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Alpis

Me gustó mucho esta película de Yorgos Lanthimos aunque no está entre las mejores de su filmografía pese a ser fiel a su estilo.
La premisa ya es de por sí sumamente original y aunque el desarrollo sea un poco lento no aburre en ningún momento debido a sus ocurrentes escenas.
Está súper bien actuada por parte de todo el reparto, tiene buena fotografía y buena dirección.
Recomendable!

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El amor es más fuerte que las bombas

Muy buena película; y es que no se podía esperar menos de Joachim Trier.
Al film hay que prestarle cierta atención ya que está fragmentado y a medida que va avanzando se va uniendo todo.
Por momentos ciertas situaciones y cómo están tratadas las mismas resultan muy poéticas.
Está magníficamente actuada por parte de todo el reparto.
Todas las lineas argumentales son interesantes.
Muy recomendable!

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Caza de Brujas

“Americanos, no apoyéis a los rojos! Debemos acabar con ellos. Los rojos de Hollywood y Broadway son la principal financiación tras la propaganda comunista. Esos ideales que son usados para glorificar el marxismo se están filtrando a través de la televisión hasta llegar al salón de su hogar; ¡si usted permite esto está ayudando a destruir Norteamérica!“.

Este es el tipo de llamada de atención a la sociedad que podía encontrarse en cualquier periódico o pegada en la esquina de cualquier edificio de EE.UU. en 1.950. Época de paranoia y confusión, denuncia y miedo, por parte de una fuerza conservadora que temía la propagación de ideales peligrosos, que se apoyaba en la sospecha de amenaza de subversión o propaganda que pudiese atacar la forma de gobierno basada en la Constitución; la supuesta influencia comunista que lavaba las mentes también podía llegar a través de la pantalla, así el cine fue el blanco del Comité de Actividades Anti-americanas y el futuro de muchos artistas empezaba a vislumbrarse muy negro.
Uno de los cientos de perjudicados fue el interesante director John Berry, que hubo de exiliarse a Francia al descubrirse su filiación con el Partido Comunista y tras ser denunciado por su colega de profesión Edward Dmytryk. A David Merrill, el personaje de Robert DeNiro inspirado en Berry (aunque podría haber sido cualquier otro), le conocemos nada más llegar a EE.UU., y sus ojos se convierten en los del espectador para que nos sea más accesible comprender qué demonios está sucediendo en ese Hollywood dorado donde la histeria parece haberse vuelto contagiosa.

Irwin Winkler, uno de los tipos más exitosos de la industria gracias a producciones como “Rocky“, “Elegidos para la Gloria“ o “Toro Salvaje“, no supo llegar a buen término con el libreto de Abraham Polonsky ni el director encargado del proyecto, así que él mismo apareció acreditado como guionista y director por primera vez. Su mirada es la de alguien que ya lleva mucho tiempo paseando por Hollywood, es la de un conocedor experto (si bien se usan numerosas licencias históricas) que nos sitúa en el centro de esa tormenta que sacudió el mundillo, alimentada por la incertidumbre, la traición, el miedo y la maldad.
La película profundiza en este ambiente turbio utilizando figuras reales como la del poderoso Darryl Zanuck, presidente de la Fox, quien pone al corriente al protagonista (y de paso a nosotros) de la quema de artistas que se está organizando; la desavenencia entre Winkler y Polonsky se produjo cuando el primero decidió que Merrill debería pasar de comunista declarado (porque así era el Berry real) a un hombre corriente, padre de familia, un tipo liberal pero apolítico cuyo único deseo es seguir trabajando en el cine. Este cambio, vital, quizás resta fuerza al personaje de DeNiro, pero en cambio le proporciona humildad, decencia y sobre todo humanidad.

La lucha de Merrill no se convierte en una denuncia contestataria que derive en un enfrentamiento épico en nombre de la justicia contra aquellos que la pisotean cegados por el miedo y la ambición, sino que se basa en intentar sobrevivir como uno más de la larga lista de personas que están sufriendo su misma suerte. Y esto está directamente relacionado con la forma en que el productor reciclado en director aborda la historia: dejando a un lado todo el efectismo y las estridencias que se pudieran esperar para concentrarse en realizar un drama de estilo sobrio y elegante, de sabor clásico.
Puede que conducido hacia un sólo y predecible sentido en cuestión narrativa, pero, aun así, resultando emocionante por esa gran humanidad con la que se aborda a los personajes, sus angustias, sueños frustrados, tragedias familiares e integridad puesta en juego. Destrozar la vida propia para evitar destrozar la de otros es el dilema que mueve el drama, quizás mejor expresado a partir de los personajes de George Wendt y Larry y Dorothy Nolan (éstos inspirados en Richard Collins y Mary Louise Comingore) o Joe Lesser (en un pequeño cameo, Martin Scorsese se mete en la piel de una versión poco disimulada del director Joseph Losey, quien tuvo que marcharse a Inglaterra huyendo de las acusaciones del Comité).

Seguro que de presentarse el protagonista de la manera en que Polonsky lo concibió el clímax durante el juicio sería más poderoso, mostrando lo que el público esperaba: una escena explosiva, con DeNiro abalanzándose sobre los miembros del Comité como haría su villano de “El Cabo del Miedo“ y sacudiéndoles mientras recitara los derechos constitucionales. Esto no ocurre porque se supone que no estamos viendo una película, sino la reconstrucción de un hecho real...
Por eso Winkler huye del efectismo barato, no convierte a Merrill en un héroe y se esmera en hacernos sentir lo mismo que siente él, lo que sintió el verdadero Berry: las cadenas alrededor del cuello que le pusieron esos repelentes ultraconservadores. La incapacidad de expresarse, un silencio forzado y asfixiante, en este sentido la impotencia que refleja el personaje es lo más poderoso, y se captura de maravilla, aunque la gran mayoría no supo apreciar la brillante sutileza del director.

Como brillante también es la interpretación de DeNiro...de las mejores de toda su carrera.

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Superdetective en Hollywood 4: Axel F.

Muy buena cuarta entrega la cuál mantiene el espíritu de la saga (algo difícil de conseguir habiendo pasado tantos años desde que se estrenó la tercera).
Me encantaron las referencias a las anteriores películas de la franquicia y cómo conectan esta nueva secuela.
La historia entretiene desde que empieza hasta que termina sin aburrir en ningún momento.
El villano, interpretado en este caso por Kevin Bacon, me encantó y está muy bien encarnado.
No es de las mejores (siendo superiores, a mi criterio, la primera y tercera parte) pero logra igualar a la segunda la cuál no era mala en lo absoluto.
Recomendable!

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Amor entre Espías

Una comedia romántica protagonizada por unos jóvenes Clark Gable y Joan Crawford donde un reportero encuentra a una chica huyendo de la boda del momento, y en plan locura, huyen juntos del país, implicándose, sin saberlo, en una trama de espionaje.
La peli tiene sus momentos divertidos, pero tampoco es una película para acabar a carcajadas, digamos que es simpática, y que tiene ciertas escenas donde los protagonistas se meten en buenos líos.
Sin ser ninguna maravilla, se deja ver y te hace pasar un buen rato.

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Políticamente Incorrectos

Un pseudo-cine que no suscita ni media sonrisa. La idea es parodiar a la clase política de nuestro país con políticos «Políticamente incorrectos», (y que valga toda la redundancia), pero se hace sin elegancia y estilo y sí con presunción y cursilería, llevada desde su productora, Atresmedia, hasta su realizadora, Arancha Echevarría, que nos hace añorar su «Chinas» de 2023. (Y que recomiendo con absoluta firmeza. Ved esta mejor).

Como si no tuviéramos bastante con la realidad, ahora nos presentan esta cosa en pantalla grande y supuestamente ficticia, aunque la cinta me parezca ser una caricatura de las infectas prácticas e hipocresía de, sobre todo, cierto partido político fascista de fondo azul por todos conocido. Una película BURLESCA. .1️⃣/5. ..PICARD..

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Harry el Ejecutor

Harry Callahan ha vuelto, en esta ocasión enfrentándose a un pequeño grupo terrorista que han robado un gran número de armas y explosivos, y están sembrando el caos en la ciudad, en un primer momento parece que por razones ideológicas, pero poco después se descubre que lo que quieren es dinero, claramente.
Aparte de eso, la película también trata otro tema, muy en boga hoy día: la inclusión forzada. Quieren encasquetarle a Harry una compañera, por las nuevas políticas del ayuntamiento, y él mismo hace la pregunta: ¿tiene más derecho a ser ascendida a inspectora una mujer, que sólo ha hecho tareas de despacho, por el simple hecho de ser mujer, por encima de muchos hombres que tienen años de experiencia en la calle? Curioso que en 1976 ya se tratara un tema así.
Nuestro protagonista tiene las manos muy atadas en esta película, y es una lástima, pues se nota que no está agusto sin liarla parda y dejando un rastro de delincuentes muertos allá donde va, pero la peli mantiene el nivel de la saga, se hace entretenida e interesante, y tiene buenas dosis de acción.

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Hana-gatami

La juventud es como una cesta llena de flores. Sus diversos colores transmiten la sensación de la vida eterna, sin embargo esas flores no van a vivir por siempre, de hecho su destino es marchitarse rápidamente.
Eso ocurre con las brillantes luces de la juventud, con sus colores y alegría, que se apagan, dando paso a la oscuridad...

Ese es el tan profundo significado tras el título “Hana-gatami“, la primera gran obra que Kazuo Dan publicó después de ganarse una tremenda popularidad gracias a sus relatos cortos, colecciones de poemas e incluso mangas. Con tan sólo 25 años trata algo que dominaba, consumía y aterrorizaba a la sociedad de su tiempo: el miedo a la guerra, y desde la perspectiva de la juventud; lo hace empleando una imaginación desbordante, a través de descripciones y metáforas que se pierden en detalles ricos y minuciosos, lo que contrasta con esa urgencia y peligro que acorrala a su amplio marco de personajes, cuyas vidas se hayan en pleno florecimiento.
Reclutado para combatir en la Guerra Sino-Japonesa poco después de publicar la novela, Dan refleja ese ansia de querer aprovechar la felicidad y las experiencias antes de que sea tarde; tanto la vida como la muerte se sienten de cerca en el día a día de Toshihiko, Ukai y Kira, compañeros de clase, y de todos los amigos y familiares que les rodean. Nobuhiko Obayashi, que tenía 7 años cuando cayó la bomba en Hiroshima, cerca de su Onomichi natal, comprendía perfectamente a Dan, su deseo y miedo, sus palabras, sus emociones a través de las aventuras de sus protagonistas...

Por eso se enamoró de su novela, hasta el punto de escribir una adaptación cinematográfica; el problema es que fue rechazada en Toho, y en aquella época, finales de los “70, cuando aún ni había llegado el enorme proyecto de “House“, él no contaba con medios ni poder para hacerla realidad. Así que la pospuso y pospuso, y quedó enterrada en el olvido hasta el momento en que, terminada su epopeya en Ashibetsu, “7 Weeks“, le diagnostican un cáncer terminal de pulmón y pocos meses de vida; ese miedo a morir y esa urgencia por aprovechar sus últimos días le retrotrae a “Hana-gatami“.
Y decide que, si ha de realizar un último trabajo será su soñada adaptación, el sueño de toda una vida que tomó forma en 2.016, al fin. Los versos de Dan resuenan en el alma, Obayashi le recuerda, recuerda a toda una generación, la que abandonó su hogar y murió en aquellas guerras lejanas. El tema que lleva tratando en sus recientes películas vuelve con fuerza en la que considera la última parte de su Trilogía Anti-bélica, al menos en apariencia, pues el guión sigue de cerca la novela; sobresale así de nuevo la vena más experimental y delirante y la esencia más ensoñadora y poética que lleva explotando en cámara digital desde “Casting Blossoms to the Sky“.

O, en un término más amplio, la misma que ya expresaba 50 años antes en sus primeros cortometrajes. El protagonista, Toshihiko, se precipita al borde de un barranco de Karatsu, prefectura de Saga, y esta primera acción, este intento de salto que nunca sucede, habla del impulso, el coraje y el miedo a la muerte que retrataba Dan; mientras tanto fondos negros y blancos, figuras de relieve, cortes abruptos y superposición de imágenes en una estética posmoderna y tan artificial que cuesta discernir entre sueño y realidad, un delirio de color, perspectiva y forma de tal potencia onírica que acaba apropiándose del sentido de lo tangible...
Y esto es vital para entender el primer aspecto en el que falla el director: abandonarse demasiado al arte visual, restando así sensación de realidad y credibilidad al drama humano. Tal vez porque este mundo es observado a través de los ojos de Toshihiko, interpretado por Shunsuke Kubozuka de tal manera que le convierte en un joven álter-ego nada disimulado, igual de risueño, ensoñador, inocente y romántico que él, un joven que a simple vista es incapaz de llevar sobre sus hombros el protagonismo de esta historia. Y en efecto, absolutamente incapaz.

Éste toma más bien el lugar del espectador, y observa al resto de personajes que pivotan alrededor. En la imaginativa saturación de la forma, Obayashi apuesta por una atmósfera nostálgica, trágica, de puro melodrama, y que contrasta demasiado con ciertos apuntes absurdos incomprensibles.
Conocemos poco a poco a los demás, a los compañeros del protagonista, el fuerte y apuesto Ukai (a menudo en el libro se le compara con Apolo) y Kira, filosófico, nihilista y físicamente débil; también Mina, bella prima de Toshihiko, enferma de tuberculosis y de la que él está enamorado, su tía Keiko, que la cuida en su casa, la reservada prima de Kira (Chitose), la animada amiga de ésta y Mina, Akine...

El mayor problema de estos individuos, pese a darles vida unos carismáticos actores, es que el guión no sabe centrarse bien ni en sus interacciones ni en la función que desempeñan dentro de la trama, que lo único que hace es divagar sin preocuparse por desarrollar relaciones humanas naturales y creíbles. Aquí los personajes, y es curioso dado el cariño que Obayashi les dedica, sólo expresan en voz alta sus pensamientos, ideas y conflictos internos, se pierden en confesiones, filosofan sobre la vida, pero no se relacionan como tal entre sí; están definidos de un modo tan literario y sus reacciones y comportamientos son tan artificialmente teatrales (igual que el estilo visual del film) que empatizar con ellos es muy difícil.
Mina, que debería ser la protagonista, sobre todo porque a su alrededor giran todos, se queda siempre en segundo plano, es una figura simbólica, de la misma forma que Ukai. Kira, si bien sombrío, ambiguo y tal vez el más interesante, pierde toda simpatía e interés por culpa de un incidente violento y muy desagradable (demasiado para contarlo) que provoca al principio de la historia; la reacción de Toshihiko y Ukai hacia él tras esto no se explica ni tiene ningún sentido y podría desaparecer para siempre, que a mí no va a importarme nada de nada, pese a presentar un pasaje tan impactante como es su relación incestuosa con Chitose.

Mientras tanto, Akine es un cero a la izquierda y Toshihiko les observa continuamente como si estuviera frente a un grupo de extraterrestres. El eco de la guerra, que resonaba poderoso en las palabras de Dan, aquí se atisba lejano y débil, tanto que ni se atisba; permanece el recuerdo de los que murieron en ella, gracias a Keiko, la criada anciana, el doctor (brillantes Takako Tokiwa, Wakaba Irie y Tetsuya Takeda) o las amargadas prostitutas, pero el discurso de Obayashi no posee la fuerza que mostró en sus obras previas, y la razón es que éstas se enfocaban en un tema que abarcaba todo el argumento.
Mientras los adultos y ancianos se encierran en sus recuerdos los personajes más jóvenes sienten la necesidad de vivir con urgencia y de resultar útiles a una causa...pero “Hana-gatami“ se bifurca en pedazos de subtramas sin mucho sentido y se pierde en situaciones cuya existencia es un misterio y en el mayor de los casos un absurdo. Incluso Obayashi se toma tiempo para abrir un paréntesis y hablarnos del mismo pueblo de Karatsu, de su pasado y tradiciones, no se sabe muy bien para qué, pues lo despacha en poco tiempo, nada que ver con las extensas reflexiones que nos planteó sobre Nagaoka (en “Casting Blossoms to the Sky“) y Ashibetsu (en “7 Weeks“)...

Dividida la trama en varios capítulos lo único que vemos es a los personajes compartiendo momentos íntimos, un diario de la juventud sin sustancia o escondida de manera torpe...y ésta avanza y avanza (usando “flashbacks“ casi constantemente, lo que llega a irritar hasta la náusea), y aunque entre ellos se producen conflictos, desengaños y romances nada despierta, todo se estanca en un drama aletargado en su propio tedio y desconcierto.
En el último acto la mezcla de recuerdos, fantasías, pasado, presente, futuro y sueños es tan confuso que uno no sabe si lo que está sucediendo es real o no y ya poco o nada importa.

En el drama de los supervivientes de Nagaoka en “Casting Blossoms to the Sky“ y en las almas de las decenas de personajes de “7 Weeks“ era muy fácil entrar, formar parte de ellos, comprenderlos de un modo transparente aun con la dificultad de encarar un gigantesco mosaico humano. Sin embargo “Hana-gatami“ se encierra en un hermético e inaccesible universo, casi imposible de penetrar, de descifrar.
Una lástima ya que su discurso e intención son relevantes, su riesgo visual digno de admiración y el esfuerzo del director, de su equipo y de todos los habitantes de la ciudad de Karatsu, en cuyos bellos paisajes se filmó la película, fue enorme...

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Juego de Roles

Digno film, nada más que digno.
Se trata de una película liviana muy mal actuada pero que por lo menos cumple con su objetivo: el de entretener.
Tiene las escenas de acción justas y necesarias y está muy bien mixeado con el tema de la intimidad de la familia y como se va complicando todo cada vez más hasta convertirse casi en una comedia de enredos.
Se deja ver!

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¿En qué Piensan las Mujeres?

Comedia romántica de los 90 y muy de los 90, muy conocida, pese a que como película, tampoco sea para tirar cohetes.
Tenemos a un Mel Gibson ligón y triunfador, que debido a un curioso accidente, adquiere la habilidad de oir lo que piensan las mujeres a su alrededor, lo cual al principio lo vuelve un poco loco, luego pretende aprovecharse de la situación para su beneficio... y acaba entendiendo demasiado a las mujeres, volviéndose cada vez más romántico, tierno y comprensivo.
En problema de la peli es que podrían haberle sacado mucha más chicha, más maldad, haciéndola realmente divertida, y salvo 2 o 3 buenos momentos... es simplemente simpática, más que graciosa.

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