Una mezcla de muchas cosas en una sola película, que sin ser una maravilla, al menos logra entretener un rato. Parece la típica película mala de The Asylum/Syfy, aunque con un poquitín más de presupuesto.
Tenemos actores reguleros, un monstruo-pulpo gigante, una especie de bichos que se adhieren a la espalda de la gente y los controla mentalmente, una profecía antigua... si lo piensas mucho, no tiene mucho sentido, es mejor disfrutarla sin pensar mucho en ello, y hala.
Lo que más me ha llamado la atención de la película es su protagonista, y viéndola me he dado cuenta de lo mucho que ha cambiado el cine de un tiempo a esta parte, pues esta mujer es la definición de “voluptuosa“, y joder, hacía mucho que no veía a una protagonista así. Muy curioso y una lástima, parece que hoy día una mujer no puede tener un cuerpo supersexy y ser famosa en el cine no-porno...
La verdad, objetivando, la película es mala pero tiene el ingenio de ser la precursora del llamado cine Gore.
Impacta ver tantas tripas, sangre y desmembramientos mostrados de forma tan gráfica en el año 1963.
Pero, siendo sinceros, la historia es muy pobre, está mal actuada, la luz es mediocre y los efectos especiales son muy mejorables.
De todas formas entretiene!
Curiosa pelicula setentera que su propio tufo a vintage la vuelve mas interesante, lat rama es simple y hoy por hoy hay miles de peliculas que empiezan igual pero logra mantenerte a la espectativa de leslie y sus muñecas, ese final tan adelantado parasuepoca que pierde quizas en sus efectos pero lo gana en su rareza.
No a todos les agradara pero a mi me parecio digna de apreciarse
Un muy buen comienzo para este filme del hijo de david cronemberg, si bien su desarrollo lo note algo lento, tiene con que defenderse, se nota influencias familiares que favorecen.
Creo que a futuro este director podria llegar a sorprendernos.
Pasable
¿Qué es la Historia sin cine? ¿Qué es el cine sin Historia? El arte, catarsis de la exposición de los sueños. Sueños infinitos. Ilusión de crear. Creación, no destrucción. La guerra destruye, el arte crea. En la Historia ambas se unen y crean una simbiosis extraña. Fuera y dentro del proyector, ante la pantalla, ¿quién observa?, ¿quién crea? Es el laberinto del cine.
En la 32.ª edición del Festival Internacional de Tokyo, donde se presentaba “Kinema no Tamatebako“, una periodista se acercó a Nobuhiko Obayashi, que en ese momento tenía 81 años y estaba devorado por el cáncer, y le preguntó cuál fue la inspiración para tal odisea de tres horas por el universo del cine. Y él, en inglés, respondió a duras penas “El amor a las películas“. No dijo nada más ni hacía falta. 5 meses después falleció y el cine japonés, en los albores de la pandemia del coronavirus, perdió a uno de sus mayores genios. Aquella ingenua periodista se vio obligada a descubrir una intención o un motivo lógico, cuando en realidad no lo había.
Esta película nace del amor al cine, es el final de una larga senda, su última declaración, y la más escandalosa de todas; curioso, la última debería haber sido “Hanagatami“, ya que en mitad de la producción le diagnosticaron cáncer de pulmón y unos pocos meses de vida...pero la voluntad de Obayashi estaba blindada a prueba de enfermedades, y no sólo vivió lo suficiente para terminarla, sino para preparar otro proyecto más. Un octogenario demacrado físicamente con una imaginación tan volátil como la de un joven, y con la misma energía con la que filmaba sus pequeñas películas en 8 mm. en su Onomichi natal cincuenta años antes.
El tema, porque hay un tema, es la Historia de Japón, y más concretamente la guerra, con lo que “Tamatebako“ podría considerarse la 4.ª parte y clímax de su saga anti-bélica, iniciada con “Nagaoka Hana-bi Monogatari“; pero es difícil discutir de temáticas e ideas viendo el inicio de este viaje. El recuadro se abre, se lee “A Movie“, como lleva utilizando desde siempre, todo son dedicatorias acompañadas de un homenaje al legendario Chuya Nakahara, cuyos poemas irán marcando un ritmo en la película y la impregnarán de su espíritu melancólico y combativo.
El músico Yukihiro Takahashi se disfraza de un doble más joven del cineasta, incluso adopta su habla. Nos recibe a bordo de una nave espacial, nada menos, reflexionando sobre la creación de la Humanidad, cómo los desastres forman parte de nuestra evolución, y sobre la realidad de su propia presencia en la pantalla. Una gamberra ocurrencia metafílmica mientras afuera, en el Espacio mal creado adrede a base de pantallas verdes, flotan bellas muchachas. Delirio próximo al imaginario del manga con ese estilo tan desenfadado e infantil de Obayashi. La historia como tal empieza en Onomichi, paraíso atemporal, al que éste regresa tras más de una década sin rodar allí.
Si recordamos que antaño sus grandes heroínas fueron Hiroko Yakushimaru, Tomoyo Harada o Yasuko Tomita, ahora, como no podía ser menos, se introduce una nueva, la última, Rei Yoshida, con el nombre, a su vez, de la heroína del cine de Yasujiro Ozu: Noriko. ¿Pero qué es ella? ¿Existe realmente, o al igual que la “Shabishinbo“ encarnada por Tomita es sólo producto de una ilusión, o una proyección de los recuerdos de alguien, o un anhelo imposible? Lo iremos descubriendo durante la sesión tan especial que se nos ha preparado, en un cine que cerrará sus puertas para siempre, y lo va a hacer por todo lo alto.
Es la última sesión, y no se le ocurre otra mejor a la propietaria que una dedicada al cine bélico. Esto es el “Cinema Paradiso“ de Obayashi, ¿o su “8½“? ¿Tendrá la tormenta exterior algo que ver con los acontecimientos que llevan a los tres jóvenes que están entre el público a materializarse dentro de la pantalla y formar parte del espectáculo? El caso es que Mario, Shigeru y Tori (llamados así en tributo a tres ídolos del director: Bava, Siegel y Truffaut), cual Cecilia en “La Rosa Púrpura del Cairo“, se convierten en los héroes de las películas proyectadas. Ficción y realidad unidos. Y aunque hay que esperar una alegre introducción musical pronto entramos en materia...
El tema es la Historia de Japón a través de sus guerras. ¿Y qué hace Obayashi? Destriparla. Sin compasión, ni concesiones a la lógica o la coherencia...pero alguna hay, de todos modos. Ya que la sesión trata de cine bélico, nos sirve historias bélicas, las de siempre, tan emocionantes como despiadadas, y prepara a sus jóvenes actores para una lección intensiva y agotadora de Historia.
Tres principales, donde éstos serán protagonistas de cada una de ellas, y una última en homenaje a Sadao Maruyama, actor y líder de la compañía teatral itinerante Sakura-tai, que tuvieron la desgracia de encontrarse en Hiroshima el día del lanzamiento de la bomba atómica...
Empezamos en las guerras del Japón feudal, con los brillantes Takuro Atsuki, Yoshihiko Hosoda y Takahito Hosoyamada caracterizados para la ocasión, y poco a poco, con cada cambio de rollo de celuloide, avanzamos en el tiempo. Noriko deja de ser Noriko y encarna a una niña china retenida por militares japoneses, y Mario la rescatará. Se podría decir que es la más “bonita“ de las tres historias por su romántico aunque amargo final, aunque en todas se cuentan grandes historias de amor predispuestas a acabar en tragedia; Shigeru se enamorará de prostituta, y Tori pasará a ser un hombre cuya apacible vida matrimonial se hace añicos por culpa de la llegada de la guerra.
El deseo de los tres es poder cambiar el guión de los relatos que están protagonizando, pero Obayashi les dice que eso es imposible, porque la Historia no puede cambiarse. La Historia sucedió, no es una película con final feliz, el arte no puede cambiar el pasado, pero sí dar una lección importante para asegurar un futuro mejor; ese es su discurso clave en “Tamatebako“ como lo ha sido siempre en muchas de sus obras. Es un mensaje claro y directo, por ello su énfasis en la violencia es tan grande y la fatalidad el único final posible, aunque aún sigan dándose esos apuntes delirantes y absurdos (mezcla que recuerda mucho al cine de Kihachi Okamoto y Seijun Suzuki).
El mensaje es tan claro y tan directo que las ideas del director se entienden a poco que empieza la “trama“. Pero él sigue haciendo hincapié sobre los mismos puntos en cada historia; quizás sea la edad, que le ha llevado a comportarse como el típico anciano que repite las mismas cosas una y otra vez por si acaso los demás no se enteran, y eso hace que su discurso, cuya intención es preciosa, empiece a convertir el film en discursivista y cargante. En cuanto a fatalidad, nada como el último tramo, el que inspiró la creación de la película...
Porque podemos interpretar a ese Maruyama como otra versión de Obayashi, o la eterna figura del artista-idealista que vivió para crear en un mundo devorado por la guerra y la muerte. El entonces más reciente desastre de Fukushima le sitúa al mismo nivel. Este es sin duda el mejor segmento de la película porque los tres jóvenes interaccionan con personajes reales y forman parte de su experiencia; mientras la Sakura-tai intenta interpretar la legendaria novela “Muhomatsu no Issho“ contra la prohibición de un militar que les acusa de lanzar un mensaje pacifista, los aviones se preparan para el fatídico día.
Y como Chiyoko en “Millennium Actress“, Noriko desea conocerse realmente, por eso no cesa en su transformación, hasta descubrirse la verdad. El cine, el arte, logra la ilusión de resucitar a una víctima de guerra, otorgarle una identidad y hacerla vivir una aventura. El arte, definitivamente, da vida.
Mientras, los actores salen y entran a voluntad de la pantalla, el álter-ego de Obayashi y su hija comentan sus impresiones en la sala, los mismísimos Yasujiro Ozu y Sadao Yamanaka rememoran sus días en la guerra, Miyamoto Musashi filosofa sobre la igualdad de la condición humana, incluso Obayashi se permite el lujo de recordar sus días de niñez e interpretar a John Ford con un pésimo acento inglés.
El homenaje y autohomenaje del director es absoluto y abarca toda su carrera, todo su conocimiento. La expresión visual es abrumadora, grotescamente alucinógena, estamos atrapados en este laberinto de emociones sin parangón. No es de extrañar que el productor Kazuyoshi Okuyama, quien al principio había exigido una película de menos de dos horas, se contagiara de la energía, la libertad creativa, la imaginación y la hermosa postura pacifista del proyecto y permitiera a Obayashi seguir hasta donde sus fuerzas e ingenio le llevaran.
Como vemos le llevan hasta las estrellas. Allí sabía que se iría, hasta allí nos arrastra, ¿y por qué no vamos a dejarle? El último de los cineastas rebeldes clásicos nos deja físicamente, pero su espíritu perdura y perdurará, y así sus enseñanzas. Por desgracia, igual que Maruyama y otros lucharon contra la censura en la era Showa, el coronavirus, otro desastre reciente, impidió la exhibición de “Tamatebako“ como es debido; pero el amor por el arte que difunde fue más fuerte.
No se sale indiferente de esta proyección: 179 intachables minutos de sentimientos y complejas ideas.
179 gramos más que pesa nuestra alma cinéfila.
Entretenida pelicula sobre Predator, no descubre absolutamente nada nuevo y es un calco en el desarrollo.
Predator llega cazando a todo el mundo y luego al final pelean contra el y le derrotan, punto.
Pero la pelicula da lo que se espera uno de ella, ni mas ni menos.
Buenas dosis de acción, muertes bastantes buenas y efectos especiales guays.
Lo que esperaba
Bajo la dirección de Ivan Silvestrini y estrenada en 2016, “Monolith“ es un thriller cautivador que te atrapa desde el primer instante hasta el último. La trama sigue al conductor de un camión cuya hija es secuestrada y encerrada en el maletero de un automóvil. En una carrera contrarreloj por salvarla, el conductor se ve obligado a seguir las instrucciones de un misterioso hombre al teléfono mientras atraviesa el despiadado paisaje del desierto. “Monolith“ se distingue por su capacidad para mantener una tensión palpable en cada escena, sumergiendo al espectador en un mundo de peligro y desesperación.
La película ha sido alabada por su enfoque implacable en el suspenso y la acción, así como por las actuaciones convincentes de su elenco. Con giros inesperados y momentos de alta intensidad, “Monolith“ brinda un emocionante viaje fílmico lleno de adrenalina que te dejará ansioso por más.
Este título es una montaña rusa de sangre y vísceras que no da respiro desde el primer hasta el último segundo. Dirigida por Ron DeCaro, esta cinta de terror del 2007 te lleva a un oscuro viaje hacia la locura y el canibalismo. Con una trama que te atrapa desde el principio y no te suelta, te encontrarás al borde de tu asiento, gritando y riendo al mismo tiempo ante la brutalidad despiadada que se despliega ante tus ojos.
Esta película es pura violencia sin disculpas, una oda al gore que dejará a los fanáticos del género satisfechos y a los más sensibles escondiéndose bajo sus mantas. Si buscas un festín de horror que te golpee en las entrañas y te haga pensar dos veces antes de aventurarte en la oscuridad, “The Gateway Meat“ es justo lo que necesitas. Prepárate para una montaña rusa de emociones sangrientas que te dejará boquiabierto y deseando más, incluso cuando te sientes un poco enfermo por haber disfrutado tanto.
Este thriller de terror canadiense del 2007 lleva al espectador a un viaje escalofriante a través de la mente de un asesino en serie caníbal. Presentado en formato de falso documental, el filme sigue de cerca a un equipo de documentalistas que se aventuran en territorio oscuro mientras siguen los pasos del perturbador protagonista. A medida que la trama se desarrolla, somos testigos de imágenes gráficas y se exploran temas tabú con una crudeza inquietante, manteniendo al espectador en vilo desde el inicio hasta el impactante clímax.
Aunque “Long Pigs“ no ha alcanzado la misma notoriedad que otras películas del género, ha encontrado un lugar destacado entre los amantes del cine de terror independiente. Su enfoque único y su capacidad para sumergir al espectador en el horror más crudo lo convierten en una experiencia que desafía los límites y deja una impresión duradera. Para aquellos dispuestos a adentrarse en los rincones más oscuros de la psique humana, “Long Pigs“ ofrece un viaje inolvidable que provoca escalofríos y reflexiones incluso mucho después de que las luces de la pantalla se hayan apagado.
Esta obra nos introduce en un vertiginoso laberinto de misterio y suspense. Dirigida por Xavier Palud, la trama sigue la historia de un ex policía que, tras perder la vista en un accidente, se convierte en el testigo clave de un asesinato. Lo que sigue es un tenso juego de gato y ratón mientras nuestro protagonista lucha por desentrañar la verdad en medio de una red de engaños y conspiraciones.
Lo cautivador de esta obra radica en su habilidad para mantener al espectador en vilo desde el principio hasta el final. Palud te sumerge en la oscuridad junto con el protagonista, creando una atmósfera cargada de tensión y suspenso. A medida que la trama se desarrolla, te encuentras tratando de descifrar los giros y vueltas junto con el personaje principal, lo que te mantiene al borde de tu asiento en todo momento.
Si bien “À l“aveugle“ puede no ser perfecta y tiene sus momentos de previsibilidad, en general ofrece una experiencia emocionante y satisfactoria. Las sólidas actuaciones del elenco y la dirección hábil de Palud hacen de esta obra una opción sólida para los amantes del thriller que buscan una historia intrigante y bien ejecutada. En resumen, este emocionante viaje a través de la oscuridad dejará a los espectadores con el corazón palpitante y la mente trabajando horas extras.
Adentrarse en “O Clube dos Canibais“ es como adentrarse en un oscuro y retorcido viaje a través de los más bajos instintos humanos. Dirigida por Guto Parente, esta película brasileña del 2018 te arrastra hacia un submundo de excesos y depravación que desafía cualquier noción de moralidad convencional. Desde los primeros momentos, te sumerges en un mundo donde la carne humana es el manjar principal en un festín macabro, servido en bandeja de plata para una élite adinerada que ha perdido todo sentido de humanidad.
Lo que hace que “O Clube dos Canibais“ sea tan intrigante no es solo su premisa visceral, sino también su capacidad para adentrarse en las sombras más oscuras de la sociedad brasileña. A través de diálogos incisivos y una cinematografía que te hace sentir incómodo en tu propia piel, la película desgarra las capas de hipocresía y desigualdad, dejando al descubierto las verdades crudas y a menudo horribles que yacen debajo. Es un viaje que te hace cuestionar tus propias percepciones de bien y mal, mientras te enfrenta a la brutalidad inherente en la naturaleza humana.
Sin embargo, “O Clube dos Canibais“ no es para los débiles de corazón ni para aquellos que buscan una experiencia cinematográfica ligera. La cinta se sumerge profundamente en lo grotesco y lo perturbador, desafiando constantemente tus límites de confort y ética. A pesar de esto, para aquellos que están dispuestos a mirar más allá de la repulsión inicial, encontrarán un filme que es crudo, desafiante y, en última instancia, profundamente impactante.
“ID“, la obra del director japonés Kei Fujiwara, presenta un viaje inquietante hacia lo desconocido, aunque con resultados mixtos. La cinta explora el terror psicológico y la ciencia ficción, envolviendo al espectador en una atmósfera de inquietud desde el principio. Sin embargo, a pesar de algunos momentos impactantes y una dirección competente, la narrativa carece de cohesión, lo que dificulta la plena inmersión en la historia. Además, aunque el elenco ofrece actuaciones sólidas, la falta de desarrollo de los personajes limita el impacto emocional de la película.
A pesar de sus limitaciones, “ID“ tiene sus méritos. El filme presenta una estética visual única y algunas escenas son genuinamente inquietantes, lo que puede atraer a los fanáticos del cine de terror más oscuro. Sin embargo, su ejecución general deja mucho que desear, con una trama que se siente inconsistente y algunos tropos del género que resultan predecibles. Esta peli puede proporcionar momentos de entretenimiento para algunos espectadores, pero no logra alcanzar su máximo potencial y se queda corta en comparación con otras obras del género.
La verdad este es una de mis películas favoritas de la saga y el personaje Roy Burns es uno de mis favoritos del cine slasher.
Aquí un imitador llamado Roy Burns, al cual asesinaron a su hijo se hace pasar por el mítico Jason Voorhees asesinando a todos los adolescentes que se le crucen aunque es una nueva idea de un imitador de Jason Voorhees es la misma película genérica de asesinatos al azar, adolescentes, drogas, sexo, gente estúpida y demás.
Ademas de que aparece Tommy Jarvis, el niño que mato a Jason Voorhees en la anterior película, esta vez con traumas del pasado sobre lo que paso anteriormente.
Aunque me da risa la escena en la que pelea con el gordo ese XDD.
Muerte favorita:
El chico al que le destripan los ojos y el gordo que le quitan la cabeza.
Dirigida por Elisabeth Röhm, “Girl in the Basement“ es un thriller psicológico basado en hechos reales que te dejará sin aliento desde el primer momento hasta el impactante final. La trama sigue la escalofriante historia de una joven que es secuestrada y encerrada en el sótano de su propia casa por su propio padre, desencadenando una odisea de supervivencia en un entorno claustrofóbico y asfixiante.
Con un elenco estelar encabezado por Judd Nelson, Stefanie Scott y Joely Fisher, la película ofrece interpretaciones emocionalmente crudas que te sumergen en las complejas dinámicas familiares y los horrores del abuso doméstico. A medida que la protagonista lucha por mantener su cordura y encontrar una vía hacia la libertad, el espectador es arrastrado a un viaje lleno de suspense y tensión psicológica.
“Girl in the Basement“ no solo destaca por su trama impactante, sino también por su valiente exploración de temas oscuros y provocativos. A través de una narrativa convincente y una dirección hábil, la película arroja luz sobre la realidad aterradora del abuso y sus consecuencias devastadoras. En resumen, “Girl in the Basement“ es un thriller que no solo entretiene, sino que también despierta conciencias y deja una impresión duradera en el espectador.
Prepárate para sumergirte en un viaje emocionalmente inquietante con “Scrapbook“. Dirigida por Eric Stanze, esta película independiente te arrastra a un mundo oscuro y perturbador lleno de terror psicológico y violencia sin censura.
La trama sigue a Clara, una mujer secuestrada por un psicópata despiadado, en una narrativa que combina astutamente metraje encontrado y elementos narrativos convencionales. A través de una ejecución técnica ingeniosa, la película logra mantener una atmósfera intensamente visceral que mantendrá al espectador en vilo durante toda la proyección.
“Scrapbook“ se destaca por su enfoque crudo y sin concesiones, mostrando sin tapujos la brutalidad y depravación de la situación. Esta falta de restricciones puede resultar desafiante para algunos espectadores, pero aquellos que buscan una experiencia cinematográfica que los sacuda hasta la médula encontrarán en esta película una propuesta intrigante.
A nivel técnico, la cinematografía inmersiva y la banda sonora inquietante contribuyen significativamente a la atmósfera opresiva y claustrofóbica de la película.
En conclusión, “Scrapbook“ es una película que no dejará indiferente a su audiencia. Si bien su enfoque crudo y su ejecución técnica son impresionantes, su contenido puede resultar demasiado perturbador para algunos espectadores menos acostumbrados al género del terror extremo.
Me ha gustado mucho esta cuarta parte a modo de una “precuela“ si se quiere.
Presenta todo lo que un found footage debe de tener y que me considero fanático del genero.
Una historia bien desarrollada sin muchas complicaciones ni pretensiones que termina de explicar lo sucedido en las anteriores.
Presenta además. buenos momentos de tensión, suspenso y los clásicos jump-scares que no abusan de los mismos.
Una película que te mantiene atento y expectante de principio a fin con buenas actuaciones y una escenografía bastante lograda.
La recomiendo.
8/10
Memories of Murder (Crónica de un Asesino en Serie)
Una película de suspense e investigación policial llevada de una manera magistral y con una dirección muy inteligente. La película sabe mostrarnos una historia que cada vez se vuelve más compleja a la vez que nos muestra una dura crítica al país y al momento e incluso consigue mezclar varias escenas de humor sin perder el pulso de la historia.
La historia tiene un planteamiento muy “a la americana“, donde unos policías de zona rural descubren una serie de mujeres violadas y asesinadas y deberán investigar el caso junto a un policía de la capital que viene de apoyo. El problema que surge es que los policías rurales tienen unos métodos bastante anticuados y son un poco patosos (hay escenas que son puro oro como la del poli comprando a una vidente una poción para resolver el caso)
Es puro cine negro, o thriller de investigación, con toques de comedia y drama en una mezcla que, admito, me resultó extraña durante los primeros 40 minutos, pero después me atrapó.
Durante toda la película subyace la crítica hacia la represión y las torturas policiales de la época en Corea, así como los falsos culpables que confiesan solamente para que los dejen en paz. A nivel de crítica social la película está plagada de detalles.
La parte final me parece que está cargada de emociones y detalles entre los 3 personajes, es un homenaje al buen cine. El señor Bong Joon-Ho es un auténtico directorazo de cine, hasta ahora todo lo que he visto de él es impresionante tanto a nivel dirección como a nivel de guiones, y consigue que sus personajes evolucionen de forma orgánica y real a lo largo de la película (algo bastante complicado)
Una cinta slasher muy infravalorada que podría facilmente competir con los slashers mas famosos, la película es muy buena totalmente recomendada la única falla que le encuentro es que el diseño del asesino es muy poco llamativo y simple pero tiene muertes y persecuciones muy entretenidas, la música esta genial totalmente es la era disco y le da un toque muy cool, Jamie Lee Curtis brilla aun mas aqui que en Halloween
La película es entretenida pero tiene muchas fallas en algunas tomas de cámara y audio, y también exagera mucho en desnudos forzados, el diseño del slasher aunque no es muy llamativo me agrada es como una mescla entre Michael Myers y el asesino de Noche de Graduación Sangrienta. las muertes son un poco flojas pero decentes.
Otra película bajo la dirección de brian yuzna basada en la novela homónima del escritor matthew j castello , es una historia que involucra a una secta del pasado y un líder demoniaco que resurge para hacer valer una maldición , una ciudad cubierta por el agua , monstruos con brazos alargados y manos grandes , demonios descarnados , una especie de moho peligroso y un festín de sexo y locura al final , son algunas de las cosas que vemos durante el film además de la pareja protagonista que trata de evitar a toda costa una profecía que amenaza con inundar todo un pueblo , un argumento común , con efectos tanto buenos ( las caracterizaciones de los demonios) así como otros que rayan en lo cutre y con un desenlace que decepcionará a más de uno
TANO
5
Astonishing Tales of Terror: Rocktapussy!
Una mezcla de muchas cosas en una sola película, que sin ser una maravilla, al menos logra entretener un rato. Parece la típica película mala de The Asylum/Syfy, aunque con un poquitín más de presupuesto.Tenemos actores reguleros, un monstruo-pulpo gigante, una especie de bichos que se adhieren a la espalda de la gente y los controla mentalmente, una profecía antigua... si lo piensas mucho, no tiene mucho sentido, es mejor disfrutarla sin pensar mucho en ello, y hala.
Lo que más me ha llamado la atención de la película es su protagonista, y viéndola me he dado cuenta de lo mucho que ha cambiado el cine de un tiempo a esta parte, pues esta mujer es la definición de “voluptuosa“, y joder, hacía mucho que no veía a una protagonista así. Muy curioso y una lástima, parece que hoy día una mujer no puede tener un cuerpo supersexy y ser famosa en el cine no-porno...
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