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La Bestia Debe Morir

Excelente película argentina la cual, debido a su trama llevadera, no aburre en ningún momento.
Hay que prestar atención constantemente debido a que su historia está contada de un modo algo intrincado.
Tiene algunos hallazgos en los diálogos.
Las actuaciones, como solía pasar en el cine argentino de estos años, son muy malas.
Recomendable!

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Sueño de Amor Eterno

SUEÑO DE AMOR ETERNO - aka PETER IBBETSON - (Henry Hathaway, 7-11-1935) - * * * * *

Soberbia adaptación del novelista victoriano Georges Du Maurier, - autor también de “Svengali” -; en realidad un cuento de hadas sobre la fuerza del destino, y la irremisibilidad del verdadero amor, aquí vivido, tras fracasar en su enfrentamiento con las mediocridades cotidianas, y literalmente, a través de un universo común en el mundo de los sueños.

El autor sobrepasa los logros de una versión anterior, - “Forever” (1931) -, creando la primera de sus obras magistrales, a la que también contribuye Anne Harding, que lleva finalmente el peso de la relación en su réplica a Gary Cooper, así como la encantadora fotografía de Charles Lang Jr y la oscarizada partitura de Ernest Toch.

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El Juego de las 100 Velas: La última Posesión

Desconocía que se trataba de una secuela pero igual no logró convencerme, es una película que inicia bien con una escena prometedora , sin embargo conforme avanza su desarrollo se vuelve todo un despropósito, incluyendo algunas historias cortas algo bizarras aunque intrascendentes a final de cuentas, al parecer contaba con un excelente escenario (una mansión) , y unas decoraciones adecuadas para terminar ofreciendo una propuesta desabrida, sin terror y sin un buen guion de por medio

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La Mujer del Camarote 10

Me gustó más de las expectativas y de los comentarios prevos que escuche, muy al estilo Agatha Cristie, misterio y un supuesto asesinato en un fastuoso yate en medio de un lago en Noruega, varios multimillonarios y una periodista que intentará descubrie quien fue, un muy buen elenco, Guy Pearce, Keira Nightley, David Morrisey, Kaya Scodelario, toda la trama es dentro del barco, no sabia que estaba basado en un libro, las adaptaciones son dificiles.

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Al Final del Espectro

Noëlle Schönwald interpreta a Vega, una mujer agorafóbica que se aísla en un apartamento para enfrentar sus traumas, sin imaginar que sus propios terrores no la dejarán en paz.

Dirigida por Juan Felipe Orozco, Al final del espectro es una apuesta poco común dentro del cine colombiano: un thriller psicológico que prioriza la atmósfera y gira en torno a los miedos más siniestros y universales del ser humano. Se percibe una clara influencia del terror japonés moderno, y la trama funciona como una metáfora del encierro emocional y del miedo a la pérdida. La película construye una constante sensación de claustrofobia, apoyada en una fotografía fría, donde el horror surge más de la mente que de lo sobrenatural.

Aunque recurre a algunos clichés del género y el ritmo decae por momentos, no busca reinventar el terror, sino demostrar que en Colombia es posible hacer cine de género con identidad y calidad técnica, apostando por la sugestión y el desasosiego antes que por el susto fácil.

Existe un remake mexicano, y un proyecto hollywoodense de adaptación que finalmente fue cancelado.

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Frankenstein

Guillermo del Toro ha recibido, una vez más, un cheque en blanco para tejer sus visiones en la gran pantalla, y Frankenstein (2025) es la prueba irrefutable de por qué su arte es sinónimo de narrativas impecables, donde cada fotograma respira con la precisión de un relojero.

Esta es una visión hermosa, un tapiz de sombras y luz que honra el espíritu de Mary Shelley sin traicionarlo, elevándolo a un plano de poesía visual que solo él podría orquestar.
Los niveles técnicos son espectaculares: la cinematografía envuelve con una textura casi táctil, mientras que el diseño de sonido envuelve al espectador en un pulso orgánico, como si el corazón de la criatura latiera en tus oídos.

Los decorados, ay, los decorados... Tienen una belleza infinita, una ilustración con todo controlado que se hace realidad , un diálogo exquisito entre el gótico , ese mestizaje callejero y místico que del Toro ama y el cuento de hadas más oscuro.
Cada detalle es hermoso: las grietas en las paredes del laboratorio que parecen venas expuestas, las velas que gotean como lágrimas de cera, los bosques nevados que susurran misterio.
Es un mundo vivo, donde la decadencia se vuelve arte, y el horror, un abrazo tierno.

Pero, a pesar de todo lo que me encantó (y fue mucho), hay fisuras que rompen el hechizo. Lo que me falló completamente es el diseño de la criatura. Jacob Tremblay, bajo capas de prótesis y CGI, se ve como uno de esos alienígenas de Prometheus: un ser etéreo, casi divino en su extrañeza, pero que no evoca en absoluto a un hombre reconstruido de pedazos mortales. Ese tono azul glacial, esas “cicatrices“ que más parecen líneas neón de los trajes de Tron... ¿Dónde está la carne cosida a mano, la fealdad humana y torpe que Shelley describió como un espejo de nuestra propia fragilidad? Es un error conceptual que no me convenció, porque el resto del film grita autenticidad.

Otra cosa que chirría es el romance forzado con esa “Miss Goth insertada“, esa joven gótica, pálida y etérea, metida a la fuerza en la trama como un parche narrativo. No luce natural en ningún momento, ni necesario. Sus encuentros con la criatura parecen un capricho postproducción, un intento de suavizar el filo de la historia original que termina diluyendo su potencia. ¿Para qué? El núcleo de Frankenstein no necesita un amorío adolescente para latir; ya tiene suficiente tragedia en su ADN.

Sin embargo, del Toro redime estos tropiezos con lo que hace mejor: las relaciones humanas (o inhumanas) que sangran verdad. La dinámica entre creador y creación logra niveles de profundidad que tocan la fibra más honda. Su relación tortuosa, un baile de rechazo y anhelo, explora la paternidad fallida, la soledad como plaga y la redención como un fuego purificador. Todo confluye en un final perfecto, marcado por el fuego y una última frase que quema el alma. Es un cierre que eleva el film a la eternidad.

Frankenstein es un sueño febril como solo este director sabe contar: imperfecto, sí, pero con un corazón que late con la fuerza de un trueno. Si amas el cine que te transforma, ve a verla en cine, su impacto es mayor.

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Cosecha Salvaje

Curiosa mezcla de cine de aventuras, ataques de animales (en este caso, leones) y cierto melodrama familiar, ambientada en la sabana africana. La historia sigue a una familia estadounidense que queda atrapada en su hacienda cuando una manada de leones, impulsada por la sequía y el hambre, comienza a atacar y devorar a los humanos.

Protagonizada por Tom Skerritt, Michelle Phillips y Anne-Marie Martin, la película combina el exotismo del paisaje africano con una tensión constante y una sensación de aislamiento que recuerda al cine de supervivencia de los años setenta. Su premisa sencilla —la naturaleza vengándose del hombre— funciona como una metáfora del desequilibrio ecológico y del miedo a la fuerza salvaje de los leones.

Puntos a favor: su rodaje en locaciones reales, el uso de animales auténticos —que aportan un aire de peligro genuino—, la atmósfera de amenaza constante y las secuencias de ataque filmadas con eficacia. Sin ser una gran película, Savage Harvest tiene el encanto de aquellas producciones de supervivencia de serie B que explotaban el miedo a lo primitivo.

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El Cebo

Dirigida por el cineasta húngaro afincado en España Ladislao Vajda y escrita por Friedrich Dürrenmatt, Hans Jacoby y el propio Vajda, es sin duda una de las obras maestras del noir y del cine de suspenso, con una fuerte impronta dramática que se atreve a abordar un tema habitualmente tabú: el asesinato de niños. Con un reparto mayoritariamente germano y ambientada en Suiza, la película posee, no obstante, un inconfundible toque español.

La historia parte de un terrible caso de asesinato infantil en un pequeño pueblo suizo, donde un detective (un estupendo Heinz Rühmann) se obsesiona con atrapar al asesino. Para lograrlo, idea un plan arriesgado: utilizar a otra niña como “cebo” para atraer al criminal. Sin embargo, detrás de su trama detectivesca, el filme plantea un dilema moral de enorme peso: hasta qué punto la manipulación y el engaño pueden justificarse en nombre de la justicia. Vajda filma con una sobriedad casi documental, pero impregnada de una inquietante poesía visual que potencia el horror que enfrenta.

Gert Fröbe está absolutamente antológico en su interpretación del psicópata. Su primer encuentro con la niña en el bosque es uno de esos momentos que eriza la piel. La imponente y poderosa figura del asesino, que sorprendentemente se transforma en una especie de bufón para ganarse la confianza de la niña, resulta tan desconcertante como perturbadora. Fröbe luce inquietante mientras juguetea con la marioneta: es la esencia misma del monstruo oculto bajo una máscara.

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Frankenstein

Muchas películas se han hecho a lo largo de la historia sobre Frankenstein, pero, que adapten realmente el libro, alejándose de las versiones del cine clásico, solo he visto un par hasta ahora, incluyendo esta nueva versión, dirigida por Guillermo del Toro, y que me parece la mejor, sin duda.
Adaptando realmente bien la novela de Mary Shelley, aunque ampliando la parte de la creación del monstruo al más puro estilo del Frankenstein de la Universal (lo cual considero un acierto, pues en novela dicha creación queda como algo muy secundario, dedicándole un par de páginas), y alargando algunas partes y recortando otras, este gran director ha sabido plasmar el espíritu filosófico del libro, todo genialmente bien acompañado de una magnífica fotografía y ambientación en general, con una línea artística que se disfruta mucho en pantalla grande. Hay que destacar la torre, que es una pasada, totalmente.
El actor que hace de la criatura hace un papelón, sin duda, y los efectos visuales y el gore me han impresionado para una película de este tipo. Tétrica más que de terror, pero que sabe calarte hondo.
Si de algo me puedo quejar, es de la parte del acoso de la criatura a la familia de Frankenstein, en la novela es una parte importante y aquí ha quedado en una sola escena. La versión de Kenneth Branagh de 1994 adaptaba mejor esa parte del libro.
En general, una película decididamente conseguida, que no es para todo el mundo, pero quien sepa disfrutarla, lo va a hacer de verdad. Casi una obra maestra.

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La Parada de los Monstruos

Hoy en día no sé si se podría hacer una película así. Adelantada a su tiempo, Freaks todavía impresiona, envejeciendo sorprendentemente bien.

Muy osada crítica a la sociedad de la época en plena Gran Depresión, aunque también se puede extrapolar en ciertos aspectos a la actual.

No es para tod@s debido a su año pero merece una oportunidad.

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