Icónico film de licántropos dirigido por Joe Dante (“Gremlins”, 1984).
Karen White, una popular presentadora de televisión, acepta colaborar con la policía para atrapar a un asesino en serie y acosador que la ha acechado. Para superar la traumática experiencia, sigue el consejo de su psicólogo para retirarse en una comunidad rural.
A fines de los 70, Steven Lane, propietario de una cadena de cines convertido en productor y ávido lector de terror, especialmente de Stephen King, buscó hacerse con los derechos de la novela “The Howling” (1977) de Gary Brandner, que el propio King había publicitado. Los derechos los tenía en ese momento Warner Bros., sin embargo, en dos años el gigante cinematográfico no había generado ni aceptado ningún proyecto para realizar una adaptación, por lo que terminó vendiéndoselos director y productor Jack Conrad (“Country Blue”, 1973). Lane se asociaría con Conrad, quien escribiría un primer borrador, y amarraría un acuerdo con la distribuidora Avco Embassy Pictures. Con todo, el guión de Conrad y el subsiguiente escrito por Terence H. Winkless (“The Nest”, 1988), que se acercaban bastante a la novela, no terminaban de convencer y la entrada de Joe Dante al proyecto por influencia de Roger Corman, llevaría a que finalmente el nuevo director contratara a John Sayles (“Alligator”, 1980), para reescribir completamente el borrador. Sayles ya había trabajado con Dante en “Piranha” (1978) e incorporaría el mismo tono satírico y autoconsciente que en dicho, alejándose completamente del original de Brandner. Sin embargo, Winkless recibiría igual crédito de coguionista junto con Sayles.
Lo cierto es que el guión terminó volviéndose bastante más casual de lo que proponía la novela, lo que puede resultar natural en su adaptación y se tiene en cuenta el contexto del cine de terror estadounidense con el slasher en el zenit de su popularidad, pero dejando la sensación que había suficiente pasta como para explorar campos narrativos más terroríficos y psicológicos. De hecho, el film parte de la premisa de la traumática experiencia de una reportera de televisión que es acosada por un maniático sexual y asesino en serie y utilizada como cebo por la policía para capturarlo. El prólogo tiene cierto aire sucio y perturbador (no es de extrañar que el director de arte sea Robert A. Burns, quien trabajó en “The Texas Chainsaw Massacre”, 1974), en especial en la secuencia en que Eddie Quist cita y obliga a Karen en un cine y la obliga a ver una película pornográfica en la que violan a una chica. Dicha secuencia, al margen que nos entregan las primeras pistas de que se tratará la trama cuando Karen ve algo espantoso que nosotros no vemos, pero que podemos suponer, lamentablemente dejará de lado este aire perturbador que sugiere al inicio para terminar volviendo bastante más casual de lo que espera el espectador.
Lamentablemente, el guión se olvida de ofrecer una estructura sólida de sus personajes, incluyendo a los protagonistas Karen White y Eddie Quist. La verdad es que es una lástima porque los actores que los interpretan, Dee Wallace-Stone (“The Hills Have Eyes”, 1977) y Robert Picardo (“976-Evil”, 1988), son los únicos que realmente destacan. Sin ofrecer interpretaciones dignas de premiación, tanto Wallace-Stone como Picardo, quien debuta por cierto en este film, retratan correctamente a sus personajes, ella a una mujer que cuando cree haber terminado por pasar por un infierno se encuentra con que hay algo peor por delante y él, si bien aparece poco, como un convincente y depravado sujeto que irradia lasciva por toneladas. El resto de los personajes no generan mayor interés, aunque todos cumplen ajustadamente con su misión, desde el Dr. Waggner, psicólogo que trata a Karen en su experiencia traumática, pasando por el pétreo esposo de Karen, Bill, que cae en las garras de la tentación, hasta la ninfómana Marsha que adoptara mayor protagonismo conforme avance la trama. A decir verdad, el personaje de Marsha podría haber tenido un mejor desarrollo sobre todo por el rol que terminará desempeñando más adelante. Terry y Chris asumirán la misión de investigar que hay detrás de la Colonia, el lugar en donde Karen debería recuperarse y, por tanto, ayudan a explicar el fenómeno licántropo de la trama.
El tono ambiguo de “The Howling” (1981) ciertamente ha sido debate entre los críticos, principalmente por la cantidad de géneros que pretende abordar, entre ellos, el terror, la comedia, el misterio, el suspense y el drama. Muchos creen ver en ella un tono marcado de comedia, opinión de la que discrepo, a menos que se trate de una cuestión de autoconciencia o algo involuntario, sobre todo porque hay momentos en que la película sí se toma en serio, como al inicio, por ejemplo. Lo cierto es que no estamos ante una película realmente de terror ni mucho menos una comedia, predominando elementos dramáticos que a Dante en realidad no le importa desarrollar en pos de su atmósfera y sus efectos especiales, de los cuales ya hablaré. Insisto, si Dante hubiese llevado a “The Howling” (1981) por el sendero que sugiere en el prólogo estaríamos frente a un producto de serie B ciertamente, pero con un mayor e interesante tratamiento psicológico sobre el acoso y la psique perturbada, además de todas las metáforas asociadas a la licantropía como la bestialidad, la lujuria e incluso conceptos como la comunidad y la relación entre grupos sociales.
Probablemente el mayor punto a favor de la película son sus efectos especiales prácticos, que resultan realmente eficientes e interesantes, si bien no han envejecido del todo bien. Dante había convocado al legendario diseñador y artista de efectos especiales Rick Baker (“Videodrome”, 1983) y su equipo, sin embargo, abandonaría el proyecto para trabajar en “An American Werewolf in London” (1981) de John Landis, que se estaba filmando casi simultáneamente con “The Howling” (1981). Baker dejó a cargo a su pupilo Rob Bottin, quien ya había trabajado para Dante en “Piranha” (1978). Si bien no superó ni envejeció tan bien como los efectos del clásico de Landis, Bottin realizó un destacable trabajo con el presupuesto que disponía, siendo la secuencia más recordada del film la transformación de Quist que involucró vejigas de aire bajo aplicaciones faciales de látex para dar la ilusión de la transformación en hombre lobo, en primer plano. También es importante destacar que no sólo se empleó efectos especiales prácticos, sino que se incluyó stop-motion a cargo de David W. Allen como en la secuencia en que Bill y Marsha tienen sexo licántropo y títeres de considerable tamaño para dar al hombre lobo una apariencia bastante lograda en su esencia canina.
Como se haría una costumbre, Dante incluyó una serie de referencias e íconos de terror en “The Howling” (1981). Por ejemplo, varios personajes llevan nombres de directores de películas con hombres lobo, como George Waggner (“The Wolf Man”, 1941), Roy William Neill (“Frankenstein meets the Wolf Man”, 1943), Terence Fisher (“The Curse of the Werewolf”, 1961), Freddie Francis (“Legend of the Werewolf”, 1975), Erle C. Kenton (“House of Frankenstein”, 1944), Sam Newfield (“The Mad Monster”, 1942), Charles Barton (“Bud Abbott and Lou Costello Meet Frankenstein”, 1948), Jerry Warren (“Face of the Screaming Werewolf”, 1964), Lew Landers (“The Return of the Vampire”, 1943) y Jacinto Molina (Saga “Waldemar Daninsky”, 1968-2004). Otras referencias son un retrato de Lon Chaney Jr, la caricatura
“Little Boy Blue“ (1936) de Ub Iwerks, en donde aparece un lobo feroz y la mención del disc jockey y comediante Robert Weston Smith (1938-1995) alias Wolfman Jack.
“The Howling” (1981) cuenta con actuaciones bastante discretas, al margen de Dee Wallace-Stone y Robert Picardo. También, encontramos en el reparto a Patrick Macnee (Serie “The Avengers”, 1961-1969) como Dr. George Waggner, Dennis Dugan (“Happy Gilmore”, 1996) como Chris Hallorann, Christopher Stone 8”Cujo”, 1983) como Bill Neill, Belinda Balaski (“Gremlins”, 1984) como Terry Fisher, Kevin McCarthy (“Invasion of the Body Snatchers”, 1956) como Fred Francis, John Carradine (“House of Dracula”, 1945) como Erle Kenton, Slim Pickens (“Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb”, 1964) como Sam Newfield, Elizabeth Brooks (“Deep Space”, 1988) como Marsha Quist, Dick Miller (“A Bucket of Blood”, 1959) como el librero Walter Paisley, entre otros. El director de arte Robert A. Burns (“The Texas Chainsaw Massacre”, 1974), el productor y director Roger Corman, el director Jonathan Kaplan, el guionista John Sayles y el escritor Forrest J. Ackerman hicieron cameos en el film.
Pino Donaggio (“Trauma”, 1993) fue el encargado de componer la música. Para ello, presentó una partitura con melodías clásicas de terror orquestal y sonidos minimalistas de sintetizador.
Con un presupuesto de US$1.5 millones, “The Howling” (1981) fue estrenada el 13 de marzo de ese año en cines de Nueva York, Philadelphia y Washignton D.C. Recaudaría más US$17,5 millones, lo que la convertirían en una película muy rentable, permitiéndoles a Joe Dante y al productor Michael Finnell poder financiar la producción de “Gremlins” (1984) con Steven Spielberg.
Por cierto, resulta inevitable destacar que ese año se terminarían estrenando tres películas de temática licantrópica, además de “The Howling” (1981) de Joe Dante, me refiero a “Wolfen” (1981) de Michael Wadleigh y “An American Werewolf in London” (1981) de John Landis. Las comparaciones siempre son odiosas, sabemos, sin embargo, el consenso es que el film de Landis es el de mejor factura gracias a los impresionantes efectos especiales de Rick Baker, que lo llevarían a ganar el primer Óscar a los Mejores Efectos Especiales. Otra curiosidad es que la película de Landis se filmó antes que las otras dos películas, pero se estrenó después de estas, por su etapa de post-producción.
“The Howling” (1981) daría pie para una franquicia que hasta la fecha cuenta con siete secuelas, cuál de ellas peor y desvergonzada que la anterior: “Howling II: Your Sister Is a Werewolf” (1985) y “Howling III” (1987) de Philippe Mora, “Howling IV: The Original Nightmare” (1988) de John Hough, “Howling V: The Rebirth” (1989) de Neal Sundstrom, “Howling VI: The Freaks” (1991) de Hope Perello, “The Howling: New Moon Rises” (1995) de Clive Turner y “The Howling: Reborn” (2011) de Joe Nimziki. En mayo de 2015 y en 2020 hubo rumores de que se llevaría un reboot de la franquicia y que incluso estaría involucrado Andrés Muschietti (“Stephen King’s It”, 2017-2019) y Netflix, pero nada se concretó. Finalmente, en 2017 Space Goat Productions comenzó a publicar una serie de comics titulada “The Howling: Revenge of the Werewolf Queen”, que funciona como una secuela directa de la película original y que ignora las secuelas cinematográficas.
En resumen, una emblemática y funcional película de licantropía, que pudo haber tenido un mejor tratamiento por las cuestiones narrativas que insinúa, pero que cumple esencialmente por sus efectos especiales.
Una especie de mezcla de la historia de Dracula, pero un poco a la americana, con el señor Eddie Murphy haciendo del conde de turno, que básicamente está en la gran ciudad, buscando novia.
Claramente es una comedia de terror de vampiros, con algunos maquillajes y efectos que no estaban mal para su época, pero con una historia que no hay forma de tomarse en serio, y que no termina de enganchar.
Se deja ver, tiene su aquel, pero tampoco es nada del otro mundo.
Película extraña, contestataria, original y de vanguardia para su año de estreno sobre todo al poder ver videos gore más reales en cualquier sitio de internet de desmembramientos.
De todas formas me gustó este “documental“ el cual pone en juego, entre otras cosas, la fragilidad emocional y física del ser humano.
Recomendable!
Buena película que cumple con mantener el interés hasta el último minuto, aunque los más experimentados de seguro adivinaron de que va todo.
Pero, básicamente es una mínimalista metafora de uno de los grandes problemas de la humanidad.
La trama sigue a un grupo de personas hace 45.000 años atrás, que llegan a una playa buscando una mejor tierra para vivir, desgraciadamente “algo“ los asecha y comienzan las muertes.
Tiene un giro clave, que se puede preveer, pero a partir de ahí la película toma otro giro, más antropológico y llega a la verdadera esencia de la historia.
No soy fan de Alex Garland de hecho ninguna de sus películas anteriores me gustó pero con esta se la jugo toda y lo consiguió, una película distopica que no está lejos de una realidad la verdad, filmada con pulso con una sonido envolvente ( recomiendo verla en imax) y unas actuaciones sublimes destacando a Kirsten Dunst y a Jesse Plemons aunque este sale unos cuantos minutos pero te pone la piel de gallina.
Tiene violencia, acción de hecho toda la parte tiene una acción increíble, momentos de suspenso y a pesar que hay momentos algo calmados igual siempre hay una sensación atemorizante cosa que hace tiempo no sentía en una película.
La bso quizás por momentos no fue la adecuada aun así se salva y yo la recomiendo ver lo más rápido posible porque para mi ya esta en la lista de lo mejor del año.
El Vampiro de la Abadia (El Caso del Vampiro de Whitechapel)
Muy buena película y Sherlock Holmes siempre genial. Me gustó mucho la interpretación de Matt Frewer, tiene un aire a Peter Cushing que para mí es el mejor Holmes de todos, entretenida , sin muchos efectos especiales, ni adelantos modernos, pero a mi gusto interesante, la recomiendo porque , mantiene al espectador en la trama con el interés de principio a fin, mezcla lo policial, lo divino y lo demoníaco .
Toshiyuki Kajiyama fue capaz de tocar todos los géneros y estilos habidos y por haber y nadie podría advertir este camaleónico poder; y entre sus novelas de fantasía, suspense, drama épico y cuentos infantiles destaca una curiosa saga formada por historias que tienen lugar en el extranjero, principalmente en EE.UU., donde viajaba con regularidad.
Sin embargo sólo “Capone Oi ni Naku“, publicada en 1.971, ha sido llevada a la gran pantalla; gracias a Dios no pudo ver el resultado, ya que falleció una década antes.
De esta adaptación se encargaría el entonces joven productor de Shochiku, luego cineasta, Kazuyoshi Okuyama, y decidió que fuera a parar a Seijun Suzuki, quien trabajó para la compañía unos años antes en “Hishu Monogatari“, su regreso a la industria tras tanto tiempo de silencio y también, por desgracia, un fiasco considerable de taquilla. Pero a mitad de los “80, como había ganado una renovada popularidad gracias a sus bellas obras de fantasía y romance situadas en la era Taisho, parecía una buena oportunidad para volver a intentar otra colaboración. Y ahí estuvo el error: que lo parecía, pero nada más...
Un divertido prólogo protagonizado por Jun y Kozome recuerda a las obras previas de la era Taisho, con esos enredos divertidos entre matrimonios, fascinación por las mujeres y toques eróticos y delirantes en un bello ambiente rural, pero aquí surge un problema: nada de lo que vemos está relacionado con la obra de Kajiyama, todo es una invención de Takeo Kimura, director artístico y viejo amigo de Suzuki, que ejerce de guionista. Aunque el periodo de la historia, inicios de la era Showa, se mantenga, ambos parecen querer seguir la línea de “Zigeunerweisen“ y “Kagero-za“.
Pero la atmósfera se quiebra cuando la joven pareja decide fugarse a los EE.UU., y aunque sería algo increíble ver filmar al director en terreno norteamericano nunca sucederá, porque el 70% de escenarios se componen de decorados un tanto cutres (curioso, hablamos de Shochiku). Ahora empieza el libro, presentando a su protagonista real, Tetsugoro, interpretado por Kenji Sawada; el segundo problema es que el guión relega a este gran personaje (un japonés que intenta medrar en un país extranjero subyugado por la prohibición de alcohol y la proliferación de gángsters) a una especie de secundario que aparece y desaparece sin que sepamos muy bien cómo.
Kimura y Suzuki quieren enfocar la historia desde la mirada de Jun, que sueña con ser un artista del canto tradicional naniwa-bushi, y Kozome, una atrevida mujer a la que no le quedará más remedio que dedicarse a la prostitución. En esta época también prolifera el sentimiento anti-asiático, así que ninguno de los dos experimentará eso que llaman el “Sueño Americano“; así la pareja, lanzada a una serie de miserables sucesos en muy poco tiempo, guarda más relación con las del cine de Shohei Imamura. La película en sí tiene un sentimiento bastante “imamuriano“ por lo caótico de la estructura narrativa y por lo desagradable del tono y los protagonistas.
Se supone que deberíamos simpatizar con la pareja, pero Kenichi Hagiwara sólo da vueltas de aquí para allá cantando como un imbécil y sin querer encajar en ningún sitio, ni entre americanos ni entre compatriotas asiáticos, y Yuko Tanaka se convierte en una mujer pérfida y repugnante que nada tenía que ver con su versión del prólogo. Cambian para mal y uno no puede sentir compasión por ellos...la verdad es que sentir algo por algún personaje es imposible cuando lo que hacen y dicen no lleva a ninguna parte, y el argumento, si existe, se pierde entre situaciones estúpidas, momentos surrealistas, instantes trágicos sin mayor repercusión y baños de sangre gratuitos entre gángsters italoamericanos, chinos y nipones.
Cuando Yoshida, dueño del burdel, es borrado del mapa, Tetsugoro y Kozome ganan más protagonismo, pero Jun no se encuentra en el mismo plano de realidad. Es más, inicia una relación con una chica americana; al parecer aquí todo el mundo va por donde quiere y sus interacciones son extrañas e incomprensibles. En las obras de la era Taisho los personajes estaban unidos en grandes aventuras metafísicas y amorosas, además de presentar un atmósfera rica en imaginación, poética, deliciosamente abstracta, ligada a las artes del teatro o la música.
Esta prostituida adaptación es un completo vacío, los actos de los protagonistas no sirven para nada, los encuentros entre unos y otros, incluyendo un Al Capone interpretado por un actor sin talento que lo convierte en autista, son desechables. Pero la peor decisión es quitar de enmedio, cuando aún queda un tramo muy largo de metraje, a Kozome; Suzuki mete una escena tras otra, con mucho colorido y ansia por sorprender, pero el nivel de desconexión al que ha llegado el film consigo mismo es tan enorme que no le queda otra opción al espectador que desconectarse también.
Es difícil saber por qué Suzuki y Kimura usaron tal cantidad de pésimas ideas si delante tenían el entretenido texto de Kajiyama; el resultado, para mala suerte de Shochiku, fue otro golpe insalvable en la taquilla. El único instante que pude disfrutar fue la interpretación de Hagiwara acompañado de los artistas callejeros, algo que jamás había visto: música tradicional japonesa a ritmo de “jazz“...
Mr. Cage hace el mismo papel de siempre, esta vez, de padre de 2 jóvenes, en un mundo post apocalíptico destruido por criaturas llegadas quizás de dónde, cuyo fiero ataque tiene a la población diezmada.
Como siempre, deberemos esperar hasta al final para poder ver el ataque de esas criaturas en su totalidad , cuyas mandíbulas batientes son lo mejor de su particular diseño. El director dijo en una entrevista que se basó en Goofy de Disney para crearlas y eso es notorio. Cuando atacan en grupo, roza lo ridículo.
La trama profundiza en los jóvenes y sus hormonas en este mundo devastado, Mr. Cage no es el centro de la historia.
Para mi lo peor ha sido ese camarografo con parkinson que cuando más quieres ver, menos te muestra, al punto de que los monstruos casi que los ves de casualidad en algún momento que la cámara apunta hacia donde tiene que apuntar, y mira que me gusta la cámara en mano, pero aquí queda fatal.
Realmente no es una muy buena película... pero me gustó la idea detrás de ella... y los realizadores hicieron que se viera bastante bien considerando el pequeño presupuesto con el que tuvieron que trabajar. La película es aparentemente un “episodio“ de un reality show japonés en vivo que envía a varios concursantes a una “zona de peligro“ cerrada y envía a tres tipos disfrazados para matarlos. El superviviente, si lo hay, gana fama y fortuna... todos los demás acaban muertos. El principal inconveniente de esta película es que las actuaciones son bastante malas. Ninguna de las personas “reales“ parece real en absoluto. Los actores que interpretan a los asesinos son bastante divertidos... porque retratan caricaturas cursis y exageradas de tipos populares de películas de terror modernas... y así es exactamente como se harían si se tratara de un espectáculo real. La película pretende estar hecha toda en una sola toma... hay un camarógrafo que sigue a los concursantes por la “zona de peligro“ y todo se ve desde el punto de vista de su cámara... pero las luces siguen parpadeando. constantemente (para ocultar los “cortes“ de una toma a otra, me imagino).
Esperpéntica de principio a fin, es decir, bastante representativa del volkgeist español. Espada del Coso, que quería ser torero y tiene una capacidad para la retórica digna del mejor Rajoy, es un personaje genuino, orgulloso y terco e incapaz de reconocer su tristeza o su necesidad de reconocimiento. Viendo las decisiones formales de García del Val (los títulos, la música, Espada hablando junto a trozos de cabeza o ese travelling en que corre por la calle con la luz del sol convirtiéndolo todo en fulgor nuclear, mas cercano a la boutade que a la vanguardia) no cabe duda de que están hechos el uno para el otro. Me alegro bastante de que se encontraran y se inmortalizaran (dentro de lo que cabe) con esta obra. Como este país en si mismo, esto es una cosa que eso no se puede explicar, esto hay que vivirlo.
Agradable en general, una muestra bastante peculiar de un concepto ocultando una critica social al mismo tiempo , realzando todo este mundo culinario que unos adoran y otros aborrecen.
Quizás como esta película en si, no está en medio de nada, puntuada o muy alto o por contra muy bajo, así que soy yo que en mi humilde opinión la situaré a la mitad, al bien o a lo correcto.
Sus protagonistas, exceptuando algún secundario, cumplen bien, atención esp3ecial al chef y a su protagonista, una chica que intentará descubrir que se esconde detrás de todo ese misterio casi místico que envuelve a la cinta.
Quizás de más a menos y su ritmo irregular y algún otro elemento introductorio consiguen derivar un poco la propuesta, aún así salvado por su final, también todo un concepto.
Película setentera con unos efectos acordes a esa época y unos escenarios decentes para la historia de terror que nos ofrece en la cual un grupo de turistas después de un percance en la carretera , terminan pidiendo albergue en un lujoso castillo , desde su llegada empiezan a experimentar varios sucesos raros hasta que llega una mujer atractiva a complementar la velada , en un desarrollo que muestra escenas eroticas , bellas mujeres y una érica blanc interpretando a un súcubo que busca algunas víctimas, una historia por demás sencilla pero resulta aceptable si consideramos que el film ya tiene sus años
La recuerdo con cariño, la vi después de la película con Franco Nero y superó mis expectativas... o no, yo simplemente era un niño y era al público al cual la productora apuntaba, Me gustó muchísimo, la recuerdo completa,,, y con los años le encontré muchas fallas en la historia y como siempre digo, me quedo con la primera impresión, hoy seguro la veo y me daría risa, incluso vergüenza ajena, quizás no la soporte.
Una noche en Ontario Canadá en un barrio Pacífico ocurrió lo inimaginable una pareja de origen vietnamita ha sido brutalmente atacada por unos tipos y su hija Jennifer alcanza a llamar a emergencias reportando el hecho pero todo bien con esta historia??
Es una pelicula documental donde te deja ver hasta donde puede llegar una persona por capricho o locura en el caso de esta tipa que poco a poco con sus declaraciones va cayendo en picada, la película muestra una serie de grabaciones, entrevistas, observaciones y la policía que está ahí hasta llegar a la verdad.
Aquí sirve la frase cría cuervos y te sacaran los ojos... Al final todo se descubre sin duda un buen documental de este caso que puso en hilo al tranquilo pueblo en Canadá.
Del mismo director de las placas de breslavia aquí se adentra al oscuro mundo de la pedofilia, la perdida de la inocencia y el tráfico de menores ambientada entre Polonia y Ucrania sigue de un detective qué está en buscada de unas niñas que se han llevado en especial de una chica llamada Ola que su mamá está desesperada por encontrarla.
A mi la película la primera hora me parece una maravilla lastima que después de eso se desvío y termino cayendo en cosas absurdas por ejemplo el protagonista se está volviendo pedofilo en esa escena del túnel completamente innecesario ese cambio pero destacó la escena donde el ingresa a la secta y ve todo ese tipo de perversiones y niños muertos nada alejado de la realidad que se vive hoy en día.
Luego la parte de Ola donde es vendido al tipo allá por el oriente tampoco me gustó ni todo lo que eso conlleva pero si me gustó que el protagonista termine su trabajo vengandose de toda esa gente de la secta eso si estuvo genial.
En lo personal me gustó pero le hubiese puesto más nota si no hubiese tomado ciertos rumbos qué entorpecieron algo la historia aún así es una película que deben ver para que sigan adentrandose en el peligroso mundo de las fuerzas oscuras que aquí lo muestran detallado.
Como suele ocurrir en el cine de este director la película plantea situaciones bizarras pero siempre con un toque psicológico. En este caso explora la idea de las manifestaciones físicas de los sentimientos negativos como el odio. La película se desarrolla casi como una mezcla entre drama y slasher hasta que desencadene en una parte final donde Cronenberg desarrolla su particular “body horror“.
Puede haber algún SPOILER.
Pese a lo interesante del planteamiento debo reconocer que no es de las que más me han gustado de este director, en parte porque ha envejecido bastante mal y también porque la primera mitad de película es un tostón. Los niños amorfos, que es el elemento terrorífico del film, a mi me hacen gracia, me dan cierto asco-pena y en mi opinión el maquillaje es muy malo, se nota demasiado la máscara (y en estos años ya había maquillajes mucho mejores)
Me resulta curiosa, como gran parte de lo que hace este director, ahora bien, no es de lo mejor de la filmografía de este director ni de lejos.
Película de brujas y posesiones tailandesa , con todo lo que conlleva eso... Altares en medio del campo, brujas desgreñadas, y posesiones demoníacas a chicas jóvenes.
Ésta es de esas películas que no inventa nada, e incluso lo que ya está inventado, no le da ningún giro interesante, sólo repite lo mil veces visto una vez más.
En algún momento se vuelve interesante por sus paisajes y locaciones montañosas y selváticas y esa bruja de cabeza inclinada, rondando por la casa , pero en su segunda hora comienza la avalancha de clichés que la termina de aniquilar por completo.
Sin embargo, el cine thai tiene ese “no se qué“, que lo hace atractivo y evita siempre que películas malas, sean un completo desastre.
Un thriller protagonizado por keanu reeves y rachel weisz interpretando a dos científicos que son parte de un gran proyecto hasta que todo se sale de control y terminan siendo inculpados por un crimen , así que básicamente el desarrollo es una serie de persecuciones en donde los protagonistas huyen constantemente de la policía para buscar respuestas y aclarar su inocencia, también aparece morgan freeman pero ni así logra entretener la trama ya que no hay mucha variedad y las escenas de escape termina siendo lo mejor
Me convenció este thriller, poco a poco se toma su ritmo y una vez que avanza la trama la acción no para hasta el final, tiene buenas dosis de violencia, suspenso y tensión, además las actuaciones de Russell Crowe y la protagonista sobresalen.
Así que recomendada para los que somos amantes de los Thrillers.
Pésima película sumamente aburrida. Ya de por sí no me divierten las comedias de los cuarenta; las veo ingenuas y con cero gracia y no es que no me gustan los films de aquellas décadas ya que el llamado cine negro es de mis géneros favoritos.
La terminé de ver simplemente porque me vi las anteriores siete entregas de Frankenstein y si bien algunas son mejores y otras son peores ninguna es tan mala como ésta.
No la recomiendo!
mahotsukai
8
Aullidos
Icónico film de licántropos dirigido por Joe Dante (“Gremlins”, 1984).Karen White, una popular presentadora de televisión, acepta colaborar con la policía para atrapar a un asesino en serie y acosador que la ha acechado. Para superar la traumática experiencia, sigue el consejo de su psicólogo para retirarse en una comunidad rural.
A fines de los 70, Steven Lane, propietario de una cadena de cines convertido en productor y ávido lector de terror, especialmente de Stephen King, buscó hacerse con los derechos de la novela “The Howling” (1977) de Gary Brandner, que el propio King había publicitado. Los derechos los tenía en ese momento Warner Bros., sin embargo, en dos años el gigante cinematográfico no había generado ni aceptado ningún proyecto para realizar una adaptación, por lo que terminó vendiéndoselos director y productor Jack Conrad (“Country Blue”, 1973). Lane se asociaría con Conrad, quien escribiría un primer borrador, y amarraría un acuerdo con la distribuidora Avco Embassy Pictures. Con todo, el guión de Conrad y el subsiguiente escrito por Terence H. Winkless (“The Nest”, 1988), que se acercaban bastante a la novela, no terminaban de convencer y la entrada de Joe Dante al proyecto por influencia de Roger Corman, llevaría a que finalmente el nuevo director contratara a John Sayles (“Alligator”, 1980), para reescribir completamente el borrador. Sayles ya había trabajado con Dante en “Piranha” (1978) e incorporaría el mismo tono satírico y autoconsciente que en dicho, alejándose completamente del original de Brandner. Sin embargo, Winkless recibiría igual crédito de coguionista junto con Sayles.
Lo cierto es que el guión terminó volviéndose bastante más casual de lo que proponía la novela, lo que puede resultar natural en su adaptación y se tiene en cuenta el contexto del cine de terror estadounidense con el slasher en el zenit de su popularidad, pero dejando la sensación que había suficiente pasta como para explorar campos narrativos más terroríficos y psicológicos. De hecho, el film parte de la premisa de la traumática experiencia de una reportera de televisión que es acosada por un maniático sexual y asesino en serie y utilizada como cebo por la policía para capturarlo. El prólogo tiene cierto aire sucio y perturbador (no es de extrañar que el director de arte sea Robert A. Burns, quien trabajó en “The Texas Chainsaw Massacre”, 1974), en especial en la secuencia en que Eddie Quist cita y obliga a Karen en un cine y la obliga a ver una película pornográfica en la que violan a una chica. Dicha secuencia, al margen que nos entregan las primeras pistas de que se tratará la trama cuando Karen ve algo espantoso que nosotros no vemos, pero que podemos suponer, lamentablemente dejará de lado este aire perturbador que sugiere al inicio para terminar volviendo bastante más casual de lo que espera el espectador.
Lamentablemente, el guión se olvida de ofrecer una estructura sólida de sus personajes, incluyendo a los protagonistas Karen White y Eddie Quist. La verdad es que es una lástima porque los actores que los interpretan, Dee Wallace-Stone (“The Hills Have Eyes”, 1977) y Robert Picardo (“976-Evil”, 1988), son los únicos que realmente destacan. Sin ofrecer interpretaciones dignas de premiación, tanto Wallace-Stone como Picardo, quien debuta por cierto en este film, retratan correctamente a sus personajes, ella a una mujer que cuando cree haber terminado por pasar por un infierno se encuentra con que hay algo peor por delante y él, si bien aparece poco, como un convincente y depravado sujeto que irradia lasciva por toneladas. El resto de los personajes no generan mayor interés, aunque todos cumplen ajustadamente con su misión, desde el Dr. Waggner, psicólogo que trata a Karen en su experiencia traumática, pasando por el pétreo esposo de Karen, Bill, que cae en las garras de la tentación, hasta la ninfómana Marsha que adoptara mayor protagonismo conforme avance la trama. A decir verdad, el personaje de Marsha podría haber tenido un mejor desarrollo sobre todo por el rol que terminará desempeñando más adelante. Terry y Chris asumirán la misión de investigar que hay detrás de la Colonia, el lugar en donde Karen debería recuperarse y, por tanto, ayudan a explicar el fenómeno licántropo de la trama.
El tono ambiguo de “The Howling” (1981) ciertamente ha sido debate entre los críticos, principalmente por la cantidad de géneros que pretende abordar, entre ellos, el terror, la comedia, el misterio, el suspense y el drama. Muchos creen ver en ella un tono marcado de comedia, opinión de la que discrepo, a menos que se trate de una cuestión de autoconciencia o algo involuntario, sobre todo porque hay momentos en que la película sí se toma en serio, como al inicio, por ejemplo. Lo cierto es que no estamos ante una película realmente de terror ni mucho menos una comedia, predominando elementos dramáticos que a Dante en realidad no le importa desarrollar en pos de su atmósfera y sus efectos especiales, de los cuales ya hablaré. Insisto, si Dante hubiese llevado a “The Howling” (1981) por el sendero que sugiere en el prólogo estaríamos frente a un producto de serie B ciertamente, pero con un mayor e interesante tratamiento psicológico sobre el acoso y la psique perturbada, además de todas las metáforas asociadas a la licantropía como la bestialidad, la lujuria e incluso conceptos como la comunidad y la relación entre grupos sociales.
Probablemente el mayor punto a favor de la película son sus efectos especiales prácticos, que resultan realmente eficientes e interesantes, si bien no han envejecido del todo bien. Dante había convocado al legendario diseñador y artista de efectos especiales Rick Baker (“Videodrome”, 1983) y su equipo, sin embargo, abandonaría el proyecto para trabajar en “An American Werewolf in London” (1981) de John Landis, que se estaba filmando casi simultáneamente con “The Howling” (1981). Baker dejó a cargo a su pupilo Rob Bottin, quien ya había trabajado para Dante en “Piranha” (1978). Si bien no superó ni envejeció tan bien como los efectos del clásico de Landis, Bottin realizó un destacable trabajo con el presupuesto que disponía, siendo la secuencia más recordada del film la transformación de Quist que involucró vejigas de aire bajo aplicaciones faciales de látex para dar la ilusión de la transformación en hombre lobo, en primer plano. También es importante destacar que no sólo se empleó efectos especiales prácticos, sino que se incluyó stop-motion a cargo de David W. Allen como en la secuencia en que Bill y Marsha tienen sexo licántropo y títeres de considerable tamaño para dar al hombre lobo una apariencia bastante lograda en su esencia canina.
Como se haría una costumbre, Dante incluyó una serie de referencias e íconos de terror en “The Howling” (1981). Por ejemplo, varios personajes llevan nombres de directores de películas con hombres lobo, como George Waggner (“The Wolf Man”, 1941), Roy William Neill (“Frankenstein meets the Wolf Man”, 1943), Terence Fisher (“The Curse of the Werewolf”, 1961), Freddie Francis (“Legend of the Werewolf”, 1975), Erle C. Kenton (“House of Frankenstein”, 1944), Sam Newfield (“The Mad Monster”, 1942), Charles Barton (“Bud Abbott and Lou Costello Meet Frankenstein”, 1948), Jerry Warren (“Face of the Screaming Werewolf”, 1964), Lew Landers (“The Return of the Vampire”, 1943) y Jacinto Molina (Saga “Waldemar Daninsky”, 1968-2004). Otras referencias son un retrato de Lon Chaney Jr, la caricatura
“Little Boy Blue“ (1936) de Ub Iwerks, en donde aparece un lobo feroz y la mención del disc jockey y comediante Robert Weston Smith (1938-1995) alias Wolfman Jack.
“The Howling” (1981) cuenta con actuaciones bastante discretas, al margen de Dee Wallace-Stone y Robert Picardo. También, encontramos en el reparto a Patrick Macnee (Serie “The Avengers”, 1961-1969) como Dr. George Waggner, Dennis Dugan (“Happy Gilmore”, 1996) como Chris Hallorann, Christopher Stone 8”Cujo”, 1983) como Bill Neill, Belinda Balaski (“Gremlins”, 1984) como Terry Fisher, Kevin McCarthy (“Invasion of the Body Snatchers”, 1956) como Fred Francis, John Carradine (“House of Dracula”, 1945) como Erle Kenton, Slim Pickens (“Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb”, 1964) como Sam Newfield, Elizabeth Brooks (“Deep Space”, 1988) como Marsha Quist, Dick Miller (“A Bucket of Blood”, 1959) como el librero Walter Paisley, entre otros. El director de arte Robert A. Burns (“The Texas Chainsaw Massacre”, 1974), el productor y director Roger Corman, el director Jonathan Kaplan, el guionista John Sayles y el escritor Forrest J. Ackerman hicieron cameos en el film.
Pino Donaggio (“Trauma”, 1993) fue el encargado de componer la música. Para ello, presentó una partitura con melodías clásicas de terror orquestal y sonidos minimalistas de sintetizador.
Con un presupuesto de US$1.5 millones, “The Howling” (1981) fue estrenada el 13 de marzo de ese año en cines de Nueva York, Philadelphia y Washignton D.C. Recaudaría más US$17,5 millones, lo que la convertirían en una película muy rentable, permitiéndoles a Joe Dante y al productor Michael Finnell poder financiar la producción de “Gremlins” (1984) con Steven Spielberg.
Por cierto, resulta inevitable destacar que ese año se terminarían estrenando tres películas de temática licantrópica, además de “The Howling” (1981) de Joe Dante, me refiero a “Wolfen” (1981) de Michael Wadleigh y “An American Werewolf in London” (1981) de John Landis. Las comparaciones siempre son odiosas, sabemos, sin embargo, el consenso es que el film de Landis es el de mejor factura gracias a los impresionantes efectos especiales de Rick Baker, que lo llevarían a ganar el primer Óscar a los Mejores Efectos Especiales. Otra curiosidad es que la película de Landis se filmó antes que las otras dos películas, pero se estrenó después de estas, por su etapa de post-producción.
“The Howling” (1981) daría pie para una franquicia que hasta la fecha cuenta con siete secuelas, cuál de ellas peor y desvergonzada que la anterior: “Howling II: Your Sister Is a Werewolf” (1985) y “Howling III” (1987) de Philippe Mora, “Howling IV: The Original Nightmare” (1988) de John Hough, “Howling V: The Rebirth” (1989) de Neal Sundstrom, “Howling VI: The Freaks” (1991) de Hope Perello, “The Howling: New Moon Rises” (1995) de Clive Turner y “The Howling: Reborn” (2011) de Joe Nimziki. En mayo de 2015 y en 2020 hubo rumores de que se llevaría un reboot de la franquicia y que incluso estaría involucrado Andrés Muschietti (“Stephen King’s It”, 2017-2019) y Netflix, pero nada se concretó. Finalmente, en 2017 Space Goat Productions comenzó a publicar una serie de comics titulada “The Howling: Revenge of the Werewolf Queen”, que funciona como una secuela directa de la película original y que ignora las secuelas cinematográficas.
En resumen, una emblemática y funcional película de licantropía, que pudo haber tenido un mejor tratamiento por las cuestiones narrativas que insinúa, pero que cumple esencialmente por sus efectos especiales.
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