La elección de los Cayos de Florida como lugar donde empezar la aventura fue más práctica que otra cosa: se quería ambientar en el Caribe y ese punto era el lugar caribeño donde rodar era más barato.

La primer idea para la película era una historia ambientada en China. El Gobierno chino había invitado a EON al país para que consideraran rodar un Bond allí, y la productora decidió probar suerte.

Basada muy libremente en “The Hildebrand Rarity“ (traducida aquí como El Extraño Hildebrand“), Bond acompaña al millonario americano Milton Krest en la búsqueda de un raro pez. Krest es un maltratador que trata a su esposa a latigazos. Hasta aquí lo que hay de la novela. A partir de aquí todo es original de Maibaum y Wilson: La esposa de Krest aparece muerta. Bond se huele algo: cree que Krest es un ladrón y traficante de antigüedades chinas. Se pone en contacto con la ex-militar y ahora contrabandista Pam Bow para que lo ayude a investigarlo. Posando como un tratante de arte, Bond conoce al villano de la pieza, el Coronel Kwang, jefe de Krest.
El guion preveía una escena de lucha entre los Soldados de Terracota, una fortaleza al estilo de la Ciudad Prohibida y una persecución en moto por la Gran Muralla. Todo algo estereotipado si me preguntáis.
Durante la visita a China, la representación de EON se encontró con una industria cinematográfica muy entusiasta y abierta a todo, pero el mismo Gobierno que los invitó empezó a poner pegas y la idea de rodar ahí se abandonó.

Hay cuatro canciones relacionadas con la pelicula: enumeremos en orden más o menos cronológico:

1. Mr. Kiss Kiss Bang Bang - Shirley Bassey: Para tener una línea continuista con Goldfinger, se contrató de nuevo a Bassey, John Barry y Leslie Bricusse crearon una letra sin relación con la película porque no sabían cómo colocar el palabro “Thunderball“ ahí. Sin embargo, el equipo se dio cuenta de que la canción era demasiado corta para los créditos, y Bassey no estaba disponible para grabar una nueva versión, así que buscaron a una sustituta…

2. Mr. Kiss Kiss Bang Bang - Dionne Warwick: Y se lo encargaron a la musa de Burt Bacharach, que por entonces lo estaba petando con “Walk On By“ y “Do You Know The Way To San Jose?“.
Sin embargo, los productores aún consideraban que “Thunderball“ debía aparecer sí o sí en la letra. Se decidió desplazar la canción a los créditos finales, pero, Bassey amenazó a EON con demandarles si usaban la versión de Warwick en lugar de la suya. Se tuvo que descartar. Curiosamente, las dos versiones aparecieron en sendos LPs de la banda sonora: la de Bassey en Hi-Fi y la de Warwick en estéreo. Entretanto, John Barry y el nuevo letrista Don Black se las tenían para encajar “Thunderball“ en la letra cuando cierto conocidísimo cantante y guitarrista, presuntamente enterado del problema bien porque EON le encargó una canción por si Barry y Black fallaban, bien por su cuenta, presentó un tema llamado como la película…

3- Thunderball - Johnny Cash: El Hombre de Negro hizo una canción que narraba los aviesos planes de Spectre y la puesta en matcha de la operación Thunderball por parte del MI6. Se ignora si se basó en la novela o tuvo acceso al guion. El hecho es que EON la rehusó. Quizá porque pese a no estar mal, esta pieza country no encajaba con la película, o porque Barry y Black ya estaban bastante avanzados en la grabación de…

4. Thunderball - Tom Jones: El tema definitivo y de ultimísima hora con la voz más de moda en el mundo del pop.

John Lennon soñó con un camarero sádico que servía espaguetis con una pala. Se lo comentó a Paul McCartney y éste le dijo que podía ser una buena escena.

Lennon también dirigió enteramente una escena donde un maromo perseguía a unas chicas en bikini alrededor de la piscina de un hotel, pero se descartó. Al final no le gustó nada la película, considerándola el vídeo doméstico más caro de la historia.

Se rodaron 10 horas de metraje, y el montaje de la película, previsto para durar una semana, acabó llevando 11 semanas.

La película se iba a estrenar en la BBC 1 el 26 de diciembre, el Boxing Day, en horario de máxima audiencia. Parece que nadie tuvo en cuenta dos detallitos: uno, que la que emitía en color era la BBC 2 y dos, que a finales de 1967 poca gente tenía tele en color en el Reino Unido: solo se emitía en color desde julio del mismo año. Es que ni eso funcionó, hulio.

Se rodó una escena con el grupo Traffic tocando su éxito “Here We Go Down The Mulberry Bush“ que se descartó del montaje final.

Todas las escenas en estudio (la carrera, “I Am The Walrus“…) se rodaron en un aeródromo alquilado a la RAF y su hangar (todos los interiores) al no haber tiempo para preparar la logística que requería rodar en un estudio profesional.

Para la escena del tripi psicodélico (que debía tener imágenes con FX del autocar volando que no se pudieron realizar) se usaron secuencias descartadas de “¿Teléfono rojo?¡Volamos hacia Moscú!“, película en que el editor de “Magical Mystery Tour“ había trabajado. Cuando Kubrick se enteró le echó una buena regañina.

El vídeo musical de “The Fool on the Hill“ se rodó en un viaje relámpago a Niza donde solo fueron Paul McCartney, el roadie Mal Evans y un cámara. Llegaron de madrugada, le preguntaron a un taxista por un lugar en los aledaños que cumpliera X características, éste los llevó donde consideraba que las cumplía y rodaron el vídeo entero entre el amanecer y el mediodía casi como les iba saliendo.

No hubo cásting “per se“: los Beatles seleccionaron a los actores necesarios a través de revistas especializadas del sector actoral, juzgando por el perfil o incluso simplemente la foto. Algunos otros fue porque eran amiguetes de la banda.

Queriendo rodar unas escenas en la feria de un pueblo, intentando evitar entrar por la carretera general por discreción, el autocar se quedó atascado en un viejo puente, llamando la atención de los coches que iban detrás. Aquello se llenó de curiosos en poco tiempo, por supuestísimo. Los ánimos se caldearon y se filmaron las discusiones y disputas, pero se descartaron del montaje final. John Lennon montó en cólera y fruto de la frustración salió y arrancó las letras arcoiris de los lados del autocar, no se sabe aún si para desfogarse o porque creía sinceramente que eso ayudaría el autocar a avanzar al aligerar lastre o ganar espacio.

Al final se tuvo que salir dando marcha atrás durante casi un kilómetro. Se decidió suspender el rodaje allí para decepción de los fans locales que ya esperaban a los Beatles y pasar a otro sitio para de paso atender a periodistas de la BBC, co-productora de la peli.

La muerte de Brian Epstein aceleró el proyecto de mala manera: se consideraba que la mejor manera de mantener unida a la banda era empezar a la de ya. A los 5 días, Paul McCartney, al que el resto de la banda decidió ceder el liderazgo del proyecto (y por supuesto es el que se ha comido el marrón del desastre que quedó) decidió iniciarlo en dos semanas. Era demasiado, pero en 5 sí que se pudo.

Y ya se empezó mal: los primeros intérpretes, que incluían a McCartney y a los actores y extras, se encontraron con que aún estaban dando los últimos retoques a la decoración del autocar. Se sufrió un retraso de dos horas durante el cual se aprovechó para adquirir vestuario para parte del reparto. Luego, al final del día, hubo otro problema cuando los Beatles se pasaron de listos, se bajaron del autocar a la entrada del pueblo de destino para llegar de incógnito en coche y se encontraron a 400 fans esperándoles, enterad@s por completo de su plan.

El “guion“ de la película se conserva y es básicamente una hoja con apuntes de Paul McCartney (que es considerado el director de facto de la película) y un esquema circular. El resto se iba apuntando sobre la marcha y no sería un guion al uso.

La idea de ‘Macca’ a largo plazo era hacer una película al año que cubriera a nivel de promoción y beneficios la ausencia de conciertos y giras de los Beatles, por lo que el proyecto nació como película cinematográfica, aunque no se tardó mucho en decidir que funcionaría mejor como especial televisivo.

La idea de una tercera película de los Beatles empezó a tomar forma a inicios de 1967, cuando se encargó un guion al dramaturgo Joe Orton. El proyecto se llamó Up Against It y era de tema LGTBI. Al grupo no le interesó y se consideraron ideas como una adaptación de “El Señor de los Anillos�, u otra de “Los Tres mosqueteros�.

Finalmente fue haciendo filmaciones amateurs en unas vacaciones en Denver que Paul McCartney tuvo la idea de hacer una película basada en filmar sobre la marcha y empezó a pensar en el tema del autobús y el viaje surrealista.

Parece que Orson Welles no trató nada bien a René Clément y se negaba a hablar directamente con él pese al alto nivel de francés del de Wisconsin. Siempre era a través de intérpretes. ¿El motivo? Envidia: Orson Welles había visto muchos proyectos suyos aplastados por falta de presupuesto y allí estaba ese gabacho con todos los medios que quería a su alcance.

Aunque la fotografía en blanco y negro le da un aire muy real a la película e incluso le supuso una nominación al Oscar, no era lo previsto en un inicio: la película se iba a rodar en color, pero el Gobierno gaullista exigió que la simbología nazi fuera diferente a la real para no herir susceptibilidades, por lo que las banderas con esvásticas que aparecen eran verdes en lugar de rojas por ser colores indistinguibles si se filman en monocromo.

Se rodaron y se cortaron escenas con Romy Schneider e E.G. Marshall. Roddy McDowall tenía un papel asignado pero se descartó, y se hizo una oferta a Yul Brynner para un cameo que no fructificó.

Francis Ford Coppola guarda un mal recuerdo del rodaje. Chocó repetidamente con el productor Paul Graetz, que en una discusión le espetó “Yo ya hacía películas 40 años antes de que nacieras“, a lo que Coppola contestó “Y yo estaré haciendo películas 40 años después de usted muera“. Graetz falleció la semana siguiente y por supuesto la predicción de Coppola fue certera.
También chocó con el Gobierno gaullista, que exigió para rodar en París que se manipulara el guion para minimizar la aportación de los comunistas a la Resistencia: no le gustó nada esta censura interesada.
Y sigue diciendo que ni él ni Gore Vidal (ni Anthony Veiller, que empezó a trabajar pero estaba enfermo terminal y duró poco) hicieron gran cosa ahí, y que si están acreditados es porque el sindicato americano lo exigió: según él, los guionistas son Jean Aurenche, Pierre Bost, Claude Brulé y otros cineastas franceses.

El cásting fue muy currado: por tal de mantener la calidad de sus interpretaciones, la práctica totalidad del reparto francés y americano tenía como condición sine qua non ser bilingües y se doblaron a ellos mismos en las dos versiones oficiales de la película, en francés y en inglés.

Hablando de gamberradas, uno de los guionistas, Al Boasberg, fue el que creó la escena del camarote. Una vez la hubo escrito procedió a recortar el redactado y pegó las piezas en el techo de su despacho. Thalberg y los Marx tuvieron que estar horas montando el puzzle este.

No faltaron las típicas gamberradas entre bambalinas de los hermanos en este rodaje: Sam Wood padecía úlceras, por lo que lo primero que hacía al llegar al curro era pedirse un buen vaso de leche. Los Marx se las arreglaron para que a los pocos días dicho vaso pasara a ser un biberón, con el consecuente cabreo del director.
En un caso distinto, a Wood se le ocurrió poner una multa de 50 dólares a los trabajadores que llegaran tarde al estudio, cosa que Groucho aplaudió, solo para encontrarse que la mañana en que se empezó a aplicar la medida, sus hermanos habían bloqueado la puerta del garaje de su casa con clavos, convirtiendo a Groucho en el primero de los sancionados. Desde entonces, los tres se lo tomaron como un juego y empezaron a apostarse a cuál de los tres multaría Wood al día siguiente. El director abandonó la idea poco tiempo después.

Antes de retomar básicamente la estructura argumental básica que ya se vio en “Los Cuatro cocos“ y “El Conflicto de los Marx“ (los hermanos se meten en un lío relacionado con una pareja de enamorados y los ayudan), Irving Thalberg descartó algunas ideas previas.
Un ejemplo es el argumento propuesto por el guionista James Kevin McGuinness, donde Harpo iba a ser el mejor tenor del mundo, aunque no se lo veía hablar ni cantar en ningún momento.
Otro argumento rechazado por Thalberg, que presuntamente gustaba mucho a Groucho aunque cabe añadir que parece que tiene un poco de leyenda urbana, pues no se sabe quién lo creó, corrió durante años mediante boca-oreja por Broadway hasta que Mel Brooks lo guionizó y ejecutó: era, tal cual, el argumento de “Los Productores“, con Groucho en el papel que después haría famoso Zero Mostel, solo que ambientado específicamente en el mundo de la ópera y no en el del teatro en general.

No es necesario fijarse mucho en el detalle de que la película empieza de golpe y porrazo, sin ni tan siquiera un fundido, saltando de los créditos iniciales a la acción. Ello se debe a que en el estreno original había un prólogo que situaba la acción en Milán, tras lo cual venía un corto número musical. Esta secuencia se eliminó durante la 2ª Guerra Mundial, cortándose del máster original para hacer las copias que recibirían las tropas estadounidenses para su entretenimiento: no se podía dar buena imagen de Italia, que en ese momento era el enemigo.

Tuvo tres secuelas con guiones totalmente originales: Son of Monte Cristo (1940) y The Return of Monte Cristo (1946), también producidas por Edward Small y con Louis Hayward como el hijo del Conde, y The Treasure of Monte Cristo (1961), un noir ambientado en San Francisco donde Glenn Langan (sí, el coronel Manning, alias el asombroso hombre creciente en persona) es un descendiente de ambos condes que se ve en las mismas en los años 60.