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AVH: Alien vs. Hunter

Película: “AVH: Alien vs. Hunter“ (2007).

Siempre he dicho que si uno comienza una saga, debe ver hasta los plagios de bajo presupuesto y cuando una cinta comienza con el “ITN Distribution“ sabe que será un bodrio de aquellos. No hay mucho que añadir respecto a que cinta intenta replicar y obviamente es un desastre. La historia es totalmente infumable y es imposible tomarla enserio. Diálogos horrendos. Actuaciones más que flojas. Personajes irrelevantes. De ritmo lenta. Efectos visuales malos. El aspecto del “Hunter“ quizás es algo “digno“ (intentando busca algo positivo de la cinta). Banda sonora regular. Terror obviamente no existe y muertes que no valen la pena. Desarrollo aburrido y pésimo final.

Mi puntuación para “AVH: Alien vs. Hunter“ es 2 de 10 posibles. Cinta absurda, pese a su bajo presupuesto uno igual espera algo más, pero ni así. De las miles de cintas que se puede encontrar en YouTube. No recomendada.

Tabo.

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El Exorcista

Se supone que fue el film que modernizó el cine de horror, aboliendo los “caducos” presupuestos estéticos de la Hammer, proponiendo la llegada al género de cierto realismo, - que solo se había llegado a apreciar en perlas aisladas como “Psicosis” (1960) -, y poniendo de moda el cine satanista durante algunos años. Y algo de todo esto hay, pero no necesariamente para bien.

Lo de sustituir a otro tipo de cine no deja de tener un valor circunstancial, máxime cuando “lo nuevo” muy rarísima vez estuvo a la altura de “lo viejo”. Lo de la cosa realista, y yendo ya al juicio intrínseco que nos ocupa… a la película le perjudica. El espectador asiste aburrido a las manifestaciones estudiantiles, el muestreo de los barrios bajos de los procede el padre Carras, e incluso al larguísimo prólogo iraquí que poco aporta a la narración, - pese a la belleza de algunas imágenes -. A cuenta de dicha “modernización” transcurren 40 minutos larguísimos, hasta que comienzan los espumarajos.

Y luego está lo de poner de moda cierto tipo de cine, lo cual en el mejor de los casos también le daría a esta cinta un balance agridulce. Ya que no solo no se puede comparar con la primera, “La Semilla Del Diablo” (1968), sino tampoco se le acerca a su principal competidora dentro del subgénero, “La Profecía” (1975).

Pese a lo que acabo de escribir, la música de Oldfiel marcó una época, la llegada del padre Merrin a la casa, - que se acabó convirtiendo en anagrama -, es de un inquietante sobrecogedor, la manera en la que va contagiando la fe al descreído y voluble Carras, conmovedora... y todas y cada una de las secuencias propias de la posesión, del todo irrepetibles… según se vio después. “La cerda es mía”.

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El Motorista Fantasma 2: Espíritu de Venganza

Lo único bueno que tiene esta película es que hace incluso parecer buena a la primera parte de 2007 si entramos en comparaciones. Esta película es un absoluto insulto al espectador:
-El guión es malo, muy malo. De los peores guiones que he visto en una película de esta temática.
-las actuaciones son mierda. Supongo que el director de actores les dijo a todos que sobreactuaran como locos e hicieran el imbécil en pantalla porque no hay nadie que se salve. El puesto de honor se lo lleva Nicolas Cage, que directamente parece que tiene una enfermedad en los músculos de la cara.
-El final es la mierda. El final más antisuperhéroes que podría haber. Ridículo, sin sentido y un insulto para la propia película (la cual ya es un insulto en sí misma)
-Las luchas tienen sus momentos, pero les meten unos efectos que personalmente me resultan patéticos. Está muy mal desarrollado.
-Incluso los efectos tienen momentos donde están muy poco trabajados y son cutrísimos.

Abyecta.

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Calabaza Asesina

Carved es una pelicula con lo cual uno no puede esperar mucho y se puede imaginar ser una pelicula de muy poco presupuesto pero sorprende al no ser tanto de esa manera.
La mayoria de los actores son muy desconocidos salvo en mi caso por DJ Qualls que ya lo eh visto en algunas series.
La pelicula comienza rapido ya con mucha sangre y con buenos efectos en las muertes y eso me sorprendio ya que como dije antes esperaba una pelicula con muy poco presupuesto.
Todo pasa muy rapido y eso se agradece.Tiene sus buenos momentos de persecucion como en algunos momentos algunas escenas de comedia aunque no tantos.
Mucha sangre tiene esta pelicula, la verdad es que sorprende para bien

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Street Trash (Remake)

Es difícil hacer un remake de una película de culto, y tan de culto como “Violencia en Manhattan“, aún más.
Si bien es un remake que sigue el estilo z de la original, se nota que tiene más presupuesto, pero ese estilo cutre ha sido muy bien logrado.
Los efectos prácticos son su fuerte, gore explícito, trozos de carne que se dependen, heces, vomito, etc. etc. Logra ser repugnante en ocasiones y en otras un divertido gore inunda la pantalla.

Sus personajes son bizarros, diálogos estúpidos, en fin se esfuerza por ser lo más repugnante que pueda ser.

Aún así, no alcanza la bizarrada que fue aquella versión original.

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V/H/S/Beyond

Película: “V/H/S/Beyond“ (2024).

Así de rápido pasan los años. Aun recuerdo cuando vi la primera parte me gusto bastante y la segunda la vi en el cine, lamentablemente la tercera cinta es tan mala que me quito el gusto, pero aun así vi desfazadas las posteriores y es así como llegue a la esta séptima entrega, la cual la considero bastante entretenida y fresca. Las historias sin duda alguna cumplen, aunque va de más a menos, siento que los primeros cortos me engancharon mucho más que los últimos (que tampoco es que sean malos). Diálogos adecuados. Las actuaciones son aceptables para este tipo de cintas. De ritmo correcta, no se siente para nada una cinta lenta, pese a sus dos horas de duración. Efectos visuales regulares. Correcta banda sonora. Mezcla de buena manera la ciencia ficción con el terror, dando muertes varias, más que decentes y varias escenas grotescas e incomodas. Desarrollo correcto y un final aceptable.

Mi puntuación para “V/H/S/Beyond“ es 6 de 10 posibles. Dudaba entre si darle 6 o 7, porque de verdad cumple bastante bien. Se me hizo más que llevadera y considerando que estaba fumado, por momentos más de una escena resulta algo incomoda. Entretenida.

Tabo.

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Recuerda

Segunda obra maestra del tándem Hitchcock-Selznick, manteniendo las mismas constantes de “Rebeca” (1940); una intensa historia de amor bellamente fotografiada, oponiéndose a un crimen misterioso del que se cree culpable el protagonista. Podríamos decir que esta es más moderna y compleja, ya que el goticismo de la novela de Daphne Du Maurier viene a ser substituido por el psicoanálisis que se convierte en el hilo conductor de toda la intriga. Aquí la noche, los acantilados y la poesía ceden ante las altas cumbres y un amor persistente, pero racional, a plena luz del día.

A destacar especialmente el personaje de la chica, abnegación por amor en grado superlativo, la música de Miklos Rozsa, y la escena onírica a interpretar creada por Dalí.

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Haunter

En esta pelicula la tenemos a Abigail Breslin como protagonista cosa que creo que es la primera pelicula donde la veo en ese rol y eso que la eh visto en otras peliculas.
El director de la pelicula es Vincenzo Natali, un director que hizo grandes peliculas como El Cubo o la ya conocida y capaz no tan buena llamada Splice pero aca vemos otro enfoque donde pareciera que fuera mas un telefilm.
La historia es interesante de como una familia esta muerta y viven repasando una y otra vez el mismo dia sin saberlo a salvo por la protagonista.
La historia seria mas de fantasmas y un asesino cosa que capaz pierde un poco de interes al ir por ese camino y por mas que dura 1 hora y 30 minutos se me hizo pesada ya pasando la mitad de la pelicula.

No es mala pero senti que le falto mas

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MaXXXine

Película: “MaXXXine“ (2024).

Todo comenzó con “X“, una película bastante entretenida, pero nadie espera que “Pearl“, la segunda parte de esta trilogía fuera aun mejor que la primera. Ahora fue el turno de “MaXXXine“, que si bien sigue siendo una película más que aceptable, queda debajo de las dos antecesoras y le pesa mucho que la segunda es la mejor de la trilogía. La historia es decente, aunque igual se siente muy alejado de lo que paso en las anteriores. Diálogos decentes. Actuaciones correctas, nuevamente Mia Goth demostrando su talento. Personajes correctos. De ritmo se siente algo lenta por momentos. Banda sonora buena. Efectos visuales correctos. Muertes aceptables. Desarrollo correcto y un final que sinceramente me resulta muy flojo.

Mi puntuación para “MaXXXine“ es 6 de 10 posibles. Cinta aceptable, pero que no esta ni cerca de igualar lo antes hecho y por momentos se siente bastante latera, pese a que para pasar el rato si no hay mucho que hacer, es decente.

Tabo.

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Cuando Acecha la Maldad

Sorprendente y atrapante film de folk horror argentino, dirigido por Demián Rugna (“Aterrados”, 2018).

En un remoto pueblo de Argentina, dos hermanos descubren a un “encarnado”, un hombre poseído por un demonio y que a punto de desatar literalmente el horror que lleva dentro. Sin embargo, al intentar detener la amenaza, cometerán imprudencias que acarrearán el desencadenamiento del horror en su máxima expresión.

Los orígenes de “Cuando acecha la maldad” (2013) provienen principalmente de dos fuentes de inspiración para Demián Rugna, quien ya se había hecho de un nombre en el cine de terror latinoamericano con “Aterrados” (2018), considerada de una de las mejores películas del género en años en Argentina y su participación en la antología de historias de terror “Hispanos Satánicos”, junto a otros directores latinoamericanos, con su relato “Yo también lo vi”. Estas fuentes serían una periodística y otra folclórica. La primera consistía en una serie de noticias sobre pesticidas agrícolas utilizados en su Argentina natal que estaban causando problemas de salud generalizados en la población local y regional. Y la segunda en antiguas creencias rurales que aún persisten en la Argentina profunda acerca de los llamados “encarnados” o “embichados”, que de acuerdo al folclore local corresponderían a personas a las que se les ha metido el demonio en la carne, es decir, les han poseído físicamente. A continuación, hablaré en detalle de ello, pero no cabe duda que la clave del éxito del film es precisamente la acertada combinación de aspectos narrativos asociados a lo actual y a lo ancestral, a lo cotidiano y a lo inesperado, a lo ordinario y a lo sobrenatural.

La polémica de los pesticidas agrícolas en Argentina representa una interesante crítica de Rugna a la industria agropecuaria del país, en especial porque sugiere y denuncia una evidente apatía corporativa en relación a la salud de los trabajadores, por una parte, y de los consumidores, por otra. Que la trama suceda en un remoto pueblo olvidado, en el interior del país, da cuenta de la indiferencia y desprecio incluso que las autoridades de gobierno metropolitanas sienten por las consecuencias de sus decisiones. Este aspecto va derechamente ligado a la exploración que realiza el director de las clases sociales argentinas, desde los indigentes que se toman los campos, los peones que las trabajan para el patrón y, por supuesto, los grandes terratenientes. De hecho, una cuestión que Rugna ha dicho en forma explícita en entrevistas es su intención de retratar precisamente a estos últimos, que se sienten amenazados por el Estado cuando este “pretende” intervenir en sus propiedades, lo cual se traduce en un fuerte antagonismo, hostilidad y el temor a las expropiaciones.

Hay varias secuencias del film que dan cuenta de esto y que bien vale la pena mencionar y analizar. Los protagonistas son dos hermanos, Pedro y Jimmy, propietarios menores de terrenos en un remoto pueblo, que tienen problemas de convivencia y de otro tipo con Ruíz, el terrateniente más poderoso y tirano (como todo terrateniente, claro) del lugar, que simboliza la clase social privilegiada. Como es de esperarse, cuando todos se enteran que hay un embichado en aquellas tierras, Ruíz decide hacer las cosas a su manera, es decir, de la forma más déspota y brutal, lo que a sabiendas de todos no hará otra cosa más que empeorar las cosas porque liberará abruptamente la maldad enquistada en el huésped. Todo esto sentido crítico cobra mayor sentido cuando tenemos en cuenta que el embichado es el hijo mayor de una pequeña familia que la completa una anciana y un chico, hermano del embichado, quienes se han tomado ilegalmente esos terrenos para vivir y que representan a la clase social más baja, los indigentes. Otro aspecto realmente interesante es la actitud de la autoridad policial, ineficaz, negligente y corrupta, no sólo con la investigación sobre la espantosa muerte del curador de embichados, sino con la misma víctima y su familia, meramente por su condición socioeconómica.

Las creencias ancestrales sobre posesiones por entidades malignas anteceden, por supuesto, a la llegada del cristianismo a América, sin embargo, tuvieron su mayor auge y consolidación en el sincretismo de los pueblos originarios y los conquistadores en relación a la figura de los demonios. En el caso puntual de los “encarnados” y/o “embichados”, términos que se utilizan de forma indistinta en el film, podríamos decir que parten del mismo principio de acuerdo a las creencias rurales argentinas, donde hay una persona poseída por una entidad maligna. En cualquier caso, un encarnado y/o un embichado dan cuenta de una interesante teoría sobre posesiones demoníacas, en la que advertimos un proceso de corrupción en el cual un demonio toma posesión de un cuerpo y lo utiliza como una verdadera incubadora para hacer madurar y fortalecer a la maldad. De esta forma, como si se tratara de un virus o una enfermedad contagiosa, el cuerpo del encarnado y/o embichado se va pudriendo y corrompiendo hasta niveles espeluznantes y brutalmente asquerosos, mientras en su interior alimenta, protege y concreta la materialización del mal en una forma humana nueva, como vemos en el epílogo de “Cuando acecha la maldad” (2023).

Cabe señalar que la premisa básica del film es la corrupción y/o putrefacción que conlleva la maldad y cómo va destruyendo no sólo al mencionado “huésped” sino a quienes están en su entorno, destruyendo de esta manera literalmente a los personajes uno a uno. El prólogo del film es impresionante y toda una declaración de principios del film, donde somos testigos de un cuerpo decapitado y partido por la mitad y más con la grotesca apariencia del embichado, un hombre que ha perdido prácticamente todo indicio de su humanidad salvo su conciencia, convertido literalmente en una bola inmensa de putrefacción y descomposición interna y externa. El fotógrafo Mariano Suárez nos da una pequeña dosis de lo que veremos más adelante en esta escena, utilizando colores amarillentos y verdosos en la habitación donde se encuentra el embichado, haciendo hincapié que está pudriéndose en vida minuto a minuto. La secuencia en que finalmente lo sacan de la casa para literalmente ir a lanzarlo a un barranco o un río es desagradable y asquerosa como pocas, pero nos va entregando pistas de qué es lo que se viene como ya mencioné, cuando Ruíz impone sus términos a la mala y permite que la maldad poco a poco vaya liberándose, contagiando y corrompiendo, como un virus, principalmente la psique de los personajes.

“Cuando acecha la maldad” (2023) tiene el gran mérito de ir superándose a sí misma en su actitud de impredecibilidad narrativa y respeto por los límites del horror. La verdad es que Rugna no tiene ningún empacho en controlar ni mucho menos detener precisamente la liberación del mal y lo hace sin miramientos ni contemplaciones, con un sentido del horror psicológico a plena luz del día y a partir de algo anecdótico como lo vimos en todo su esplendor en “Midsommar” (2019) de Ari Aster, película con la que comparte más que su esencia folk horror. Asistimos, entonces, a un espectáculo de horror original e impredecible, con Ruíz y la secuencia con la cabra poseída que constituye el inicio de una serie de experiencias perturbadoras que traen destrucción y muerte para sí mismo y su esposa embarazada. Luego nos encontraremos con muertes de personajes adultos espantosas como la ex mujer de Pedro arrollada por el vehículo de su nueva pareja y la curadora de embichados a golpes de martillo, secuencias explícitamente violentas.

Pero si se creía que asesinar en pantalla a una embarazada, el suicidio de la mujer de Ruíz a hachazos, puede ser brutal, imagínense cuando se trata asesinatos que involucran a niños. Aunque apela también a la sugerencia, por ejemplo, con el destino del chico autista en el epílogo, siempre con un estilo crudísimo, pero en lo absoluto morboso, Rugna se despacha dos secuencias realmente bestiales y conmovedoras con niños como protagonistas. La secuencia del perro y la hija menor de Pedro es realmente salvaje, si bien no del todo impredecible gracias a su correcto uso del suspenso, pero salvaje como pocas en el último tiempo, toda una declaración de que ni los niños se encuentran a salvo en esta trama siniestra y brutal. Pero como ya decía, la película tiene la virtud de superarse a sí misma y nos regalará otra secuencia bestial cuando veamos a la poseída ex mujer de Pedro secuestrando a su hijo menor para matarlo y luego devorar sus sesos en una escena repulsiva y perturbadora al mismo tiempo.

Otra de las cuestiones que el guión trabaja muy bien es la tragedia del error. Para quienes no somos parte o tenemos algún conocimiento del saber popular sobre ciertas leyendas y mitos locales de cualquier parte del mundo, puede resultar una trivialidad, pero lo cierto es que claramente no lo es. Todas las culturas del mundo, dentro de su sistema de creencias, tienen una estructura o sistema de acciones basado en el saber popular de cómo hacer frente al mar, erradicarlo y/o destruirlo, el cual debe ser seguido al pie de la letra. Es increíble, parecen no tener lógica y ser antojadizas y tener ningún sustento científico, pero siguen fuertemente arraigadas en todas las culturales del mundo, especialmente el rural, como si de un dejo de paganismo se tratara. En el film no se seguirá este protocolo, por así decirlo, y cada acto que no lo siga llevará a que el mal se vaya desatando más y más y todo termine corrompido y/o destruido. Dentro de esta cosmovisión narrativa, a media cruza entre ficción y saber popular sobre el embichado, la película habla de siete reglas que no pueden ser obviadas ni violadas como no utilizar luz eléctrica por las sombras que atraen a la maldad, alejarse de los animales y/o hacerles daño, no tocar o llevarse nada de ellos porque se te pegará, no mencionar nunca el nombre del Diablo, no usar armas de fuego y, finalmente, no temerle a la muerte.

“Cuando acecha la maldad” (2023) tiene, entre sus muchas lecturas y subtramas, otros elementos narrativos dignos de resaltar todavía y que se relacionan con la maldad en los niños. A esta altura ya hemos visto cómo el mal se ha ensañado con los hijos de Pedro de forma bestial y explícita, pero como en todo orden de las cosas siempre es posible encontrar paradojas y doble lineamiento narrativo. De esta forma, Rugna incorpora como contraparte cuando la maldad se controla a los niños y/o adolescentes y les hace cometer todo tipo de actos indescriptibles en contra de adultos, como en el clásico del fantaterror “¿Quién puede matar a un niño?” (1976) de Narciso Ibáñez Serrador. Primero, lo vemos en la secuencia en la que un grupo de chicos protege al embichado en el piso del teatro de un colegio y sin escrúpulos encargarse de la curadora que venía a acabar con él. Segundo, y más brutal, por medio de los adolescentes, el hermano del embichado y el hijo mayor autista de Pedro, quienes terminan siendo presas de la maldad y cometiendo canibalismo con ciertos personajes que dejan aún más profundo esa sensación de mal rollo y enfermizo que termina dejando al espectador con un sabor de boca amargo.

Para mayor desolación, en “Cuando acecha la maldad” (2023) la última secuencia tiene una clara metáfora a la historia de Caín y Abel, el primero obligado a matar al segundo y quedando marcado errante para siempre por el mal. Aquí surge una interesante teoría sobre qué es lo que en definitiva hizo que el mal se encubara en ese perdido sector rural argentino, porque evidentemente Rugna no explicará la causa de todo este entuerto de buenas a primeras, sino que a través de metáforas y sugerencias que lleven al espectador a preguntarse por qué y a partir de qué. Esa última secuencia de la que hablo tiene de protagonistas a Pedro y su hijo autista, el primero marcado literalmente con sangre por el niño nacido del embichado y el segundo que tuvo un momento de “aparente” lucidez que, por supuesto no es tal, porque termina cometiendo una indescriptible atrocidad, lo que lleva a despertar cierto sentimiento homicida en Pedro. De esta manera, dan a entender que no es primera vez que Pedro tuvo intenciones homicidas con su hijo autista y que estas intenciones antinaturales habría sido el principal motivo del porqué el mal se alojó e incubó cerca de él, destruyendo a prácticamente todas las personas amadas y relacionadas con él.

En el reparto, encontramos a Ezequiel Rodríguez (“El Camino”, 2000) y Demián Salomón (“Aterrador”, 2018) como los hermanos Pedro y Jimmy Yazurlo, que se encuentran en medio de este infierno rural. Silvina Sabater (“Alanis”, 2017) como Mirtha la curadora, Luis Ziembrowski (“Diablo”, 2012) como el tirano terrateniente Ruíz, Emilio Vodanovich como Jair el hijo autista de Pedro y Virginia Garófalo (“La Vagancia”, 2021) como Sabrina, la ex mujer de Pedro, también destacaron en sus roles.

Franco Burattini (“To catch a killer”, 2023) y Elizabet Gora (“Argentina, 1985”, 2022), junto a sus respectivos equipos, fueron los responsables de las dantescas secuencias de putrefacción y muerte del film. Particularmente notable, aunque repugnante fue el maquillaje prostático para el embichado. Por otra parte, Los artistas del taller CBAC fueron los encargados de crear el dispositivo para eliminar a los embichados, el cual guarda varias similitudes en cuanto a diseño con el que aparece en “Aterrados” (2018) del propio Rugna. De hecho, se dice que esto podría indicar que entre ambos films podrían pertenecer a una suerte de universo compartido.

Debido a las altas restricciones que hay en Argentina respecto a la relación de actores infantiles y escenas de violencia, además de lo obvios efectos visuales y prácticos en las secuencias de muerte que los involucran, para la escena en que nace en mal en forma de niño se utilizó un líquido azul para cubrirlo, el cual fue retocado a rojo oscuro digitalmente.

“Cuando acecha la maldad” (2023) se filmó en las zonas rurales de la Provincia de Buenos Aires. En Argentina se convirtió en un éxito instantáneo, transformándose en la película de terror argentina más vista de todos los tiempos. Se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 13 de septiembre. En Estados Unidos se estrenó el 22 de septiembre en el Festival de Cine Fantástico de Austin y en Francia el 29 del mismo mes en el Festival de Cine Fantástico Europeo de Estrasburgo. Participó además en otros festivales como el Beyond Festival, el Festival Internacional de Cine Fantástico de Gerardmer y el Festival Internacional de Cine Fantástico Sitges, donde se llevó el premio a la mejor película, siendo la primera película latinoamericana en ganar este premio.

La banda sonora estuvo a cargo de Pablo Fuu, pero el mismo director participó en ella. De hecho, tomó el nombre para el film, “Cuando acecha la maldad”, de una canción homónima del grupo de metal “Logos”, que aparece en el álbum “Generación Mutante” (1994). Rugna y su grupo de metal “Pasco 637” grabó su propia versión para la película, haciéndose él mismo cargo de las guitarras.

En resumen, con su historia perturbadora, su buen ritmo y desinhibición respecto a la exposición del horror y lo visceral y su ambientación ominosa y opresiva, estamos ante una de las películas latinoamericanas de terror más destacables de este siglo.

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