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Leprechaun 5: La Maldición

Otra innecesaria secuela más y van...
Ahora la acción transcurre en un ambiente de raperos que quieren ser famosos. Los chistes del duende son cada vez más ridículos y el aburrimiento la tónica predominante. No es tan rematadamente mala como la cuarta parte, pero este disparate de película tampoco hay por donde cogerlo.
En fin, el duende sigue su camino hacia no se sabe muy bien donde y los que seguimos la serie, cada vez más desorientados.

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Malasombra

El joven Mario, y su tutor Massimo, se mudan a la finca de su rico tío Osvaldo. El ambiente que reina en el lugar es inquietante. Una noche, el joven presencia, sin ser visto, un ritual erótico. Se inician así una serie de juegos sexuales voyeuristas y perversos en que se difumina fantasía y realidad.

Bruno Gaburro es un director y guionista italiano al que se le atribuye la creación del género postatómico (con su película “Ecce Homo - I suscitato” de 1969). También se le atribuye haber filmado varias películas porno bajo seudónimo (cosa que él ha negado siempre). Lo que no ha negado es su gusto por el género gótico-erótico y “Malombra” es un buen ejemplo con la guapa Paola Senatore brillando con su sensualidad.

La Cannon compró los derechos de la película y logró uno de sus primeros éxitos proyectándola en cines y autocines.

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Demon predator

Mediometraje de presupuesto ínfimo donde, en una era de tecnología avanzada, diseñan (en uno de los laboratorios más precarios de la historia del cine) un cyborg, que termina por escapar.

Con un argumento diminuto, a la trama no le queda otra cosa que presentar a una pareja que viaja hacia unos bosques y camina por unos escenarios naturales muy buenos. Ésta caminata consume los escasos minutos del consabido mediometraje, hasta que hace su aparición el ¨terrible¨ depredador troquelado que los liquida.
Un trío SWAT apócrifo e irrisorio llega al bosque rocoso y son recibidos por el Cyborg (las escenas letales son lo poco destacable del filme).

La historia termina de manera abrupta y con un final, puede decirse, abierto. Fin de un mediometraje malo por antonomasia, visualmente modesto y que parodia/homenajea a clásicos titánicos como ¨Star Wars¨ y ¨Depredador¨.
Parodia de ciencia ficción que no resiste el menor análisis.

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Ultimátum a la Tierra (Remake)

película dirigida por scott derrickson que anteriormente nos había ofrecido aquel notable thriller de terror y suspenso “el exorcismo de emili rose” aunque confieso que tuvieron que pasar muchísimos años para por fin animarme a ver este filme de ciencia ficción , en el cual aparecen keanu reeves y jennifer connelly una pareja que en el papel luce atractiva como protagonistas sin embargo no es suficiente para que la película logre cumplir con las expectativas, es un guion sobre una invasión extraterrestre que quiere aniquilar el planeta tierra pero colocando un especié de arma biológica para lograr ese cometido , destacando los efectos y el dramatismo ya que a nivel argumental poco o nada se puede rescatar

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La Cara del Terror

Película protagonizada por johnny deep y charlize theron en una historia que va desenvolviéndose con algo de interés aunque cabe señalar que también hay momentos en que se vuelve algo lento el desarrollo, aún así me agrado el misterio con el que va transcurriendo la trama , es una historia sobre dos astronautas que son enviados a una misión de rutina pero un accidente hace que su regreso a la tierra les cambie la vida por completo , de aquí que la protagonista inicie una serie de investigaciones para ayudar a su pareja , hay buen suspenso y momentos de tensión con un desenlace que quizás no sorprende dado lo previsible del argumento pero bien vale la pena darle un vistazo

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La Noche de la Muerte

Martine es una joven enfermera que llega a trabajar en una residencia de ancianos gruñones y raros dirigida por una estricta matrona. Cuando la otra enfermera desaparece, Martine no le da mucha importancia, pero hay más de una razón para preocuparse.

En “La Nuit de la Mort!“, Raphaël Delpard adopta un enfoque original, para la época, que le acerca al terror de Jean Rollin. Hay poca desnudez femenina (Isabelle Goguey es una pelirroja muy atractiva), pero tiene una atmósfera extraña, casi onírica, impregnando toda la película con un tono oscuro. Atención a la extraña procesión de ancianos por el pasillo, o su extraña aparición en la ventana de Martine mientras se cambia de ropa. Se puede oler la locura y la muerte dentro de esa vieja casona.

El tramo final es puro caos con un giro final inspirado y demencial.

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Revival

Michael Pare en el protagonico de este absoluto bodrio, creo que debe estar corto de dinero, aqui interpreta a un medico un tanto extremo, el secuestra a dos ladrones, realiza sus experimentos, para saber que hay despues de la muerte, se me hizo plomiza, de misterio solo al comienzo y despues se va desinflando sin mas.lo mejor de lo poco rescatable es ver sus sadicos experimentos.

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Post

“Post“ de Sergey A. es una inmersión de 45 minutos en el purgatorio existencial, elaborada con una audacia descarnada. Filmada completamente en solitario en solo cuatro horas, esta película experimental en blanco y negro desnuda el horror hasta sus elementos más básicos: sin diálogo, sin color y sin una narrativa convencional. En su lugar, ofrece un escalofriante ballet de siluetas que bailan contra fondos blancos como el vacío, donde los cuerpos se convierten en jeroglíficos de sufrimiento y los demonios se materializan como pesadillas de manchas de tinta. El resultado es una meditación hipnótica y opresiva sobre la culpa y el eterno retorno que se siente como un boceto perdido de Edward Gorey animado por el fantasma de Andrei Tarkovsky.

El poder de la película reside en su radical simplicidad. Los personajes existen como meros contornos: la forma convulsiva de una víctima de suicidio, el pico de un médico de la peste, los ojos vacíos de un demonio con máscara de gas. Sus movimientos (arañar, convulsionar, arrastrarse) hablan más fuerte que las palabras, evocando el Expresionismo alemán y la marioneta de “papier-théâtre“. La ausencia de detalles faciales obliga a los espectadores a proyectar sus propios miedos sobre las sombras. Sergey A. puebla su infierno con terrores arquetípicos: un médico de la peste (su motivo distintivo), una entidad con cabeza de tortuga y un espectro con máscara de gas. Sus diseños canalizan grabados medievales y creepypasta viral de internet, fusionando folclore con el temor de la era digital. El fondo blanco cegador —que recuerda a “Blue“ de Derek Jarman— se convierte en un arma psicológica. Borra el contexto, amplificando el aislamiento del protagonista. Cuando los demonios lo devoran “desde dentro“, sus tentáculos se manifiestan como venas negras que se filtran en su silueta, una brillante inversión de la luz como esperanza.

Con cero diálogo, la banda sonora ambiental de la película se convierte en su narradora. Los sintetizadores monocordes imitan maquinaria industrial, sugiriendo el infierno como una fábrica cósmica para reciclar almas. Chirridos metálicos y gruñidos de subgraves se sincronizan con los movimientos de los demonios, convirtiendo el sonido en una violación táctil. Momentos de casi silencio —un latido, una respiración ronca— intensifican la vulnerabilidad antes de que se reanuden los tsunamis sónicos. Este asalto auditivo refleja el tormento cíclico del protagonista: cada “muerte“ se reinicia con un aguijón sonoro discordante, atrapándolo en el ciclo de Sísifo.

“Post“ utiliza su minimalismo como arma para explorar la condenación como una paradoja lingüística. La víctima de suicidio descubre que el infierno es una prisión donde morir es imposible. Sus intentos por volver a morir (ahorcándose, apuñalándose) se disuelven en gestos inútiles, reflejando el ciclo inescapable de la depresión. Los demonios no lo matan, lo metabolizan, simbolizando la naturaleza autocanibalizante de la culpa. Los demonios operan como empleados en una divina oficina de trámites. Sus movimientos repetitivos (documentar, observar, consumir) parodian el juicio del más allá como un proceso sin alma. El distanciamiento clínico del médico de la peste —mirando un reloj inexistente— insinúa que el tiempo es la broma más cruel del infierno.

Filmada durante una crisis personal (según entrevistas), Sergey A. plasma la desesperación como gramática física. La espalda curva del protagonista hace eco de “El grito“ de Munch; sus espasmos recuerdan la animación de Bill Plympton. Esto no es terror: es un mapa somático de la melancolía.

“Post“ cristaliza las obsesiones artísticas del director. Como “Forest of Dead Sharks“ (2019) (filmada por $1 en 12 horas), “Post“ defiende la creatividad por encima de los recursos. Sergey A. interpreta todos los papeles —víctima de suicidio, demonios, director de fotografía, editor— demostrando que el infierno es un espectáculo unipersonal. El demonio médico de la peste reaparece en “Hell“ (2019) y “Punishment“ (2022), evolucionando de acosador a observador clínico. Aquí, es juez y escriba, un testigo silencioso del desmoronamiento del protagonista. Contrastando con su empapado en ácido “City of Devil“ (2020), “Post“ usa la contención para inquietar. Mientras “Mortem“ (2016) empleaba el caos del metraje encontrado, este filme utiliza el vacío como arma, convirtiéndolo en su obra espiritualmente más brutal.

La austeridad de la película prueba la paciencia. Secuencias deliberadamente monótonas corren el riesgo de alienar a los espectadores. Sin embargo, este letargo es el punto: el infierno es aburrimiento con colmillos. Sin contexto, el demonio se siente arbitrario. ¿Es un trauma infantil? ¿Un meme viral? Sergey A. no ofrece respuestas, confiando en los símbolos por encima de la lógica.

“Post“ no es una película: es una invocación. Sergey A. transforma las limitaciones en teología: el infierno es un presupuesto de $0, una habitación vacía y horas de creación febril. Mientras “Antichrist“ de Lars von Trier usaba el shock para sondear el duelo, “Post“ usa el silencio. Su pariente más cercano es la locura monocromática de “The Lighthouse“ de Robert Eggers, despojada de diálogo y esperanza.

Para los devotos de la vanguardia, es una revelación; para otros, una prueba de resistencia. Pero en una era de franquicias infladas, “Post“ nos recuerda que el verdadero horror no necesita sustos: solo sombras, sonido y un alma gritando al vacío.

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Siren Head

“Siren Head“es un experimento ambicioso, aunque irregular, de cine colectivo que une contribuciones remotas de múltiples creadores en un tapiz fragmentado de terror. La película sigue la investigación obsesiva de un detective sobre el mito de Siren Head—una entidad gigantesca con sirenas por cabeza—a través de un collage de entrevistas, recreaciones y granulado metraje encontrado. Aunque su estructura caótica refleja la naturaleza dispersa del folclore online, la película lucha por cohesionarse en una narrativa coherente, ofreciendo momentos de atmósfera escalofriante en medio de la discordia técnica.

El detective sin nombre (interpretado por Anton Savosin) reconstruye la leyenda de Siren Head mediante fuentes dispares: clips de YouTube de encuentros llenos de estática, testimonios temblorosos de “supervivientes“ y segmentos de pseudo-documental. Cada viñeta varía enormemente en tono y calidad: el vídeo casero de una familia suburbana desciende hacia los gritos; la GoPro de un excursionista capta distorsionados sonidos de sirena; un podcaster paranormal disecciona audio críptico. Sergey A. actúa como curador, tejiendo estos fragmentos en una narrativa laxa que prioriza el ambiente sobre la lógica, dejando a los espectadores navegar por el laberinto de medias verdades y engaños.

La ética DIY (“hazlo tú mismo“) de la película es a la vez su fortaleza y su debilidad. Las confesiones granuladas por webcam y las grabaciones de teléfono móvil evocan la inmediatez cruda del terror online, mientras que las recreaciones pulidas (una persecución en un bosque tormentoso, una figura sombría que se cierne sobre una autopista) chocan tonalmente. Esta disonancia refleja la psique fracturada del detective, aunque arriesga alienar a los espectadores que buscan cohesión narrativa. La mezcla de formatos—degradación VHS, transmisiones en vivo con glitches, entrevistas tipo “talking head“—hace eco de cómo se propagan los mitos online: a través de fragmentos contradictorios y desordenados. El propio Siren Head rara vez se ve, su presencia se insinúa mediante audio distorsionado (chirridos de sirenas, estática de radio) y visiones fugaces, una elección que amplifica la inquietud pero prueba la paciencia. Como editor, Sergey A. superpone escenas con transiciones discordantes (cortes abruptos a negro, tarjetas de título parpadeantes) que imitan un disco duro corrupto. Aunque innovadora, la técnica a menudo se siente más desorientadora que deliberada, enturbiando el viaje del detective.

La búsqueda inútil del detective refleja la paradoja de nuestra era digital: información infinita, pero sin claridad. ¿Es Siren Head real, una alucinación masiva o un engaño elaborado? La película se niega a dar respuestas, reflejando la ansiedad moderna por discernir la verdad en una era de posverdad. Al recurrir a material de origen colectivo (crowdsourcing), la película encarna cómo las comunidades online construyen—y distorsionan—los mitos de manera colaborativa. Siren Head se convierte en un coco de la era digital, moldeado por innumerables voces pero nunca definido por completo.

El diseño de sonido es el activo más fuerte de la película. Los chillidos cacofónicos de Siren Head, superpuestos con drones ambientales, crean un paisaje sonoro de terror primigenio. Los tramos silenciosos son igualmente potentes, amplificando el aislamiento del detective. Los motivos recurrentes—la estática de televisores CRT, archivos corruptos—comentan sobre la decadencia analógica en un mundo digital. Sin embargo, su uso excesivo diluye el impacto.

Estrenada durante la pandemia de COVID-19, “Siren Head“ captura sin querer la comunicación fragmentada y la incertidumbre existencial de la época. Aunque no es innovadora en su exploración del lore creepypasta, se erige como un curioso artefacto de colaboración remota. Los fans de la criatura original de Henderson pueden apreciar sus guiños atmosféricos, aunque la película carece del golpe narrativo de contemporáneas como “Skinamarink“ o “Host“ (2020).

“Siren Head“ es un experimento defectuoso pero fascinante: un mosaico de terror que prioriza el concepto sobre la ejecución. Su enfoque disperso frustrará a los tradicionalistas, pero para los espectadores sintonizados con el caótico encanto del horror analógico, ofrece una meditación convincente, aunque inconexa, sobre la creación de mitos en la era de internet. Una curiosidad de nicho para fans del cine de terror experimental y del lore de Siren Head. **Es mejor abordarla como una pieza de atmósfera, no como una historia coherente.

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1978

Gran gran pelicula.
Este film que desconocia por completo,me resulto sencillamente muy bueno.La pelicula se divide en dos partes,en su primera parte estan los militares de la dictadura argentina de 1978,torturando cruelmente a sus victimas,asesinando,secuestrando y tambien violando a las chicas que presuntamenbte son montoneros,las tortutras bastante crueles,y las actuaciones son impecables,odiables totalmente.Hasta alli era una muy buena pelicula,y nunca me imagine con lo que iba a encontrarme despues.Todo muta a lo satanico con muertes que uno disfruta hacia los torturadores,escenas gores muy bie realizadas y el film a esa altura muy bueno hasta su final que me resulto un poco sencillo pero muy interesante.Entonces con torturas,muertes,gore interesante,actuaciones muy buenas el film a mi entender merece una nota alta,y por eso la puntuo con un 9.Totalmente recomendable.

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