keane, el amante de Elizabeth y su compañero brujo; Ann Beach (“Notting Hill”, 1999) como Lottie, la ama de llaves muda de Raven“s Inn de propiedad de Newless; y Norman MacOwan (“X the Unknown”, 1956) como el reverendo Russell, el pastor ciego de Whitewood, en su último papel.

La banda sonora, a cargo de Douglas Gamley (“Asylum”, 1972), resalta su notable atmósfera gótica, complementando a la perfección con la fotografía en blanco y negro de la película. A través de su partitura, ofrece una escalofriante y melancólica experiencia visual, realzando su atmósfera teatral también. La sección jazzística fue aportada por Ken Jones.

“City of the Dead” (1960) se estrenó en septiembre de ese año en el Reino Unido. Fue un fracaso de taquilla, aunque obtuvo una pequeña ganancia. Debido a ello no se estrenó en Estados Unidos hasta 1961 bajo el título de “Horror Hotel”. Para dicha versión estadounidense, se eliminaron las frases de Elizabeth Selwyn en el prólogo cuando antes de ser quemada en la hoguera, jura lealtad y vende su alma al demonio.

Con el paso del tiempo, fue revisitada y reivindicada como uno de los primeros ejemplos notables del folk horror, generando cierto nivel de película de culto. De hecho, varias bandas de heavy metal utilizarían algunas de sus secuencias o frases en sus videoclips promocionales como la banda de punk Misfits y su canción “Horror Hotel“ (1983), el danés King Diamond y su tema “Sleepless Nights” (1989) y los británicos Iron Maiden en “Bring Your Daughter... to the Slaughter” (1990). Rob Zombie usó frases de Christopher Lee para el prefacio de su canción “Dragula” (1998) al igual que la banda In This Moment para su canción “Witching Hour” (2017).

En resumen, un destacable film de horror gótico británico que brilla por su notable fotografía y ambientación, un competente reparto y una historia siniestra que sirvió de pilar para la conformación del folk horror.

https://cineramica.blogspot.com/

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Hobo with a Shotgun

Gamberrada auténtica con Rutger Hauer (D.E.P.) como protagonista, interpretando a un vagabundo harto de la anomia de su barrio y, sobre todo, del control que ejercen unos mafiosos sobre él, lo que le llevará a tomarse la justicia por su mano con ayuda de una escopeta.

Las muertes son sangrientas, algunas de ellas originales (como la de la alcantarilla de gomaespuma). Los antagonistas son despreciables, se ganan cada vez más odio conforme avanza el tiempo. En cambio, la relación que se cuece entre el vagabundo y la chica (Abby) es entrañable. Los escenarios están elaborados.

En torno al final se torna un poco cliché pero es una película muy divertida en términos generales. Buena obra del exploitation de este siglo.

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Bitelchús 2: Bitelchús Bitelchús

Es una secuela tardía e inferior a la original Bitelchus, ahora bien, es una película autoconsciente de lo que propone y por ello, extrañamente, completa bastante bien a la primera parte, la referencia y explora buenos momentos.

Para mí este Bitelchús es quizá menos carismático aunque sea el mismo actor, el personaje de la Bellucci luce menos de lo que podría parecer en un principio y como película en conjunto me parece peor.

Pero reconozco que mantiene la esencia, la estética y el mismo tono. Una digna secuela.

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Envenenados (Venom)

Que decir, la descubrí anoche y para mí era totalmente DESCONOCIDA.

A pesar de que toca el tema del VUDÚ como lo hacen en “CHILD“S PLAY“ (CHUCKY), acá como que no me lo tome tan en serio. Y no es que la trama sea CÓMICA sino que tampoco me pareció muy SERIA o con tanto ENCANTO. Sinceramente esperé mucho MÁS, se deja ver pero no me pareció la gran cosa, será que ya he visto tantas cosas similares y MEJORES en todo sentido. Además para mi gusto la escena del ÁRBOL con la RUBIA me pareció muy simple, había leído críticas qué era BRUTAL y no me pareció así. Algunas caras conocidas y buenas actuaciones en general.

Es el tipo de PELI que se puede ver con Amigos pero como mencioné, a mi gusto he visto mejores y no está mal aunque no sé si vuelva a verla. Regular a mi parecer.

6/10.

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Cromosoma 3

El maestro Cronenberg no la estaba pasando muy bien.

“Cromosoma 3“ es una película de esas donde se nota los sentimientos de su director. Por ejemplo el aburrímiento de Kubrick al hacer “Barry Lyndon“ o Carpenter con “Fantasmas de Marte“. En está fecha el director pasaba un mal trago con su divorcío y la tenencía de su hija y se nota en esta grotesca historía.

El argumento es sin duda bizarro , un hombre intenta separarse de su esposa quién no está bien mentalmente ya que abusa de la hija de ambos. La madre es sometída a un tratamiento terapéutico experimental conocído como “psícoplasmosis“. Lo que se resúme en exteriorizar su odío de forma física , en sí crear otros seres que nacen de ella.

En sí estámos ante una obra que sigue la psiquís del director. La trama sin duda es oríginal para mí , toca temas como los abusos infantíles y las familias disfuncionales , tema muy pocó tratado en el cine de los 80s , no fue hasta la decáda noventera donde el cine pusó más lupa en esto.
Las actuaciones son safables aúnque para mí la mejor es la madre logrando una buena caracterización de una persona insana. Si bien nos dan a entender que se debe a como fue maltratada por sus padres la pelí no la pone como víctima.

El defecto que le pondría es que es una película con arranque lento. Si esperan un slasher se van a términar aburríendo. En algúnas cuestiones la cinta envejecío mal para quién quiera empezar con este director no la recomiendo.

Cronenberg lográ como siempre impactarnos y habló por supuesto a la escena donde la mujer expulsa un feto , una parte bástante perturbadora.

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Ginger Snaps 3: El Origen

Secuela? Spinoff? Remake?

“Ginger Snaps 3“ es el cierre de la trilogía , aúnque es más una reinvención de la historia que una precuela. Sin dudas la mejor de la saga. Conocí está bajo el nombre “Aullidos en la Noche“ desconociendo yo que era parte de una saga y basícamente se puede ver de forma independiente.

La trama y la ambientación sin duda son un gran avance y se nota que hubo más presupuesto. Estámos en el siglo XIX , donde seguímos las andadas nuevamente de las hermanas Ginger y Bridgette (bien interpretadas por Emily Perkins y Katherine Isabelle) . Quiénes buscando un paso en la inexplorada Canáda de ese tiempo términan en un fuerte con colonos que hace tiempo son acechados por licantropos.

Sin dudas esta vez el orígen de los hombres lobos es más una especíe de maldición índia , cosa que me recuerda a los Skinwalkers u otras leyendas indígenas de norteamérica. Sin embargo la película no explíca del todo el orígen de la maldición.
A pesar de que estámos más ante un remake que una precuela hay un par de referencías a las oríginales como lo es las sanguijuelas que se usan para saber quién fue mordido o que el lugar donde sucede la historia es la zona donde ocurrío la original.

Se nota que el presupuesto fue mayor ya que tenemos más escenas con las bestías y estás se ven bastante bien. Entre los personajes tenémos a ambas hermanas con las mismas actrices , personajes que ya tuvíeron un desarrolló mayor (vamos que ya han pasado dos películas) aunque hay un par de secundarios interesantes como el cazador indío o Wallace el jefe del fortín que padece un mísmo dilema que ambas protagonistas pero con su hijo.

En resúmen podemos ver esta película como una obra aparte , para mí tiene más ese aire a una precuela.

Buena ambientación , no recuerdo muchas de hombres lobo que sucedan en dicho siglo. Actuaciones bastante descentes y un guíon de por sí llamatívo para los fanatícos de los hombres lobo.

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El Cazador de Tiburones

El cazador de tiburones es otra más de las cintas de tiburones nacidas a la sombra del éxito de Jaws. Dirigida por Enzo G. Castellari, es más bien un relato de aventuras y acción; todo muy serie B, por cierto.

La trama sigue a Mike Di Donato (interpretado por Franco Nero con una estrafalaria melena rubia), un hombre solitario que vive en una isla del Caribe cazando tiburones con arpones artesanales mientras oculta un pasado vinculado a un botín millonario. Castellari aprovecha las locaciones naturales para rodar escenas “playeras” y tomas submarinas combinadas con escenas de archivo y metraje documental, con efectos prácticos limitados. Espero —y quiero creer— que ningún tiburón fue lastimado cruelmente durante las filmaciones.

Aunque el guion puede resultar errático (debido a que gran parte del rodaje fue improvisado tras perderse el libreto original en un aeropuerto), es un buen ejemplo de cómo el cine de explotación italiano de los 70 podía tomar una premisa comercial y transformarla en una historia donde el tiburón no es un monstruo, sino un testigo y víctima de la codicia humana.

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