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Como Dios

Miras arriba y te quejas. ¿Por qué sucede?, ¿qué fuerza impulsora oculta en nuestro ADN nos provoca hacer ese gesto de alzar la cabeza al cielo y maldecir...y en voz alta?
¿Quizás esperamos obtener alguna respuesta? La respuesta se halla precisamente en ese silencio. ¿Y por qué seguimos mirando entonces?

En esta película Bruce lo hace continuamente, desespera verle mirar a las nubes como un chiflado y pedir explicaciones por un fallo casual; claro que cuando nuestra vida, y doy fe de ello, se basa en una acumulación aparatosa de fallos casuales no podemos evitar creer que somos el blanco de alguna injusticia. ¿Quién nos puso aquí si no estamos hechos para vivir ni afrontar el desafío? A menudo “Como Dios“, la tercera y más exitosa colaboración entre Tom Shadyac y Jim Carrey después de probarse ambos en el drama (con mejor resultado para el segundo), versa sobre estos dilemas, porque su protagonista es un tipo machacado desde cualquier ángulo.
Este guión que se llevaba escribiendo y reescribiendo a seis manos desde algún rincón de Universal, retoma la conocida situación de un personaje de Carrey víctima de la mala sombra de una fuerza superior que le reduce a nada, ya sea por cuenta propia (“Yo, yo Mismo e Irene“) o ajena (“Mentiroso Compulsivo“, “La Máscara“); parece que el actor, un hombre de fe agradecido por la vida (yo también lo estaría si tuviera su mismo nivel económico), gusta de encarnar a pobres desgraciados siempre faltos de un empuje que les haga cambiar o volver a ver que lo mejor es ser uno mismo. La diferencia es que aquí esa fuerza es “divina“.

Toda la situación antes de encontrarse con Morgan Freeman, el Dios más honorable y simpático que uno pueda desear conocer (de presidente de EE.UU. a Dios, este hombre apunta alto), está narrada de forma brillante por Shadyac, quien sabe aprovechar las imbecilidades de su amigo Carrey e intercalar de por medio un toque leve y reflexivo. Cuando a Bruce dan una paliza al intentar ayudar al mendigo o maldice su vida en la autopista la historia se detiene en zonas más oscuras; podría haber sido de hecho un gran drama, pero el guión no está enfocado de esa forma y domina ese toque liviano.
Desde mi punto de vista personal todo falla desde el principio porque dejé de creer en Dios hace mucho tiempo, pero con respecto al film las personas no pueden simplemente dar a algo el nombre de los problemas de su vida y que sea “Dios“, que es lo que hace Bruce, un egoísta porque no es el centro de atención de la existencia, por eso su papel es el de reportero frustrado, porque no consigue llegar a toda la gente que quisiera...porque, en definitivas cuentas, no es Dios para lograr eso, ni tampoco está agradecido por tener a su novia (Jennifer Aniston más soportable que otras veces aunque interpretándose a sí misma como siempre), ni su casa, ni su coche...

Podría ganarse mi simpatía si supiera expresar gratitud, pero el punto está en presentar a un hombre imperfecto, débil y herido en su orgullo. ¿Y qué hace cuando obtiene los poderes de Dios una semana? Pues, como es Carrey: el imbécil, es decir, lo único que se le ocurre a alguien con tales dones recién adquiridos es reventar una boca de incendios, separar por la mitad una sopa de tomate, hacerle a su novia los pechos más grandes y otras subnormalidades muy del estilo de Shadyac...sin embargo esto no es “La Máscara“, no procede tal cúmulo de gamberradas, pero sucede lo mismo.
Tampoco tiene sentido (y sé que pedir sentido en una comedia de fantasía como esta es demasiado...) que los rezos de la gente amartillen la cabeza de Bruce al día siguiente, y no cuando adquiere los dones, en fin. El problema es que el guión da la vuelta y nos hace ver, y a él mismo, que dichos dones tienen consecuencias sobre otros al utilizarlos en su propio beneficio (el desastre en Japón, un detalle ingenioso). Y aquí el director quiere introducir la moralina, dejando al protagonista como víctima ignorante de sus propios poderes y haciéndole apoyarse en una estatua de oro (el becerro bíblico) como un ídolo falso.

La moralina es la de andar por casa, basada en el cliché del arrepentimiento cuando ya es demasiado tarde para enmendar los errores y el sentimiento de culpa, y ya no hay tiempo para seguir haciendo trucos con los pechos de la novia; sobre las interpretaciones nos permite ver a Aniston y Carrey haciendo uso de su talento para el drama, pero sobre el guión es todo muy obvio, manipulador y estereotipado, es lo que sabemos que va a pasar después de la tormenta de megalomanía del personaje, en cuya piel el espectador querría supuestamente ponerse, sólo para descubrir una hora después el gran error.
También nos enseñan que el problema no está en los poderes divinos, sino en la persona que los usa; Bruce es un mal ejemplo por su egoísmo e ingratitud (e infidelidad, echando más leña al fuego), y se realiza la parábola castigándole a través de su propia acción hasta que pueda evolucionar y transformarse en una versión más piadosa y agradecida de sí mismo (con la eterna felicidad deseada para ella igual que en “Al Diablo con el Diablo“). Es un mensaje que sirve para satisfacer al espectador (al creyente, sobre todo): el milagro lo debe hacer él y no Dios. Para mí está claro porque no hay ningún Dios o, en cualquier caso, trabajó seis días y desde entonces se ha tomado vacaciones permanentes.

Lo que no vemos es a Bruce siendo víctima de algún otro infortunio en última instancia. Podría haber sucedido y quedar en suspenso su acción; ¿lo afrontaría poniendo la otra mejilla o volvería a mirar al cielo como mira la hormiga esperando a que la queme el niño que tiene la lupa?
Shadyac nos debe ese detalle para aclararnos un par de cosas. Lo que sí hizo bien fue presentarnos como se merecía a ese gran Steve Carrell, que a mi entender tomaría el puesto de Carrey como astro de la comedia del iniciado siglo XXI (no en vano él protagoniza la innecesaria secuela...).

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Never Take Sweets from a Stranger

Durísima película, menos conocida de lo que debiera, que se mueve entre el drama, el suspense y las películas de juicios, donde vemos la difícil lucha de una familia, recien llegada a un pueblo, para sacar a la luz el caso de un ciudadano ilustre de este, que está aprovechándose de niños.
La película tiene una ambientación curiosa, donde todo parece muy bonito y tranquilo, mientras se expone algo muy serio. Se podría decir que es bastante light, pero en cierta forma también desgarradora, pues el intentar que todo vaya por cauces legales, choca con el “qué dirán“ y las habladurías de las localidades pequeñas.
Como decía antes, considero que esta película debería ser mucho más conocida, e incluso debería exponerse en institutos y colegios para concienciar a la gente sobre peligros así.
Está bien lograda y consigue crearte un nudo en el estómago.

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Todos nos llamamos Alí

Flor de peliculón. Primera película que veo de Fassbinder y ya me dieron ganas de ver más.
La cinta hace una serie de críticas muy acertadas y más en los tiempos que corren; critica al fachismo, al racismo, al antisemitismo, etc y deja un mensaje de hermandad y solidaridad muy bien retratado. Podría decirse que la cinta está contada con cierta poesía.
La historia es original y jugada, sobre todo para la época.
Está bien actuada y me gustó la estética.
Recomendable!

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Desaparecido en Combate

Esta es la primera pelicula de Chuck Norris que renté en un videoclub, por lo tanto me trae mucha nostalgia volver a mirarla, es de cierta forma propagandistica para esos años 80“, varios años ya pasaron de la guerra de Vietnam, y el teniente Braddock(Norris) es el unico que parece tener conciencia de que en los combates quedaron atras sus compañeros de armas, él, de motus propio decide regresar a la isla, y rescatar a los prisioneros, las autoridades vietnamitas niegan todas las acusaciones, me parece que tiene buenas escenas de accion, y viniendo de los productores Golan-Globus de la famosa Cannon, en ella se podian producir peliculas de bajo presupuesto y que resultaban ser un placer culposo para todos los cinefilos.

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La Sociedad de la Nieve

“La Sociedad de la Nieve”, una sociedad que aun está vigente
Arranco el 2024 con mi primera crítica a una película. No es cualquier obra, es una basada en una historia de amor, hermandad, sobrevivencia, perseverancia, esfuerzo colectivo y sobre todo una obra que deja claro que existió un milagro para que se diera “La Sociedad de la Nieve”.
Los primeros tráiler filtrados por Netflix el rey de los streaming indicaba que habían escogido a uno de los mejores directores españoles, me refiero a JC Bayona, el mismo que ya había tocado a Hollywood con guantes de oro al ser escogido por Steven Spielberg para dirigir “Mundo Jurásico 2” de Michael Crichton, el reinicio de la saga “Parque Jurasico”, la película fue un bombazo y logro 1.31 miles de millones dólares.
Bayona es uno de los nuevos directores que han puesto en órbita el cine español junto a Alejandro Amenábar (Tesis), Alex de la Iglesia (Día de la Bestia), Nacho Vigalondo (Cronocrimenes), Jaume Balagueró (Frágiles), Juan Carlos Fresnadillo (28 semanas después), Jaume Collet-Serra (Jungle Cruise).
Bayona ha tenido éxitos mundiales y el dirigir en otros países no le ha quitado la magia del cine sobre sobrevivencia que ya había probado con “Lo Imposible” la historia del tsunami en Tailandia donde salió sobresaliente, esta vez nos traslada al frio de los Andes.
La historia de los sobrevivientes de los Andes es una historia como ya dijimos al comienzo, se trata de personas que les toca sobreponerse y sobrevivir a varias fatalidades que se unieron y finalizaron en un infierno de hielo por 72 días abandonados a la suerte.
La historia la conocí por primera vez en el viejo cine Bragman de don Alberto Delvie en los 80, era la versión “Los Sobreviviente de los Andes” de René Cardona de 1976 uno de los mejores directores de México en su momento. La historia de un equipo de rugby uruguayo en un vuelo de Uruguay hacia Chile, se estrella en la Cordillera de los Andes en el año 1972 y quedan abandonados por 72 días salvándose apenas 16 personas. Alabada por unos y vilipendiada por otro, al final se convirtió en una película de culto.
Estamos en 1993 se retoma la historia y Frank Marshall dirige “¡Viven!” una nueva versión de esta historia desgarradora donde se lucen Ethan Hawke y John Malkovich y perfila la película en los 72 días de sufrimiento, la cinta sufrió critica principalmente por los perfiles de los protagonistas y falta de fidelidad a la historia.
Llegamos al 2023 y Bayona se atreve a mostrar por tercera vez la historia. Esta vez hablada totalmente en español y con el apoyo de algunos sobrevivientes como asesores, incluso como actores. “La Sociedad de la Nieve” es un viaje a un lugar remoto donde no existe nada vivo, lo único que hay es nieve por todos lados, esa nieve que comienza a causar estragos en los sobrevivientes, en los heridos, en los que nunca habían estado expuesto a bajas temperatura y quienes como primer síntoma desarrollan hipotermia cuando ya se quedaban sin energía.
La historia es contada sin mostrar mucha sangre, cortes y desgarres, pero si muestra la parte psicológica y espiritual de cada uno de los que sobreviven al accidente. Más allá del sufrimiento por estar abandonados estaba el dilema de comerse a los compañeros fallecidos primero por el choque y luego por las avalanchas para poder vivir. Muchos hablan de canibalismo, sin embargo si consultas a los expertos dicen que lo que ocurrió con el grupo es antropofagia por cuanto no mataron para comer sino que se alimentaron de los que fallecieron.
La película es dura, estando a 4 mil metro de altura bajo la nieve sin esperanza, te transmite sufrimiento, compañerismo, lucha, solidaridad, miedo, esfuerzo colectivo, liderazgo y sobre todo te muestra que en un momento como este siempre habrá uno o varios que determinan sacrificarse por lo demás con un objetivo salvar vidas.
(Spoiler) Creo que la película tiene tres momentos cumbres a destacar, la primera, la muerte de Numa Turcatti con un rol destacado dentro del grupo. La segunda la despedida de Roberto Canessa y Nardo Parrado quienes inician la travesía hacia lo desconocido durante 10 largos días. Luego el tercer momento que es el rescate de los 14 sobrevivientes de 45 personas que abordaron el avión, estoy seguro que mas de algunos se le salieron las lágrimas porque se alcanzó a ver como habían quedado después de 72 días en ese lugar remoto sin esperanzas, delgados, enfermos y algunos con problemas psicológicos por lo que tuvieron que pasar.
Finalizo diciendo que Bayona la volvió hacer con La Sociedad de la Nieve, logra retratar una historia de más de 50 años de antigüedad, actualizándola , llevándole a los cinéfilos una historia real donde apenas hoy sobreviven 14 de 45 y quienes aun mantienen “La Sociedad de la Nieve”.

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Brumas de Inquietud

Me encantó! Una película que quizá empieza algo floja, sin enganchar demasiado pero, afortunadamente, a medida que avanza mejora considerablemente por lo que termina siendo un producto muy bueno.
La historia me resultó sumamente original y más para la época. Además es muy entretenida, no aburre en ningún momento.
Tiene lindos paisajes, bella fotografía y está muy bien dirigida por Lewis Allen.
Las actuaciones están espléndidas por parte de todo el reparto.
Muy recomendable!

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Van Wilder: Animal Party

Lugar de conflictos, lugar de aprendizaje, de experiencias más allá de lo inimaginable si sabes preguntar bien y unirte a la gente adecuada.
Si no allá arriba, en las alturas, hay alguien que está para darte consejo, un hombre de sabiduría y bondad, capaz de convertir el agua en vino, todo un mesías...

Tal vez existan estos individuos en las universidades, o no, soy ajeno a este mundo, de todos modos. El que tenemos aquí es Ryan Reynolds, ese al que una vez describieron como “un Robin Williams reducido con la mirada de Christopher Lambert (menuda combinación)“; pero un Reynolds anterior a su estrellato, a su entrada en el mundo de los superhéroes y la acción, a su relación con Scarlett Johansson, es decir, antes del Reynolds que conocemos, cuando era un joven encasillado en el negocio de las comedias, y que conseguiría su papel estrella gracias a una mamarrachada de Andrew Panay en la que logró involucrar a mucha gente, no se sabe cómo.
Incluso el productor, director y premiado autor Walter W. Becker, que tiró al suelo la primera versión del guión de “Van Wilder“, harto de tanta comedia “teen“ (la moda del momento), terminó cayendo en las redes del encanto del protagonista, quien nos narra la épica gesta de lo que significa ingresar en la universidad y sobrevivir a ello. Y desde la primerísima escena ya tenemos una idea de por qué cauces va a discurrir esto; hay que tener en cuenta la fecha, 2.002: el humor gamberro para adolescentes de baja actividad neuronal y alta actividad hormonal en su apogeo por culpa del efecto “American Pie“ y otras perlas, los líos en ambientes escolares y las palabras incorrección política por todas partes. ¡No falta ni la banda sonora llena de temas de aburrido “pop-punk“!

Sin embargo, para los genios que escriben estas bazofias, dicha incorrección no se basa en diálogos muy agudos ni sátiras negras al estilo “Heathers“, sino en ofrecer de manera continua las mismas dosis de sexismo chabacano, humor escatológico y estereotipos vacíos que puebla la “teen comedy“ “made in U.S.A.“ desde siempre, y siendo la principal referencia “Desmadre a la Americana“. El problema es que en aquella se apiñaba gente con mucho talento para el humor (John Belushi, Harold Ramis, John Landis, Donald Sutherland...), y eso aquí brilla por su ausencia.
La trama de “Van Wilder“ se basa en enlazar las diversas aventuras del tío más popular del campus a ritmo de vértigo y con mil millones de secundarios sin una función clara, excepto los dos arquetipos: el patético de una fraternidad enemiga y la chica recatada que quiere sacar el lado más tierno del eterno juerguista (pero cómo éstos están juntos es un enigma más difícil de descifrar que el de “Cube“ y un gran ejemplo de la magia del guión). Tampoco falta el clásico estudiante de intercambio (un papel que el actor Kal Penn odiaba pero se resignó a hacer en aquellos inicios de su carrera) o el profesor cascarrabias en eterna rivalidad con el protagonista.

Si buscáramos un símil de Wilder el más cercano sería Steve Stifler...y aquí se marca la principal diferencia. Estos tipos triunfadores y amados por todas las chicas solían ser los villanos en las comedias estudiantiles, los gilipollas que hacían la vida imposible a todos. Así es Stifler, por ejemplo. Pero esta película propuso el giro de dicho estereotipo y es, de lejos, lo más rescatable y original; puede que sea un niñato rico de papá que por tenerlo todo no ha creído necesario esforzarse en labrarse un futuro, puede que sea un mujeriego, puede que use sus trucos de seducción para salirse con la suya...
Pero también es alguien que no juzga a los demás por su aspecto ni por sus gustos, que ayuda a la comunidad a su modo particular y logra hallar un método para ayudar a cada persona en específico, un alma de la caridad, un auténtico misionero de la juventud. ¿Cómo sería posible odiarle? Becker, que ya había trabajado con Reynolds, supo ver ese lado amable y sincero del actor y no pensó en nadie más para el papel. Por desgracia lo que rodea al luminoso personaje es un sombrío cosmos de todas las asquerosidades, subnormalidades, zafiedades y clichés de estos ambientes universitarios (cinematográficos, no reales); hay mucha miseria concentrada en situaciones, “gags“ y diálogos como para hallar algún atisbo de encanto.

No lo hay, ni por asomo. Si acaso en el brillo de los ojos de Wilder cuando Gwen (la guapísima Tara Reid, recién llegada de “American Pie“) se esmera en derribar su fachada de bala perdida. Un brillo enterrado sin remedio.
Tal vez “Van Wilder“ debería haber mirado más hacia “10 Razones para Odiarte“ o “Alguien como Tú“ en lugar de a “No es otra Estúpida Película Americana“; y con todo lo malo que tuvo (Daniel Cosgrove, maldeciré al imbécil este hasta el fin de mis días) fue un gran éxito de taquilla. Hoy sería imposible, claro...

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Las Seductoras

Desde la soleada Palm Beach el ingenioso guionista y productor ejecutivo de “Los Simpson“, David Mirkin, decide contar una historia de estafa y mentira, amor y traición, de auténticas mujeres fatales, y mucho dinero...
de hecho dudo que haya existido otra razón salvo el dinero para emprender algo como “Las Seductoras“.

Este señor, que tan buenos momentos me había dado en la serie, incluso con su primera película, la colorida y descacharrante “Romy y Michelle“, opta por lo contrario; quizás debería haberlo pensado tranquilamente ya que llegó a rechazar el guión de Stephen Mazur y Paul Guay (responsables del de “Mentiroso Compulsivo“) hasta tres veces antes de poder reescribirlo...pero si este fue el producto final no quiero ni imaginar cómo era el borrador original. Una boda que acaba en tragedia, un pazguato imbécil con la cara de Ray Liotta, Sigourney Weaver despechada, la pésima Jennifer L. Hewitt de zorra insinuante y con un escote en 4-D...
Pero la verdad se destapa y ambas mujercitas son un par de vampiresas que acaban de realizar su último “trabajo de seducción“, y este prólogo es divertido, sexy, tiene golpes de humor ácido y enredo clásico, no se sabe muy bien hacia donde irá...y va al peor lugar posible. La razón es que el guión recicla en general el trillado argumento de los seductores caraduras, y en concreto el clásico de los “60 “Bedtime Story“, rehecho dos décadas después con Steve Martin y Michael Caine sustituyendo a Marlon Brando y David Niven; lo que cambia en esta versión de siglo XXI, además de la Riviera francesa por Florida, es ese detalle que termina convirtiéndose en el mayor fallo de todos...

Porque si en el original y su “remake“ de 1.988 los casanovas protagonistas eran un elegante veterano (Lawrence) y un joven sinvergüenza (Fred) que por casualidad se encontraban y competían para seducir a una supuesta millonaria, ahora, trasladados a su versión femenina (nada original, porque las “femme fatale“ existen desde siempre), adoptan un rol familiar. La veterana (Max) es así una madre que, traumatizada por su embarazo y abandono, canaliza su odio hacia los hombres usando a su hija (Page) en el proceso de una venganza sin fin, obteniendo de ellos su dinero y jugando con su debilidad, ego y confianza.
Repitiendo Weaver a su personaje de “Copycat“ (la tipeja que decía que “los psicópatas violadores sólo se hallan entre los varones blancos de 20 a 30 años“) pero tras empacharse de programas de Oprah Winfrey, esta Max ha manipulado a Page e inculcado sus mismas creencias erróneas: que todos los hombres son iguales a aquel que la preñó y abandonó. ¿Y se supone que he de aguantarla, reírme con ella, considerarla una fémina poderosa?...¿a esta chiflada que disfruta de una vida de lujo a costa de la felicidad y el poco seso de su propia hija? Mirkin debió sufrir alguna clase de parálisis cerebral para creer esta premisa mínimamente divertida.

Y no lo es, es desagradable, mezquina y molesta. Pero una vez aparezca Tensy, el millonario podrido de Gene Hackman (la actuación más horrorosa de su carrera, por cierto...), quien sería el reemplazo de la chica a seducir (Janet) en las comedias previas de Ralph Levy y Frank Oz, es curiosa el arma de doble filo que la película en sí representa para las protagonistas, ya que uno sólo llega a preguntarse cómo demonios pudieron estas torpes imbéciles a las que todo les sale mal tener éxito en sus estafas anteriores. Sus meteduras de pata producen vergüenza ajena y a la vez se disfrutan los muchos castigos que el karma les prepara en cada esquina.
Increíble pero cierto: el guión se revuelve contra ellas y de este modo la misándrica descripción de los hombres (repelentes, débiles, infieles, fáciles de embaucar) se cruza con una imagen misógina de las mujeres (malvadas, manipuladoras, ineptas), en especial cuando el juego de seducción de los viejos dúos Niven/Brando y Caine/Martin, basado en lo ingenioso de los diálogos o el mordaz delirio de sus engaños, pasa aquí a trucos burdos donde madre e hija se sirven únicamente de enseñar carne...pues claro, poca cosa se necesita para embelesar a un hombre (terrible uso del tópico “tiran más dos tetas que dos carretas“).

A tales niveles de bajeza inmunda se reduce aquí lo masculino y lo femenino, e insisto: ¿esto a Mirkin le parece divertido? No es nada divertido asistir a la colección de ataques con la que Hewitt somete al pobre Jack, un Jason Lee que debería ser como los bastardos que interpretó para Kevin Smith, así podría haberle estampado el martini seco a esa zorra desgraciada en plena cara y yo disfrutar contemplándolo.
Por desgracia es lo diametralmente opuesto, un acaramelado subnormal que provoca a la trama girar sobre sí misma de nuevo...y no para bien (¿quién me iba a decir que el lúcido guionista sería capaz de cometer tantos traspiés seguidos?).

No para bien, porque el guión desvía su atención hacia él y desecha a Tensy, aventurándose por caminos erróneos a los que se supone debería ir; proponiendo a alguien como Jack significa hacer ver a Page lo contrario a las enseñanzas de su malvada madre. El toque pasteloso de comedia romántica del 2.000 asoma y se va diluyendo la sátira pícara que distinguían a las originales de Levy y Oz, cuando precisamente es lo que menos necesita esta historia; una auténtica lástima ver cómo degenera el humor en secuencias románticas patéticas de película de sobremesa.
¿Qué hace entonces este jodido guión? ¡Girar un poco más!, y lo hará hasta freírme los circuitos. Para recuperar el humor negro del principio el maltratado Tensy, en cuya desperdiciada trama jamás llegamos a profundizar (y daba para mucho, con esa venenosa ama de llaves salida de “Rebecca“), es eliminado de la ecuación de un infarto, y mientras tanto, desde un rincón olvidado, aparece Dean. Y esto es la punta del iceberg en cuanto a sorpresas arbitrarias; para empezar el retorno de éste, quien, ni corto ni perezoso, actúa de voz del espectador, gritando en la cara a Max y condenando lo que ya pensábamos de ella desde el minuto 1.

¿Pero por qué hacer un trato con las dos si ya ha sufrido sus engaños?, ¿por qué tiene Liotta la manía de dar vida a personajes tan faltos de cerebro?, y lo más importante: ¿no podría haberse aliado con Tensy y actuar contra ellas? Sí, seguiría estando el problema de Jack, pero al menos no se le haría parte de las odiosas artimañas de Page y Max, que es de lejos lo más insoportable de la historia. Insoportable también es esta cantidad de giros acumulados durante la última media hora de metraje, que se van sucediendo sin orden a un ritmo frenético. Y aquí no se puede caer más bajo...
Weaver demuestra otra vez lo mentalmente desviada que está al aceptar, de manera recurrente, estos roles despiadados, cínicos y detestables hasta la médula. Desde luego disfruta con ello...yo no, el que manipule a Jack para caer en sus garras sólo provoca una grima horrorosa, y no quiero seguir viendo la cara a este personaje, sino volársela de un tiro. Lo peor de esta ficción exageradamente melodramática es que a estas cosas son capaces de llegar ciertas mujeres que pululan por ahí, en la realidad, con la idea del odio masculino en la sangre, capaces de engañar a sus seres cercanos para hacerles pensar de la misma forma.

Lo que era un estereotipo miserable pero simpático en la piel de Niven y Caine es aquí un estereotipo social peligroso, de maldad pura, uno de los más abyectos personajes femeninos de todos los tiempos, perfecto para un film de terror o un drama psicológico, no una comedia comercial como esta, y Liotta se encarga de decírselo por nosotros una y otra vez, muchas gracias.
El remate me lo da el final, al aparecer éste junto a Barbara (veterana Anne Bancroft en su último papel); qué maravillosa vuelta de tuerca si la cámara sólo se hubiera desplazado ligeramente hacia el cielo...en lugar de eso se ejecuta un “zoom“ hacia Max, que les observa desde el coche, dándonos a entender que ahora ella le usa a él para vengarse. ¡Qué forma tan cruel de estropear un buen final!

Enfoque malo de premisa, de desarrollo, de personajes, de tono, de convergencia de subtramas, de giros, de atmósfera, y ese colofón que podría haber salvado una gran parte...sin embargo todo está descompensado, situaciones que dan asco deberían hacer reír, y producen dolor de estómago, arquetipos aborrecibles, diálogos patéticos, actuaciones grotescas (sobre todo Hewitt, que no tiene nada de valor salvo su escultural figura). Un perverso desastre.
Lo único satisfactorio de este tergiversado “remake“ del “remake“ es ver a aquellas que se creían inteligentes víboras devorahombres sucumbiendo primero a su continua ineptitud, luego a las vueltas del escarmentador destino y por último a las fuerzas de la moral conservadora. Gracias a Dios Mirkin dejó de hacer cine porque mi corazón no aguantaría algo así de nuevo.

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Gladiator (El Gladiador)

Gladiador

Sinopsis:
En el año 180, el Imperio Romano domina todo el mundo conocido. Tras una gran victoria sobre los bárbaros del norte, el anciano emperador Marco Aurelio (Richard Harris) decide transferir el poder a Máximo (Russell Crowe), bravo general de sus ejércitos y hombre de inquebrantable lealtad al imperio. Pero su hijo Cómodo (Joaquin Phoenix), que aspiraba al trono, no lo acepta y trata de asesinar a Máximo.

“Mi nombre es Máximo Décimo Meridio, comandante de los ejércitos del norte, general de las Legiones Fénix, fiel servidor del verdadero emperador Marco Aurelio. Padre de un hijo asesinado, esposo de una esposa asesinada y juro que me vengaré, en esta vida o en la otra.“

Ya han pasado más de 20 años desde que se estreno “Gladiador“ y todavía sigue poniéndonos los pelos de punta y nos hace vibrar de la emoción, aquel al que le guste el cine y todavía no haya visto “Gladiador“ es algo imperdonable ya que estamos ante un clásico y ante un peliculón en toda regla, sin duda alguna una de las mejores películas de Ridley Scott quien también ha dirigido otras grandes películas como “Alien“, “Blade Runner“, “American Gánster“ o “La Caída del Halcón Negro“, es cierto que últimamente ya no hace buen cine ya que las últimas películas que ha dirigido han sido un poco flojas como “Alien Covenant“ o lamentables como “El Abogado del Crimen“ pero una película de este director que siempre quedara en mi memoria es “Gladiador“, una película emocionante de principio a fin que no aburre en sus dos horas de media y que nos dejó frases legendarias como la escrita al comienzo de la crítica que sin duda alguna es una de las frases más memorables de la historia del cine.

“Gladiador“ cuenta la historia de Máximo Décimo Meridio, un General que se convirtió en esclavo y luego en gladiador. Es una historia de traición y venganza donde Cómodo, el hijo malvado y corrupto del emperador Marco Aurelio se siente celoso de que su padre quien está próximo a morir prefiera convertir en Emperador a Máximo y no a el entonces Cómodo reclamando su trono asesina a su padre y ordena ejecutar a Máximo y a su familia, Máximo escapa pero llega demasiado tarde para salvar a su esposa e hijo ya que son brutalmente asesinados. Exhausto y herido, es capturado por un mercader de esclavos y entra a formar parte de una cuadrilla de gladiadores y poco a poco su fama crece en la arena hasta que vuelve a Roma decidido a vengar la muerte de su familia.

En el papel de Máximo tenemos a Russell Crowe quien en ese entonces tenía buen físico y realizaba grandes papeles no como ahora que se descuido físicamente y más encima realiza papeles de pena como el de Zeus en “Thor: Love and Thunder“, Russell Crowe interpreta de manera correcta al General Maximo y hasta gano el Oscar a mejor actor pero para mí el actor que verdaderamente se lleva todos los aplausos es Joaquín Phoenix quien interpreta al despiadado emperador Cómodo, tal vez muchos creíamos que Joaquín Phoenix se había llevado un Oscar por tan brutal actuación pero para sorpresa de todos ni estuvo nominado y yo no sé pero para mí Phoenix merecía un Oscar ya que se lució con este papel. El reparto lo completan Connie Nielsen como Lucila, Richard Harris como Marco Aurelio, Derek Jacobi como el senador Greco, Oliver Reed como Antonio Próximo, el entrenador de gladiadores que compra a Máximo y por último también esta Djimon Hounsou como un gladiador que se convierte en el mejor aliado y amigo de Máximo.

Definitivamente “Gladiador“ es un clásico y una de las mejores películas de Ridley Scott, visualmente es esplendida, cuenta con grandes escenarios basándose en la antigua Roma, la banda sonora de Hanz Zimmer como siempre es magnífica y ni se diga de las escenas de lucha en la arena del Coliseo ya que son espectaculares, brutales y muy sangrientas. Puede que parezca mentira pero Ridley Scott ha estado trabajando en la secuela de este clásico que se situará 25 años después y la historia se centrará en Lucius, el hijo de Lucila y sobrino de Cómodo, ya veremos si Ridley Scott logra hacer aunque sea una buena película o si mete la pata y nos ofrece una cagada de la grandes, para ello habrá que esperar hasta noviembre de este 2024 así que será una larga espera.

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Beautiful Boy: Siempre Serás mi Hijo

Película de Amazon que trata el tema tan delicado de tener un hijo drogadicto y el sufrimiento de sus allegados, es una película cruda sin necesidad de mostrar cosas además de contar con magníficos actores Steve Carrell esta genial aquí y Timothee igual.

La madre se nota que no tenía el mismo carácter del padre El cual si llega a todos los extremos con tal de salvar a su hijo, es una pelicula lenta que en ningún momento se hace aburrida ni pierde el interés tampoco hasta llegar el final el cual salió la historia en que se basa y me alegra que el chico haya salido de ese bajo mundo.

Una película muy buena para verla con la familia.

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