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El Casero

Curiosa película esta, donde un joven millonario decide comprar un edificio en la parte “chunga“ de la ciudad y rehabilitarlo... porque sí, por hacer algo. El problema es que los inquilinos del bloque de pisos que ha comprado son de lo más especiales... y este, en vez de echarlos, acaba haciendo amistad con ellos y yéndose a vivir allí.
La cinta podría haber estado mejor si se hubiera centrado el el tema de las relaciones con los inquilinos y la rehabilitación del edificio como tal, que ya había chicha en eso, y es que el bloque está reventado, pero no, empieza a dar demasiadas vueltas, a meter dramas románticos de por medio... y una película que me estaba pareciendo interesante, va perdiendo fuelle por momentos desde su mitad, y acabé por perder el interés totalmente. Una lástima, porque prometía.

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Terminal

Tiene una buena ambientación, tiene buenas actuaciones, tiene una trama cargada de giros, traiciones y venganzas... pero la forma de contarla es odiosa. Es la típica película que avanza sin explicaciones ni sentido para que la segunda parte de la historia sea volver a ir explicando todo pero incluyendo giros y sorpresas. En esta película sinceramente me parece que no queda bien, el espectador puede ir viendo por donde se mueve todo y la única sorpresa será cuando se saquen varios ases de la manga que no vienen muy a cuento. No digo más por no spoilear.

Me da la sensación que toda la segunda parte de la película es un intento de explicación constante mediante flashbacks, escenas y cortes de escenas anteriores y todo llevado a cabo de una forma poco dinámica.

No me convence.

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Hoffa, Un Pulso al Poder

Hoffa es una de las apuestas más ambiciosas y peor valoradas en su momento del cine estadounidense de los noventa. Con un guion a cargo de David Mamet, la película no busca ser una lección de historia dócil, sino un drama épico sobre el poder, la lealtad y la corrupción.

DeVito, sorprende en la dirección, y filma con la mirada del cine clásico, pero con los trucos del cine negro moderno. Destacan sus escenas ingeniosas, como el estupendo plano del patio nevado de la prisión que se disuelve en una pelota de golf. DeVito captura la complejidad no solo del líder, sino de la masa humana que lo idolatraba.

Jack Nicholson como Jimmy Hoffa, propenso a caer en sus propios histrionismos y excentricidades, aquí realiza un trabajo vocal y físico extraordinarios. Él es Hoffa, sin duda, y captura su energía arrolladora, su carisma magnético y su mezcla de idealismo y autoritarismo.

La trama no muestra a la mafia como una fuerza externa que corrompe un movimiento idealista, sino como parte de una alianza pragmática nacida de intereses chuecos comunes y en un contexto de violencia, corrupción política y luchas laborales extremadamente duras. La película sugiere que Hoffa veía estas relaciones como una herramienta para fortalecer el poder de su sindicato, aunque esa estrategia terminaría convirtiéndose en una trampa de la que no pudo escapar.

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J.F.K.: Caso Abierto

En 1991, todos corrimos al cine a ver JFK de Oliver Stone. No es simplemente una película histórica o un drama judicial; es un ejercicio de valentía política que sacudió el relato oficial en Estados Unidos. Stone se atrevió a cuestionar lo que la Comisión Warren había sentenciado como una verdad absoluta, abriendo una enorme grieta para exponer la implicación del propio aparato estatal en el asesinato de John F. Kennedy.

Kevin Costner brinda, en mi opinión, la mejor actuación de su carrera, como el fiscal Jim Garrison. Costner interpreta a un hombre común enfrentado a fuerzas inmensamente superiores. Su interpretación aporta una honestidad y credibilidad verosímiles. Especialmente memorable es el largo alegato final ante el jurado, una secuencia que se ha convertido en uno de los discursos más emblemáticos del cine político moderno. Costner logra transmitir indignación y convicción al mismo tiempo, convirtiendo a Garrison en un héroe moderno.

Stone apuntó directamente a las estructuras de poder más oscuras de su país: el complejo militar-industrial, la CIA y las altas esferas del gobierno. Y no se lo perdonaron. La película movilizó a la opinión pública y logró algo inédito: forzar al Congreso de los EE. UU. a aprobar una ley para desclasificar documentos relacionados con el asesinato. El cine, gracias a esta película, demostró que tiene el poder de cambiar las cosas.

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Not Okay

El 2 en la nota pienso que es por lo de seudocritica que muestra la película hacia la juventud y las redes sociales que cada vez más estupidizan a la gente, por lo actual del tema me resultó muy aburrida y simplona, no la recomiendo.destaco a la protagonista principal que lo hizo en buena forma.

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El lobo solitario y su cachorro: Niño y Maestría en Alquiler

Comienzo esta saga de samuráis que conocía, pero que tenía pendiente, y me he llevado una grata sorpresa, pues esperaba algo más... “light“, por llamarlo de alguna manera. Esperaba las típicas historias clásicas de samuráis, con buena ambientación del Japón feudal, buenos combates y bastantes muertes... Y tiene todo eso, por supuesto... pero es que además, esta película tiene un montón de sangre, e incluso algunas mutilaciones, rozando el gore... lo cual lleva la saga a un nivel superior a lo que me esperaba. Y hay tetas. Todo bien.
Tenemos a un samurái, traicionado por su propio clan y el shogun, que decide, en vez de rendirse y morir, coger su espada y ofrecerse como luchador experto para las tareas que se le encomienden, mientras va dejando a su paso un reguero de cadáveres de todo el que quiere verle muerto.
Bien ambientada, con ese cuidado sobre el honor y el respeto propios de la época en Japón, así como esta forma de mostrar la dureza de esos tiempos. Y por supuesto, un elevado nivel de acción y drama, como no podía ser de otra forma, con el toque especial de tener al protagonista empujando un carrito de bebé allá donde va, y teniendo que cuidar de su hijo mientras se defiende.
Una primera parte de la saga que me ha gustado lo suyo, a ver qué tal continúa.

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Driven

No entiendo cómo Stallone se metió en éste proyecto, creo que solo por ser fan de las carreras de autos y manejar una de ésas chatas, si es por la trama y por las locaciones, circuitos inventados, una carrera en el centro de la ciudad de Chicago, un desproposito en todos los aspectos, muy poco para rescatar, y con clichés del deporte motor, chicas que están por el dinero, un fiasco para nada entretenida.

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Once Días, Once Noches

Eleven Days, Eleven Nights (conocida en Italia como Undici giorni, undici notti), se convirtió en uno de los mayores éxitos financieros de la icónica productora Filmirage y de su director, Aristide Massaccesi, mejor conocido en los bajos fondos como Joe D“Amato.

La trama (coescrita por Claudio Fragasso y Rossella Drudi) es una explotación de 9 semanas y media (la influencia estética y temática es total, desde el título hasta los juegos con comida) y roza el delirio de telenovela: Sarah es una escritora libertina que en Nueva Orleans conoce a Michael, un yuppie aburrido que está a exactamente once días de casarse con su novia de toda la vida. Sarah le propone un pacto: un idilio sexual que durará precisamente once días y once noches.

D“Amato, que además de dirigir era su propio director de fotografía, a diferencia de sus trabajos en el hardcore puro y duro de principios de la década, aquí factura un erotismo estilizado y voyeurista. Luciana Ottaviani, acreditada Jessica Moore, encarna el ideal de la femme fatale italiana de la época, una belleza con una mirada felina y una soltura frente a la cámara que compensaba las obvias carencias actorales de su contraparte masculina (Joshua McDonald). Su carrera con D“Amato fue corta pero intensa (apenas activa entre 1986 y 1989). Eleven Days, Eleven Nights la catapultó a la fama en los circuitos de serie B, llevándola a protagonizar Top Model (1988) —donde interpreta al mismo personaje trabajando como prostituta de lujo para documentar otro libro— e incursiones en el terror bizarro como Sodoma“s Ghost o Non avere paura della zia Marta. Se retiró muy joven del cine, pero dejó grabada su presencia en el imaginario del erotismo europeo. Como curiosidad, la mítica Laura Gemser (la eterna Emanuelle Negra) aparece interpretando a la editora de Sarah.

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Una Mujer Destruida

Dirigida por Stuart Heisler, es un estupendo melodrama clásico de Hollywood. A menudo eclipsada por The Lost Weekend, (1945), esta película tiene el mérito de haber sido una de las primeras en retratar abiertamente el alcoholismo femenino, un tema tabú para la época. Basada en una historia de Dorothy Parker, funciona como una historia cruda y dolorosa de cómo el éxito ajeno puede devorar la identidad propia.

Susan Hayward es Angie Evans, una cantante de clubes nocturnos con un futuro brillante, mientras que su esposo Ken es un compositor que no logra despegar. Por amor, Angie decide renunciar a su carrera para convertirse en ama de casa y madre. Hay una escena brillante en la que Angie se mira al espejo, consumida por la culpa. No se reconoce; la adicción la lleva a descuidar lo que más ama (su hija), lo que la hunde en un círculo vicioso de autodestrucción y resentimiento. Su interpretación le valió la primera de sus cinco nominaciones al Óscar, y definió su marca registrada en el cine: la mujer al límite, vulnerable, pero con una fuerza perseverante.

A pesar de que el final de la película cede un poco ante las exigencias del Hollywood de la época (buscando una redención apresurada), la trama es implacable. Susan Hayward logra conmovernos con el choque frontal de una mujer contra el muro de sus propias ambiciones sacrificadas.

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Iron Maiden: Burning ambition

mi banda preferida me saca otro documental y no podia fallarle, aunque debo admitir que de los anteriores documentales, este fue el mas flojito a mi gusto, aunque tiene material inedito sobre las epocas de la salida de bruce y la entrada y pase de blaze,
me parecio aceptable pero le falto aquellas entrevistas actuales como venian teniando los otros documentales que me llegaron mas.
up the irons!!!

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