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Atlantic City

Interesante historia sobre el antiguo guardaespaldas que ahora en el ocaso de su vida se dedica a levantar apuestas.Enamorado de su joven vecina(a la que espia por la ventana),se convertira en el protector de ella cuando por intermedio de su ex marido,se vea envuelta en un trapicheo con drogas.
Muy buen papel de Burt Lancaster y mencion especial a la vecina quejosa de la cual tambien se ocupa;uno de los mejores personajes de toda la pelicula.

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El Tambor de Hojalata

Notable drama bélico alemán, ganador del Oscar a la Mejor Película Extranjera.

Durante la celebración de su tercer cumpleaños y profundamente disgustado por el comportamiento de los adultos, el pequeño Oskar decide no crecer más. Su único cómplice será un pequeño tambor de hojalata, testigo mudo de dicha experiencia.

Nacido al alero del Nouvelle vague francés de fines de los 50s, el Nuevo Cine Alemán fue un movimiento cinematográfico comprendido entre las décadas de los 60s y 80s que nació en respuesta a la grave crisis del cine germano de postgrado producto de la crisis moral, social y económica del país, el exilio de directores y actores de renombre a Hollywood, la fuerte arremetida de la televisión y el predominio de films de evasión de temática romántica y musical. Este movimiento se caracterizaría por no tener una postura crítica o teórica hacia el cine, desconocer la tradición cinematográfica de su país y rechazar el cine de aquella época, tratar los problemas de la juventud y las dificultades de comunicación y soledad producto del modelo social y estudiar la posguerra y abordar la reconstrucción alemana desde una visión y experiencia personal. Entre sus grandes exponentes encontraremos a cineastas como Rainer Werner Fassbinder (“Todos nos llamamos Alí”, 1974), Werner Herzog (“Aguirre, la ira de Dios, 1972), Wim Wenders (“Alicia en las ciudades”, 1974) y Volker Schlöndorff (“Fuego de Paja”, 1972), autor de la obra que nos convoca.

Cuando Schlöndorff se embarcó junto a Anatole Dauman, mítico productor francés que trabajó con cineastas de la talla de Jean-Luc Godard, Robert Bresson, Wim Wenders, Nagisa Oshima, Andrei Tarkovsky, Walerian Borowczyk y Alain Resnais, y su compatriota Franz Seitz, Jr., en la adaptación de la novela “Die Blechtrommel” (“El Tambor de Hojalata”, 1959), ya tenía una gran reputación como uno de los mejores directores en adaptaciones literarias del cine alemán y europeo. Schlöndorff, que había tenido una gran formación trabajando como asistente de dirección para grandes directores franceses del Nouvelle vague como Louis Malle (“El Fuego Fatuo”, 1963), Jean-Pierre Melville (“Hasta el Último Aliento”, 1965) y Alain Resnais (“Hiroshima, Mi Amor”, 1959), ya había demostrado esta gran capacidad para comprender y exponer novelas, por ejemplo, en “El Joven Törless” (1966) y “El honor perdido de Katharina Blum” (1975), basadas en las obras “Las tribulaciones del estudiante Törless” (1906) de Robert Musil y la homónima (1974) de Heinrich Böll. En ese sentido, el film se convertiría en una ratificación de dicha capacidad y una de las obras cumbres del movimiento.

“Die Blechtrommel” (“El Tambor de Hojalata”, 1979) es, de hecho, una magnífica alegoría sobre los miedos, la incertidumbre, la corrupción moral, el odio, la intolerancia y la decadencia de una sociedad a la cual le espera un futuro aún peor con el advenimiento del Nazismo. Inspirado en la novela hómonina publicada en 1959 por el Premio Nobel alemán Günter Grass, el guión firmado por el escritor y guionista galo Jean-Claude Carrière, el productor alemán Franz Seitz y el propio Volker Schlöndorff, quien por cierto recibió la aprobación directa del propio Grass, se traduce en una adaptación si bien no realmente fiel al original y adaptando 2 de los 3 libros de la obra, bastante fidedigna al espíritu de la obra, que es la protesta ante dicha decadencia del mundo de los adultos y, por tanto, la negativa a crecer de Oskar, reflejado en los constantes golpes a su tambor de hojalata.

La película es, en consecuencia, una excepcional metáfora en sí misma conformada por ciertos de elementos narrativos y pictóricos fuertemente simbólicos que la convierten en una verdadera reflexión sobre la vida. Un primer elemento que podemos destacar es el contexto histórico en el que se desarrolla la historia, que el guión sigue en la línea de la novela, con los recuerdos y la narración de Oskar, pero obviando el hecho de que está internado en un hospital psiquiátrico a mediados de los 50s. De esta forma, Schlöndorff presenta al espectador la narración desde la perspectiva del niño que se convirtió en hombre y no en el hombre que terminó internado en un sanatorio, lo que en la novela se traduce en la puesta en duda de la mayor parte de las anécdotas y hechos que Oskar narra. A pesar de ello, Schlöndorff se las arregla para incluir este aspecto, aunque de una forma un tanto ucrónica, es decir, históricamente alternativa, cuando Alfred, su supuesto padre, se niega a seguir la orden de la Gestapo de hospitalizar a Oskar por sus problemas mentales y de crecimiento atrofiado.

La narración de Oskar, que se sitúa esencialmente entre 1924 y 1933 en la que podremos asistir a toda la efervescencia social germana ante la llegada de Adolf Hitler y el Nazismo al poder, sin embargo, incorpora varios momentos y referencias históricas a manera de antecedentes para explicar el contexto principal. De esta forma, inicia con la persecución del fugitivo incendiario Joseph Koljaiczek y su curioso primer encuentro con la campesina casuba Anna Bronski, en la Casubia Prusiana, entre fines del siglo XIX e inicios del XX y luego la desaparición de Joseph al verse obligado a lanzarse al agua en los aserradores de Danzig, epicentro del creciente nacionalismo polaco y que ya en ese tiempo formaba parte del II Reich. Esta referencia es bastante interesante porque nos recuerda la lucha de Danzig por mantenerse libre a pesar de haberse reintegrado a Polonia tras la firma del Tratado de Versalles (1919) y ser conocida como la Ciudad Libre de Danzig, hasta ser invadida y caer en manos de los nazis tras la invasión a Polonia de 1939.

A partir de entonces, la película contextualizará la antesala, el establecimiento y la caída del Nazismo y el III Reich en una generosa radiografía histórica de los acontecimientos, gracias al fotógrafo eslovaco Igor Luther (“Golpe de Gracia”, 1976). Lo hará preferente a través de la narración de hechos casi cotidianos y fuertemente simbólicos como la compra de la radio para escuchar los incendiarios discursos del Führer y el intercambio del retrato de Beethoven por el de Hitler en casa de Alfred, el desfile de los miembros de la SA o Sturmabteilung y la exaltación a las juventudes hitlerianas de vecinos como Gref, el verdulero, la progresiva implantación del nacionalismo polaco reflejado en las discusiones de Jan (polaco) y su amigo Alfred (alemán) y el orgullo de las estampillas polacas, el hostigamiento a los judíos plasmado en la expulsión del juguetero Markus del funeral de Agnes y más aun en la destrucción de su negocio en la infame Noche de los Cristales Rojos (1938). Referencias que serán combinadas magistralmente con escenas de una clase de realismo mágico como la conversión del desfile nazi en un vals comunitario con una fuerte lluvia, la orgía de Rasputín a partir de una clase de lectura y las funciones circenses de enanos en Normandía en las que acribillan a monjas y estas suben al cielo.

En “Die Blechtrommel” (“El Tambor de Hojalata”, 1979) Oskar se niega a crecer en el momento en que cumple 3 años al contemplar y repudiar el comportamiento de los adultos que le rodean. No quiere pertenecer a un mundo de grandes en donde se imponen la mentira, la apariencia y la hipocresía, siendo el punto detonante de dicha decisión el descubrimiento del triángulo amoroso de su madre Agnes, su primo judío-polaco Jan (probable padre de Oskar) y su esposo Alfred, un oficial alemán. A la par, se rebela, además, contra la impasibilidad de una sociedad que no está consciente del peligroso crecimiento de la discriminación, la intolerancia, la xenofobia y el odio como también contra su propia familia que no cuestiona en lo absoluto su decisión de no crecer más. De hecho, Oskar es un personaje fascinante porque al convertirse en un pequeño dictador que grita y quiebra cristales y vidrios con su voz cuando le intentan quitar su tambor de hojalata (la quebrazón de los lentes de su profesora, los frascos de órganos en formol del pediatra) también es reflejo de una sociedad psicótica y enfermiza en lugar de representar lo que supuestamente un niño de esa edad debería proyectar, inocencia y esperanza.

Lo que nos lleva a abordar la naturaleza supuestamente maligna del Oskar infantil y digo “supuestamente” porque si bien no está del todo remarcado en la película, en la novela sí se desprende la idea de que los acontecimientos narrados por el protagonista pueden carecer de factibilidad. Con todo hay varias demostraciones de esta maldad no sólo en sus caprichos con el tambor de hojalata, sino también en otros eventos que involucran mortalmente a miembros de su familia o a quienes quiere. Por ejemplo, de alguna u otra forma interviene o propicia la muerte de su madre por ingesta descontrolada de pescado luego de hacerle saber que presenció su infidelidad, la de Jan cuando le insiste que busquen a Kobyella, amigo nacionalista de Jan y reparador de tambores para que arregle el que rompió que mueren en la oficina de correos defendiéndola de la toma de los nazis y la de Alfred, esposo de su madre a quien le lanza el pin nazi que se esforzó en ocultar en presencia de los soldados soviéticos. También está el intento de matar con unas tijeras a María y el bebé que espera por despecho.

El film, además, goza de una notable aparición y exposición de personajes secundarios. Los más interesantes son, sin duda, el juguetero judío Markus que enamorado de Agnes cuida a Oskar para que esta tenga sus encuentros sexuales clandestinos con Jan; Gretchen Schefller, la vecina a la que Agnes encarga la educación de su hijo y que libera su represión sexual cuando el niño la obliga a leer a Rasputin y dejar las lecturas infantiles; el verdulero Greff, más interesado sexualmente en los jóvenes hitlerianos que en su propia esposa, la abandonada Lina, quien termina violada por los rusos y luego paradójicamente de jarana con ellos; Bebra, el enano director de circo encargado de entretener a las tropas nazis y que fomenta a Oskar en su independencia; el malicioso trompetista Meyn que detesta los arranques de Oskar quebrando lumbreras públicas y que duda en denunciar a los judíos; el cuidador del cementerio local Shugger-Leo que habla en latín y en clave, el despreciativo e indiscreto Cura Wiehnke y el oportunista Dr. Hollatz, pediatra de Oskar, que aprovecha la oportunidad para sacar un artículo científico al estudiar la voz de Oskar.

No cabe duda de la importancia de objetos como símbolos y alegorías contundentes. El principal, y de ahí el nombre del film, es el tambor de hojalata, instrumento de juguete que le obsequían precisamente en su tercer cumpleaños. Simboliza, por supuesto, la negación a abandonar la niñez y su desprecio por los adultos, pero también una vía para comunicar su malestar por los actos de los grandes y los eventos que se van sucediendo impunemente. también, puede ser una referencia a la ascenso y militarización del gobierno y la sociedad germana a manos de Hitler y el Nazismo. Su voz vitricida, en tanto, refleja no sólo su estampa de pequeño dictador caprichoso ya que la utiliza cuando los adultos intentan imponerle una acción, sino también una referencia velada a la Noche de los Cristales Rotos y, principalmente, una ruptura con el tiempo ya que la primerz vez que Oskar rompe un cristal es del reloj de la casa, símbolo inequívoco de que el paso del tiempo y, por tanto, su crecimiento psicológico y físico se detienen.

No son, por supuesto, los únicos elementos alegóricos. Ya hablé del intercambio del retrato de Beethoven por el Hitler, una clara alusión y crítica a la renuncia de la Alemania de la época a la libertad de expresión y artística y la radio como vehículo comunicativo al servicio del Nazismo para moldear y corromper mentes. Cómo no mencionar también la cabeza de caballo podrida, los peces y sapos que forman parte de guisados repulsivos para algunos personajes, que dan cuenta también de la decadencia de su sociedad germana prenazi. La falda de la abuela Anna, en tanto, también es un elemento metafórico destacable que sirve de protección no sólo para el anarquista Joseph, sino también para el propio Oskar, quien se oculta bajo ella cuando se siente particularmente vulnerable. Los enanos liderados por Breba, vestidos de soldados alemanes y que entretienen a los miembros del Wehrmacht son evidentemente una sátira a ellos mismos y la presencia de la enana Roswitha, de la cual Oskar se enamora, una referencia al fascismo italino encabezado por Mussolini.

Por otra parte, el sexo y la sexualidad de los personajes será uno de los pilares narrativos de la película. Ya sea con un dejo de humor, otras veces con crudeza, Schlöndorff retrata las inquietudes sexuales de los personajes con una gran y destacable naturalidad. De hecho, el film comienza con el surrealista y cómico encuentro de los abuelos de Oskar, Anna y Jospeh, en que ella lo oculta bajo sus faldas y éste aprovecha de tener sexo con ella con los soldados prusianos expectantes. Le seguirán los encuentros sexuales de Agnes y Jan, la curación a la histeria sexual de Agnes en el almuerzo con Jan y Alfred, la orgía fantasiosa de Rasputín, el despertar sexual del propio Oskar con la que terminaría siendo su madrastra, María y el polvo azucarado, el despecho de éste al descubrir la relación de la chica con Alfred, la violación a Lina a manos de los rusos y el mencionado gusto pedófilo de Gref, el verdulero, por los jóvenes simpatizantes de Hitler.

A propósito de Oskar, bien vale la pena resaltar la interpretación del actor suizo de entonces 12 años con problemas de crecimiento, David Bennent (“Legend”, 1985), quien encarna a un personaje ambiguo que puede despertar lástima y rechazo a partes iguales, pero que no deja de ser un personaje vulnerado y decepcionado y egoísta y destructivo, al mismo tiempo. El resto del reparto no se queda atrás, encontramos a Mario Adorf (“La tienda roja”, 1969) como Alfred Matzerath, supuesto padre de Oskar, Angela Winkler (“Suspiria”, 2018) como Agnes Matzerath, la madre del niño, Daniel Olbrychski (“El Diluvio”, 1974) como Jan Bronski, primo de Agnes y muy probablemente padre de Oskar, Katharina Thalbach (“La decisión de Sophie”, 1982) como María Matzerath/Truczinski, primer amor y luego Madrastra de Oskar, Berta Drews (“El Cebo”, 1958) y Roland Teubner (“El cuchillo en la cabeza”, 1978) como Anna y Joseph Koljaiczek, abuelos de Oskar y Raphael Vogt (“Deja que fluya el amor, 2009) como Kurt Matzerath, medio hermano y posible hijo de Oskar.

También engrosaron el reparto Heinz Bennent (“Posesión”, 1981) y Andréa Ferréol (“La gran comilona”, 1973) como el matrimonio Greff, Ilse Pagé (“El jorobado de Soho”, 1966) como Gretchen Scheffler, Otto Sander (“El cielo sobre Berlín”, 1987) como Meyn, el trompetista, Fritz Hakl (“Lady Dracula”, 1977) y Mariella Oliveri como Bebra y Roswitha Raguna, el legendario cantante francés Charles Aznavour (“El paso del Rhin”, 1960) como Sigismund Markus, juguetero judío y amigo de Oskar, Marek Walczweski (“El Golem”, 1980) como Shugger-Leo, cuidador del cementerio, Joachim Hackethal (“El fuerte Fernando”, 1976) como el Cura Wiehnke. Párroco de Danzig, Henning Schlüter (“El Monstruo”, 1977) como el Dr. Hollatz, Mieczysław Czechowicz (“Tres pasos en el suelo”, 1965) como Kobyella, reparador de tambores de hojalata y amigo y colega de Jan y el guionista Jean-Claude Carrière (“La insoportable levedad del ser”, 1988) como Rasputin.

Con capital alemán, francés y yugoslavo, la película se rodó entre julio y noviembre de 1978 principalmente en Alemania Federal, incluyendo los Estudios Spandau, Berlín Occidental y Münich. También se filmó en Calvados, Normandia y París en Francia, Zagreb en Croacia y Gdansk en Polonia. Particularmente complejo fue el rodaje en la ciudad polaca dado que las autoridades comunistas locales otorgaron muy poco tiempo para filmar, lo cual no es extraño ya que la novela había sido prohibida en los países del Bloque del Este. Además, arrestaron a un asistente de producción que intentaba comprar anguilas para la escena de la playa y la cabeza de caballo por supuesta intentar sabotear la industria nacional pesquera polaca.

Particularmente polémicas fueron las secuencias de sexo de María y Oskar que significó la censura en países como Canadá, Italia e Irlanda pero que en Estados Unidos llevó incluso a un juez a censurar y confiscar el film por supuesta pornografía infantil ya que el actor que interpreta a Oskar tenía sólo 12 años y protagonizaba escenas de sexo oral y coito con María. Schlöndorff se defendió demostrando que Bennent y Thalbach no habían tenido contacto sexual al proteger la zona púbica, los genitales y el trasero de la actriz con un material de tela opaco, conocido como Duvetyne.

La música fue compuesta por el legendario compositor, ganador del Oscar, Maurice Jarre (“Dr. Zhivago”, 1966) quien aporta con una gran partitura ambiental y dramática, de época, que logra imponer un tono esencialmente amargo.

“Die Blechtrommel” (1979) se estrenó el 3 de mayo de 1979 simultáneamente en Mainz, Berlín Occidental y Wiesbaden. Se convirtió en la película alemana más taquillera de la década al recaudar 25 millones de marcos (US$ 13 millones) en Alemania y US$ 2 millones en Estados Unidos.

Por otra parte, fue muy bien recibida por la crítica. Fue premiada con la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1979 a la Mejor Película, el Premio del Cine Alemán al Mejor Largometraje (Cuenco de Oro) y el Premio Júpiter como Mejor Película. En 1980 ganó el Oscar en la categoría Mejor Película en Lengua Extranjera, el Premio Bodil como Mejor Película Europea, el Lienzo Dorado, el Premio de la Junta Nacional de Revisión a la Mejor Película en Lengua Extranjera y fue nominada al César en la misma categoría. Finalmente, en 1982 ganó el Premio de la Academia Japonesa a la Mejor Película Extranjera.

En resumen, un magistral drama bélico con tintes cómicos y oscuros que aborda con naturalidad y crudeza la guerra y los intentos de un niño por evitar convertirse en adulto y ser absorbido y devorado por la corrupción y la hipocresía.

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Cinderella Man. El Hombre que no se Dejó Tumbar

Cinderella Man es una película de drama y deportes que se estreno en el año 2005. Esta dirigida por Ron Howard y protagonizada por Russell Crowe, Renée Zellweger y Paul Giamatti.
Basada en una historia real. Después de haberse retirado del boxeo, James J. Braddock decidió volver al cuadrilátero, en la época de la Gran Depresión, para poder alimentar a su familia. No era un boxeador con talento, pero su coraje, sacrificio y dignidad lo llevaron hasta la cumbre.

¨Cinderella Man¨ o también conocida como ¨El Luchador¨ es una película basada en hechos reales que cuenta la historia del boxeador James J. Braddock, si bien es una película que hoy en día no es tan recordada como otras del genero como por ejemplo ¨Rocky¨ o ¨The Fighter¨ pero a mi me sorprendió enormemente, la película es muy buena y en verdad que me dejo un buen sabor de boca mas que todo por la historia tan emotiva y también por la interpretación de Russell Crowe quien estaba en su salsa haciendo buenos papeles y grandes actuaciones así que ¨Cinderella Man¨ para mi fue una experiencia acojonante y brutal, una buena película sobre boxeo que es totalmente recomendable para la gente que le gusta ver buenas historias llevadas a la gran pantalla.

La película se sitúa durante La Gran Depresión de los Estados Unidos y como tal sigue la historia de James Braddock, un boxeador no muy bueno que como la mayoría de personas sufre cada día para conseguir dinero y mantener a su familia así que decidió volver al ring y sorpresivamente empezó a ganarle a sus contrincantes y fue llenado de elogios y todo eso le llevo a enfrentarse al campeón de pesos pesados del mundo, el invencible Max Baer quien es famoso por haber matado a dos hombres en el ring, este detalle no fue muy bien merecido ya que la forma como describieron a Max Baer difiere con lo que se cuenta del luchador en la vida real pero ya es de saber que estamos en Hollywood e inventan cosas que no son con tal de atraer público o hacer que el villano sea mas brutal y odiado pero bueno, en lo que a mi respecta la historia esta muy bien contada, es una película con un ritmo muy bueno ya que nunca aburre pese a las dos horas y media que dura pero por lo general la película esta muy entretenida y es magnífica así que pocas quejas tengo con ella.

Por otra parte, las actuaciones estuvieron brutales, Russell Crowe nos regala otra gran interpretación y otra gran película que de por si es de las mejores que ha hecho en toda su carrera y en si esta es la clase de películas que mas valen la pena ver con el bueno de Russell Crowe ya que hubo un tiempo en el que hacia papelones tremendos en grandes películas como Gladiador, Una Mente Extraordinaria o American Gangster que de por si no se compara con las mamadas que hace hoy en día tales como ¨Noe¨ o ¨La Momia¨ en donde hizo del Doctor Jekyll. También cabe destacar la presencia de secundarios bastante buenos como Renée Zellweger haciendo de la esposa del personaje de Russell quien también se luce en demasía y por último también tenemos a Paul Giamatti quien como siempre hace de secundarios bastante bueno y el tipo en general nunca decepciona.

La película tiene varios momentos interesantes y secuencias emotivas tales como cuando el protagonista ósea Russell Crowe recolecta dinero para pagar la renta de su casa ya que se puede apreciar la desesperación y la tristeza que refleja Russell en este momento demostrando lo buen actor que es y pues por lo demás queda destacar las escenas de lucha las cuales estuvieron muy bien filmadas y el enfrentamiento final también estuco correcto, puntos en contra es que la peli en si no tiene grandes sorpresas ya que es un film directo y muy predecible porque ya es de saber que al final siempre va a ganar el bueno pero eso no quita que sea una brillante película digna de ver aunque sea una vez en la vida ya que es un peliculón en todos los sentidos.

En definitiva Cinderella Man me ha parecido una película muy buena, no se si relata con exactitud la historia del protagonista pero la película cumple, tiene buen drama, unas actuaciones excelentes y los combates ni hablar. Es una gran película que pese a no ser tan exitosa en taquilla recibió críticas muy positivas y en si eso la hace un film memorable que merece ser rescatado ya que ha quedado injustamente en el olvido.

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Tarde de Perros

Con el debido respeto que se merece Al pacino y jhon Cazale (que son lo mejor de esta película de lejos sus interpretaciones son increíbles) esta cinta la verdad es tremendamente lenta y aburrida gran parte de la película lo único que hacen los personajes principales es negociar con la policía es enserio ? ósea 2 horas y mas solo para eso y gano el óscar por guion original no me jodas es que yo e visto muchas películas de atracos que le dan mil vueltas. Donde esta la sorpresa es que vamos están predecible lo que pasa, super lineal todo que uno se da cuenta desde que los protagonistas entran al banco que los van agarrar y los van mandar presos si son unos completos inútiles.

Después los personajes principales están muy bien tienen un correcto trasfondo y desarrollo en la trama. pero los secundarios.... Al comienzo son 3 los que entran en el banco uno al parecer se pone nervioso y decide dejar el robo no lo volvemos a ver en toda la película, luego los rehenes se pueden resumir de esta manera las mujeres mas jóvenes, las mujeres mas viejas y los viejitos enfermos y luego la policía que no sirve para nada y con la participación especial de Lance Henriksen completamente inexpresivo preparándose para hacer de androide en aliens de 1986
Esta es mi humilde opinión nada mas..

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Libertad

Típica película vacía y casi contemplativa en que no hay diálogos profundos y suceden cosas intrascendentes. De esas que la crítica la pone por las nubes. Pues a mí me aburrió lo que no está escrito y se me hizo eterna, salvo algún ramalazo de humor realizado por Nora Navas, que es quien se llevó el Goya a mejor actriz secundaria. Olvidable por completo.

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Licorice Pizza

Desde el comienzo se echa de ver que la película no será muy fructífera, pues ni los actores ni como se desarrolla la historia tiene el incentivo suficiente como para embaucar y entretener. Historia de amor aburrida y unos secundarios que aparecen de adorno. Me aburrí desde el minuto uno.

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El Pacificador

El Pacificador es una película de acción y thriller que se estreno en el año 1997. Esta dirigida por Mimi Leder y protagonizada por George Clooney y Nicole Kidman.
Un tren que transporta cabezas nucleares sufre un accidente en los Urales (Unión Soviética) y provoca una explosión nuclear. La Dra. Julia Kelly, una funcionaria del gobierno americano experta en contrabando nuclear, descubre que el accidente forma parte de una trama relacionada con el tráfico de arsenal nuclear, una tapadera para ocultar el robo de material militar por parte de una organización mafiosa con destino a la venta a organizaciones terroristas. El coronel Thomas Devoe y ella reciben el encargo de capturar a los culpables e impedir la venta del material en la frontera iraní.

¨El Pacificador¨ fue una película de acción estrenada a finales de los años noventa la cual fue todo un éxito en taquilla pero digamos que hoy en día no es tan recordada ni tan memorable como otras del género que ya se han convertido en clásicos pero bueno, el caso es que vi la película con gran interés ya que tenía pinta de estar entretenida y también porque George Clooney me cae bien y pues a la final la película no me ha decepcionado en absolutamente nada, resulto ser un buen thriller de acción que cumple con su objetivo principal que es entretener y yo me la he pasado en grande con esta película ya que la disfrute hasta el último minuto porque en verdad me dejo un buen sabor de boca.

El argumento si bien no es que sea la gran cosa porque ya se ha visto infinidad de veces pero eso no quita que la película sea endiabladamente entretenida aunque claro que no al cien por ciento ya que por lo menos a mi los primeros treinta o cuarenta minutos se me hicieron bastante aburridos ya que durante todo ese lapso de tiempo no pasa nada realmente interesante pero si se es paciente más adelante nos encontraremos con una cinta de acción trepidante y frenética que nos mantendrá al borde del asiento ya que tiene buenos momentos de tensión y por supuesto también cuenta con las secuencias de acción necesarias que serán muy del agrado de todo aquel al que le gusten los disparos, las explosiones y las persecuciones ya que eso es lo que tiene de sobra.

Por otra parte, las actuaciones me parecieron muy convincentes, a mi George Clooney me gusta como actor, es carismático y la mayoría de sus películas me han parecido fascinantes a excepción de bodrios como ¨Batman y Robin¨ o ¨El Regreso de los Tomates Asesinos¨ pero ese ya es otra historia, el caso es que George Clooney cumple como héroe de acción en esta película y junto a la guapísima Nicole Kidman hacen una buena dupla ya que tienen mucha química y están en su salsa cosa que me ha gustado sobretodo Nicole Kidman quien no hace el típico papel de mujer florero que casi siempre suele interpretar así que eso me dejo sorprendido.

Las secuencias de acción me parecieron correctas, estuvieron bastante entretenidas, frenéticas y emocionantes sobretodo la secuencia de los helicópteros la cual estuvo muy bien filmada y otra cosa a destacar seria la tensión y el suspense que se maneja en gran parte de la película ya que esta nos mantiene al borde del asiento atentos a como puede terminar todo este rollo, nadie quita que sea una película completamente predecible pero a mi me gusto bastante, para mi fue una grata sorpresa y como película de entretenimiento funciona a las mil maravillas ya que es un espectáculo de acción y suspense de principio a fin.

En definitiva El Pacificador me ha parecido una correcta cinta de acción que no defraudara en lo absoluto, son dos horas que se disfrutan en demasía y si puede que en algún momento se nos haga un poco larga pero esta no llega a aburrir en ningún momento ya que es un ´producto muy efectivo para pasar el rato y matar el aburrimiento.

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Master Spy

La película repite ya lo mismo que se a visto infinidad de veces en películas de espías ya sean serías o cómicas pero resulta una cinta entretenida que por momentos divierte sin tener mucha acción y pocos efectos pero consigue enganchar con el espectador , gracias a sus protagonistas que son carismaticos y muy graciosos para ver más con los niños pues tiene cosas muy infantiles pero se pasa un buen rato.

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Stones in Exile

Tercera o cuarta vez que lo veo completo a este documental y me encanta, muestra a los Stones exiliados en el sur de Francia debido a los impuestos que les cobraban en Inglaterra y que también el manager que tenían los estafó, deciden cortar con él y producir el disco de manera particular, viven en la mansión de Keith Richards, drogas, alcohol y la mejor época creativa del grupo que se ve reflejada en el disco Exile on main Street de 1972.

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Competencia Oficial

Una exposición teatral llevada al cine de manera inteligente y felizmente interpretada por todo su elenco, mas excesivamente larga. La Pe, preciosa (y no es machismo). Produce la empresa de Jaume Roures, Mediapro, dueño también del canal de tv ¨Gol Tv¨.

Celuloide con un libreto muy dialogante y que no desentonaría en un escenario teatral, ya digo; y que gustará a quien le guste el arte de la farándula🎭. ¡Ah, una última cosita! De comedia -como dicen-, en mi estimación, ¨nasti monasti¨. .ESCÉNICA. .2️⃣/5. ..PICARD..

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