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Los Brujos

De trama muy interesante y teniendo al genio de Boris Karloff en el protagonico es mejor aún, una pareja de científicos ancianos han pasado el cuarto de hora con sus experimentos poco reconocidos por la sociedad, deciden captar a un joven e hipnotizarlo para hacer sus últimas fechorias, me gustó que sea de suspenso aunque el ritmo en su desarrollo no la favorezca demasiado, muy buen final.

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The Kiss of Her Flesh

The Kiss of Her Flesh es una pieza fundamental para entender el cine de explotación más crudo y transgresor de finales de los 60. Dirigida por Michael Findlay, esta película es parte de la Trilogía de la Carne (con The Take of Her Flesh y The Curse of Her Flesh), y representa fielmente el estilo visual y narrativo que lo convirtió en un nombre de culto en el grindhouse.

La escena inicial muestra a Findlay besando los pechos y torturando a una mujer con pinzas de cangrejo antes de electrocutarla. La trama sigue a un hombre que, tras ser traicionado por su esposa, se embarca en una sangrienta y sádica venganza contra prostitutas. Findlay se sumerge en una atmósfera de sordidez deliberada; el film mezcla el softcore más explícito de la época con un sadismo visual. Una fotografía en blanco y negro, la imagen granulada y la iluminación precaria acentúan esa sensación de estar viendo algo prohibido o clandestino.

El cine de Findlay es abiertamente misógino en su temática, donde el cuerpo femenino es un sujeto pasivo para la violencia y el placer retorcido. Es imposible hablar de Michael sin su esposa, Roberta Findlay. En esta película, mientras Michael dirigía y se enfocaba en la narrativa visual del horror y el sexo, Roberta era la figura técnica: directora de fotografía, operadora de cámara y editora.

Es, sin duda, la más ingeniosa de la trilogía en cuanto a depravación: a las habituales chicas atadas y torturadas se suma el semen envenenado, el sexo incestuoso entre hermanas y las perlas anales. El film ayudó a cimentar el subgénero roughie, donde la violencia sexual y el crimen se volvieron el atractivo principal para los cines de barrios bajos.

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La Guerra de los Planetas

La puntuación es lo de menos porque al ser una producción italiana del mismo año en que se estrenó la genial Star Wars de George Lucas, no hay comparación alguna, los efectos son muy floos, valoro que toda la realizacion a pesar del bajo presupuesto se nota que le pusieron mucho corazon, los trajes y la nave en que se transportan están muy bien, pero en cuanto a los exteriores y los decorados son muy decadentes, para ver un sabado lluvioso sin ninguna pretensión.

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¡La Novia!

¿Qué significa ser un “monstruo“ en un mundo que teme y odia lo diferente?

The Bride! se presenta como una de las propuestas más audaces y visualmente estimulantes del cine contemporáneo. Tras el éxito de The Lost Daughter, Maggie Gyllenhaal consolida su posición como una directora con una sensibilidad singular para explorar la psique femenina. En esta obra, Gyllenhaal se aleja del horror gótico tradicional para sumergirnos en una Nueva York de los años 30, con una estética punk-rock y surrealista. La directora utiliza una paleta de colores vibrante y una puesta en escena teatral —puro vanguardismo artístico— que, puede o no gustar, y no busca el realismo, sino una hiperrealidad emocional.

Jessie Buckley (la Novia) y Christian Bale (Frankenstein) entregan interpretaciones que van más allá del monstruo, dotándolos de vulnerabilidad y furia al mismo tiempo. Mientras que en el clásico de 1935 la novia era creada “para“ alguien, en esta versión posmoderna el mensaje es el control y el descubrimiento del propio cuerpo y del deseo. La Novia no está aquí para cumplir los deseos de los hombres; ella desarrolla una identidad propia que choca con las expectativas sociales y románticas, incluso con las del espectador.

A pesar de ser una propuesta que puede resultar incomprendida y de tener fallos —que los tiene—, es una película vibrante, ruidosa y arriesgada. Utiliza el género del horror para hablar sobre lo diferente, lo femenino y la rebelión. Maggie Gyllenhaal ha demostrado que todavía existen formas frescas y desafiantes de contar historias que creíamos conocer de memoria.

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Encuentros en la tercera Fase

Encuentros cercanos del tercer tipo marca el momento exacto en que Hollywood dejó de mirar al cielo con miedo para empezar a hacerlo con asombro. Mientras que en los años 50 los extraterrestres y los ovnis eran metáforas del comunismo o malvados invasores destructivos, Steven Spielberg los transformó en una experiencia espiritual y trascendental.

Tras el arrollador éxito de Tiburón, Spielberg recibió un “cheque en blanco“ por parte de la industria. En lugar de repetir la fórmula del terror, decidió volcar su obsesión infantil por las estrellas en un proyecto personal y arriesgado, demostrando que podía manejar el espectáculo visual sin perder la humanidad. El uso de la luz como lenguaje narrativo —desde las linternas en la carretera hasta la imponente nave nodriza— se convirtió, desde entonces, en su sello distintivo. Aunque los alienígenas se muestran poco, la representación de figuras delgadas, cabezonas y de ojos grandes ayudó a estandarizar la imagen del “Gris“ en el imaginario colectivo. Curiosamente, estos seres fueron interpretados por niñas disfrazadas, aunque se tuvo que fabricar un muñeco articulado para la escena del alienígena que saluda con la mano. Asimismo, la trama del encubrimiento gubernamental y la creación de zonas de exclusión alimentaron las teorías de conspiración que, durante décadas, han permeado la cultura pop. Por otro lado, la secuencia musical compuesta por John Williams (Re - Mi - Do - Do_bajo - Sol) es una de las más reconocibles de la historia del cine, convirtiéndose en un código universal para decir: “no estamos solos“.

Tuve la suerte de verla en el cine cuando era niño y me dejó maravillado. Visualmente sigue siendo impecable; los efectos especiales de Douglas Trumbull, realizados antes de la era digital, poseen una textura y una presencia física que las pantallas verdes modernas no logran replicar. Es, en esencia, una sinfonía visual sobre la curiosidad humana.

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El río de la muerte

Un desastre en mayúsculas. Fallos a cada escena, situaciones inverosímiles, mala ejecución en cada toma de decisiones, un nefasto guion y encima unas interpretaciones también nada profesionales.

Me disgustó ver como se pierde el tiempo en esas propuestas, para llenar una sesión de tarde, en un programa televisivo de distracción y aún así mucha gente optaría estoy seguro por cambiar de canal.

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La Noche del Cometa

Viene a ser una versión de el último hombre en pie, pero con dos jovencitas y en plan comedia para toda la familia, esta vez es un cometa que impacta contra la tierra y convierte en polvo a los que se exponen a él, algunos sobrevivientes zombies, muy pocos para mí gusto y unos científicos en busca de la cura, entretenida pero la esperaba mejor.

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Bajo tus Pies

Me ha resultado una sorpresa bastante agradable.

Empieza ya dejando descolocado eso de “basada en hechos reales” en una película de terror, y lo curioso es que funciona porque todo tiene un tono muy cercano y creíble dentro de lo fantástico. La puesta en escena está muy cuidada, con esa casa enorme llena de pasillos y rincones que generan mal rollo casi sin necesidad de abusar de sustos.

Maribel Verdú está enorme, sobre todo en la parte final, donde sostiene buena parte del peso emocional de la historia, y los niños también están genial, algo que no siempre pasa en este tipo de películas. Quizá recuerda por momentos a clásicos del terror más psicológico de los 60 y 70, pero tiene personalidad propia y una atmósfera muy conseguida.

No inventa el género, pero sí consigue atraparte y mantener esa incomodidad constante que tan bien le sienta.

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Destino Final 4: El Destino Final

DESTINO FINAL 4 ( 2009).

Descanse en pedazos!!
Y es lo que mejor le cabe a está cuarta entrega llevando el subtítulo de portada de descansar en pedazos porque vemos sangre a cantidades extremas , desmembramiento por todos lados , pero sin tensión alguna y con una muerte qué no actúa como fuerza sino más bien cómo personificada por eso me pareció algo fantástica la premonición de Nick qué su actuación es bastante plana como el resto del elenco , los efectos son algo cutres .
Te entretiene como las demás pero termina cansando las visiones reiteradas del protagonista, su final una marca registrada nadie se salva de la muerte, si eres fan de la saga quizás te guste , para mí entretiene pero indudablemente acá era el momento de innovar en su trama, es la peor y sí hay que descartar una sería esta.

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Marisa y Gomoso

Una v3rga, como todas las películas de Parés. Pretenden ser graciosas mostrando involución social constante. No sabe escribir otra cosa, se supone que es “comedia“ pero solo la disfrutan su grupo de amigos (muchos salen en la película). Ahórrense hora y media de sus vidas (salvo que sean amigos de Parés). No te hace reír ni con cosquillas. Menos cero y me quedo corto

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