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La Evaporación del Hombre

A Man Vanishes es una película realmente única. La película juega con la forma documental de realización cinematográfica y el papel que desempeña un director en la formación de un documental. La película siempre es interesante y siempre sorprende. Esta película ni siquiera se menciona en la discusión sobre el trabajo del director. Esto es desafortunado, debido al hecho de que, si se mira más de cerca, la película aborda muchos temas diferentes. Durante el rodaje la esposa del desaparecido comienza a enamorarse del director del documental. Este es sólo uno de los giros argumentales de la película. Este es mi favorito personal de todo el trabajo de Imamura. Si no encuentras esta película alquila otra, porque es una de las grandes sorpresas en la historia del cine japonés.

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Let It Be

Excelente documental de los cuatro de Liverpool, sin dudas la banda precursora del rock, inspirando y motivando a todos los grupos musicales que los siguieron, vemos a los Beatles en su maxima creacion en este disco que a la postre fue el ultimo, me encantó la ulima media hora tocando creo que seis temas en la azotea de los estudios Abbey Road, y la llegada de la policia ya que fue algo sorpresivo que la banda tocara varias canciones del nuevo album y toda la gente que los veia desde edificios aledaños y abajo en la calle, una pena que no siguieran crando musica y se hayan separado prematuramente para mi gusto.

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Hostiles

Brillante y dramático Western genialmente conducido por el director Scott Cooper y capitaneado por el gran Christian Bale. Una película cargada de dramatismo pero expresado de una forma muy progresiva aunque constante.

Tanto la ambientación como la fotografía están hechas con muy buen gusto, los personajes muy bien explicados, y los conflictos que van surgiendo hacen que en todo momento la trama mantenga el interés y resulte muy entretenida. La película no contiene grandes escenas de acción, pero las que contiene trasmiten al espectador perfectamente lo que quieren: la dureza, la melancolía o incluso la locura y rudeza de cada momento.

La película está cargada de grandes actuaciones, destacando A Christian Bale, pero sonbre todo a Rosamound Pike, que interpreta un personaje tremendamente roto y desdichado de manera magistral.

Un Western crepuscular hecho con muy buen gusto y cargado de reflexión.

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The Master

No cabe duda de que es un peliculón.
El film tiene una premisa sumamente original muy bien llevada a cabo.
Está estelarizada por dos de mis actores favoritos de toda la vida de forma magistral.
La ambientación de época está muy bien conseguida y no aburre en ningún momento pese a tener una duración que supera las dos horas.
Más que recomendable!

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Misión Hostil

Rescate Imposible

Sinopsis:
Reaper es un piloto de drones de la Fuerza Aérea que apoya una misión especial en el sur de Filipinas. Tras ver movimiento en la jungla durante su reconocimiento aéreo, la situación toma un vuelco inesperado. El equipo de tierra, en el que se encuentran el sargento Kinney y sus compañeros, es atacado de manera fulminante y capturado por un grupo de insurgentes. Reaper tiene 48 horas para remediar lo que se ha convertido en una salvaje operación de rescate de alto riesgo.

“Rescate Imposible“ es una película bélica que no me llamaba para nada la atención, el reparto no me atraía demasiado aunque por ahí vi que aparecía el nombre de Russell Crowe quien es un actor que me gusta pero siendo sinceros las películas en las que se ha metido Russell no son muy buenas como las de antes así que no es el mismo que protagonizó brillantes películas como “El Tren de las 3:10 a Yuma“, “Gladiador“ o “Una Mente Maravillosa“, además el protagonista del film es Liam Hemsworth que no es que no me guste ni lo considere mal actor sino es que simplemente no me interesa, de todos modos por casualidades de la vida termine viendo “Rescate Imposible“ y vaya que me dejo un buen sabor de boca ya que resultó ser una película endiabladamente entretenida que me terminó gustando.

La trama de “Rescate Imposible“ va sobre el rescate de una persona en Filipinas por parte de un comando, cosa que en un principio parece sencilla pero eso no será así ya que el grupo se verá inmerso en medio de la selva intentando salvar sus vidas y solo contarán con la ayuda inestimable de un dron manejado a distancia que los apoyará en todo momento e intentará simplificarles la misión. Es cierto que es una peli que no aporta nada nuevo al cine bélico y es una más del montón, además su trama recuerda a películas como “Tras las Líneas Enemigas“ o “El Único Sobreviviente“ con Mark Wahlberg pero no por eso quiere decir que sea una película que no valga la pena ya que para mi lo vale o al menos para pasar el rato, lo malo es que los primeros veinte o treinta minutos son algo aburridos pero si se logra pasarlos sin llegar a dormirse créanme que la película logra entretener porque a partir de ahí la cosa no para y es acción tras acción.

En cuanto al reparto pues contamos con la participación del ganador del Oscar Russell Crowe quien sigue con su carisma intacta y realiza un buen papel como el operador de drones que ayuda a Liam Hemsworth a sobrevivir en territorio enemigo, en cuanto a Liam pues es un actor al que siempre había visto como una cara bonita pero después de verle en la saga “Los Juegos del Hambre“, “Los Indestructibles 2“ y en la secuela de “Independence Day“ pues he de decir que se desenvuelve bastante bien dentro del género. Otros actores que aparecen son su otro hermano Luke Hemsworth aunque este no sale mucho ya que es al que matan primero y también aparece Milo Ventimiglia cuyo rostro se me hacía bastante conocido y ya después fue que vine a recordar que fue el actor que hizo del hijo de Rocky en las películas de Rocky Balboa.

En definitiva “Rescate Imposible“ es una película que no aporta nada nuevo pero aquellos a los que le gusta el género de seguro que pasarán un rato entretenido con ella y la disfrutarán ya que tiene buenas escenas de accion como tiroteos, explosiones, persecuciones, enfrentamientos en fin, lo típico de una buena película bélica asi que “Rescate Imposible“ es una buena opción para ver en casa, relajarse y apagar el cerebro durante casi dos horas así que de mi parte le doy a la peli un 7/10, no es gran cosa ni pasara a la historia como una de las mejores del genero pero tiene buena acción y esta bastante entretenida y pues eso es lo que cuenta.

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Tienda de Locos

El trío más divertido del cine vuelve de nuevo, esta vez haciendo de las suyas en unos grandes almacenes, donde hay intereses ocultos.
Hay que decir que, si bien es muy entretenida y tiene sus partes divertidas, la verdad es que está un nivel por debajo de las anteriores, y es que en esta ocasión, hay demasiadas actuaciones musicales, y menos momentos de caos formado por los 3 hermanos.
Aún así, hay escenas memorables, como la locura de las camas de diseño, o la larguísima persecución de la parte final.

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Mother

Porque ser mujer en su realidad, es una desgracia. Sólo hay dolor, culpas, obligaciones y avatares. Tamiko lo sabe muy bien. Las desgracias se han extendido en su familia, esa es su gran carga, pero al menos, si algo puede hacer, es crear una vida, y soportarlo con coraje; para eso nació, para soportar.
¿Aún queda esperanza?

Kaneto Shindo se pregunta una vez más, y para no variar, sobre la condición de la mujer en la sociedad de su tiempo; con la Kindai Eiga Kyokai de nuevo a flote gracias al milagro de “The Naked Island“, éste sigue incansable sin dejar sus métodos tradicionales de producción, y para la presente se establece en un salón público de Hiroshima junto a todo su equipo, cual comuna, viviendo con el mínimo posible ya que el presupuesto y los medios, como de costumbre, son precarios. La ciudad le presta una ayuda vital que se refleja en la historia.
“Haha“ contará la historia de una ciudad, sí, pero iniciada desde una mirada, la de Tamiko (no podía ser otra que Nobuko Otowa, claro), quien durante los primeros minutos se expone ante nosotros sin ninguna restricción, del mismo modo que la pareja que apasionadamente se besa en la habitación del hospital y es observada por ella desde lejos. El abatimiento en su cara refleja un gran anhelo, el de ser otra persona; su visita es a causa de su hijo pequeño Toshio, diagnosticado con un tumor cerebral que le está dejando ciego y para el que hay pocas esperanzas, o tal vez ninguna. A partir de aquí nos metemos dentro de la cabeza de la madre, que experimenta una crisis cuya importancia se mantendrá en suspenso.

Una vida de la que sabremos muchas cosas ya que se nos contará de muchas maneras: a base de recuerdos, de conversaciones, de revelaciones de segundos personajes a terceros; la película toma una forma origami y se abre continuamente. Tamiko procede de una estirpe que regresa al pasado del director, y del mismo modo que su padre llevó a la ruina la hacienda por culpa de sus deudas aquí también hay un padre ausente que abandonó a la familia en el peor momento y además fue infiel a su esposa; dando vida a la madre de Tamiko, Haruko Sugimura, en cada pliegue de su rostro y en cada mirada, refleja una dolorosa insatisfacción, un pesar asfixiante.
El espacio dentro de su hogar es minúsculo, y siempre queda desplazada a un rincón, desde el cual expulsa sus penas como un veneno; Tamiko es su completo opuesto, no se llegó a atar a sus dos anteriores maridos y prefirió vivir sola con su hijo, pero mucho de ese pesar y desprecio familiar han germinado dentro de ella. Así, de vez en cuando, Shindo cruza la línea y nos hace escuchar sus deseos interiores, deseos de destrucción y asesinato de una mente en proceso de desequilibrio; por desgracia todo queda en eso y nunca se profundiza más de allá del mero deseo.

La voz de Sugimura, repitiendo a esas desagradables madres conspiradoras y desconfiadas que ya encarnó para Ozu, no oculta los secretos de la vida de su hija (en realidad se los cuenta a un nuevo pretendiente, interpretado por otro obligatorio de Shindo, Taiji Tonoyama), y cómo ésta empezó a quebrarse desde el nacimiento de Toshio. Aquí primero el matrimonio y luego el embarazo parecen ser piedras a la espalda de la mujer, que ya queda marcada por ambos; sin corresponder al amor que le brinda su ya tercer marido, Tajima, Tamiko está devorada por un anhelo absoluto.
Anhelo de poder ser libre de la carga de su hijo, de poder amar como otras mujeres hacen, de una independencia económica que no la rebaje al poder de otro hombre, pero los suburbios de Hiroshima no es el lugar adecuado para soñar, y si algo distingue a Tamiko es que sueña por encima de sus posibilidades; Shindo nos pone en esta tesitura a partir de la cual es difícil aceptarla de un modo transparente: por un lado exige dinero a una madre que subsiste a duras penas, no muestra cariño por un hombre bondadoso que ha pagado la operación de Toshio, quiere comprar a éste caprichos y llevarle a una escuela a sabiendas del poco tiempo que le queda...

Pero por otro lado ella trabaja duro cada día y todo eso que desea es para su hijo. La situación con el piano eléctrico que le compra con el dinero de su hermano Haruo sin consultar a Tajima es el mejor ejemplo de cómo pone inconscientemente su deber de madre por encima de su estatus social de clase baja, rozando la pobreza, y también de cómo Shindo, algo un tanto inusual en él, brinda a la protagonista la oportunidad de gozar de un ambiente familiar agradable (a pesar del físico poco agraciado de Tonoyama, su personaje está lejos de los tipos abusivos que se acostumbró a interpretar).

Un arma de doble filo, la culpa la obliga a ser complaciente con su marido, aunque ella, violada por el primero (esto se intuye) y cuyo fruto de ese acto fue Toshio, es incapaz de sentir ninguna pasión; estas posturas contrastan durante las escenas en que la pareja se prepara para hacer el amor: mientras para ella el acto sexual es un ritual frívolo y obligatorio los primeros planos de sus manos, piernas y pecho empapados en sudor representan el punto de vista de Tajima. Y es que la trama no sólo se centra en Tamiko y Toshio, Shindo se interesa por las vidas íntimas de múltiples personajes (vemos los recuerdos y escuchamos los pensamientos de varios protagonistas) y sus relaciones a lo largo de la historia.
Entre las de Toshio y su madre, Tamiko y su madre y Tamiko y su marido e hija resulta curiosa la relación entre Tamiko y Haruo. En ella se insinúa más que se cuenta, un amor de fuerte sentimiento que esconde algún secreto no revelado, pero sí sugerido; y uno de los fallos del guión es profundizar de un modo algo incomprensible en este chico que ha acabado siendo otra carga para su madre, que deambula con sus propios problemas sin que sepamos cuáles son realmente. Mientras Tamiko sufre por la inminente muerte de su hijo Haruo abandona la universidad y a duras penas trabaja en un bar por culpa de los problemas con el dueño.

Es alguien que no encuentra su lugar en la sociedad, también lleno de anhelos incapaz de cumplir y funciona más como símbolo de una joven generación sin rumbo, criada sin una figura paterna, precipitada a un futuro incierto. De todos modos su presencia resulta dudosa; ayuda a Tamiko a comprar el piano pero nunca le vemos junto a su sobrino, da tumbos aquí y allá, mantiene una relación extraña con la mujer de su jefe, se enzarza en violentas peleas sin un motivo aparente. En una visión mucho más amplia la desgracia del pequeño Toshio, la existencia errante de Haruo, la extrema pobreza de los barrios donde malviven Tamiko y su madre, parece derivar del entorno de Hiroshima.
Un entorno alrededor del cual planean siempre las sombras de la tragedia. Haruo observa la ciudad desde el helicóptero de su amigo y las zonas alrededor de la cúpula Genbaku (“Sus vidas son como burbujas en un abismo“, afirma), donde uno de los amigos del dueño del bar, un yakuza, le ha derribado antes a golpes (esto se pudo rodar en el escenario real). Es un lugar de desolación, pérdida y derrota, y el cineasta subraya este pesimismo, además de con la hipnótica fotografía en blanco y negro de Kiyomi Kuroda, con uno de esos detalles que suelen ser sinónimo de su cine: la traición a sus personajes.

Porque cuando las circunstancias parecen haberles llevado al límite la esperanza surge milagrosamente. Tamiko, aunque no sienta amor por su marido y esté condenada a un trabajo desagradable, puede gozar de un atisbo de felicidad tras la operación de su hijo, sin embargo todo se vuelve a girar en su contra, la muerte sacude a la familia, la suerte le es arrancada al pobre Toshio, la histeria de Tamiko reaparece con más violencia.
La esperanza es barrida como la bomba atómica barrió Hiroshima y aquellos instantes de felicidad fueron sólo un espejismo. Queda, aun así, una inesperada reparación a tanto dolor: un nuevo hijo...pero su futuro también es incierto para todos. ¿Otro Haruo?, ¿otro Toshio? Nunca lo sabremos.

Inclinando la historia hacia la tragedia con bastante crueldad Shindo plantea la maniobra opuesta a la de Ozu, porque si éste prefería mostrar el modo en que las consecuencias de una terrible situación trastocaban las vidas de sus personajes, el primero se recrea en el impacto dramático para implicar directamente al espectador junto a quienes lo están sufriendo.
Hay que elogiar también su ambición a la hora de desarrollar la trama de “Haha“: lo que empezó como un simple drama íntimo entre una madre y un hijo se extiende a una visión mucho más amplia sobre la mujer, el sexo, la familia y la sociedad, hasta llegar a la misma fatalidad de la Historia de Japón. Una lástima que algunas partes del guión terminan siendo erráticas y queden cabos sueltos (el pasado de Tamiko, por el que se pasa de puntillas, la relación entre ella y Haruo y sobre todo éste, cuyas acciones son inexplicables y cuya trama secundaria está fuera de lugar dentro de la principal...).

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Children of Hiroshima

Una joven sale cojeando de su casa el día de su boda, un pobre hombre muere devorado por la radiación mientras un viejo mendigo bebe tal vez su última botella de sake, tras lo cual escupe furioso “Maldita guerra...maldita bomba...que convierte a los humanos en gusanos...“.

Historias reales de personas reales que sobrevivieron al día en que una luz blanca en el cielo precedió a una lluvia negra que se antojaba eterna: 6 de Agosto. El maestro y autor Arata Osada impartía clases en la Facultad de Ciencias y Literatura de Hiroshima, y al igual que sus vecinos no pudo imaginar que enfrentaría la muerte en forma de bomba atómica esa mañana; tras su larga recuperación, y mientras el país pasaba a estar en posesión de los norteamericanos, se volcaría en cuerpo y alma en dar voz a quienes lograron quedar en pie, especialmente a los niños.
Poco a poco él y sus alumnos reunieron más de cien anécdotas sobre la experiencia directa de la catástrofe y sus secuelas, que formarían parte de la recopilación “Genbaku no Ko“, causando un gran impacto en medio Mundo ya que nada se había divulgado acerca de los efectos de la bomba debido a la censura de las fuerzas de ocupación. Los múltiples premios y la exitosa distribución internacional llevó al Sindicato de Maestros de Japón a preparar también una ambiciosa película; Kaneto Shindo, un audaz guionista nativo de Hiroshima y que hacía poco se independizó de los grandes estudios creando su propia productora, la Kindai Eiga Kyokai, era el más adecuado para el proyecto, o al menos eso creyeron...

Sin embargo no quedaron satisfechos con su guión, pues aun utilizando algunos relatos del libro consideraron que su tono demasiado melodramático echaba a perder todo sentimiento político y social, y que su estructura narrativa no era la correcta. Mientras ellos querían retratar el infierno sufrido tras la inmediata caída de la bomba, Shindo imagina otra forma de contar las cosas; Nobuko Otowa, en el papel de la maestra de escuela Takako, decide viajar a su Hiroshima natal, de la que partió hace años, y así el espectador adopta su punto de vista. La producción, que tras la retirada de la Daiei a causa del arriesgado contenido corre a cargo sólo de Kindai Eiga Kyokai, es desde luego un esfuerzo ambicioso.
Otowa pasea por las grandes calles de la ciudad, nos lleva a los suburbios, a los lugares aún en ruinas, incluso se introduce en el interior de la cúpula Genbaku. En una aproximación documental, o neorrealista, se nos muestra la ciudad y a sus gentes, tal como son, tan sólo siete años después; a partir de aquí la trama adopta un enfoque “periodístico“, se podría decir, para desarrollarse de manera episódica: la protagonista, en su peregrinaje de redescubrimiento del lugar, irá encontrándose con familiares, amigos, viejos conocidos y alumnos. Cada uno con una historia que contar, un peso sobre sus espaldas, una tragedia que ocultar y un ser querido al que llorar.

Esto permite plantear una visión colectiva del desastre y las terribles cicatrices que ha dejado. A un lado niños huérfanos y viudas, al otro mujeres estériles o pobres sin hogar que mueren de radiación; empleando el director un estilo de fórmula del melodrama bastante simple entramos en la vida de todos ellos junto a Takako, compartimos la pena, el dolor y en especial la resignación. Esto es algo sorprendente: la hermana de un antiguo alumno suyo reacciona avergonzada, incluso molesta, al mencionar él su matrimonio, pero de un modo indiferente con respecto a su cojera, provocada cuando le cayeron los escombros de la casa.
Es el estoico espíritu japonés. La resignación al desastre, porque no hay otra cosa que se pueda hacer; y al mismo tiempo los ciudadanos obtienen de este sentimiento derrotista la fuerza necesaria para agacharse, apartar los escombros y las cenizas y reconstruir. No hay muchos personajes que se lamentan de su estado actual, simplemente aceptan las heridas, algunos recordando un pasado más feliz; los terrores que despertaron en muchos políticos cuando la película llegó a proyectarse en 1.953 en el Festival de Cannes fueron del todo innecesarios.

Y la razón es que Shindo se abstiene de comentarios sociales, políticos o de denuncia, él sólo se acerca al drama íntimo de los afectados; el viejo vagabundo medio ciego Iwakichi es el único que expresa su ira por su situación, pero nunca muestra un sentimiento anti-americano literal...únicamente contra la misma bomba, contra la guerra en términos generales, igual que la alumna moribunda (“La guerra es el peor de los males, es el Infierno“). Por otro lado la figura de la maestra sólo causa alegría en sus pupilos y allegados; debido a que la mayoría han quedado huérfanos ésta parece tomar el papel de madre protectora que ha regresado para consolarles...
Su viaje describe una interesante parábola que empieza en el hogar destartalado de su conocido Iwakichi, surgiendo un drama centrado en Taro, su nieto, del que ella desea hacerse cargo y ofrecerle un futuro lejos de las ruinas, la pobreza y la radiación. Derrotada tras la negativa egoísta del viejo de apartarle de su lado, no será hasta recorrer todos los hogares y observado de cerca la fatalidad de muchas familias que haga firme su decisión de “adoptar“ al pequeño; aun constantemente silenciosa y expectante, se produce una evolución interior en la joven maestra a lo largo de la trama.

Como tantas otras veces, Shindo quiere que de algún modo la esperanza permanezca contra las calamidades y el horror; por otro lado “Genbaku no Ko“ posee algunas de las secuencias más terribles (y poderosas) de su carrera y de la Historia del cine, y esas son las de la recreación de la destrucción de Hiroshima, al principio de la película.
La sorprendente audacia con que fueron filmadas para tratarse de 1.952, esa forma tan artística en que el director plasma el apocalipsis, sus primeros planos a los pechos de las mujeres que caen lentamente sobre los escombros, pechos que ya nunca alimentarán a ningún bebé, condenando así a la raza humana, unidas a la música del genio Akira Ifukube, crean un efecto impactante y desgarrador, difícil de digerir.

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Darkness of man

Colateral (Darkness of Man)

Sinopsis:
Russell Hatch (Jean-Claude Van Damme) es un agente de la Interpol que asume el papel de figura paterna para Jayden, el hijo de un informante asesinado en una redada de rutina que salió mal. Años más tarde, Hatch se encuentra protegiendo a Jayden y a su abuelo de un grupo de pandillas despiadadas en una guerra territorial total, sin detenerse ante nada para proteger a Jayden y luchar contra cualquiera que se interponga en su camino.

Me alegré al saber que Jean Claude Van Damme protagonizaría una nueva película, luego me desanime un poco cuando ví que el director era James Cullen Bressack quien en toda su carrera solo ha dirigido películas de terror o algunas de acción como las últimas con Bruce Willis o Steven Seagal que han sido verdaderamente lamentables, de todos modos le tenía fe a Van Damme y si o si tenía que ver la película y lo primero que he de decir es que me dejo un buen sabor de boca, es cierto que al ver la filmografía del director uno espera lo peor pero en este caso creo que los fans de Van Damme debemos agradecer que “Darkness of Man“ no fue un desastre ya que a mi me pareció una película bastante decente y entretenida, no es nada del otro mundo pero al fin y al cabo es una peli que se deja ver y que se disfruta viendo de nuevo al que fue uno de los heroes de acción de nuestra infancia.

No se puede comparar a “Darkness of Man“ con las películas que Van Damme protagonizó en los años ochenta y noventa donde fue su época de gloria y dónde todo era acción, explosiones y espectáculo, esta nueva película de Van Damme es mas que solo acción y peleas, pues si tiene algo de acción ya que hay tiros, violencia y la clasificación R está conseguida pero no es una acción que brinde espectáculo o emoción, además las peleas no son como las que acostumbramos a ver de Van Damme ya que su personaje esta fuera de forma, sufre daños, tiene problemas y aparte de eso es alcohólico, el belga vuelve a ofrecernos una actuación mas que notable y siempre me ha gustado verle en esta faceta donde demuestra que no solo es un actor de acción que sabe dar golpes y patadas sino también uno que sabe actuar así que por ello es que los fans de Van Damme deberían darle una oportunidad a “Darkness of Man“ ya que quedarán satisfechos con el trabajo realizado por el actor.

Cómo dato curioso la peli cuenta con cameos de actrices bastante conocidas como Kristanna Loken quien fue la T-X de “Terminator 3“, también Shannen Doherty de la serie “Embrujadas“ o Cynthia Rothrock aunque aquí no tiene ni una sola escena de acción. Del resto de la peli pues no hay mucho que decir, como ya he dicho se deja ver y es algo entretenida pero es de esas películas que se olvidan con facilidad y que no dan para ver una segunda vez, además en mi caso solo la vi porque el protagonista era Van Damme o sino ni me hubiera tomado la molestia en verla así que de mi parte le doy a “Darkness of Man“ un 6/10 y se dice que esta será la penúltima película en la que participará Van Damme así que habrá que estar a la espera de su siguiente y último film.

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Pozos de Ambición

Peliculón el que se mandó el gran Paul Thomas Anderson el cuál hace una feroz crítica al capitalismo salvaje, a la ambición de poder y a la “propiedad“.
El film entretiene desde que empieza hasta que termina sin aburrir en ningún momento paseándote por varias emociones distintas durante sus 2 horas y 38 minutos.
Está magníficamente actuada por parte de todo el reparto pero los que más se destacan son los tres protagonistas: Daniel Day-Lewis, Paul Dano y el niño.
El final es estremecedor, desgarrador y angustiante ya que te muestra como alguien puede ser tan autodestructivo.
Otro de los puntos a favor es la psicología de los personajes ya que, siendo sincero, no hay ni buenos ni malos... Vean y obtengan sus propias opiniones.
Sumamente recomendable!

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