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Sucesos en la IV Fase

Saul Bass se ganó una gran reputación como el diseñador gráfico de los carteles y los títulos de películas como Psicosis, Anatomía de un asesinato, Espartaco y El cabo del miedo, por nombrar algunas. Su documental, Why Man Creates, ganó un Oscar en 1968. Sólo rodó un largometraje, la película de ciencia ficción Phase IV de 1974.

Si te gustaron películas como “La amenaza de Andrómeda” o “Colossus: The Forbin Project” debes darle una oportunidad a este film sobre dos científicos metódicos (y un poco misántropos) que luchan contra un fenómeno misterioso que intentan comprender: las hormigas han erigido unas inquietantes torres-colmena con forma de rascacielos y amenazan la existencia de todo ser vivo sobre el planeta.

No se trata de “la naturaleza en busca de venganza”. No, se trata que las hormigas han evolucionado y van a tratar de superarnos en la gran lucha por la supervivencia. Fascinante trama, con una atmosférica banda sonora electrónica de Brian Gascoigne. Las estupendas secuencias con las hormigas fueron filmadas con la colaboración de Ken Middleham, un capo de National Geographic.

Lamentablemente, nunca veremos la verdadera visión de la Fase IV. El estudio manipuló la película en posproducción y eliminó su epílogo surrealista.

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Anatomía

Anatomía aportó algo novedoso al cine comercial alemán, el personaje principal es una mujer: la intrépida Paula (Franka Potente) quiere completar sus estudios de medicina en Heidelberg (conocida por su pasado nazi), y se topará con una secta de chiflados. Así tenemos una especie de slasher universitario a la alemana.

Me queda claro que al director Stefan Ruzowitzky no le simpatizan mucho los médicos. A todos los pinta como tipos raros, ambiciosos, amorales o filonazis. La idea central es buena en principio: un ambiente estudiantil tranquilo que esconde un secreto siniestro y sangriento. Y siempre es agradable ver a Franka Potente. Pero no mantiene la tensión adecuada y se alarga innecesariamente.

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Amenaza en el Aire

Si bien me gustó, considero que es la peor película que dirigió Mel Gibson hasta la fecha (y eso que lo considero un gran director).
La cinta tiene una premisa muy original y te mantiene en tensión desde que empieza hasta que termina.
Está sumamente bien acttuada.
Los efectos especiales podrían mejorarse.
Recomendable!

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Joker 2: Folie à deux

Apenas supe que la grandiosa pelicula del Joker del 2019 tendria secuela me opuse rotundamente ya que sente que era una de esas peliculas que no necesitan para nada una secuela pero al final lo hicieron y no solo con un especie de musical si no metiendo a un personaje muy importante como lo es Quinzel donde es interpretado por Lady Gaga.
La historia es continua a la primera ya con un juicio contra Arthur Fleck donde en donde en el lugar donde esta encerrado conoce a Quinzel y comienza una especie de romance y donde de a poco vemos algo al estilo musical con toda la situacion que va pasando.
Como muchos dicen el problema de la pelicula es que sea un musical aunque no senti de que fuera al 100% un musical pero digamos un 40% cosa que molesta eso en esta pelicula.
Aca vemos a un Joker mas controlado por Quinzel cosa que en la mayoria de las veces siempre es al revez donde se la podria ver a una Quinzel como si fuera una victima del Joker.
Senti que esta vez no se pudo apreciar la actuacion de Joaquin Phoenix como se vivio en la anterior pelicula.

No senti que fuera mala del todo pero comparada con la primera pelicula si lo es

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Infierno Blanco

Joe Carnahan y su equipo se encontraban a principios de 2.011 filmando a 40º bajo cero en el Noroeste de la Columbia Británica. Eso en sí ya es toda una historia de supervivencia, mucho más interesante que la que se daba ante las cámaras.
Queriendo desterrar la opinión general de ser un mero director de acción, trabajó durante muchos años en una historia corta llamada “Ghost Walker“, mientras crecían en él ideas sobre la espiritualidad, la fe y la condición humana.

Bien, resulta admirable que este señor se centrara en tomar vías más profundas en su carrera tras hartarse con la costosa secuela de “Misión: “Imposible“ “, que acabó realizando el pobre John Woo, y de destrozar el clásico de televisión de los “80 “El Equipo “A“ “; y aún más que empleara tanto tiempo puliendo lo que en un principio era un sencillo y potente relato de supervivencia, desechando mientras tanto otros proyectos más jugosos para arrasar en taquilla. Lo que provoca irritación es la forma tan pretenciosa en que pulió dicho relato y cómo se jacta orgulloso en todas las entrevistas, porque ni él mismo puede creer lo que dice...
La razón es un sencillo error de cálculo. “The Grey“ empieza con la voz de Liam Neeson melancólica y desoladora; el actor nos regala un bello monólogo sobre la pérdida, la nostalgia, el abandono y la muerte, en mitad de un paraje desértico cubierto de nieve donde las feas estructuras petrolíferas cercanas lo destruyen, y rodeado de lobos a los que debe dar caza. Vamos a adentrarnos en uno de esos dramas psicológicos llenos de reflexiones y conversaciones interiores, todo narrado desde la perspectiva del protagonista, John, cuya existencia se nos revela a través de “flashbacks“ ocupados por una esposa ya fallecida. Y Neeson, actor nacido para este tipo de películas, hipnotiza con su presencia y sus palabras.

Estaría bien que fuese así, ¿verdad? Pues no lo es. Esto es una engañifa, qué vergüenza, una terriblemente innecesaria introducción porque cuando John toma el avión junto a sus compañeros de trabajo (que a mí me parecen hombres normales, no los miserables depravados de los que nos estaba hablando...) para dirigirse a la siguiente estación, la historia da una vuelta de campana tan grande como la del propio avión, que acaba hecho puré en mitad de algún lugar de Alaska. Qué demonios. Todavía aparece la mujer ante los ojos del protagonista, pero él no está muerto...
Algo me temía siendo Ridley Scott el productor. Pero no se ve venir. Lo que pensábamos era un drama existencialista se torna en la enésima versión de “Viven“ (mencionado en pantalla con todo el descaro), y sí, Carnahan se desenvuelve bien metiendo a sus personajes en situaciones violentas, implacables, desafiando su inteligencia e instinto, pero la película es lo mismo que era el relato en que se basa: una simple historia. Afrontarla desde el drama psicológico y el absoluto punto de vista de John no es nada adecuado, por dos razones: porque el tono de lo que se cuenta y lo que se pretende contar se da de tortas y porque queda claro que él será el que quede en pie (se ve a millas de distancia, y algunos trailers dan señales de ello).

Una lástima porque el reparto que rodea al irlandés, en especial Dermot Mulroney, Dallas Roberts y Nonso Anozie, brinda unas actuaciones muy poderosas, independientemente de si dan vida a un puñado de arquetipos algo desdibujados. Pero si hay algo que destaca sobre los personajes es el uso de los lobos como principal amenaza; los “flashbacks“ inútiles de John ya ni afectan y su voz “en off“ no vuelve a hacer acto de presencia. Ya para qué, la verdad. Hay una manada que sale de no se sabe dónde y empieza a diezmar a los supervivientes. Es obvio que Carnahan no siente ningún respeto por los animales ni por la inteligencia del espectador.
Lo que vemos son unas horrendas criaturas con un gusto voraz por la sangre, más cerca de los leones de “Los Demonios de la Noche“ que de las hermosas bestias pardas y blancas que habitan las tierras de Alaska y Canadá. Pareciera que los miedos más atávicos del hombre al mundo salvaje toman forma en estos lobos, que rugen, salivan y acechan despiadadamente desde las tinieblas, y lo peor es que no son un mero obstáculo en la trama, sino que forman parte de ella desde el principio, tal vez pretendiendo lanzar el director una metáfora sobre la brutal existencia del protagonista.

Un protagonista que se las da de primo de Edward Grylls pero no tiene ni puñetera idea de orientación, ni de lobos, ni de nada que tenga que ver con la supervivencia en este siglo o en este planeta. De hecho él es el principal culpable de que vayan cayendo todos sus compañeros; por otro lado, si la intención del director era usar la metáfora podría haberse arriesgado de verdad y plantearnos una fábula mucho más psicológica y onírica: que todo sucediera en la mente del protagonista, que no hubiera más superviviente que él mismo, que incluso los lobos fuesen proyecciones de su propia alma.
Habría aceptado de buena gana cualquiera de estas alternativas en lugar de intentar disfrazar de drama y existencialismo lo que sólo es un “thriller“ de acción, tensión y entretenimiento de toda la vida. El colmo fue que el director, tras la controversia desatada por su descripción de los lobos, se defendió declarando “Soy un activista en defensa de los animales, y nunca tuve la intención de representarles como los agresores, sino reflejar que, a pesar de su belleza, los lobos son hostiles e implacables cuando se trata de defender su territorio“.

Eso dijo él, con dos cojones...pero eso no es lo que aparece en su película.

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LaRoy, Texas

Shane Atkinson no pudo llamar Leroy a ese lugar situado en alguna frontera perdida entre el desierto de Nuevo México y las leyes de Texas donde un puñado de personas terminan tropezando en las vidas de otras. Porque ya hay una Leroy en el condado de McLennan y su tierra debía pertenecer a la fantasía “noir“ que tanto amaba; amor que expresó hace ya más de una década en su divertido y escabroso cortometraje “Penny Dreadful“.
Por desgracia los obstáculos para financiar un guión le llevaron a abandonarlo y empezar a escribir otra historia en la que pudiera aglutinar sus mayores influencias; en definitiva, como él ha admitido en varias entrevistas, “Una historia con la que me sintiera cómodo y me gustara ver en una película“.

Pero el periplo también ha sido agotador. Las grandes firmas cinematográficas actuales no se vuelcan con proyectos “indie“ de esta clase, así que encontrar inversores llevó algunos años a Atkinson, su esposa y el actor John Magaro, que se ofreció a participar como productor tras quedar fascinado con el guión. Merecía la pena al fin y al cabo. Y el principio es suficiente: una larguísima carretera hacia ninguna parte, unos faros en la noche, la conversación más inquietante que servidor haya oído entre un conductor y un autoestopista; Dylan Baker estremecería al John Ryder de “Carretera al Infierno“. Un cuerpo enterrado en Laroy, Texas, con las luces del alba...
Tras este intenso prólogo cualquiera esperaría escuchar la voz con la que M. Emmet Walsh iniciaba ásperamente “Sangre Fácil“. Hay mucho olor a Coen por aquí. Un tipo con cara de idiota (Ray) y un idiota bocazas disfrazado de sheriff del viejo Oeste (Skip) charlan en una cafetería. Sí que apesta a Coen. Los diálogos, la situación, la ambientación, ecos de Carter Burwell por doquier, lo que empezamos a fraguar cuando ambos intercambian fotos de la esposa del primero tomadas en pleno acto de infidelidad; Magaro, en la piel del clásico perdedor, es emparentado con toda la mala sombra con una Megan Stevenson que pareciera una modelo angelina en su versión más paleta y demacrada: Stacy Lynn.

Pero aquí ocurre lo mismo que con los personajes de los hermanos de Minnesota: que podríamos empatizar con ellos si no fuesen tan rematadamente imbéciles; cualquiera echaría a la carretera a esa arpía, incluso la atropellaría un par de veces. Ray soporta, autodestruyéndose en silencio. Y lo absorbemos, y nos pesa, pero el humor negro se infiltra tan sutilmente entre los pliegues del drama que cuesta distinguir la línea entre uno y otro; sucede igual con la violencia. Concluida las presentaciones se empiezan a establecer los elementos que moverán la trama.
Atkinson la hace funcionar como un mecanismo eficaz y casi sin fisuras: durante la 1.ª mitad se nos cuenta cómo por puro accidente los protagonistas se inmiscuyen en otra trama que ya estaba en marcha. Una donde hierven las infidelidades, se agolpan los chantajes y los robos y los miserables, hombres o mujeres, se mienten y apuñalan, trama que debe mucho a Elmore Leonard y James Cain, a los primeros viscosos “noir westerns“ de John Dahl, y como ya hemos visto a los Coen. Bien mirado, “Laroy, Texas“ es una “Fargo“ salpicada con las pasiones bajas en la aridez texana de “Sangre Fácil“ y heredera del estilo duro y silencioso de “No es País para Viejos“ (incluso los actores de ambas suelen hablar en un tono de voz neutro y apagado).

Pero si los protagonistas “coenianos“ caían presa de las absurdas situaciones que ellos mismos desencadenaban, los de Atkinson se meten de casualidad. Así, llegada la 2.ª mitad, Ray y Skip se “asocian“ para intentar esclarecer los extraños incidentes en los que, sin saberlo, se habían estado entrometiendo; Steve Zahn, en su habitual intención de hacerse notar por encima del resto del elenco, aporta la mayor parte del humor en la piel de ese detective que podría ser la versión más inocente del futuro miserable que volverá locos a los amantes de “Sangre Fácil“. ¿Por qué no? ¿No es Ray la versión más joven del Jerry Lundegaard de “Fargo“?
Y en lugar de dejar en la incertidumbre a sus personajes igual que los Coen, Atkinson prepara un intrincado “whodunit“ con Ray y Skip transformándose en un remedo “buddy movie“ del matrimonio de detectives Nick y Nora Charles de Hammett, utilizando a los secundarios para encajar las piezas (ya sea una stripper, el dueño de un concesionario o un matón sin cerebro...), lo que inevitablemente les deja desdibujados y sin otro cometido más allá de servir de herramientas de la información. Por desgracia el papel del abogado convertido en víctima nunca está demasiado claro, tampoco el del asesino a sueldo (sin duda el mejor personaje de la película y el que más tiempo merecía en pantalla).

El enredo se perpetúa en infinitas conversaciones en moteles o el interior de coches. Un maletín lleno de dinero da vueltas aquí y allá como todo “noir“ que se precie. La “femme fatale“ intentando escabullirse. Los neones del Velvet Saddle brillando en la noche. Los giros propiciados por los comportamientos idiotas de los protagonistas. Sangre a ras de carretera. Y un clímax bien orquestado deudor de Chandler.
Tal vez lo que mejor domina Atkinson, incluso más que los mecanismos y las vueltas de tuerca de su guión, sea el uso del tiempo, de la dilatación de los “impasses“, de los largos silencios, y la manera en que envuelve en ellos a los personajes. Silencios sepulcrales, de reflexión, soledad y amargura, asimismo como enfatización del humor negro. “Laroy, Texas“ lucha implacable por mantener vivo el aliento de un tipo de cine independiente norteamericano que hoy día parece extinto; gracias al poderoso debut del californiano sigue habiendo esperanza en la frontera...

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George A. Romero's Resident Evil

“George A. Romero’s Resident Evil“ es un documental que busca explorar una historia que nunca fue: la colaboración entre el maestro del terror y la franquicia de Resident Evil. El planteamiento es interesante para cualquier fanático de Romero o del cine de terror en general, pues nos ofrece un vistazo a cómo su influencia marcó no solo el cine de zombis, sino también la creación de los videojuegos de Resident Evil. Aquí, lo más valioso es la revisión del guion que Romero preparó para la película que nunca se hizo. Sin embargo, el documental se queda corto al no profundizar lo suficiente en lo que realmente ocurrió detrás de cámaras con los productores y la ruptura con Romero, lo que deja muchas preguntas sin responder.

Lo que realmente duele es que el documental a menudo se dispersa en temas tangenciales. A pesar de que menciona las películas animadas y otros proyectos derivados, ignora por completo esas adaptaciones que siguieron de cerca el espíritu del videojuego, lo que podría haber enriquecido aún más el relato. En lugar de eso, nos encontramos con varios comentarios sobre temas secundarios que restan foco al relato central. Es cierto que los fans de Romero y Resident Evil disfrutarán de los detalles sobre el guion y su impacto en el juego, pero el documental se siente algo alargado y a veces repetitivo, sin aportar nada realmente nuevo o esclarecedor.

En definitiva, “George A. Romero’s Resident Evil“ ofrece una mirada interesante pero incompleta sobre la historia de lo que pudo haber sido. Es un material que puede emocionar a los seguidores más acérrimos, pero no logra estar a la altura de la magnitud de la figura de Romero ni de la franquicia. Si bien no es una total pérdida de tiempo, tampoco es algo que vaya a quedar en la memoria como una pieza esencial sobre el cine de Romero.

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Siete Mujeres Atrapadas

The House on Sorority Row nos presenta a siete chicas, hermanas de la confraternidad Theta Pi, que viven juntas y deciden celebrar su graduación con una última fiesta espectacular. Lamentablemente, para ellas, su ama de casa, la Sra. Slater, una amargada que empuña un bastón, no comparte su entusiasmo y frustra sus planes en el último momento. ¿Qué mejor manera de vengarse de la vieja malhumorada que con una cruel broma?

Estamos ante uno de los grandes clásicos del slasher. Extrañamente, su director y escritor Mark Rosman afirmó que se inspiró en películas como “Trece mujeres” (1932) y “Las diabólicas” (1935) y no en las películas del género de cuchilladas. Katherine McNeil como la chica buena Katey y Eileen Davidson como la chica mala Vicki, se convirtieron en personajes modélicos.

Los efectos especiales y las escenas de asesinatos pudieron ser más sangrientas, pero es un film icónico y hay varios momentos para saborear, como múltiples apuñalamientos con un bastón afilado y una decapitación en una letrina particularmente bien ejecutada, que justifican porque estamos ante uno de los slasher más memorables de principios de los 80.

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El Sacrificio

A pesar de ser panameña no me aburrió y los momentos finales fueron los mejores pero claro que al cine de terror latino le falta bastante aún pero este director va por buen camino.

Aquí hay una historia de leyendas locales ambientada en una zona rural de Panamá y vemos a estos abuelos que tienen un secreto y las dos hermanas luchando contra algo sobrenatural que habita en ese bosque.

A pesar que algunas actuaciones no me gustaron por ejemplo la abuela muy exagerada ya la parte final tiene un homenaje a evil dead con la motosierra y algo de gore qué fue lo que salvó la película.

Para seguidores de leyendas latinas la película tiene su punto y puede llegar a gustar pero como dije la salvo los momentos finales.

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El Hombre de Mimbre

Gran título a mi juicio, con un guion más que notable, una atmosfera que refleja la paranoia de unas gentes y un entorno bastante conseguido sobre un pueblo remoto y sus creencias.

Las interpretaciones también muy acertadas en una muy buena labor de casting.

Uno de esos títulos en mi opinión un poco infravalorados que hubieran merecida mayor éxito o reconocimiento, aunque creo que con el paso del tiempo se consiguió tanto lo uno como lo otro.

Como no destacar la construcción de la increíble estructura de mimbre en una apoteósica escena final.

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