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Unico: El Pequeño Unicornio

Sus mejores amigos son el viento del oeste, el diablo de la soledad y una gatita que quiere ser bruja. Solo es un pequeño unicornio, pero a veces crece cuando le quieren mucho, y tiene el don de llevar la felicidad a todas partes donde va, motivo por el que los celosos dioses le condenan al destierro.

Primoroso trabajo de animación, con un corto de 1979 como precedente, en el que se conjugan la extrema dulzura de corte naif con los misterios de la noche y las amenazas del bosque. Su enemigo no buscado viene a ser el mismísimo diablo, por mucho que se disfrace de Lord Byron. La eterna lucha irredenta entre el bien y el mal se resolverá en este caso gracias a la amistad.

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En Busca del Valle Encantado 7: La Misteriosa Piedra de Fuego

Esta vez contamos con una excusa argumental ya rematadamente tontorrona, y con la aparición del tío calavera de Petrie… que quiere restaurar el ficticio gran reino de los Voladores. Si la anterior entrega nos ofrecía algunos apuntes en torno a las supersticiones y leyendas de la cultura dinosaúrica, aquí se nos presenta a una nueva especie, los Dino-Cara-De-Arcoiris, que vendrían a ser como los Iker Jimenez del cretácico inferior : “Hay que tener la mente abierta a lo que ocurre más allá del más allá”, “El conocimiento viene de las estrellas”,,, y bla, bla, bla. Los pobres no sabían que el meteorito gordo estaba punto de caerles

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El Libro de la Selva

Pese a sus múltiples licencias, sin duda la mejor adaptación de la obra de Kipling; un festival de aventuras selváticas en el corazón de la india con animales sensibles e inteligentes, tesoros olvidados, nativos avariciosos, y una ciudad perdida en el corazón de la jungla.

De la factoría de los hermanos Korda, recién instalados en América tras el hito que les supuso “El Ladrón De Bagdad” (1940), combina el gran espectáculo con la reflexión filosófica, introduciendo temas sempiternos como la lucha del hombre contra la naturaleza, la inocencia de esta última frente a la codicia de los humanos, o la fugacidad de estos ante el tiempo irremisible. La selva recupera su terreno y deglute las obras de los hombres. Resulta inevitable. Todo esto con una formulación visual casi mágica, nueva aparición de Sabú, y un catálogo de bestias feroces no visto jamás hasta entonces en la gran pantalla.

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Spirit: El Corcel Indomable

Una de esas joyitas que pasan bastante desapercibidas.
Sin duda esta en mi top de pelis favoritas, aunque no tenga la gran historia pero contada desde la perspectiva de Spirit vaya que le da un toque único.
Y como no recordar la banda sonora “No me rendiré nunca yo me rendire noooo!!“ uff pedazo de obra maestra XD en serio, de pequeño quizás no le tomaste la atención ni comprendiste, pero ya de adulto vaya que te llega al kokoro porque no puedes evitar hacer las comparativas con la vida real.
Un 10/10
Lo mejor: Spirit y la OST
Lo peor: nada (incluso el villano no se da a odiar como en otros casos, si no que hasta reconoce al prota y sus ganas de ser libre)

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Shark Skin Man and Peach Hip Girl

Lo del sr. Minetaro Mochizuki, autor y dibujante, es talento puro. Publicado en 1.994, su manga de dos volúmenes contaba la historia más vieja del mundo, y sin embargo logró crear una de esas obras de culto que enganchan desde la primera página.
Y tan vieja: un duro yakuza que no obedece las reglas es cazado por sus compañeros tras robar una gran cantidad de dinero a su organización, y durante su persecución se tropieza con una chica deseosa de cambiar de vida que le ayudará pase lo que pase.

Argumento de típica novela negra de bolsillo que garantiza un desarrollo trepidante, lleno de violencia extrema, sexo y crueldad a través de sus feroces dibujos; la historia es lineal, clara y directa, y sus sorprendentes giros suceden por la actitud de sus personajes y las situaciones tan extremas a las que han sido llevados. Tras ser aplaudido en el Festival de Cine Fantástico de Yubari por su cortometraje “8-tsuki no Yakusoku“, el joven Katsuhito Ishii (un especialista en diseño gráfico que se introdujo en el mundo de la publicidad, alumno de Kohei Oguri, amante del anime y fanático de Lynch, Tarantino, Kitano y Verhoeven) dijo sobre el escenario que no tenía ningún proyecto pendiente...
Sin saberlo, las fuerzas del destino conspirarían y su productor Hiroyuki Izumi entró en negociaciones para comprar los derechos del manga de Mochizuki, precisamente el que él estaba leyendo. Y aunque creía que la historia original era demasiado corta para convertirla en largometraje tuvo la bendición del autor con respecto a hacer los cambios que quisiera...y esa fue la sentencia de muerte para “Samehada Otoko to Momojiri Onna“, que aquél trasladó como bien le pareció, dando rienda suelta a su imaginación manteniendo lo básico: la premisa.

Desde el principio se aprecia la diferencia. Un prólogo (brillante, para qué negarlo) en el que un grupo de yakuzas conversa sobre sus problemas de la vida deja claro el gusto del director por los diálogos “tarantinianos“, y lo que sigue es una versión algo desordenada y fragmentada de la trama del manga. Pero en él se narraba de mejor manera, empezando con la huida de Samehada, siendo perseguido sin tregua por su jefe Tanuki; el guión nos presenta primero a Toshiko, la pobre recepcionista del motel de montaña maltratada y acosada por su tío, el dueño, donde se irán a reunir todos los personajes de la historia.
El encuentro de estos dos individuos sin nada ni nadie en sus vidas a lo que aferrarse es más o menos igual salvo un detalle fundamental: la Toshiko del manga era mucho más resolutiva y valiente; la interpretada por la popular cantante Shie Kohinata no tiene ese carisma y garra. Por su parte Samehada (que parecía una mezcla de Errol Flynn y Bruce Campbell), en la piel del entonces emergente Tadanobu Asano, pasa a ser algo así como su versión “hippie“. Misma dinámica: ambos se unen y se transforman en la versión nipona de la pareja de “La Huida“.

Pero en una decisión extraña (e inadecuada en mi opinión) la atención se desvía hacia los villanos, y los protagonistas, mucho más difuminados y nunca llegando a interaccionar del todo, quedan en un segundo plano, así que su relación es un enigma (en el manga tenían relaciones sexuales, se enamoraban y lo más importante: hablaban, lo que aquí no sucede con frecuencia). Y si en las páginas el tono era sombrío y crudo aquí lo extravagante campa a sus anchas; Ishii aporta la invención de un imaginario alrededor de la pareja que termina por eclipsarles.
Los yakuzas de Mochizuki eran bestias aterradoras, los de Ishii son una pandilla de auténticos “freaks“ salidos de un concurso de “cosplay“. Pero el director, además de saber equilibrar el suspense, la violencia y la acción, logra algo imposible: que el absurdo se presente de forma natural, y así la tropa de estrafalarios asesinos y las disparatadas situaciones ocurridas pueden encajar en ese escenario forestal tan corriente (al fin y al cabo un lugar más abstracto que otra cosa, como una realidad alternativa donde todo es posible; nunca vemos el entorno urbano de Tokyo que sí se veía en el manga). Es una aceptación de lo grotesco y lo paródico muy en la línea del cine de Kitano y sobre todo de Takashi Miike.

Lo mejor de esta invención es sin duda el personaje de Yamada, al que da vida el actor de doblaje Tatsuya Gashuin, de quien Ishii era un gran fan; con este hombrecillo cejijunto y vestido cual niño de los años “40 también se trata algo imposible de vislumbrar en el manga: la redención. Porque mientras Toshiko era perseguida escopeta en mano por su tío para devolverla al motel, aquí él encarga los servicios de un siniestro asesino a sueldo...que decidirá (a menos de la mitad de la historia) luchar en favor de la pareja (¡!). La piedad, la amistad y la creencia en Dios no existían en el malévolo universo “noir“ de Mochizuki.
Ishii los utiliza como medio de salvación para los inocentes y castigo para los villanos, todo salpicado de interminables conversaciones con el sello de Tarantino. “Samehada Otoko to Momojiri Onna“ fue la sensación del momento, un clásico instantáneo, e Ishii se convirtió en una de las grandes promesas de aquella desafiante generación de cineastas nipones de mediados de los “90. El éxito se extendió a festivales internacionales hasta que su película fue vista por el mismo Tarantino en el Festival de Cine de Hawaii...a quien encantó, claro...

Iniciándose así una amistad que terminó en colaboración cuando éste le pidió encargarse de las animaciones para la historia del origen de O-Ren en “Kill Bill“.

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Anónimo Veneciano

Pese a las preciosas fotografías, y a un tema musical de los que marcaron época, - por cuenta de Stelvio Cipriani -, la película posee un comienzo de esos que han envejecido francamente mal; apenas una serie de discusiones sórdidas entre una expareja de las de entonces que tiene en hijo en común. Hacia la mitad se arregla un poco. El le confiesa a ella que padece una enfermedad incurable y ambos cambian de actitud, con lo que la historia gana en interés ya que sube un tanto su temperatura emocional. Por desgracia, el milagro apenas dura unos minutos. El cansino deambular de ambos por la agonizante ciudad, cambiando los reproches de antes por añoranzas lastimeras, adormece y aburre al espectador sensible… quedando la cinta en lujosa tele novela para las amas de casa de antaño.

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La Virgen Roja

Paula Ortiz refleja con oficio y convicción un feminismo adelantado a su tiempo en la década de los años 30 en nuestro país y con la impagable presencia de las actrices Alba Panas y Najwa Nimri, bajo banderas republicanas españolas, recién abolida la corrupta monarquía de entonces por votación democrática. Revolución, romance, política, drama, traición, certidumbre ante ciertos ideales y un discurso sobre la liberación feminista y la igualdad para todos los seres humanos, sea cual sea su género. Es cine que me marca, es cine ABSOLUTAMENTE IMPRESCINDIBLE de ver. .4️⃣/5. ··PICARD··

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Cuento de Invierno

Segundo film del autor en su tetralogía estacional, y probablemente la más intensa y emocionante de las cuatro. Y es que en llevando en estas películas hasta el extremo la influencia medioambiental de cada estación, era lógico que esta nos trajera, entre los copos de nieve y los dulces navideños, un algo de milagroso que se convierte en protagonista.

Y es que es un milagro lo que corrige a la realidad. Los jóvenes enamorados que, por una confusión, se pierden en verano, habrán de esperar años para volver a reencontrarse. En medio, una hija en común y la vida que transcurre con sus prácticas tentaciones de muelle estabilidad humana. Pero ambos perseveran en su afecto esencial, el verdadero amor, y la música de Sebastian Erms se convierte en la banda sonora de un insensato prodigio que emociona hasta el final.

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Hasta el Fin del Mundo

Un exhaustivo guion del propio Mortensen, una nítida fotografía con encuadres perfectos, una cuidadosa escenificación y funcional montaje, unas excelentes interpretaciones (insuperable la luxemburguesa Vicky Krieps) y una inequívoca dirección de Viggo Mortensen, conforman este épico, longevo, pausado y vocacional drama del oeste, y hacen al espectador apreciar este arte y convertirse en cinéfilo «Hasta el fin del mundo».

Viggo Mortensen, actor-escritor-director al que, creo, no se le rinde especial significación por esta inigualable industria, que no le destaca demasiado a pesar de su excepcional carrera. Y en cuanto a su entramado argumental no lo analizaré, ni tan siquiera de manera somera, por miedo a forjar un destripe involuntario.

Así pues, para quien esto redacta, un ejercicio MAESTRO, DE GÉNERO, DE AUTOR y DE CINE-CLUB. ✪5️⃣/5 ✪ ⋆⋆PICARD ⋆⋆

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Los Duelistas

Preciosista adaptación de “El Duelo” de Joseph Conrad, que a su vez se inspiraba en hechos reales. Comparada en su momento con la sobrevalorada “Barry Lyndon” (1975), aventaja a esta básicamente en el contenido, ya que se basa en un original literario muy superior, al tiempo que comparte sus cualidades positivas: Minuciosa ambientación, precisión histórica, cuidada puesta en escena, etc. Lástima que se echen en falta, ya que le época retratada fue tan proclive a ello, unos grados de temperatura emocional.

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