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El Paciente Inglés

Excelente película muy comparable a otro gran film titulado “Out of África“.
La cinta tiene unos paisajes dignos de cuadros ya que son realmente muy bellos.
Las actuaciones de absolutamente todos los actores son sublimes.
La producción es bastante grande y recomiendo saber algo de historia contemporánea para disfrutar aún más del film.
Las 2 horasy 41 minutos que dura pasan realmente muy rápido ya que no aburre en ningún momento.
Sumamente recomendable!

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Johan Falk 8: De 107 Patrioterna

Esta es una saga demasiado larga y difícil de conseguir mientras tanto yo iré viendo las que pueda conseguir, por un lado es una película muy entretenida qué no aburre en ningún momento y es raro viniendo de los países bajos porque por lo general es un cine lento pero aquí no, aquí hay una trama criminal de fondo con policías encubiertos, terroristas, albaneces etc.

Las actuaciones están muy bien y las escenas de acción también, trama en todo momento sería y el final no está nada mal aunque claro esta queda abierto para otra secuela que ojalá pueda encontrar, me olvidaba que aquí Joel Kinnaman no hace nada del otro mundo solo pasa manejando quizas en las otras entregas lo pueda ver en acción.

Recomendable pero muy difícil conseguir las otras entregas.

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La Increíble pero Cierta Historia de Caperucita Roja

Me gustó más de lo que imaginaba, la animación no es de lo mejor, pero los personajes son muy comicos, el lobo tiene mucho carisma y tambien caperucita, la trama es diferente a todas las historias que vi, la abuela vende galletas dulces y hay un ladron de recetas que uiere quedarse con el negocio. los policias que investigan el caso tambien son muy graciosos, la cinta es de comedia y para mi cumple su cometido, tendré que ver la secuela.

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Lost Chapter of Snow

Nieve densa, pero de algún modo ligera. Es una sensación agradable, casi de fantasía.
El parque Odori de Sapporo es el único lugar que la niña visita, es un lugar especial; vuelve a sentarse en un banco de la 3.ª calle del parque, esperando a reencontrarse con aquél que la rescató...

Esa niña es Asuka, singular heroína de una historia aún más singular. “Yuki no Dansho“ fue el primer esfuerzo en la escritura de Marumi Sasaki, quien ganó con él un concurso televisivo a la mejor novela en 1.975, siendo publicada poco después; ese fue el principio de una galardonada tetralogía que centró en su ciudad natal, Sapporo, y cuyas protagonistas eran chicas bien huérfanas o bien sacudidas por grandes traumas familiares, y que compartían hechos, personajes y lugares, cimentándose todo un universo literario de aventuras, dramas, misterios, romances y ricas experiencias vitales.
Shinji Somai, tras sorprender a todos con su feroz y simbólico tratado de la generación adolescente “Typhoon Club“, y enamorado de la obra de Sasaki, propuso una adaptación...sin embargo los productores Shogo Tomiyama y Kei Ijichi no sabían a qué iban a enfrentarse. Las dificultades de su trabajo previo no fueron nada en comparación, esta vez quiso superarse a sí mismo, y basta la primera escena de la película para poder creerlo; si el plano-secuencia es la seña de identidad de su cine aquí esto se eleva al paroxismo a lo largo de un inicio de 15 minutos sin un solo corte (y que en realidad abarca el primer capítulo del libro)

Fascinante “tour de force“ que aturde gracias a su imaginativa y elaboradísima puesta en escena, fruto de la perfecta química entre Somai y el director artístico Fumio Ogawa. La cámara surca el decorado más grande de los estudios Toho figurando el paisaje nevado de Sapporo donde la protagonista (Iori, en lugar de Asuka) conoce a Yuichi (Yuya en la novela); 15 minutos donde, al tener que cubrir una extensión narrativa tan grande, se rompe el espacio-tiempo mientras la cámara sigue el movimiento de los personajes, de esa niña huérfana y maltratada por la familia de un empresario despiadado (hay que hacer un esfuerzo para creer que esto pudiera pasar en una sociedad moderna) y del hombre que la rescata.
Conocemos a este oficinista que la acoge como su propia hija, a su amigo íntimo Daisuke, empleado del susodicho empresario, a la criada Kane (los dos últimos, Shiro y Toki en la novela), personajes que pivotarán alrededor de Iori y serán vitales durante su crecimiento. Los días, meses y estaciones discurren con tal delicadeza en el mismo escenario que ni lo perciben nuestros ojos, hasta el impactante momento en que abandona el hogar al enterarse de la existencia de la prometida de su padre adoptivo; nunca Somai, en toda su carrera, estuvo tan cerca de la perfección como en este prólogo magistral...

Entonces la magia termina y todo cambia con una elipsis de una década, primero de los muchos errores que este guión irá cometiendo, pues se salta las fases de infancia y preadolescencia de la protagonista que con tanta paciencia trataba Sasaki. Asuka era un personaje complicado tal y como ésta la modelaba, pero en las páginas teníamos tiempo para conocerla, para acostumbrarnos a su desagradable terquedad, a la forma en que encerraba sus sentimientos y tanto esfuerzo necesitaba para expresarlas; su análoga cinematográfica, Iori, aparece de repente en pantalla.
La interpreta Yuki Saito, entonces una jovencita casi recién iniciada en la industria que había debutado como la heroína de la popular serie “Sukeban Deka“ (sólo para ser reemplazada poco después por Yoko Minamino...), y que no tenía ni idea de lo que iba a soportar al ponerse en las garras de Somai, con quien la pobre tuvo su bautismo de fuego en el cine. Se mete a conciencia en la piel de la difícil protagonista y de manera natural registra su crecimiento emocional; igual que el director hacía en el rodaje la cámara observa casi siempre a la actriz desde la lejanía, sin mucho uso de primeros planos, pero se centra en ella antes que en cualquier otro personaje.

El guión, que no tiene más remedio que reducir las más de 400 páginas de la historia original, eliminando, mezclando o cambiando ciertos pasajes, podría dividirse en dos largos actos con un prólogo y un epílogo; el problema es que Yozo Tanaka, pese a su buena química con Somai, no da una lógica al conjunto y se va desmoronando en el sinsentido conforme avanzan los hechos.
El 1.er acto involucra el reencuentro entre Iori y la hija del hombre que la adoptó en primer lugar, Hiroko (Seiko en la novela); reencuentro incomprensible por el modo en que ésta la acosa y desprecia y sin embargo lo encara pasivamente, incluso aceptando una invitación a una fiesta que organiza en su casa con otros amigos.

Lo importante de esta parte es el envenenamiento de Hiroko durante la fiesta y cómo todas las sospechas recaen sobre Iori simplemente por su rencor y odio pasado. Aunque el papel de la primera era mucho más extenso en las páginas, la autora, por desgracia, no usaba el crimen como motor de la trama, sino que parecía servir de catalizador a la protagonista para afrontar el paso a la madurez, un instante de transición, un incidente que la volvía a sacar de su inocencia y revelaba de nuevo el lado más horrible de la vida y las personas; pero mucho menos ingenioso es la manera en que esto se plasma en pantalla...
Para empezar ninguno de los secundarios parece realmente importante aunque su presencia influye en Iori. Yuichi es un padre por el que empieza a tener sentimientos más profundos pero sus escenas compartidas se cuentan con los dedos de una mano, y su prometida, Keiko, llega para irse, igual que Hiroko; Kane y Daisuke son menos que un cero a la izquierda. La intriga es una ausencia, a pesar de ese detective inútil que de cuando en cuando sale de una esquina para acosar un poco a Iori y volver a irse; la extrañeza que Tanaka da al guión remata esta incoherencia.

La trama se pierde en desvaríos como Iori se pierde en la paranoia alimentada por las acusaciones y en lugares indescriptibles que tal vez pertenezcan sólo a su imaginación, a su mundo interior; el desarrollo del personaje sólo produce una insatisfactoria sensación de confusión. El 2.º acto deja a Yuichi a un lado para tratar la relación de Iori y Daisuke, quien de pintar nada en la película pasa de repente a postularse como su nuevo padre adoptivo o incluso su amante, esto nunca queda claro; de nuevo el comportamiento y las decisiones de los protagonistas (de Yuichi aún más) son ininteligibles y por tanto resulta imposible empatizar con ellos.
Y el gran problema es cómo Tanaka enfoca el texto original y se queda quizás con lo peor de él, sin resolver numerosas subtramas ni prestar atención a los numerosos individuos que las pueblan; por otra parte su estilo, que tanto se mueve hacia lo onírico, lo poético, lo fantástico y lo simbólico (si algo lo ejemplifica son sus guiones para Seijun Suzuki), contrasta demasiado con el del director, cuya técnica naturalista se basa en desnudar la realidad y presentarla dura, directa y despiadadamente a sus personajes. Y contrasta de tal forma que acaba desequilibrándose sin remedio...

La historia de “Yuki no Dansho“ requiere adaptarse con un nivel de poesía, melodramatismo y romanticismo del cual Somai, amigo del áspero pesimismo, carece por completo; quizás Obayashi habría sido el más indicado para esta tarea.
Desgraciadamente queda un poso de indiferencia y apatía, de confusión, ante lo que se supone deberíamos sentir por el suicidio de Daisuke, que cierra a modo de epílogo esta tragedia tan poco concluyente como la novela en que se basa.

Saito fue víctima del miedo y el agobio constante que le provocaba la estricta dirección de Somai, hasta el punto de querer abandonar el rodaje continuamente; esta presión y dureza que transmite a Iori elimina lo que debería haber permanecido en ella: inocencia y amabilidad (aunque fuese contrario a como ya concibió Sasaki a la protagonista).
La película, por mucho que su puesta en escena sea poderosa y fascinante, captura el drama de un modo extraño, apático e indiferente, no muestra una evolución clara a pesar de las incontables fatalidades que surgen alrededor de Iori. Nada se aprovecha, nada está en su lugar, una lástima porque el reparto está lleno de grandes actores (qué desperdicio de Momoko Kawachi, Kiminori Sera y Kyoko Fujimoto...). Sólo la magnética personalidad de la joven heroína y ese monumental inicio son dignos de mención.

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Hinterland

Hinterland me parece una propuesta bastante valiente que mezcla una estética expresionista y artificial con el thriller de asesinos en serie, y todo ello ambientado en Viena tras la derrota de la Primera Guerra mundial.

La historia nos introduce a un ex prisionero de guerra que tras volver de su cautiverio se encuentra con que alguien está asesinando a sus compañeros de forma cruel y siguiendo una especie de ritual. Paralelamente el protagonista desarrolla una historia de amor con su compañera y le da tiempo a reflexionar sobre la sociedad que hay tras la guerra, el trato que recibe la gente que ha vuelto de la guerra, y sobre como cambian las cosas en ese justo periodo histórico. También vemos como hay gente que se ha aprovechado de la situación para trepar en la pirámide social.

La estética de esta película, una de las cosas más reseñables y que la hacen diferente, es un arma de doble filo. Por un lado, el tono expresionista junto con los encuadres tan artificiales y agobiantes le dan un tono distintivo y le aportan mucho mensaje a la película. Pero por otro lado, hay partes donde satura bastante y en otras partes le queda bastante mal (da demasiado aspecto de croma y efecto artificial)

Por lo demás, la historia es un buen thriller con varios giros de guión y que consigue mantener la atención y resultar satisfactorio pese a tener un ritmo lento.

Para mí lo peor es que da la sensación de que algunas subtramas quedan pobremente acabadas, y que alguna decisión me resulta un poco extraña.

Diferente en cuanto a ambientación, y disfrutable como thriller.

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Loca Academia de Policía 2: Su Primera Misión

Mantiene el nivel de la primera en cuanto a lo comico porque en lo argumentales mejor, ya no es la academia y los novatos graduandose, sino que aquí ya tienen su primera misión, la lucha contra una banda de maleantes bastante ridículos, lo que más me gustó fue la ciudad y esos barrios en los 80, sucios y descuidados y no a propósito, buenas escenas de comedia, para pasar un buen rato viéndola, trae mucha nostalgia

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La Vida de Brian

Icónica parodia religiosa a cargo de Monty Python.

Brian es un bebé judío que nace en un pesebre en Belén el mismo día que Jesús y a escasos metros del salvador. Sin embargo, una serie de increíbles equívocos llevarán a un grupo de fanáticos creer que se trata del Mesías, mientras debe lidiar con el mal carácter de su madre y el poder de Poncio Pilatos.

Los orígenes de “Brian of Life” (1979) se remontan al estreno de “Monty Python and the Holy Grail” (1975), cuando Eric Idle sugirió con ligereza que el título del próximo largometraje del grupo cómico debería ser “Jesus Christ: Lust for Glory”, una obra de teatro sobre el título británico de la película estadounidense “Patton, Patton: Ordeal and Triumph” (1970). Por aquel entonces no estaba en mente del sexteto realizar una tercera película, pero viendo el éxito comercial y de crítica de “Monty Python and the Holy Grail” (1975) donde parodian y satirizan la leyenda artúrica, vieron con interés la posibilidad de hacer lo mismo con el Nuevo Testamento, especialmente por su visión crítica hacia el cristianismo y, en concreto, el anglicanismo. Mientras promocionaban su última película en Países Bajos, Eric Idle y Terry Gilliam idearon un boceto en el que la cruz de Jesús se está desmoronando debido a los idiotas carpinteros que la construyeron y él, molesto, les dice cómo hacerlo correctamente. Sin embargo, después de una primera etapa de lluvia de ideas, y a pesar de no ser creyentes, desistieron de que Jesús fuese el protagonista de la sátira porque “definitivamente era un buen tipo y no encontraron motivo para burlarse de sus enseñanzas”. Luego surgiría la idea de un tercer discípulo al que llamarían “Brian”, pero finalmente cuajó en que fuese un judío común y corriente que por haber nacido en el mismo momento y mismo lugar terminara siendo confundido con y proclamado como el Mesías sin buscarlo.

El primer borrador del guión, siempre en manos del sexteto, llevó el título provisorio de “El evangelio según San Brian” y estaba listo ya en la Navidad de 1976. Sin embargo, el borrador final recién se logró en enero de 1978. Inicialmente, la película iba a ser financiada por EMI Films y Bernard Delfont, no obstante, cuando escuchó del propio Terry Gilliam que la película sería “la entrada de cine más cara del mundo” y leyó el guión al que tildó de obsceno y sacrílego, decidieron retirarse del proyecto, lo que supuso dejar el proyecto truncado a dos días de iniciarse la producción. Fue entonces cuando el fanático de Python y ex Beatle George Harrison crearía la productora HandMade Films junto con Denis O“Brien para ayudar a financiar la película a un costo de 3 millones de libras esterlinas. Harrison desembolsó dicha cantidad porque quería genuinamente ver la película. Los Phyton agradecerían el apoyo financiero a Harrison ofreciéndole un cameo como el Sr. Papadopoulos, “dueño del Monte“, quien aparece brevemente dándole la mano a Brian en una escena de multitud. Irónicamente, su única palabra de diálogo (un Scouse, dialecto de Liverpool, alegre pero fuera de lugar ““ullo“) tuvo que ser doblada más tarde por Michael Palin.
“
Life of Brian” (1979) es técnicamente una parodia y comedia de ficción que apela y se ríe burlescamente de lo absurdo y lo inverosímil, principio básico del humor británico y del de Monty Phyton. No hay que olvidar que el programa original, la serie de TV “Monty Phyton and The Flying Circus” (1969-1974) se basaba precisamente en gags de este tipo, pero en su formato de film había demandado la elaboración de un leitmotiv bien estructurado en torno al cual giraran y funcionaran dichos gags. Habían logrado hacerlo en su primera película “And Now for Something Completely Different” (1971) y perfeccionado la fórmula en “Monty Python and the Holy Grail” (1975), en mi opinión su zenit. Con todo, “Live of Brian” (1979) funciona realmente y se alza como un gran referente del sexteto cómico británico, si bien le falta la brillantez y cinismo de su predecesora, lo que no quita que tenga grandes momentos. Puede que ello se deba en gran medida a la censura reinante en Gran Bretaña en aquellos años y a cierta sensación de los mismos Phyton de estar jugando con fuego. También es conveniente recordar que la película se estrenó el mismo año en que llegaría al poder Margaret Thatcher, que por algo llegó a ser conocida como la Dama de Hierro, al margen de su indiscutible capital político. A pesar de ello, se les debe reconocer a Gilliam y sus compañeros su osadía de transitar por terrenos ciertamente pantanosos que podrían condenarlos moral y públicamente como blasfemos.

La idea de un judío promedio siendo confundido por un grupo de locos con Jesús y, por tanto, el Mesías, es, por lo demás, interesante, si bien sencilla. Lo que hace de “Life of Brian” (1979) una película disfrutable y entretenida por varios momentos son la acertada inserción de los gags a los que hacía alusión y el desarrollo de ciertos personajes secundarios porque en mi opinión el guión falla un tanto con el protagónico. De hecho, el personaje de Brian es bastante básico y por sí sólo no genera mayor interés y son los secundarios, sus manías y estupideces los que hacen que la trama sea cómica. Para muestra un botón, Brian no es ni ácido ni sarcástico, pero tampoco cómica o estúpidamente noble. Por ende, resulta mucho más interesante que sea hijo bastardo de un soldado romano y una mujer judía feminista, que por cierto es un personaje realmente jocoso y cínico. Lo mismo sucede con el capitán de la guardia romana, el ermitaño que vivió en un agujero y guardó voto de silencio por 18 años, los miembros del Frente Popular de Judea e incluso los ignorantes y dementes ciudadanos que insisten ver en Brian al Mesías a pesar de no mostrar ningún mérito divino o carismático como para seguirlo. Por tanto, las claves narrativas del film están en su tratamiento de la intolerancia, el sectarismo, el dogmatismo y el fanatismo, cuestiones totalmente vigentes en nuestros días.

Entre los gags más divertidos encontramos varias secuencias dignas de citar. Por ejemplo, la de la lapidación, donde vemos puestos de vendedores de piedras que las venden por tamaño, dureza y maleabilidad. En dicha escena también resulta divertido advertir que son las mujeres las que más disfrutan de lapidar a un condenado, vestidas como hombres y con barbas postizas, pero siempre feministas. Otras escenas nos muestran los debates internos del ficticio Frente Popular de Judea que se aprovechan también de la figura de Brian para cumplir con sus propósitos políticos. Por su parte, el gag lingüístico de “Romani ite domum”, que se basa obviamente en el clásico “Yankees go home”, me hizo particular gracia por mi profesión, además de lo exageradamente ridículo que se vuelve que la protesta para la cual el FPJ utiliza a Brian se convierta en un castigo para este, quien debe escribirla la consigna en las paredes de la ciudad unas cien veces. Ni hablar de la rebelión del ermitaño que ha guardado voto de silencio por años y que lo rompe para insultar a Brian por haberlo pisado. Por último, el clásico del “Biggus Dickus” (“Pija Magnífica”), amigo de Poncio Pilates y cuyo nombre hace mucha gracia a los soldados romanos.

Como siempre, el reparto fue encabezado por los seis miembros de Monty Phyton, repartiendo más de un papel. Graham Chapman, quien estaba inmerso en una fuerte adicción al alcohol, fue escogido para interpretar a Brian y también a Pija Magnífica y al segundo Rey Mago. John Cleese interpreta a Reg, sumo sacerdote, al primer centurión, a Arthur el del puñal peligroso y al primer Rey Mago. Terry Gilliam encarnó al hombre que pronuncia un discurso multitudinario, a un profeta de sangre y truenos, a Geoffrey, al carcelero Frank. Eric Idle personificó al Sr. Cheeky, a Stan/Loretta, al vendedor que regatea, a la mujer culpable que tira la primera piedra, a un chico muy aburrido Otto y al ayudante del carcelero, Sr. Frisbee III. Por su parte, Terry Jones, quien dirigió el film, interpretó a Mandy Cohen, madre de Brian, a Colin, a Simón el hombre santo, a transeúnte bondadoso y un asistente de la crucifixión. Finalmente, Michael Palin encarnó al Sr. Narizotas, a Francis, a la mujer culpable que lanza la segunda piedra, a un ex-leproso, a Poncio Pilatos, a un profeta aburrido, a Eddie, a un guardia romano y al tercer Rey Mago.

También fueron parte del reparto Sue Jones-Davies como Judith Iscariote, Terence Bayler como el Sr. Gregory, segundo centurión, Carol Cleveland como Sra. Gregory y Elsie, y Kenneth Colley como Jesús.

Para “Life of Brian” (1979), Terry Jones acordó amistosamente con Terry Gilliam, hacerse cargo de la dirección. Juntos habían codirigido “Monty Python and the Holy Grail” (1975) y habían tenido muchas diferencias. Esta vez Gilliam no se complicó y se dedicó a aspectos más bien de producción, volviendo a contribuir con dos secuencias animadas (una de ellas los créditos iniciales) y haciéndose cargo de la escenografía, donde destacan la sala principal de la fortaleza de Pilato, que había sido diseñada para que pareciera una antigua sinagoga que los romanos habían convertido al deshacerse de sus artefactos estructurales, pinturas mate, útiles en particular para la escena de los Reyes Magos y el exterior de la fortaleza cubierto de graffiti. También está la bizarra secuencia en que Brian es rescatado por una nave alienígena, cuyos tripulantes claramente inspiraron a los extraterrestres Kang y Kodos de The Simpsons.

La película se rodó en Monastir, Túnez, lo que permitió a la producción reutilizar decorados de la monumental y legendaria serie de TV “Jesus of Nazareth” (1977) de Franco Zeffirelli, toda una ironía, por cierto. De hecho, en el documental de la BBC “The Python” (1979) filmado por Iain Johnstone se muestra cómo varios lugareños que estuvieran en la obra maestra de Zeffirelli también aparecieron en “Life of Brian” (1979). Otros lugares de Túnez utilizados fueron Susa (muros exteriores y puerta de entrada a Jerusalén), Cartago (teatro romano) y Matmata (Sermón de la Montaña y Crucifixión).

La cinta se estrenó el 17 de agosto de 1979 en cinco cines norteamericanos y recaudó un total de 19,4 millones de dólares, siendo la película británica más taquillera en Estados Unidos ese año. En Reino Unido se estrenó el 8 de noviembre del mismo año siendo la cuarta película con más éxito de ese año. Fue reestrenada en 5 salas en Estados Unidos tras el lanzamiento de “The Passion of the Christ” (2004) de Mel Gibson, recaudando poco menos de 650 mil dólares.

En la versión original de 1979 se eliminaron 13 minutos. Entre las secuencias cortadas aparecían tres pastores hablando sobre ovejas y omitiendo por completo la llegada del ángel que anunciaba el nacimiento de Jesús en lo que habría sido el comienzo de la película; un segmento que muestra el intento de secuestro de la esposa de Pilato (una mujer corpulenta interpretada por John Case) cuya fuga resulta en una pelea a puñetazos; una escena que presenta al sionista de línea dura e inspirado en Adolf Hitler con bigote corto y acento alemán, Otto, líder del Frente Popular de Judea (interpretado por Eric Idle), y sus hombres que practican una carrera suicida en el patio; y una breve escena en la que Judith suelta algunos pájaros en el aire en un intento de pedir ayuda. De hecho, Gilliam había diseñado una insignia del Frente Popular de Judea, con una estrella de David con una pequeña línea añadida en cada punto para que pareciera una esvástica, parecido al símbolo del Gobierno Nazi. Lo curioso es que todo lo referente a Otto era una crítica al sionismo extremo (igual de radical que el nazismo) y se quitó por una cuestión de ralentización de la narrativa del film y no por una posible polémica entre grupos anti semitistas y grupos judíos. Se dice que hay una versión del film en donde sí aparece Otto y su escuadrón suicida en la escena de crucifixión para espantar a los romanos, pero que terminan matándose entre ellos.

El score estuvo a cargo de Geoffrey Burgon (“Tinker Tailor Soldier Spy”, 1979). Monty Python también lanzó un álbum junto con la película que además de traer “Brian Song“ y “Always Look on the Bright Side of Life“, contiene escenas de la película con breves secciones de enlace interpretadas por Eric Idle y Graham Chapman. El álbum abre con una breve interpretación de “Hava Nagila“ con gaita escocesa. Particularmente interesante fue el éxito de “Always Look on the Bright Side of Life“ el que fue reeditado posteriormente después de haber sido cantado por aficionados al fútbol británico. Su popularidad se hizo verdaderamente evidente en 1982 durante la Guerra de las Malvinas, cuando los marineros a bordo del destructor HMS Sheffield, gravemente dañado en un ataque con misiles argentinos Exocet en mayo, comenzaron a cantarla mientras esperaban el rescate. De hecho, se ha llegado a ver la canción como una oda al optimismo que afirma la vida.

En resumen, como un todo, probablemente junto a “Monty Python and the Holy Grail” (1975), se trate de la mejor película de los Phyton. Tiene una buena dosis y correcta inserción de gags, personajes bizarros, situaciones surrealistas y humor sarcástico.

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Deber Cumplido

Película que muestra los horrores o las consecuencias de volver de la guerra, los traumas sicológicos y con todo lo que tienen que lidiar, incomprension de la sociedad, falta de trabajo y desesperanza, muchos con deseos de volver al combate y los que no logran superarlo se suicidan, un drama bélico muy bueno, gracias a las actuaciones, destaco la de Miles Teller como sargento, sin dudas la guerra es una de las peores cosas que el ser humano afronta.

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Iron Angels

Toda una joyita de la accion made in hong kong, con yukari oshima como una villana perfecta para este tipo de pelicula, y un grupo del antiterrorismo con la genial moon lee, estas dos chicas jamas decepcionan a la hora de las piñas y patadas.
Para incursionar en la accion oriental de lavieja escuela, esta es muy recomendable.

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Mr. Bones

Es una excelente película, con un buen guion y fotografía, con actores muy versátiles y a la altura de dicha producción. Narra una atractiva historia que sumerge al espectador en dicha aventura, haciendo que el mismo se mantenga activo, atento a la trama, disfrutando de un grato momento de relajación gracias a su toque de comedia.

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