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Nosferatu

Eco de leyendas perdidas entre los picos de los Cárpatos, capaz de producir escalofríos en la tierra y a todos sus moradores. Incluso hoy, más de un siglo después, esa sombra sigue acechando desde rincones de impenetrable oscuridad...

Más de un siglo tras ser desenterrada por Friedrich W. Murnau y plasmada en una sinfonía visual de imágenes inquietantes; nada, nunca, ha sacudido el alma con tanta efectividad como la sombra de unas largas uñas al acecho de unos ojos aterrados. El cada vez más prestigioso Robert Eggers lo descubrió cuando puso los suyos, a una infantil edad, sobre aquel mito del horror gótico que de un modo fascinante logró reinterpretar la archiconocida novela de Bram Stoker (aun exponiéndose sus artífices a una severa demanda por parte de la familia del autor...).
Así se convirtió “Nosferatu“ en un proyecto de largo aliento, la sombra que alimentó sus pesadillas e ilusiones, siempre atormentándole, planeando sobre otras obras de autoría propia (y es evidente cuando uno ve “La Bruja“ y “El Faro“), siempre evitando caer en sus manos. Por algo sería. Incluso él ha declarado “Estuve intentando llevar a cabo este proyecto durante unos diez años y fracasé varias veces. Pensé que lo mejor era dedicarme a hacer cosas originales; hacer un “remake“ de algo tan famoso resulta desagradable“. Sí, cuánta razón. Y Chris Columbus, su productor, debió haberle animado a dedicarse a otras cosas.

Pero no. En lugar de eso le animó a lo contrario, y su gusto por el folclore, la investigación de mitos y el horror gótico hizo el sueño realidad y ha propiciado esta nueva versión que ahora abrasa las pantallas de las salas de cine. No pude contener mi excitación. “Nadie mejor que Eggers para resucitar el terror de “Nosferatu“ y la belleza del expresionismo alemán“. Eso pensaba, eso sentía...hasta que me dio un vuelco el corazón. No precisé de mucho, bastaron los primeros 15 segundos y ya estaba con el vampiro detrás de la oreja. ¿Qué significa esto?
¿Qué es esta especie de prólogo donde al parecer se profundiza en el pasado, o quizás en las pesadillas, de Ellen, de un tono psicosexual y escabroso que me incomoda y provoca mi primer rechinar de dientes? Una pesadilla. Entonces viajamos a la ciudad inventada de Wisborg del film original, y de hecho se respeta la cronología de la estructura de Henrik Galeen...pero hay un problema. Murnau se permitía cierta levedad al inicio de su historia; el protagonista, Hutter, era un hombre alegre que, ignorante él, no reparaba en la inquietud de su devota esposa Ellen debido a su viaje a las tierras de Transylvania por mediación de su grotesco jefe, el agente inmobiliario Knock.

En las garras de la hija de Johnny Depp (ojalá hubieran elegido a Evan Rachel Wood) Ellen se hace con el protagonismo...pero va muchísimo más allá del papel de Greta Schröder (qué considerado Eggers, ha puesto a la gata su nombre, en un guiño al fan). Esta Ellen, con su carácter tan lúgubre, paranoico, tan pretendidamente trágico y “brontiano“, condiciona toda la historia. Su esposo y todos los que están a su alrededor, incluido el público, han de prestarle la mayor de las atenciones, pues sufre, sufre mucho; ella, no bastaba con Knock, instala esa sensación de mal agüero, de presagio y amenaza, desde sus pesadillas más profundas.
La sonrisa de aquel Gustav Von Wangenheim desaparece en el rostro de un Nicholas Hoult petrificado durante el 90% del metraje; está más congelado que los Cárpatos hacia donde se dirige la trama, siguiendo la original, y añadiendo impactantes escenas oníricas, extravagantes rituales de nativos y de paso cambiando a los hermanos Harding y Ruth por un matrimonio. Pero si Murnau expresaba en sus imágenes la poética del puro horror, poderosa y a la vez mórbida, hipnótica y sugerente, Eggers impone la fuerza de lo tenebroso a la estética y el sonido; en lugar de silencio y sobriedad aquí todo son tinieblas y ruido, una mezcla de James Wan y Tim Burton llevada al exceso.

La otrora sinfonía del horror es ahora un estridente concierto de golpes de efecto...

Todo queda afectado por esa inclinación. Si recordamos la original, Hutter proseguía su viaje sin el menor rastro de miedo, riéndose de las supersticiones...hasta que Orlok se cruzaba en su camino, disfrazado de cochero. Y el espectador, que había estado junto a él, creyendo en su valentía, notaba ese cambio en su expresión, esa inquietud que borraba cualquier optimismo.
El miedo había llegado. Aquí Hoult está exactamente igual al final que al principio. Y el aspecto cadavérico de Max Schreck, su lánguida figura, que se aproximaba desde el fondo hacia la cámara, siempre estática, alimentaba una sensación de grima y malestar, frío en la piel, el horror era tangible y repelente.

En las garras del hijo de Stellan Skarsgård, y por obra y gracia del director, este monstruo se transforma completamente. Lo monstruoso bajo la influencia del Drácula clásico, incluso del de Ford Coppola, más aún teniendo tan presente la mística unión entre él y Ellen; si Murnau y Galeen interpretaron “Drácula“ a su manera, Eggers interpreta “Nosferatu“ a la suya, combinando personajes y elementos como le da la gana, pero la cruzada gótico-romántica que emprende este Orlok para reencontrarse con su anhelada amada no sacude mis nervios como el trepidante viaje al que se lanzaba el antiguo Orlok por simple ansia de poder, dominación y sed de sangre.
El viaje, la aventura, la transmisión de la peste negra por toda la ciudad, la llegada, la amenaza y la posterior carrera a contrarreloj para salvar a la mujer. Todo igual pero distinto. El guión ofrece a Ellen esa traumática y esotérica historia de fondo y ya no se concentra en otra cosa; es víctima, heroína, esposa, deseo, todo. Pero nada tiene que ver con la mítica Wilhelmina de Stoker, esencial para que los héroes masculinos de la novela encontrasen y matasen a Drácula; Eggers toma al personaje de Galeen, la oscurece y vuelve una mujer de la época actual, juega a los exorcismos con ella y subraya su dramatismo y gran apetito sexual femenino.

¿Era también necesario volverla tan insufriblemente irritante, egoísta y arrogante?, ¿creyendo que todo depende de ella cuando es ella la que depende de todos? (por cierto, su gata también es dueña de sí misma, no se lo pierdan...) Esta Ellen parece, más bien, la peor combinación posible de Jane Eyre, Bella Swan y la Robin Tunney de “El Fin de los Días“, y a través suya Orlok, que era monstruo insaciable y apocalíptico, es humanizado, romantizado, “garyoldmanizado“, que insiste, y esto es increíble, en su entrega voluntaria (porque los vampiros ahora solicitan, no fuerzan a sus víctimas femeninas; a las masculinas sí, ¿pero qué importa eso?).
Si la Ellen de Murnau temblaba de miedo ante la sombra de las uñas largas y afiladas del conde y sucumbía a la fuerza a su mordisco en la yugular, la Ellen de Eggers se postra desnuda y fornica mientras le sorben la sangre de los pechos. El sacrificio es el mismo, pero la manera de mostrarse y la intención son muy distintas. En ese momento de la película también brotaba sangre de mis oídos a causa de tanta estridencia y tanto golpe gratuito de efecto; por su parte el enloquecido Knock y el tibio análogo de Van Helsing a quienes daban vida Alexander Granach y John Gottowt en la obra original mejoran, y mucho, gracias a Simon McBurney y Willem Dafoe.

Y éste último, él solo (en un ocurrente cambio de roles, ya que interpretó a Orlok en “La Sombra del Vampiro“), se merienda con esa furia natural que le caracteriza a todos sus compañeros de reparto, incluida la srta. Depp...por mucho que se empeñe en destacar en cada escena recitando los diálogos como si estuviera en una obra de Shakespeare (algo que no hace ningún otro personaje).
Tras ese tediosísimo retorno y ese intento de posesión y consumación que parece no terminar nunca, Eggers apuesta por el final triste, igual que Murnau; eso sí, retorciendo y manipulando todo en el camino...

Se llega exhausto, agotado, dolorido, confuso y sin sangre al final de este larguísimo periplo. En un símil podríamos decir que Orlok es Eggers, un servidor es Hutter y Ellen es la versión clásica de “Nosferatu“. Librarla de los colmillos de este infame ser que tanto me había impresionado con “El Faro“ es quizás tarea imposible, pero al menos mi cuello y mi alma no han sido mancillados.
Las tinieblas de Murnau se ciernen inexorables, aunque Dafoe, McBurney y un solvente Aaron Taylor-Johnson, y el talento de Craig Lathrop, Jarin Blaschke y Robert Cowper para lograr el exquisito (eso no se niega) arte visual de la película también se han salvado. En la sentencia “Quizás esa palabra no suene como el graznido nocturno de un pájaro de mal agüero...pero guárdate de pronunciarla...“, “Nosferatu“ debería cambiarse ahora por “Eggers“.

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Los Inquilinos

Una fotografía interesante y un inicio prometedor que poco a poco va perdiendo fuerza a mi parecer, y es que me agrado su comienzo con todo ese misterio de la maldición o fantasmas que tienen condicionados a la pareja de hermanos, a esto destacar el escenario de la casona en medio de un lago y el ambiente de época , creo que tenía elementos muy buenos como para ofrecer una mejor historia y solo termina decepcionando con su planteamiento , enfocándose más en el drama con la actitud del hermano menor , la deuda de los protagonistas y la subtrama romántica

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Frankenstein y el monstruo del Infierno

Testamento de su autor, que falleció poco después de terminarla. Cierre de un ciclo quintaesencial, refulgente en su lúcido pesimismo y afilado sentido del horror. Y es que aquí ya tenemos a un profesor hastiado, - no olvidemos que este Frankenstein envejeció al tiempo que Cushing y el propio Fisher -, que sin embargo se busca la manera de seguir con su proyecto hasta el final, hasta la propia tumba.

Instalado en un sórdido sanatorio mental, donde un hipócrita vicioso hace las veces de alcaide, se vale del chantaje para dirigir el cotarro. Ahora por fin es el amo y dispone de todo lo necesario; ayudantes bien pagados, instrumental a la carta, y sobre todo especímenes vivos.. o muertos, según se tercie. Pese a esto, el lirismo sentimental también se hace un hueco en la historia.

Esta, de alguna manera supone un regreso a los orígenes… lo cual ayuda a cerrar el ciclo con rigor y coherencia. El doctor recurre a un cuerpo bestial en el que injerta las manos de un artesano y el cerebro de un bondadoso matemático. Por desgracia, no es suficiente. En este caso, la rebelión somática del cuerpo de la bestia se impondrá a lo demás… originando el último de los desastres.

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Efectos Especiales

Thriller con un argumento simple que incluye a un asesino de por medio y mucha investigación policiaca pero no tiene ninguna intención de sorprendernos debido a que desde muy temprano se muestra al asesino de la historia cometiendo su primer crimen lo que desencadena una investigación y una lucha del propio protagonista por comprobar su inocencia y esclarecer la muerte de su novia , una historia quizás no muy atractiva aunque las buenas actuaciones hacen que por lo menos uno se mantenga al tanto

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Frankenstein creó a la mujer

Cuarta entrega del ciclo Hammer dedicada al personaje, la favorita para muchos, en la que directamente hablamos de la transmigración de las almas. Es decir, de la incursión del doctor en terrenos metafísicos. De lo que se trata, y funciona con éxito, es de atrapar el alma de alguien en un aparato… para luego traspasarlo al cuerpo de otro.

Para llegar a tamaña hazaña, se nos comienza contando la imposible historia de amor entre dos seres marginados; una chica con una parálisis que le afecta medio cuerpo, y el joven hijo de un ajusticiado. Por culpa de los de siempre, los otros, los seres vulgares y necios que representan la “normalidad”, ambos acaban muertos. Él guillotinado injustamente y ella suicidándose a continuación.

Y entonces el doctor opera su milagro. El alma de él en el cuerpo de ella, una operación de cirugía para solucionar la parálisis, y una preciosidad revivida, Susan Senberg… con unas ansias de venganza ilimitadas. El club de los miserables irá cayendo; como moscas. Pocas veces el horror y la belleza han convergido en un film de forma tan natural.

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The Cursed

La película me llamó la atención debido a que el guionista es el mismo de aquel exitoso film “Train to Busan” y también por que tuvo su estrenó en las salas de cine y supuse que valdría la pena aunque su historia fantasiosa de experimentos, zombies y sectas no terminó de convencerme , además de que esta llevada con un estilo policiaco cansino , si bien es cierto que muestra unas coreografías decentes en las escenas de acción pero su argumento maneja una mezcla rara la cual no me ha gustado para nada

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Jaula

Una película que logra engañarnos muy bien con su argumento presentandonos como punto de partida a la pareja protagonista los cuales encuentran a una misteriosa niña en la carretera y después de un chequeo médico deciden adoptarla , a partir de aquí el desarrollo es todo un misterio pese a que uno hace sus propia teorias sobre el extraño comportamiento de la niña pero ya casi para llegar al final termina por sorprendernos con una explicación que al menos a mí no ha logrado convencerme aunque admito que ha logrado guardar muy bien su contexto para ofrecer un giro inesperado

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Obayifo Project

Es un bajo presupuesto que se ve muy real. Los actores, bastante bien, aunque tienen algún momento un poco repetitivo.
El monstruo, muy bien hecho, aunque me gustaría haberlo visto más.
Quizá un poco alargado el metraje para lo que cuenta, pero bastante buena puesta en escena, y los decorados y localizaciones me gustaron.
Buen mokumentary.

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Creature

Una de las mejores imitaciones que he visto de “Alien“, junto con “La galaxia del terror“, y alguna más.
El argumento no será muy original pero está llevado a buen ritmo, consiguiendo así un film ameno e interesante, a pesar de sus imperfecciones.
Tal vez lo más flojo sean las actuaciones (un tanto sosas), aunque al menos se puede salvar la sobria actuación de Klaus Kinski; el cuál curiosamente aparece a media película.
Lo mejor : Los excelentes efectos especiales y la acertada ambientación y diseño de la nave espacial. Además el monstruo de turno está bastante bien realizado y funciona de forma eficaz.
A pesar de tener un presupuesto limitado, es muy superior a otras cutradas que salieron en esa misma época, ya que ofrece más calidad y dignidad.
En fin, que es una pequeña joya ochentera de ciencia-ficción / terror, y si os interesa el tema, os la recomiendo. Dadle una oportunidad.
Puntuación : 7.

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Moloch

Betriek es una joven viuda que vive en el norte de los Países Bajos, al borde de una turbera. Comparte la casa con su madre y su pequeña hija, mientras que su padre vive en la casa de al lado. En la antigua turbera se está llevando a cabo una excavación arqueológica, dirigida por Jonas, pero algunas cosas deberían permanecer enterradas.

Moloch, basada en el folclore holandés, es una película de terror interesante, no solo por su país de origen (toda una novedad) sino por su combinación de folk horror, terror demoniaco y sectas siniestras. Es un tipo de horror de graduación lenta, que se centra, en sus dos primeras partes, en gran medida en la sugestión, hasta su siniestro final. Le hubiera beneficiado un mejor ritmo y disminuir algunos minutos.

El debutante director Nico van den Brink no tiene prisa, pero los últimos 30 minutos son bastante buenos y me encantó la escena con las niñas actuando en una obra de teatro.

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