Buena quinta entrega donde se ven buenas escenas en las muertes como en toda la saga tienen efectos especiales muy logrados, algunas, poco creíbles, la mejor en esta ocasión es la escena en el puente que es donde se desata la trama, siempre la muerte acechando a los protagonistas y eso no sorprende en lo absoluto, pero sin dudas entretiene, Tony Tood es un crack.
El título premonitorio y las catastróficas líneas de diálogo atosigan de entrada: El núcleo que derrite al planeta tierra, reuniones entre departamentos de ciencia, observatorios y estudios geológicos, disminución del campo magnético, una tormenta solar, el río Colorado que puede desbordar y un enorme etcétera de palabras científicas y ¨expertos¨ discutiendo sobre la calamidad por llegar.
La trama se centra en el drama de un matrimonio de jóvenes científicos (Josh y Pam), donde el protagonista es ignorado al vaticinar una inmensa inundación (de la que está bien preparado) que no tarda en llegar. Una gama de variopintos personajes de casting barato va siendo rescatado por la pareja en su embarcación y, luego de estar flotando en el agua, comienzan a mostrar sus chocantes personalidades despreocupadamente.
Hay personajes, hay un barco no muy grande y las peleas por la supervivencia no se hacen esperar.
Guión insípido y confuso donde los niveles de inundación son seguramente fallidos. Como drama es mediocre y como cine catástrofe ¨Oceans Rising¨ es
una película mala.
Película entretenida, las muertes no son a penas explícitas y son demasiado rápidas, no hay persecuciones excepto en la parte final que es lo mejor de la película, podría haber dado mucho más de si, la ambientación es muy buena.
Si te gustan los slashers es recomendable, se pasa rápido los 75 minutos sue dura.
filme antologico que podria haber dado mucho mas, el nexo del niño con pesadillas es muy bueno pero tiene un remate muy predecible y al nivel de un cuento de r l stine,,,, en cuanto a sus historias, todas me parecen muy light a mi gusto, nada tiene violencia, ni muerte ni nada, te puede gustar o no la historia pero se siente con poca fuerza, con poca intensidad.
un intento fallido de filme antologico.
realmente esperaba mucho más de esta cinta del siempre competente Fede Alvarez, sin embargo, la falta de una protagonista que realmente te preocupe o te imprima tensión, termina por desinflar lo que, a primera vista, al menos para mí, fue una decepción total.
El director se afana muy bien en intentar unir ALIEN y ALIENS a través de muchisimos “guiños“ constantes y su trama referencia a alien 3 y 4 y al lore de la historia vista desde prometeus.
El tono de la película, en su primer tercio, ya en la nave, recuerda tremendamente a Alien, el octavo pasajero, atmosfera opresiva y lugares oscuros con referencias claras a personajes y objetos traídos de la original, quizá esta sea su mayor virtud, incluso cuando trata de mostrar poco al Xenomorfo.
También nos amplía el ciclo vital de el ya mencionado Xenomorfo.
El segundo tercio de la película nos ofrece un tono que nos va a retrotraer nuevamente a ALIENS, EL REGRESO, con más acción y más dinámica, siempre teniendo en cuenta que es una secuela que sucede entre alien y aliens, quizá esta parte fue la que más me decepcionó, nuevamente los planos son magníficos, el sonido y la ambientación son espléndidas, la fotografía indudablemente es excelente y los encuadres de cámara ayudan a meterte en la historia.
el tercer y último acto es lo más relevante del film, que como ya comenté anteriormente, toma prestadas ideas (a la inversa, eso sí) de prometeus y alien 3 y alien resurrection con un nuevo engendro que recuerda inexorablemente a la criatura de alien resurrection.
LO MEJOR: Todo lo relacionado con el trabajo artistico luce de escandalo y es excepcional, el director introduce con gran acierto, al principio, el elemento que une a alien el octavo pasajero. el androide es el mejor personaje con diferencia y es casi la base en la que Fede Alvarez se sustenta para contar toda la historia. Los efectos prácticos son maravillosos.
LO PEOR: el primer visionado, me decepcionó bastante, la que parecía la prota es un personaje casi de acompañamiento al verdadero protagonista, casi involuntario que es ni más ni menos que el androide llamado Max. La obsesión del director por referenciar a base de easter eggs, todo el film.
NOTA: 7/10
No te sorprenderá, pero un segundo visionado te gustará muchísimo más que la primera vez que la veas, en particular si eres fan absoluto de la franquicia. Es obvio que el director ha hecho una película para la next gen que condensa toda la franquicia, si puedes aceptar eso, la película te encantará.
recomendada.
Haciendo acopio de su literalidad incómoda y de un absurdo maravilloso, Yorgos Lanthimos ha conseguido elevar a una siguiente categoría el surrealismo demente que veníamos observando durante los últimos años en su siempre genial narratología, entregándonos ahora un delicioso cuento canónico repleto de dobles lecturas y alegorías que, de nuevo, ponen de manifiesto los tropos más enfermizos, abusivos y abyectos de nuestra sociedad.
Basada de forma muy sui generis en la novela homónima de Alasdair Gray (1992), Pobres Criaturas llega a convencernos a participar de esa unánime fiebre generada en la Academia de Hollywood tras sus sonadas once nominaciones a los Premios Oscar 2024. Y lo hace cautivándonos desde el primer minuto, regalando al espectador una estética de fantasía, presta como escenario onírico e irracional para un viaje de la heroína de manual, en el que atestiguamos con henchido orgullo la progresiva transformación de la misma. Sus aproximados 150 minutos suponen el argumentario necesario para comprender a las claras los motivos que hacen de Bella Baxter (Emma Stone) el personaje que mejor representa la emancipación femenina en nuestros días –lo sentimos por la Barbie de Margot Robbie, pero cualquier comparación con el fenómeno rosa chicle nos parece un despropósito-.
Convertida en la transmisora vicaria de panoramas circunstanciales que servirán de clarividente espejo para toda aquella que quiera entender, todo cuanto sabemos de Bella es un pasado ficticio, una luz de gas continua y un moldeamiento de su personalidad retorcidamente adánico por quienes deciden colgarse la medalla ante el más mínimo hito en su desarrollo. Sin embargo, lo que su personaje nos demuestra poco a poco (y especialmente tras el descubrimiento de su propia sexualidad) es que su auténtico crecimiento personal comienza cuando decide huir de la mano invisible de cualquier agente paternal y patriarcal, siendo ese anhelo de libertad que anida en su interior el verdadero motor que la lleva a vivir con mayúsculas, independientemente de su origen alterado e intervenido. Y eso, contemplado gradualmente a través de todas y cada una de sus decisiones (algunas más comprensibles que otras, pero todas humanas y autónomas) hasta su definitiva conclusión –enarbolada por la música triunfal de Jerskin Fendrix- genera una explosión conmovedora en el espectador digna de aplauso y vítores.
El carrusel de varones que se sucede a lo largo de la vida de nuestra protagonista, por su parte, no es más que una reducción a la mínima y certera expresión del horror más hegemónico y cotidiano en las relaciones humanas. Del santo creador, que bien podría representar el epítome del primer amor (con ese doctor deforme, víctima de abusos experimentales que Willem Dafoe describe con desternillante y cruel naturalidad), hasta el canalla de verbo fácil y autoestima frágil que se desmorona al primer polvo (con un odioso Duncan Wedderburn visto a través de Mark Ruffalo, que no por arquetípico y previsible deja de ser menos necesario en este particular camino). El póker de ases lo completan Christopher Abbott como máxima expresión del maltrato, neutralizado para alivio del público con una exquisitez empoderadora única, y el aliado conformista de turno que decide dejarse llevar y aprender sobre la marcha, consciente y con ceño fruncido de estar presenciando un cambio de ciclo al que por supervivencia propia debe subirse (Ramy Youssef). Aunque el hecho de reencontrarnos en el tramo final de la cinta, y tras una notable elipsis en su texto, con Toinette (la joven prostituta gala interpretada por Suzy Bemba con la que entablaría amistad en su tiempo en París) habla por sí mismo.
Jugando en una liga superior, pero empleando recursos similares a los que presenciamos en su día en La Favorita (2018) o en Langosta (2015) –imágenes sexuales molestamente crudas, violencia animal al estilo Buñuel, humor brusco e inesperado, muecas deformes pintadas a través de grandes angulares, el aleatorio y vouyerístico ojo de pez, o el exquisito uso del blanco y negro y el color, según el discurso marque-, el realizador griego firma ahora su mejor trabajo hasta la fecha y se corona como uno de los más hábiles retratistas de lo esperpéntico en nuestro cine actual.
LO MEJOR: todo, no sobra ni una coma, obra maestra atemporal que acabará colocándose en el olimpo de las obras de culto modernas.
LO PEOR: no hay nada que añadir, quizá su extensa duración, pero tampoco lo aparenta.
Entretenida pero demasiado ingenua a la vez aunque la película logra crear situaciones de tensión y toca un tema interesante como lo es la venta ilegal de órganos lo que la hace diferente comparada con otras películas ambientadas en una morgue , también sorprende ver al actor jerry o’ connell interpretando a un malvado forense , además de que nos presentan unos efectos aceptables , tiene tanto pros como contras sin embargo no puedo negar que me pareció muy ameno su desarrollo
No es novedosa aunque al menos logra entretener en algunos momentos , maneja una historia que ya se ha utilizado en otras películas en la que un par de amigos por cierto bastante irritantes gustan de jugarle bromas muy pesadas a otras personas hasta que un día reciben su merecido y la verdad ni siquiera siente uno compasión por este par de personajes , también cabe señalar que es más que predecible el objetivo del villano y que la explicación final tendrá mucho que ver con la escena inicial , también van saliendo a la luz otros secretos e intrigas además de gente inocente que terminan involucrando los protagonistas gracias a su comportamiento infantil
Entretenida aunque ya muy reiterativa en cuanto a estilo ya que su historia vuelve a enfocarse en un grupo de personas que son arrastradas a una maldición , en este caso utilizan una siniestra aplicación de celular que predice el tiempo y la hora en la que morirán las personas , poco sorprendente pero debo admitir que tiene unas escenas de terror muy bien logradas al igual que los efectos , además de que la protagonista cumple perfectamente su rol de víctima, es una opción más dentro de la temática de maldiciones y entes vengativos
Me ha recordado bastante a la trilogía de Simbad del señor Ray Harryhausen, el stop-motion tan utilizado en aquella época le sienta muy bien al film, la fantasía al igual que en las anteriores se derrocha de sobra, aunque tampoco sean un bombazo.
Aves de fuego, pájaros gigantes, bestias invisibles, plantas carnívoras, cocodrilos salvajes y una hidra monstruosa serán las bestias con las que se enfrentará el mercader de Bagdad.
Sin duda alguna es una entretenida peli sobre este personaje ficticio.
Aca vemos una pelicula con una historia algo loca donde tenemos al protagonista en una nave donde van a parar las almas de las personas que mueren para reencarnar, este protagonista esta hace años en esa nave haciendo lo mismo una y otra vez hasta que llega una mujer para estar con el. Desde la llegada de esa mujer la pelicula se torno mas interesante ya que le daba una clase de encanto a la pelicula pero mas al protagonista que me torno aburrido todo antes de que apresca esa mujer.
Tiene algunos efectos que son buenos como por ejemplo la nave en si.Es intersante esa idea sobre las almas y como reencarnan ya que dan a entender en la propia pelicula de que no existe el cielo o el infierno.
Algo muy negativo para la pelicula fue la duracion que en muchos momentos se torno algo pesada.
El director William Girdler, (que también había dirigido “Grizzly” un año antes), parecía tener un gusto especial por las tramas sobre animales que se cabrean con los humanos. La película logró un gran impacto entre el público, y se convirtió de un clásico de las repeticiones por TV.
“Day of the Animals” dramatiza, como anuncia en su introducción, lo que podría suceder en el futuro cercano si seguimos sin hacer nada para detener el daño al escudo protector de la naturaleza para la vida en este planeta. Los animales, desde osos pardos hasta pequeños roedores, se unen para darle una merecida paliza a cuanto humano se topen en su camino.
Un punto a favor del film es un atrayente reparto, la rubia platinada Linda Day George, unos Christopher George y Andrew Stevens que eran rostros queridos por el público en esos años, y a Leslie Nielsen (en un rol de malvado) que se roba todas las escenas en que aparece y tiene una escena antológica en que se enfrenta a puño limpio con un oso gigante.
El Dr. Brake es un científico que ha construido una supercomputadora, tiene una malvada asistente (¿amante?) y una hija adolescente, bastante guapa. Producida por un tal “Bachoo Sen“, distribuida por Troma y dirigida por un desconocido H. Sala, tenemos una bizarrada ochentera, aun para los estándares de la Troma, tan extraña como entretenida. Y es que “Nightmare Weekend“ es una locura total y difícil de explicar.
Una marioneta de mano controlada por la supercomputadora, un tipo que muere por un panty, una extraña bola plateada (de la que nunca entendí que función cumplía), tipos con walkmans y mujeres haciendo jazzercize y patinando sobre ruedas, un coche asesino que se controla con un videojuego, abundantes escenas de sexo softcore, y ¿zombis? forman una colección de escenas extravagantes y vagamente conectadas.
A destacar los efectos especiales prácticos a cargo de Dean Gates, digno discípulo de Tom Savini.
Cierre de la trilogía Harryhausen con esta última entrega de la saga de Simbad, entretenida como las demás y con un derroche de fantasía estupendo, pero he de decir que me ha parecido la mas floja de todas.
Engendros del averno, insectos monstruosos, un minotauro de bronce, una morsa gigante, un troglodita y un dientes de sable, bestias a las que debe enfrentarse el héroe mercader para romper un maleficio.
El cierre de una trilogía un poco descafeinada pero que se deja ver sin problemas.
Aca vemos una pelicula llamada Those Who Wish Me Dead donde en cierta forma se la tiene de protagonista a Angelina Jolie aunque senti que no lo fue tanto ya que pareciera que no esta tanto tiempo en la pantalla comparado con Aidan Gillen y Nicholas Hoult.
La pelicula para mi estuvo lleno de sorpresas y lo digo por la cantidad de caras conocidas como las que ya nombre anteriormente pero tambien por Jon Bernthal y Jake Weber.
La historia es muy simple al ser de 2 asesinos tratando de matar a un niño despues de matar a su padre donde este niño cuenta la ayuda de una bombera. Me imagine una pelicula llena de accion pero no lo fue aunque si tuvo accion pero no la que yo esperaba.
Senti que la pelicula pasa rapido y me ah gustado de esa forma al tener una historia simple.
No es la gran cosa pero te entretenes mirandola
Anna Gunn interpreta a una mujer que lleva dos décadas agobiada, desesperada y de luto por la desaparición de su hija. Linus Roache, toca a su puerta una noche, víspera de Navidad, y parece tener la respuesta al sufrimiento de esta madre.
Hay que reconocerle el mérito a la directora Alison Star Locke de mantener la tensión y el suspenso, utilizando una sola locación y, la mayor parte del tiempo, solo un par de personajes. La dinámica entre los personajes interpretados por Gunn y Roache alcanza niveles de intensidad creíbles.
Con un ritmo correcto, aunque me hubiera gustado más acción, más agilidad y menos diálogos, “The Apology” se apoya en el esfuerzo de intentar procesar las emociones con las personas que te han hecho mucho daño, lo que puede resultar una tarea imposible. O quizás no, si se trata de conocer la verdad y de encontrar la paz interior.
El thriller rural español nunca deja de sorprendernos. Siempre es áspero, crudo, realista, y retrata la violencia y ruindad de la que es capaz el ser humano.
“La noche de la ira”, segunda película del singular director español Javier Elorrieta, inicia de manera violenta, con personas aterradas encerradas en un granero y amenazados por tipos con rifles. Es una indicación de que algo definitivamente anda mal en un pequeño pueblo rural castellano donde el Dr. Alejandro Lieman (Andión), acaba de llegar para trabajar como el nuevo médico. Entre los pobladores hay una entusiasta cultura de caza y hostilidad hacia los foráneos…en especial contra los drogadictos.
Elorrieta elige una narrativa con tramos largos y tranquilos, cocinando lentamente el suspenso, hasta el estallido de violencia al final, con influencias del kinki y el western, explotando la desconfianza, la venganza y la ira entre lo urbano y lo rural, los tradicionalistas y los jóvenes marginados que han tomado un camino descarriado.
Considerada parte de la saga “Black Emanuelle“, tenemos a Bruno Mattei dirigiendo a Laura Gemser, como una intrépida periodista que se infiltra en una prisión de mujeres. Naturalmente, el lugar es un infierno, donde las reas son sometidas a todo tipo de crueles abusos.
En 1982, Laura Gemser ya tenía cinco años sin protagonizar una película “oficial” de Emanuelle. El siempre avispado Mattei no perdió la oportunidad de sacar provecho, así que llamó a Gemser y a su inseparable esposo Gabriele Tinti y rodó en unas pocas semanas esta explotación WIP, (género que ya estaba em decadencia), con mujeres en prisión, torturas, sadismo, una escena con Gemser y ratas hambrientas, un gay caricaturesco, la infaltable escena lésbica, una directora de prisión que luce sensual lencería negra y una pelea de gatas por un cubo de mierda.
Es una pena que películas como esta ya no sean posibles hoy en día. Así que yo disfruté de esta explotación realista cruda y barata, con la belleza delgada de Gemser y la banda sonora con sintetizador de Luigi Ceccarelli.
Sin haber visto la origina (ni sabia que era un remake) solo puedo decir que si es como esta, no es de lo más recomendable para los fans del terror.
La peli empieza bien y luego el suspense va en aumento, pero llega un punto en que sientes que podrían haber recortado cosas, porque no aportan mucho.
La autentica tensión dura unos 20 min y ya esta. hasta entonces, bueno... entretiene.
Emanuelle y los últimos caníbales (Emanuelle e gli Ultimi Cannibali ), es una explotación italiana, dirigida por Joe D“Amato e influenciada por “Ultimo mondo cannibale”. La periodista Emanuelle (Laura Gemser), se encuentra, en un hospital, con una mujer rescatada que lleva un tatuaje de una tribu amazónica caníbal. Junto con el profesor Mark Lester (Gabriele Tinti), deciden viajar al Amazonas para descubrir el origen de esa misteriosa tribu que todavía practica el canibalismo.
Incluida dentro de la saga Black Emanuelle, te cumple con lo que promete. Aventuras en la selva, chicas desnudas, escenas gores, pezones cortados y comidos, una vagina cortada y utilizada como un agujero por donde sacar las entrañas, canibalismo, castración y sexo, en una mezcolanza de erotismo marca Emanuelle y cine de caníbales, puro cine italiano, explotación setentero, barato y bizarro.
La trama es ágil, la brutalidad de las escenas y cantidad de sangre derramada es efectiva y no tiene escenas pornográficas insertadas. Aunque D“Amato no pierde oportunidad de mostrar desnudas y en situaciones eróticas a la encantadora Mónica Zanchi, a la exótica Laura Gemser, a la bella Nieves Navarro y hasta a Annamaria Clementi, que interpreta a una monja.
DE NIRO
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Destino Final 5
Buena quinta entrega donde se ven buenas escenas en las muertes como en toda la saga tienen efectos especiales muy logrados, algunas, poco creíbles, la mejor en esta ocasión es la escena en el puente que es donde se desata la trama, siempre la muerte acechando a los protagonistas y eso no sorprende en lo absoluto, pero sin dudas entretiene, Tony Tood es un crack.Me gusta (1) Reportar