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Nosferatu

“Quizás esa palabra no suene como el graznido nocturno de un pájaro de mal agüero...pero guárdate de pronunciarla, o las imágenes de la vida se desvanecerán en las sombras, sueños espectrales surgirán de tu corazón y se alimentarán de tu sangre...“.
Junto a los grandes títulos que definieron los géneros, estilos y temas en la Historia del cine, cuesta creer que “Nosferatu“, con su aparente gran envergadura, fuese un proyecto pergeñado con poco presupuesto y mucha caradura del productor Enrico Dieckmann y el estudioso del ocultismo Gustav Alwin Brau, decidido a realizar una serie de obras sobre dicha temática.

Su Prana Film duró un suspiro pero fue la cuna de un mito, creado (y de ahí la caradura) a partir del “Dracula“ de Bram Stoker sin haber reparado en el asunto de los derechos de autor, como ya se sabe. Las comparaciones son odiosas pero Henrik Galeen (guionista de “Der Golem“, otra pequeña gran joya del cine mudo alemán) también crea su propia mitología, donde la británica Whitby de finales del XIX se cambia por la ficticia Wisborg de mitad del 1.800. Diarios anónimos nos avisan sobre pesadillas, sangre y vampiros. Pero Friedrich Murnau, quien estaba empezando a ganar reconocimiento en aquel momento, inicia la película, dividida en varios actos, con un toque de extraña levedad.
Poco a poco se van introduciendo los elementos de presagio y amenaza. John Harker es ahora el risueño agente inmobiliario Hutter, al que nada inquieta, ni su grotesco jefe Knock (con el que Galeen comete el error de adelantar dicha amenaza al mostrar los documentos en lenguaje enoquiano) ni las preocupaciones de su mujer Ellen debido a su viaje a las lejanas tierras de los Cárpatos (encarnada por Greta Schröder, el importante personaje de Wilhelmina Murray, tan moderno para la época, es reducido a una devota ama de casa que sufre en silencio).

El arte de Murnau para infiltrar el terror en el mundo natural se produce una vez iniciado el viaje, filmado en los parajes de Eslovaquia. Es vital permanecer siempre al lado de Hutter, con su actitud optimista, valiente, un tipo civilizado que hasta se ríe de las supersticiones; la tierra en la que ha se ha aventurado sigue, sin embargo, perteneciendo a una edad oscura que no entiende de civilización...y entonces la enorme sonrisa de Gustav Von Wangenheim se borra al cruzarse en el camino con el conde Orlok, quien le recibe bajo el disfraz de cochero. Y el espectador sigue a su lado, percibiendo el miedo, tangible, posible, y lo más importante: omnipresente.
Grau y Murnau hacen magia, ayudados por los escenarios y la presencia del desconocido actor teatral Max Schreck, que transforma al elegante y seductor Dracula en un monstruo cadavérico. Y arrastrados por su fuerza maléfica entramos a un universo de tinieblas separado del mundo real; los instantes en el interior del castillo no causan terror entendido desde el punto de vista moderno, pero sí una sensación de grima y malestar ante la presencia de lo extraño. Manteniendo la posición estática, el director transmite de maravilla esa sensación mientras la figura lánguida y viscosa de Orlok se aproxima hacia la cámara, así que resulta imposible escapar de él. Es la muerte encarnada que se nos hecha encima...

La economía de medios estimuló la imaginación de Grau y Murnau, y nunca nada tan simple como la sombra de unas largas uñas cerniéndose sobre unos ojos aterrados resultó tan poderoso. El viaje y la cacería del conde para evitar que llegue hasta la codiciada mujer trastoca lo escrito por Stoker; si el horror vampírico se interpreta como plaga Galeen lo utiliza de manera literal para desatar una muy creíble epidemia de peste. Orlok no se infiltra en la sociedad igual que Dracula, sino que llega y la destruye; los temas de seducción y posesión aquí se reducen al ansia de dominación, poder y sed de sangre, con el distintivo mordisco en la yugular.
La trama simplifica la enorme aventura de la novela, sobre todo al reducirse tan drásticamente los personajes esenciales de Wilhelmina y Abraham Van Helsing, que encarnado por John Gottowt pasa a ser el desaprovechado científico Bulwer. El guión conserva aun así, sin llegar al tema del deseo sexual, la posesión de la mujer; ya desde el principio Ellen sucumbe a las sombras de Orlok (como en realidad le sucedía a Lucy Westenra) y, sin quererlo, Galeen y Murnau se centran en ella, desechando toda presencia de héroes masculinos y apostando por una solución mucho más pesimista.

Ciertamente, Galeen y Murnau se centran en Ellen, desechando toda presencia de héroes masculinos y apostando por una solución mucho más pesimista: el sacrificio propio, aunque eso sí, nunca voluntarioso. Esto provoca que los instantes climáticos, aun rebosantes de fuerza e intensidad, resulten deprimentes. No hay una lucha como tal, ni cacería, ni heroísmo, sólo una insufrible agonía, la sombra de esa mano larga y esquelética que trepa por el pecho de Ellen, víctima abandonada, inerme, encogida por el horror.
El amanecer alzándose, dispuesto a librar al mundo de tinieblas y maldades; Galeen acierta de pleno al hacer de la pureza de es amanecer la condena eterna para el vampiro, mientras Schröder sorprende con su dramática y teatral actuación. Mientras Wilhelmina sobrevivía aquí sólo quedan las lágrimas. Aun con sus diferencias la viuda de Stoker, Florence, no cesó hasta llevar a juicio a los productores, obligados a destruir toda copia de “Nosferatu“. Así pues, Dios bendiga la distribución clandestina, que mantuvo a salvo el film, cuyo poder revela una verdad acerca del terror: que todo empieza con la atmósfera, la sombra, la sugerencia...

Esto es, crear poesía a partir del movimiento, sinfonía a partir de los ambientes, sensación a partir de la expresión, miedo a partir del silencio.
Aun si Murnau no manejaba los trucos que traería el género y la técnica cinematográfica posteriormente, esta verdad permanece inalterable.

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Guns Akimbo

Disparar, correr, sangre, explosiones, pólvora, un miembro perdido por aquí, un agujero que otro en el cuerpo, más sangre y más pólvora, y el rinconcito donde poder descansar unos segundos como paso a otro nivel, y en eso se basa la supervivencia de los FPS, la inspiración para que el chiflado Jason L. Howden desatara los infiernos en una de las más chifladas propuestas de 2.019.

No hay duda de que “Guns Akimbo“ procede del fanatismo y la devoción “freak“ por muchas cosas. Cine de la década de los “80, videojuegos y cómics, mezclado en una coctelera que al neozelandés le costó degustar unos cuantos años, incluso antes de la delirante “Deathgasm“; considerando lo mucho que en la gran pantalla se ha explotado el concepto y el escenario del “survival action“, ya un subgénero por derecho propio, cuesta creer el gran entusiasmo de Felipe Marino y Joe Neurauter cuando aquél les presentó el proyecto durante la gira de presentación de su debut.
Pero entonces empezó con una decepción por parte de Howden al comprobar lo poco que interesaba a la Comisión de Cine de Nueva Zelanda invertir en cine de acción y siguió con un salto cualitativo al firmar como protagonista el imparable Daniel Radcliffe. Así, la película “de presupuesto mínimo al estilo de “El Marichi“ de Rodríguez“ que imaginó el director se convirtió en una enorme coproducción filmada entre Auckland y Alemania donde se regresa a ese conocido universo distópico cuya sociedad depende totalmente de un entretenimiento basado en la violencia. Muchos nombres ha tenido, aquí se llama SKIZM.

Entretenimiento como todos: una competición donde gente muy cruel se mata por una recompensa que creen que existe más allá de la única a la que pueden aspirar, que es convertirse en ídolos de una generación sin moral, sentimientos ni sentido común. Y Howden entra a saco, con una persecución de coches que rueda a 10.000 fotogramas por segundo, sangre salpicando la pantalla y una joven estrella femenina donde pueda lucirse como es debido; si Samara Weaving machacaba a unos cuantos infectados en “Mayhem“ por necesidad aquí lo hace por mero placer. La actriz de hecho se lo pasa pipa y lo sabemos.
El personaje de Nix le sirve como vehículo para su lucimiento, mientras Radcliffe se humilla en la piel del fracasado programador Miles, versión un poco más radical del propio Howden, con su misma nostalgia por conservar los “80 entre las cuatro paredes de su casa en la que pasa horas metiéndose con gente en redes sociales (pero pese a las muchas referencias cinéfilas y a videojuegos, curiosamente no es otra cosa que el videoclip “Experts“ del “dubstepero“ Skism la principal inspiración, y si allí el protagonista se metía dentro del ordenador y debía enfrentarse a otros músicos aquí Miles sufre las consecuencias de ir contra el jefe de ese sangriento show de masas “live-stream“).

A simple vista mezclar un videoclip chusco y un género más visto que el tebeo no era buena idea. Y no lo es, sobre todo si se rompen ciertas normas; una de las claves del “survival“ es que ocurre en un escenario preparado dentro de su sociedad distópica, así era en “Perseguido“, en “Battle Royale“, en el manga “Btooom!“, y te lo crees, pero en este caso los participantes de la competición se matan en las calles de una ciudad perfectamente normal, con policías y gente paseando por el parque...y eso le funde a uno los circuitos. Por otro lado, si el director a nivel técnico y visual es minucioso e intenso, en cuestión de guión no podría ser más torpe.
Este delirio un poco Rodríguez, un poco “Gamer“, al estilo del manga/anime y en homenaje a los “80 (aunque sin poseer un gramo de su encanto), salpicado de una retahíla de diálogos a cada cual más increíble, no podría permitirse ser más imbécil de lo que ya es su premisa. Pero lo previsible de su argumento (desde que el objetivo de Miles es la psicótica Nix ya se sabe que, por alguna artimaña (entre inesperada y regurgitada), se aliarán contra los organizadores del juego) y la manía constante de boicotearse a sí mismo (la narración innecesaria del protagonista, los inútiles “flashbacks“ express y las resoluciones casi inmediatas de algunos enigmas que plantea el guión...¿pero a quién puñetas se le ocurre?) demuestra que sí.

Howden está tan concentrado en la pirotecnia, los efectos y en hacer que sus actores luzcan muy bien en pantalla que se olvida de desarrollar a sus personajes (sobre a todo a Nix...¡lo que se podría haber sacado de ahí!), de hacer una sátira más profunda y negra sobre la dependencia de las redes sociales, la despersonalización y la desensibilización de la sociedad (como hizo “Gamer“, por ejemplo), o de no usar tanto tópico ni tanto estereotipo molesto (¿para qué leches está Nova?, una Natasha Bordizzo desperdiciada como mero cebo...).
Y lo más irritante: Howden no le echa narices y ofrece algo original, no aprovecha una situación arquetípica y sorprende con un giro imprevisible. ¿No lo sería el que Miles, buenazo vegetariano, aceptara convertirse en campeón del juego porque en realidad le excita ser famoso y liberar su frustración a través de la violencia? Eso sí sería cínico, pero tal vez demasiado políticamente incorrecto para estos tiempos. Una lástima. El carisma de Radcliffe y Weaving y su explosiva química en pantalla es de lejos lo mejor.

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The Cursed Pond

Los mitos japoneses sobre desastres cometidos por espíritus vengadores han alimentado la imaginación colectiva hasta el punto de eclipsar la verdad histórica. Esto ocurrió cuando, durante la era Keicho, el Gobierno otorgó al comandante Naoshige Nabeshima la mayor parte de la herencia y territorios de la familia Ryuzoji, de quien éste era familiar y vasallo.
Situación que llevó a Takafusa, heredero natural de los Ryuzoji “ubicado“ en una posición menor, a volverse loco, asesinar a su esposa e intentar suicidarse. Y tras unos meses las heridas físicas y su estado mental le acabaron matando...

Nabeshima moriría mucho más tarde, pero los rumores de que el espíritu de Takafusa rondaba por su castillo atormentándole sin cesar crecieron y crecieron. Lo que pasó en realidad es que otros tantos herederos, ignorando el poder de Nabeshima, instaron al Shogunato en numerosas ocasiones a la restauración del clan Ryuzoji, en vano; por su parte, aquellas leyendas terroríficas pasaron a representarse en teatros, lo que enfureció tanto a los miembros de un clan como a los de otro. Cuando Shigeru Okada fue ascendido a director general de Toei, esta obra, que aún seguía realizándose (y continúa a día de hoy) le atrajo lo suficiente como para querer llevarla a la gran pantalla.
Tenía más bien la intención de ser el canto del cisne de un tipo de películas que habían mantenido su popularidad bastante tiempo, pero Okada, obsesionado con modernizar las propuestas de la productora, ya no mostraba interés por los dramas feudales ni el terror fantástico. “Kaibyo Noroi no Numa“ cierra así el largo ciclo de fábulas sobre fantasmas y maldiciones en el antiguo Japón, y le es encargado a Yoshihiro Ishikawa, aventajado alumno de Nobuo Nakagawa y guionista y director experto en el género; y lo primero que hace su guión es presentar los hechos que envolvieron la toma de poder de Nabeshima desde la leyenda inventada, no la historia real.

Por eso el que fuera vasallo de los Ryuzoji aquí es retratado, en la piel de Ryohei Uchida (ese pobre actor que no salía de su encasillamiento de villano), como un auténtico hijo de Satanás que no sólo ataca despiadadamente a Takafusa, sino que lo empareda vivo y toma por esposa a su mujer Kiyo; tremenda conspiración ficticia que nos sitúa en el centro de la clásica tragedia feudal. Pero esto es sólo un prólogo; de hecho la estructura narrativa, no muy adecuadamente, irá saltando de un suceso a otro y de una tragedia a otra para ir transfiriendo la maldición original iniciada por Kiyo, que se suicidó junto con su gato en el estanque del castillo de los Ryuzoji.
Así la historia se corta y años después aquellos hechos han alimentado la creencia en una maldición. Sin embargo, aunque Ishikawa, el director de fotografía Shigeru Akatsuka y el director artístico Tokumichi Igawa se esfuercen en crear maravillosos escenarios envueltos en misterio y fantasmagoría, los elementos propios de terror tardarán en aparecer; por ahora nos podemos deleitar con las vueltas de tuerca del clásico “jidai-geki“, que atrapan en una maraña de traición y crueldad a una joven pareja (Jonosuke y Yukiji) a la que le tocará sufrir mucho por culpa de la maldad de este inventado Nabeshima. Y el espectador sufre con ellos...

Pero lo más destacado de este trilladísimo drama feudal es la interpretación visceral de Uchida, cuyo personaje sobrepasa los límites de lo desagradable, condenando y asesinando sin ninguna piedad, tanto a individuos externos como a miembros de su propio clan. La 2.ª mitad de la película ya se adentra como tal en el horror, cuando el espíritu del gato de la ya olvidada Kiyo empieza su cruzada de venganza a través de Yukiji, y luego de una de las sirvientas del daimyo; por desgracia esa manía de la transferencia de la maldición de una mujer a otra resulta irritante, ya que nos fuerza a olvidar a personajes anteriores para centrarnos en uno nuevo, y cada vez menos interesante.
El protagonismo, entonces, siempre debería haber pertenecido a la genial actriz Chiyo Okada, primera víctima femenina de la historia. El director desata el espectáculo paranormal, en dosificadas y bellas secuencias de apariciones espectrales, atractivas transformaciones, sonidos inquietantes y alguna que otra muestra impactante de violencia explícita; pero ésta, más que de los espíritus que rondan el castillo y castigan a sirvientes y samuráis, proviene del descenso a la locura de Nabeshima, la auténtica presencia demoníaca que desde siempre habitó el lugar.

Los instantes en los que asistimos a su descontrolada demencia, dotados de una puesta en escena onírica, son realmente poderosos, y Yoshikawa logra ponerse a la altura de los maestros del género y el estilo. Kyoko Mikage está espléndida en el papel de la sacrificada Yukiji, y ella, junto a Kotaro Satomi, tienen el privilegio de protagonizar una de las escenas dramáticas mejor filmadas (por ende más memorables) del cine japonés clásico (ese duelo en el estanque...).
Con esta preciosa elegía fantasmagórica, a ratos indigesta, algo confusa e irregular, el “j-horror“ tradicional entraría en una especie de letargo y olvido. Otras tendencias tomaron el relevo, impulsadas por la influencia occidental (sobre todo la de los vampiros y las posesiones demoníacas) o el deseo de hacer películas más provocativas y violentas. Los gatos que desataban aterradoras maldiciones tardarían en volver, por lo menos hasta principios del nuevo siglo...

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Despedida de Soltero Sangrienta

Peter Berg, antes de pasar a la dirección, parecía saber lo que estaba haciendo mientras escribía el que iba a ser su debut (y mejor obra de su carrera), pues tomó muy buenos apuntes de una película de bajo presupuesto emitida en HBO a mediados de Junio de 1.997 llamada “Stag“, y que luego tuvo un estreno limitado en algunas salas comerciales.
Fue la más notable de aquellas primeras producciones independientes del viejo sello Cinepix Film Properties tras ser absorbido por Lionsgate a mediados de los “90 (donde también pueden contarse “Buffalo “66“ o “The Daytrippers“).

Se hizo con poco dinero y actores (jóvenes y veteranos) con evidente necesidad y carreras precarias, pero tiene eso que tanto caracteriza al cine “indie“ de la época: frescura, descaro y potencia visual. El editor y guionista Gavin Wilding toma la historia de Jason Schombing, inspirada supuestamente en hechos reales (pero sin el inconveniente de haber cadáveres de por medio), y nos mete en ella desde el punto de vista de Victor, un exitoso hombre de negocios a punto de pasar por el altar que aún no sabe que su lujosa casa va a convertirse en escenario de locuras varias por culpa de la despedida de soltero que le han organizado sus viejos amigos.
Sin prólogos ni introspecciones que valgan en la vida del protagonista, la fiesta ya está preparada para empezar, y con una predisposición a usar la cámara en mano, el director va presentando uno por uno a los nueve responsables, entre los que se cuentan tanto amigos íntimos como simplemente conocidos, todos con vidas y posiciones sociales muy distintas; aquí un prestigioso abogado (Mario Van Peebles), allá un veterano de guerra con trastornos psicológicos (Kevin Dillon), allí un antiguo campeón del fútbol americano (Greg Williams). Pero no tardan en ponerse al mismo nivel una vez las drogas y el alcohol van cayendo.

Lo que está claro es que (casi) todos tienen un pasado, una doble vida o una forma de ser que intentan ocultar a los demás. El dueto Evan Tylor/Pat Bermel hace que el muy carismático reparto vomite unos diálogos afilados y realistas, y lo que era una prostituta en la posterior “Very Bad Things“ aquí se desdobla en dos hermanas, una dedicada al baile (Taylor Dayne) y la otra al sexo (Jenny McShane)...sin embargo el incidente que hace virar la trama es exactamente el mismo y una de las chicas pronto acaba siendo víctima de la tragedia. Y empieza así la pesadilla. Pero hay algo que distancia la obra de Berg y la de Wilding: el primero introducía maliciosamente el humor negro por medio de las situaciones más aterradoras, usaba el exceso en favor de una suspensión de la credibilidad, y así lo grotesco se volvía delirante.
En “Stag“, a pesar de lo disparatado de la premisa, no hay ni rastro de humor, y cuando lo peor ocurre una sensación de malestar impregna todo el escenario que es la casa de Victor, de donde nunca saldrá la cámara (sólo para acercarse al jardín y poco más), aprovechando al máximo las posibilidades del espacio y atrapándonos en una atmósfera sofocante, reforzada con la ausencia de aire acondicionado. Más que la sombra de Tarantino (que también anda pululando por ahí) se hereda la mala baba de Abel Ferrara, el gusto por la improvisación de Cassavetes y el tono crudo del cine de ambos (mucho hace que esté Ben Gazzara).

“Stag“ es un buen ejemplo de ese “thriller“ situado en un único escenario donde emergen de forma directa y clara las mezquindades de sus personajes, empezando por un genial Andrew McCarthy, dando el pego de perverso psicópata y convirtiéndose en el maestro de ceremonias del grupo, quienes se revelan poco a poco tras el desastre, sus miedos, sus traumas pasados, y en especial su deseo de encubrir sus malos actos. Porque aquí nadie (ni siquiera el personaje de Dillon, que así lo parecía) opta por la redención y los que al principio aparentaban ser mejores amigos terminan cayendo en un círculo vicioso de contrariedades que les llevan a pasar a las acusaciones, de ahí a la total desconfianza y de ahí al odio.
Lo más importante para esta panda de miserables es (claro, lógico...) intentar mantener su posición, sus trabajos y sus familias, que casi todos usan como mero pretexto para exculparse. Pero lo más importante para la película es el valiente y tenaz personaje de Dayne, Serena: gracias a su constante lucha la trama se alarga y alarga, creciendo la incertidumbre entre los hombres y volviéndose el clima va cada vez más agobiante, hasta cruzar extremos increíbles. Porque cuanto mayor es la certeza para ellos de acabar en prisión mayor es el sinsentido de las soluciones que van proponiendo, en un alarde de repelente amoralidad.

Y por disparatado que se vuelva el guión, con algunos giros algo increíbles (y el clímax así lo demuestra), Wilding nunca se inclina al humor negro.
Lo único que hicieron los productores de “Very Bad Things“ fue agrandar el escenario de la historia añadiendo más presupuesto, mientras Berg nos mostraba las consecuencias del incidente si los personajes se hubieran puesto de acuerdo en ocultarlo. Así que hay que dar el suficiente crédito a “Stag“ por haber llegado antes.

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Flow, Un Mundo que Salvar

Película de animación cuya mayor fortaleza es que los personajes actúan como animales, sin diálogo, pero con movimientos propios que comunican lo que están sintiendo o cuales son sus objetivos.

Tiene un toque filosófico, su historia parece simple, pero entra en profundidades si ves las metáforas en ella.

Desgraciadamente, a mi, no me conquistó su estilo gráfico, pareciera que está a medio proceso y que le falta render aún.
Por lo demás el animal menos logrado es el capybara, que se siente insertado más por ser el animal que está de moda, que por el real aporte a este particular grupo de animales.

Divertida y emocionante, y un toque metafísico para ese padre que cree que irá a ver una película para menores.

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Azrael

Película con un guion muy simple aunque me ha parecido entretenida ya que inicia rápidamente con buen ritmo , presentándonos una historia survival en la que incluyen criaturas humanoides y una secta , también ayuda mucho que es un film de corta duración y que cuenta con la presencia de samara weaving una reyna del grito moderna que ya sabe perfectamente cómo desempeñarse en este estilo de películas, también cabe mencionar los aceptables efectos de las muertes con todo y gore incluido , es adecuada para pasar el rato pese a que tiene un contenido sencillo

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Winnie-the-Pooh 2. El bosque sangriento

Bueno,en primer lugar supera a la nefasta primer parte,aunque mucho no se debe hacer para lograrlo.
La mascara de pooh si bien sigue dejando mucho que desear,por lo menos no se parece al ogro shek de la primer parte.
Ahora Buho es penoso por donde se lo vea,y tigger que aparece por el final otra cosa indigna de ver.
Lo que si.me gusto es la explicacion del origenes de estos monstruos,y que por lo que la chica y el niño cuandio ven la pelicula de Pooh,es que todo lo que se vio en la anterior entrega es como que eso es un film hecho a los sucesos que acontecieron en el bosque.
Si estan bien las muertes,muy violentas y sangrientas.
Actuaciones irrelevantes y final que pudo haber sido algo mejor.
En si la peli es floja pero hay cosas dignas como las muertrs.Mi puntuacion es un 5.

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El Sacrificio de un Ciervo Sagrado

Primera película de la filmografía de Lanthimos que veo. Hace poco se hizo resonar Poor Things (2023) por sus temas abordados, sin embargo me doy cuenta que no es cosa de una película. Aparentemente el incentivo sexual es una pisca de sal que no puede faltar en todos o la mayoría de los platos.
Quizás el inquieto más perverso puede digerirse con los diálogos. Palabras muy formales y escuetas que instan de ser raras, claro, asimilando el entorno que francamente se siente tenso.
La inspiración tomada de la Tragedia de Eurípides “Ifigenia en Áulide“ suma riqueza en el sentido direccional de la obra, le da luz a lo que se busca y lo hace un recorrido redondo, se esclarece un trasfondo. El personaje de Martin se convierte en un patrón, una sizaña de lo que el protagonista debe temer y de lo que la audiencia debe esperar de él. La actitud a secas se vuelve indeleble y suscita a la intranquilidad de Steven, una opción perfecta para cometer el sacrificio, rígido, sin pena y consecuente de las acciones del pasado.

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The Sadness

Una película que tenía pendiente desde hace tiempo, habiendo oído muy buenas cosas sobre ella, incluso noticias sensacionalistas sobre las reacciones de la gente al verla en cine, y que por fin he visto. Y vaya, me arrepiento de no haberlo hecho antes, porque esta película es bestial.
Al comienzo de la película puedes pensar que te vas a encontrar con la típica película de infectados descerebrados, pero nada más lejos de la realidad. Aquí tenemos un virus que afecta a los humanos y los convierte en puros maníacos sexuales y asesinos, básicamente los vuelve psicópatas, pero manteniendo su inteligencia intacta, lo cual los vuelve mucho más peligrosos que el zombie común. Esto lleva las películas de infectados a un nuevo nivel.
La película es tremendamente sangrienta, con una buena dosis de gore y mucha, mucha maldad. Pura tensión en todo momento, con escenas crueles y explícitas en algunas ocasiones. Aquí no tenemos al típico héroe y escenas divertidas, aquí todo es serio, crudo y duro, muy duro, y es que tema de las violaciones es un obvio tabú que esta película no respeta, lo cual la hace más dolorosa.
Tengo que decir que, al menos para mi gusto, el tramo final de la película es algo más flojito, lo cual es raro, pues lo lógico es dejar lo mejor (o peor, según se mire) para el final, pero aquí es al contrario. Y hay algo que no entiendo: ¿por qué no existe aún secuela de esta genialidad?, esta idea da para mucho, no debería quedarse en una sola entrega. Quiero más.

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El páramo

Una película que me da la sensación de haber visto mil veces, y es que el argumento está muy visto, la fórmula es la misma de siempre y no destaca particularmente en nada digno de mencionar. Clásica historia de gente desaparecida donde un padre, 25 años después y con los medios de los que dispone, se dispone a investigar la desaparición de su hijo.

Para empezar debo decir que 2 horas de duración me parecen excesivas, esta película da para 80 minutos escasos. Esto hace que la película tenga un ritmo bastante lento, aunque hay que decir que consigue mantener su atmósfera y su tensión.

La localización en ese páramo lleno de turberas está chula. Pero tampoco veo que sea una genialidad en cuanto a ambientación.

La historia es bastante prototípica, hay ciertas partes donde exploran el “found footage“ (podrían habérselo ahorrado, me parece muy chapucero) se juega bastante con la niebla del lugar para mostrar y no mostrar cosas.

No le veo nada especial y me ha resultado bastante lenta.

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