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Dulce Pajaro de Juventud

Si bien no es de las mejores obras escritas por Tennessee Williams (gran dramaturgo, por cierto), la película me encantó.
Indudablemente las actuaciones son de excelencia. Paul Newman me terminó de convencer como el gran actor que es.
La historia entretiene e interesa durante todo el metraje sin aburrir en ningún momento.
Está sumamente bien escrita.
La estética es de sus puntos más flojos pero eso es algo típico en éste tipo de películas de ésta época.
Muy recomendable!

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Shalako

Shalako es una película de acción y western que se estreno en el año 1968. Esta dirigida por Edward Dmytryk y protagonizada por Sean Connery y Brigitte Bardot.
En 1880, en Nuevo México, un cowboy llamado Shalako trabaja como guía para un grupo de aristócratas europeos a los que conduce a través de zonas desérticas habitadas por los indios. Su rutinario trabajo se ve alterado porque las expediciones de caza y ciertos juegos que organizan los viajeros producen un gran malestar entre los indígenas.

¨Shalako¨ es un curioso western que vi únicamente porque Sean Connery era el protagonista ya que encontrar un western en su filmografía es algo extraño y siendo este el único que rodó en toda su carrera pues no se puede pasar por alto ni de chiste así que me entraron ganas de ver a Sean Connery empuñando un revolver en el salvaje oeste y vestido de cowboy ya que eso es algo que no se ve todos los días y pues a decir verdad la película pese a no ser la gran maravilla me ha entretenido bastante así que con eso podemos dar por hecho que no es una mala película ya que por lo menos cumple con entretener así que tampoco he perdido mi valioso tiempo en vano con ella.

Vamos a ver, por lo que tengo entendido ¨Shalako¨ es una adaptación de una novela escrita por Louis LAmour quien escribió varias novelas sobre aventuras en el salvaje oeste donde no se si todas o solo algunas fueron llevadas a la gran pantalla y pues ¨Shalako¨ es una de esas tantas que se hicieron pero tampoco es que haya sido una película memorable dentro del genero porque tampoco es que resulte tan apasionante como otras pero como decía mas atrás por lo menos llega a ser una película entretenida, el argumento tampoco es que sea la gran cosa ya que es bastante sencillo y el ritmo cuenta con demasiados altibajos ya que en ocasiones se torna algo aburrida pero de todos modos se deja ver y con ella se pasa un rato muy agradable mas que todo si se quiere ver una película de vaqueros contra indios apaches ya que tienen algunos enfrentamientos a lo largo del film.

Las actuaciones no son del todo malas, tenemos a Sean Connery en el papel de Shalako que es coronel del ejército quien después de salvar a una condesa de las garras de los indios ayudara a un grupo de aristócratas europeos a enfrentarse a los apaches y pues bueno, la verdad es que Sean Connery tampoco es que la borde con este personaje ya que no sobresale demasiado así que no hay nada que se le puede resaltar al igual que su bella acompañante que es Brigitte Bardot quien solo es una cara bonita en la película porque buena actriz no es que sea y junto a estos también contamos con algunas caras conocidas como por ejemplo Stephen Boyd, Woody Strode y Honor Blackman a quien recordaremos por haber sido la chica Bond en ¨Goldfinger¨ donde Sean Connery aun hacia de James Bond.

Por lo demás no hay algo así que valga la pena destacar, la banda sonora con el tema de ¨Shalako¨ llega a causar algo de gracia y como última cosa he de decir que también hay una que otra secuencia de acción aceptable ya que los enfrentamientos con los apaches son bastante entretenidos aparte de que también se puede apreciar algo de violencia lo cual resulta llamativo pero en si ¨Shalako¨ termina siendo uno de esos tantos westerns que muy pocos recordaran haber visto ya que tampoco es una película muy conocida pero de todos modos he pesado un buen rato con ella.

En definitivo Shalako me ha parecido un western pasajero y digerible, he de confesar que en un principio creía que se trataba de un western cómico pero de comedia no tiene absolutamente nada ya que tira mas por el lado de la acción, la aventura pero con poca emoción aunque de todos modos es una película entretenida y por lo menos logra llegar al 6.

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Dog: Un Viaje Salvaje

A mi me ha parecido una película muy amena.
Me resultó increíble lo bien que está entrenado el perro para hacer todas las cosas que hace ya que se nota, claramente, que no es un perro creado por CGI.
Chaning Tattum no es muy buen actor pero este tipo de papeles le sale bien ya que roza la comedia.
La historia es sencilla pero lo que va pasando en el transcurso de la misma es divertido y entretenido.
Recomendable!

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Cielo Negro

Ricardo y emilia. Emilia es una dependienta de moda miope cuyo estilismo es desfavorecedor y está enamorada de Ricardo, que tiene una novia insolente. Emilia ignora esta información. Un día Ricardo le invita a la feria, por lo que no duda en aceptar, en eso se muestra muy encaramelada, lo que le abruma y agobia. Para tal día pídele de prenda un vestido a su amiga que lo coge de contrabando y se quita las gafas luciendo bella. Ya en la feria, a la bajada de la noria, huyendo de la incesante y agobiante lluvia corren a resguardarse de ella, de suerte que Emilia pierde las gafas y ensucia el vestido. En eso intenta devolver el vestido de suerte que le pilla la madame y se enfurece, por lo que es dejada en el arroyo. Entonces le pide la dirección de Ricardo para enviarle cartas, más la novia de Ricardo se interpone y dale una dirección falsa para apoderarse de ellas, leerlas y reírse. Para ello cuentan con un hombre de gran elocuencia cuyo nombre es Ángel. Entre tanto Emilia busca trabajo. Asimismo su madre se pone delicada de salud porque su hija ha recibido la falsa carta que dice que el día 30 Ricardo vendrá a pedirle la mano. En otro lugar, en un café, leyendo la carta entre Lola y Ángel descubren que su madre está delicada, lo que conmueve a Ángel y desiste de seguir jugando con los sentimientos de Emilia, por lo que va a confesarse a ella. El médico recomienda a su madre que es preciso que Ricardo Fortune aparezca antes, en 3 o 4 días, por lo que Emilia trama una treta, echar mano de Ángel para que lo encarne para que su madre cruce feliz el umbral de la muerte. En eso ella acude al oftalmólogo pues su vista se resiente y le diagnostican un futuro oscuro ya que va a peor. A la salida del oftalmólogo dase de bruces con un ciego lotero, y al llegar a casa encuéntrase con que su madre ha fallecido. En eso sale corriendo en medio de amenazante lluvia e intenta suicidarse, por lo que termina yendo a la iglesia a redimirse por haberlo intentado.

Bien desarrollada, personajes bien definidos, y una historia en la que se la crueldad que profesan ciertas personas para con otras que por sus defectos físicos son objetos de burlas.

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Dos Tontos muy Tontos

Película: ¨Dumb and Dumber¨ (1994).

Una película que si bien tiene sus años y su humor es muy, pero muy simple, logra ser entretenida. Una historia que no es para nada compleja y muestra como dos amigos hacen de las suyas y cada decisión que toman termina siendo bastante idiota. Diálogos entretenidos. Las actuaciones son decentes. Personajes adecuados. De ritmo anda bien. Efectos visuales decente. Buena banda sonora. Un entretenido desarrollo y un final predecible.

Mi puntuación para ¨Dumb and Dumber¨ es 6 de 10 posibles, una cinta muy simple, pero que tiene su encanto, con poco hace mucho y pues su humor es la que logra salvarla. Recomendada para reírse un buen rato.

Tabo.

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Metal Lords

Me resultó entretenida y siempre teniendo en cuenta que es una trama de aspecto juvenil, ya que los protagonistas son dos adolescentes en plena etapa de ebullición, tienen una banda de metal y su objetivo es participar en la guerra de bandas del colegio, hay una historia de romance, también el típico bullyng y el niño rico incomprendido, buenos riff de fondo con temas conocidos, no es gran cosa y los metaleros de alma no la van a encontrar buena.

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Plan de Huida

El trasfondo social y humanitario como drama, queda soslayado por lo que es una película más de atracos y persecuciones vehiculares y Michel Bay utiliza estos cánones para componer esta inverosímil ¨🚑Ambulancia¨ con un manejo de cámara espectacular.

Se trata de un celuloide urbano plagado de tomas exteriores y progreso vertiginoso, pero su monstruosa duración hace que resulte fatigosa para el personal, que agradece la aparición de sus créditos finales para feliz descanso y solaz de sus 👀 e inicia su particular ¨Plan de huida¨. .CANSINA. .2️⃣/5. ..PICARD..

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Michael Jackson's This Is It

Es una pena que nos dejara con las ganas de ver esos shows de despedida, en éste documental se puede apreciar el profesionalismo y la pasión que le ponía M.J. a todo lo que hacía, material inedito de los ensayos, coreografías y el detrás de escena, muy entretenido.

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Días sin Huella

Un bonito día en New York; la ciudad se mueve, respira, y el Sol la ilumina con sus rayos...hasta que la cámara, en un travelling de maestría técnica, se posa sobre una botella de whiskey que cuelga de la ventana de unos apartamentos.
Dentro no brilla ese Sol, más bien una perpetua oscuridad...

Esta oscuridad es la que nublaba la vista de Charles Jackson casi todo el tiempo debido a su terrible afición a la bebida; sin embargo, y con la ayuda de su esposa Rhoda, ganó una batalla terrible y esos demonios los vomitó sobre una de las novelas más devastadoras que se han escrito acerca de ese mismo problema, y donde el de New Jersey no tuvo reparos en relatar sus patéticas y trágicas experiencias. Por desgracia, incluso después del éxito que le granjeó, incluso tras ser llevada a la gran pantalla con las consiguientes aclamaciones, recaería una y otra vez en el mismo vicio, además de en el de las píldoras.
¨The Lost Weekend¨ es así el diario de un hombre que elige la autodestrucción como modo de vida, y la audacia con que se trataba el alcohol llevó a Billy Wilder, encumbrado a la gloria y la eternidad gracias a ¨Perdición¨, a interesarse por ello, haciendo gala de su valentía al volver a elegir otro espinoso tema que más de un dolor de cabeza daría a Paramount (sobre todo por las quejas de las compañías de licores). La historia aquí, y en una acertada decisión, empieza atacando de raíz la adicción del protagonista, Don, un álter-ego nada disimulado de Jackson, tras entrar a su hogar por medio de uno de esos movimientos de cámara inolvidables.

Ray Milland, quien se preparó a conciencia para el papel, sabe capturar a la perfección la esencia decadente de un personaje que ya está pasando por esa fase aun pretendiéndose recuperado ante su hermano Wick y su novia Helen; toda esta secuencia inicial por la que ya podríamos dar el Oscar al actor nos enfrenta a un tipejo condenado al vicio, cuya mirada perdida sólo busca una botella en los rincones de un hogar apestoso. Debido a que Wilder filma la historia desde el punto de vista de Don, su escrutadora cámara se acerca a las botellas y las adora cual deidades, y otros detalles como el filo mojado de los vasos o los anillos de licor sobre la madera del bar, causando un impactante efecto visual en pantalla.
La idea de un apacible fin de semana donde liberar las tensiones por medio de la máquina de escribir se torna en ese margen de tiempo donde Don terminará por asfixiar su existencia y ahogar lo poquísimo que le queda de dignidad con el alcohol. A un lado está el desesperado hermano, harto de seguir dando su vida por esa causa perdida, al otro una mujer cuyo desinteresado sacrificio será una de las claves de esta historia que parece no estar sujeta a un hilo argumental convencional, más bien se presenta como un diario sobre la deriva humana.

Ello permite al austrohúngaro expresarse con una libertad sin igual sobre la conciencia del tiempo y el espacio, una libertad más literaria que cinematográfica a través de la cual puede romper el presente, todo sea por justificar la utilización del ¨flashback¨ como es debido y penetrar en la mente de un protagonista con quien (aparte de aquellos que hayan pasado por sus mismas experiencias) resulta imposible empatizar; esto se expresa de una manera sublime al hacernos viajar hasta el primer encuentro entre Don y Helen y ligar la obsesión por la bebida durante una representación de ¨La Traviata¨ de Verdi.
¿Será esa la causa por la cual se escucha música operística en el momento en que aquél tiene una botella entre las manos?, ¿a tal nivel de adoración es capaz de llegar como para otorgar una connotación divina a ese vicio? Sean o no didácticas las intenciones del cineasta, su representación del alcohólico es tanto más devastadora cuanto que parece hallar un nexo de unión (no en la novela, pues tiene lugar en los años 30) con la situación del ciudadano medio que sólo en la bebida podía encontrar algo de consuelo a los traumas y horrores de una 2.ª Guerra Mundial recién acabada. Por eso mismo muchos atacaron esa visión decadente de la sociedad americana.

Lo puede expresar en las largas secuencias (tanto que incluso en esta segunda mitad el ritmo se vuelve tedioso debido a la repetición de esquemas y situaciones) filmadas en exteriores, logrando Wilder una sensación de realismo crudo y abrumador (jugó un importante papel el que fueran rodadas en secreto, obteniendo la reacción natural de los transeúntes), a la vez que se sirve de su talento para crear atmósferas claustrofóbicas en unos interiores donde quedan plasmadas las obsesiones, locuras y terrores del protagonista, rozando cierta carga onírica en escenas como la del sanatorio y esa más memorable referente al ¨delirium¨ que le asalta en su apartamento.
Esta en concreto (donde un ratón atrapado le figura y un murciélago podría ser la alegoría del alcohol, que le devora sin piedad) es un instante de puro horror psicológico que quiebra como nunca las líneas de la realidad en una muestra de puesta en escena impropia del drama clásico americano, muy arriesgada para la época y claro desafío a las leyes de un Código Hays en plena decadencia; el cual, sin embargo, parece hacer mella en la trama en comparación con la original...ya que para el autor no existen los milagros ¨caprianos¨, pero sí para el director (pese a todo el corrosivo cinismo que nos lleva vomitando desde el principio), al menos en recompensa por el gran sacrificio de la pobre Helen.

Así el barman Nat (ese Howard da Silva cuya magistral interpretación basa en las sutilezas y la economía expresiva) falla en esa predicción de desastre aunque el film haga por acercarse al abismo de la perdición. Tal vez porque en última instancia la mirada de Wilder (que regresa al inicio pero se desplaza, en efecto inverso, al entorno urbano colectivo) pasa a ser objetiva y en ella se apela a la indulgencia y la piedad.
De haber apostado por una resolución fatal y subjetiva el público y la crítica la hubiesen recibido de una manera distinta, pero lo cierto es que, aun con su controversia, la obra fue un gran éxito para el cineasta, llevándose el Oscar y el premio de Cannes, algo insólito que tardaría en repetirse. Jamás se abordó en Hollywood el alcoholismo de un modo tan brutal y honesto.

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Límite Vertical

Empieza la aventura.
Un plano-general se abre sobre un bello paisaje desértico, es el espectacular Monument Valley. Allá arriba, en una de sus montañas, estamos presenciando uno de esos dramas habituales del mundo de la escalada...

Pero los diálogos entre los protagonistas y sus reacciones, amén del último plano con que se concluye la secuencia, diluye la tensión y el director logra algo que no está al alcance de cualquiera y para lo que se ha de tener un don: convertir el suspense en aburrimiento y la tragedia en comedia, todo ello involuntario; si añadimos un águila digital (¿?) sobrevolando grácilmente la pantalla ya tenemos algunos elementos para empezar a dudar y sospechar del film que vamos a ver. Aquellos protagonistas son dos de los actores más horripilantes del cine americano, unos jóvenes y entonces de moda Chris ODonnell y Robin Tunney, y el que los ¨dirige¨ es Martin Campbell.
Neozelandés especializado en grandes presupuestos y los productos comerciales llenos de acción, su cine siempre ha carecido de personalidad e ingenio, si bien lleva reventando taquillas desde que se uniera a Pierce Brosnan en la correcta resurrección de Bond ¨Goldeneye¨, y después de hacer lo propio con ¨La Máscara del Zorro¨ se involucra en un carísimo proyecto donde ejerce de productor y podrá disfrutar de rodar en su tierra natal. Concebido como una secuela de ¨Máximo Riesgo¨, ¨Límite Vertical¨ retorna sobre un olvidado subgénero de aventuras: el alpinismo.

Y lo hace trasladándonos al K-2, que ya fuera visitado por Franc Roddam en la película que toma el nombre del colosal pico; toda la escena inicial, sin embargo, sirve para plantear este periplo como un viaje de expiación de dos hermanos, Peter y Annie, que perdieron a su padre tiempo atrás. Mientras ellos disponen el drama, el argumento utiliza de detonante algo tan poco atractivo como la obsesión de un magnate (Vaughn, a quien da vida un Bill Paxton que repite en un papel inmundo e insoportable) por llegar a la cumbre como parte de una promoción de líneas aéreas.
Gracias a Dios que la primera mitad del film pasa pronto porque se basa en la interacción de personajes, sus diálogos y desarrollo de caracteres y en ello el guión patina hasta caer más metros de los que tiene la montaña; en este elenco de estereotipos cada uno tiene su concreta y previsible función en el argumento (desde el chico valiente que se lanza a la aventura por la chica, en este caso su hermana, al tipo egoísta que termina enloquecido, pasando por los graciosos de turno que están para morir y cómo no el ermitaño de oscuro pasado que sirve de guía y lo sabe todo). Un ensamblaje perfecto y nada original donde no falta el tradicional choque entre esos alpinistas de espíritu puro y los del espectáculo público.

En la segunda mitad por fin la película coge algo de fuerza y nos lleva a la cumbre del K-2 para el rescate de Vaughn, Annie y el alpinista McLaren; y se divide en otras dos: una es la que tiene lugar en el interior de la cueva donde éstos hacen lo imposible por sobrevivir, una película de interiores claustrofóbicos, hielo en los pulmones y comida que se agota que quiere recordar la fatalidad de ¨¡Viven!¨ y será conducida al horror psicológico por culpa del personaje de Paxton (el más terrible y a la vez el más creíble e interesante de todos).
La otra es la que tiene lugar fuera, entre las laderas y explosiones de nitroglicerina, una película de naturaleza salvaje, condiciones extremas y un batiburrillo de secuencias de acción con mucho ruido, efectismo y nervio, y a la vez ninguna pasión, dudosas de lograr el impacto dramático; Campbell conoce el movimiento brusco y el ritmo frenético, pero desarrolla las situaciones de forma atropellada cuyo punto de partida suele ser un giro de guión absurdo que nos llega sin aviso...y esto mismo le sucede al narrar momentos de drama entre personajes, a lo que ayuda lo pésimo de algunas actuaciones (Izabella Scorupco, Ben Mendelsohn, Robert Taylor, con ODonnell y Tunney a la cabeza).

El equilibrio entre emociones viscerales y precisión técnica que hubiesen logrado gente como Andrew Davis, Roger Donaldson, Phillip Noyce, Tony Scott o incluso Wolfgang Petersen, aquí se pierde, se desvanece, si bien el bueno de Campbell hace lo posible por compensar toda la incongruencia argumental con grandes dosis de espectáculo palomitero fácil de digerir, quizás demasiado descafeinado teniendo en cuenta de qué estándares ¨hollywoodienses¨ estamos tratando (y pese a eso hay ciertas secuencias que parecen fuera de lugar por su áspera violencia y tono más oscuro).
Pues ¨Límite Vertical¨ es eso, un producto de consumo rápido y fácil evacuación, aunque en el trayecto haya que comerse instantes incoherentes y esa resolución tan en la línea del cine autocomplaciente, ingenuo y predecible de Hollywood; ¿de verdad alguien esperaba que la pobrecita Annie pereciese y Peter quedase aun más atormentado? En absoluto, de hecho el guión se ha ido esforzando para transformar a Vaughn en un monstruo inhumano y así no tengamos que sentir compasión por él (hace pensar esta doble moral de los yanquis), al tiempo que un ridículo Scott Glenn se gana nuestro corazón y simpatía al realizar un acto tan heroico (regresando la película al principio).

Mientras tanto hay un poco de tolerancia y aceptación racial al colocar al ejército pakistaní, que están por ahí librando su guerra, como amables colaboradores de los americanos. Pero fue ese esmero por vapulear al público con acción sin frenos lo que le conquistó y recaudó más del triple del presupuesto invertido...
Una conquista de la cumbre asegurada para el director y Columbia Pictures, pero con el paso del tiempo el ascenso a ella se ha hecho cada vez más pesado y tedioso. Otros títulos del subgénero como ¨The Eiger Sanction¨, ¨Scream of Stone¨ o la nombrada ¨Máximo Riesgo¨ sí supieron llegar a lo más alto y resultar más gratificantes.

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