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Al Rojo Vivo

Pesimista y violenta cinta de cine negro protagonizada por James Gagney, como Cody Jarret; uno de los gangsters más letales de la historia del cine. Su evidente esquizofrenia, que el autor nos muestra ofreciendo poca información explícita, y utilizando recursos como la planificación, - con la víctimas fuera de campo -, por desgracia no encuentra cura en un mundo poblado por personajes muy similares, - chungos -, que el protagonista encuentra en la cárcel, en su banda, e incluso en su propia familia.

El final ronda lo épico, con Jarret subido en la cima de la plataforma petrolífera que deseaba atracar, y parafraseando la cita de consuelo que le cantaba su madre, ya muerta, en los peores momentos de la enfermedad : “ … a la cima del mundo, hijo. Llegarás a la cima del mundo.”.

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Dios y el Diablo en la Tierra del Sol

Una especie de western brasileño, que tiene lugar en los años 40, en una región árida del norte del país, donde la vida no es nada fácil.
Se nos cuenta la historia de varios personajes, el principal es Manouel, un vaquero que mata a su patrón en un arrebato de furia y huye, uniéndose a una secta religiosa primero, y a un revolucionario luego, buscando su lugar en el mundo.
Es una película extraña, muy muy alejada del típico western estadounidense (o italiano), mostrándonos una historia que entra más en lo filosófico y lo psicológico, que en la pura acción, que también la hay, pero no tanta.
Podemos ver, por una parte, lo peor de los fanatismos religiosos, una de las cosas más peligrosas que existen y que han dado lugar a más masacres que muchas guerras, y por otro lado a lo que ocurre cuando un bandido se dedica básicamente a “hacer el mal“ sirviéndose del nombre de la revolución para escudarse.
Y aunque el tan Manouel es el protagonista, el verdadero peso de la película recae en Antonio das Mortes, un cazarecompensas duro e incansable, que no duda en hacer lo que tenga que hacer, si el precio es el adecuado. Gran personaje que luego tuvo su propia película, dirigida por el mismo director.
Como decía, una película distinta, que igual en un primer momento no parece que tenga nada de especial, pero que sin embargo, tiene un “algo“ que hace que te enganche. Me ha parecido muy decente.

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Robin Hood: El Magnífico

Estrenada apenas un mes antes que la de Kevin Costner, pero con un presupuesto mucho menor, apenas contaba en los pronósticos de taquilla, y aun menos con vistas a la posteridad. Sin embargo, henos aquí que pese a compartir tema nos mostraba un tipo de cine bien diferente.

Por una parte, tenemos si no un rigor histórico notable, sí una preocupación por el tema, rescatándose la cuestión del enfrentamiento entre sajones y normandos, - probablemente contagiada por “Ivanhoe” (1952) -. Por otra, una ambientación que supera a la de su coetánea en algunos aspectos, pero sobre todo en lo relativo fotografía. Por último, una Lady Marian de armas tomar… cuyo personaje supera en atractivo al de la otra. Lástima que un desenlace implausible y ñoño no cumpliera las expectativas.

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Cyrano de Bergerac

Es posible que exista algo de injusto en el hecho de constatarlo así, pero no es por esto menos cierto que resulta menos cinematográfica, más teatral y abigarrada, que la versión posterior protagonizada por Depardieu, por mucho que no nos planteáramos este relativo defecto hasta casi medio siglo después. Por lo demás, pese a ser muy denostada por los menos amigos del cine de origen literario, puede presumir de ser una excelente adaptación de la obra homónima de Rostand, estrenada en París en 1897.

Y es que tenemos una cautivadora fotografía en blanco y negro, un aparato escenográfico suntuoso, y un excelente trabajo actoral, incluso con el Oscar de aquel año para José Ferrer. Como defecto, anotar que la muerte final del personaje resulta un pelín tediosa por su excesiva duración. Igual pecaron de exceso de fidelidad al original literario.

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Nacido el 4 de Julio

Tenía 10 años. Frente a él desfilaban decenas de viejos soldados de la 2.ª Guerra Mundial conmemorándose el Día de la Independencia, un puñado de pobres diablos con los cuerpos mutilados, los nervios a flor de piel y las miradas perdidas.
Lejos de asustarle las imágenes de aquellos veteranos hechos polvo, una llama ardía en su interior. . Pero Ronald Lawrence Kovic era tan sólo un niño...

Un niño que no sabía absolutamente nada, y que fue criado sin saber absolutamente nada, y menos en un hogar dominado por una madre irlandesa ultraconservadora. Ronald, como otros tantos de su generación, fue expuesto y manipulado, en una época crítica para la sociedad norteamericana en la que enseñaban en las escuelas técnicas para esconderse y sobrevivir a los bombardeos comunistas; y cuando el niño se convirtió en un joven estalló el conflicto en Vietnam, EE.UU. entró en una guerra, y se necesitaban a hombres decididos a defender la patria...y eso es todo lo que él y los jóvenes de toda la nación sabían.
Para ellos, en aquel lugar remoto, morían compatriotas a manos de comunistas y había que ir y luchar. Tal vez ni sabían dónde cojones estaba Vietnam, pero eran manipulados y reclutados. Lo que no tenía en cuenta Ronald (que el muy imbécil volvió a su hogar en Massapequa sólo para regresar a cumplir un segundo servicio al poco tiempo) es lo que siempre debería tener en cuenta un soldado: el efecto del impacto de una bala en el cuerpo. En el cine de acción una bala traspasa la piel de un personaje y no sucede nada; Ronald creció viendo a John Wayne y Gary Cooper, tipos duros que seguían en pie. Pero una bala en la vida real es diferente, y él sintió ese impacto...

El niño que soñó que un día sería un hombre y moriría por su patria, henchido de gloria, quedó con un despojo de cuerpo que no se movía de cintura para abajo. En el hospital de Da Nang se despierta sobre sus vómitos, sin poder moverse, entre gritos y sangre; no es la idea de un héroe, pese a una Estrella de Bronce y un Corazón Púrpura. Las descripciones y la prosa del luego “best-seller“ “Born on the 4th of July“ dolerán al lector sensible y le darán escalofríos; Kovic se desnuda y escribe sobre el dolor, su dolor, el que se apoderó de él después de que una bala le hiciera pedazos el pie y otra le dañase la médula espinal de por vida.
Habría sido la ocasión perfecta en aquellos finales de los “70, cuando los conflictos en Vietnam empezaron a recrearse en el cine, adaptar la novela...por desgracia Oliver Stone se enfrentó a un proyecto, al principio pensado para Al Pacino, que parecía no llegar a ninguna parte, entre desacuerdos en el guión, falta de financiación y otros problemas. Más de una década de maduración se necesitó y el ascenso de aquel joven guionista al estatus de gran cineasta, a lo que contribuyó su primera obra maestra, también testimonio personal sobre la guerra.

Se podría decir que “Nacido el 4 de Julio“ es la mitad que le faltaba a “Platoon“. Aquélla ya empezaba con el joven Chris Taylor que interpretó Charlie Sheen llegando a la zona de guerra, nunca veíamos su pasado como civil y universitario, aunque nos hablaba de ello, pero aquí accedemos a ese pasado de primera mano en la piel de otro. Tal vez Stone se deje llevar por el artificio del sentimentalismo y presente la infancia y adolescencia de Ronald sumida en una bucólica atmósfera, casi “spielbergiana“, suspendida en un tiempo de felicidad aparentemente infinita.
Y es que tenemos que hacernos a la idea de lo maravilloso que era el pasado del protagonista, un niño sano y guapo cualquiera en su típico, pequeño y soleado pueblo norteamericano cualquiera. De adolescente tiene la cara de Tom Cruise, que refleja vitalidad e ilusiones, sin embargo la cabeza de ese Ronald ya está carcomida por las gilipolleces de la obligación religiosa y la manipulación de las fuerzas militares; Stone no disimula el poder de esa manipulación, y el instante en que dos oficiales de la marina se presentan en el instituto de Ronald para hablar de un montón de paparruchas pseudopatrióticas a los chicos es el perfecto ejemplo.

El guión también inventa una novia, Donna, para dar al protagonista una razón más para hacerse el héroe. El sueño termina con un último beso que será el paso a la tan ansiada edad adulta; una noche de sexo hubiese sido más satisfactoria y significativa que viajar a primera línea de batalla.
Robert Richardson da a las imágenes unos peculiares tonos naranjas, muy intensos, Stone nos acerca al Infierno, de nuevo a través del punto de vista de Ronald. Este episodio dentro de la propia guerra es corto, pero también poderoso, y el perfeccionista estilo que embellecía las imágenes de “Platoon“ es sustituido por tambaleantes secuencias de nervio y confusión.

Niños y mujeres frente a la cámara, sangrando o muertos, el director quiere que lo veamos como lo debió ver el auténtico Ronald: de frente y sin poder mirar a otro lado. Dos balas en su cuerpo finiquitan el combate en Enero de 1.968 y la 2.ª parte se desarrolla dentro del hospital de soldados. “Hay un hombre sin piernas que grita de dolor, gime como un niño, sangra sin parar por los muñones que una vez fueron sus piernas, y agita los brazos sobre el pecho, en un estado de aturdimiento semiconsciente“, describe la novela. Estos pasajes ya hacen daño, pero el director quiere que lo sintamos como lo sintió el auténtico Ronald: igualmente, de frente y sin poder mirar a otro lado.
En las películas sobre la guerra siempre hay secuencias dentro de hospitales, eso no es nada sorprendente. Lo sorprendente es cómo dilata el guión el tiempo de recuperación, para que sepamos lo que provoca el impacto de esa bala, no sólo a nivel físico, sino también a nivel psicológico. Después del milagro de “Rain Man“, Cruise estaba destinado a encarnar papeles más serios, y éste es su salto definitivo como actor dramático; a la vista de Kovic, invitado de honor al rodaje, Cruise se mete en su piel, a conciencia, se olvida y nos olvidamos de la estrella apuesta que fue en esa imbecilidad previa llamada “Cocktail“.

El cambio en el personaje se expresa entre una producción repulsiva de fluidos corporales y una indignación transformada en rabia, y aunque lentamente este cambio es visceral. El odio de la sociedad estadounidense hacia la guerra acrecienta este sentimiento en Ronald, lejos de los cambios que el país está experimentando. La 3.ª parte de la historia, se podría decir, y la más larga, trata el regreso a casa y la reintegración del veterano; la cámara de Stone se detiene unos segundos en las caras de los familiares y vecinos y enfoca a sus ojos, que no se atreven a mirarle directamente.
Qué sutileza la del director. Lo que era admiración por un joven sano es ahora compasión por un lisiado, pero el personaje aún no evoluciona de un modo que el público pueda simpatizar con él; tenemos que permanecer cerca para ser testigos de su crecimiento, porque al llegar el patriotismo fanático sigue siendo su guía, luego el orgullo y la arrogancia, ahora es un “outsider“ sin escapatoria de su silla ni del mundo que le rodea, todo lleno bien de ex-soldados inválidos, bien de jóvenes traidores a la patria, igual que su propio hermano. Una mirada extendida.

El desfile en que participa es un reflejo torcido de aquel que presenció de niño. Las caras de enfado y resentimiento de los civiles son la expresión de las portadas del Chicago Tribune, que el 5 de Abril de 1.969 mostraba a 20.000 protestantes contra la guerra, o la revista Life, que expuso a todos los caídos en acto de servicio la semana del 28 de Mayo aquel mismo año. Es una guerra que nadie entiende y que todos ya odian.
El llanto de un bebé en la lejanía saca a Ronald de su orgulloso discurso. El tiempo, las heridas, la toma de conciencia le transforman, asistimos a las protestas con quien antes era un soldado fiel a su patria, ahora un hombre enfurecido.

Por otra parte, la estructura del argumento sufre bastante por culpa de algunas grandes elipsis y la forma en que deja atrás a personajes importantes de la vida del protagonista, en especial Donna; no existió realmente, pero ya que fue incluida en el guión, y teniendo a la maravillosa Kyra Sedgwick en el reparto, podrían haberla aprovechado de una manera digna. El episodio más desconcertante y menos efectivo es la corta estancia en México, un desperdicio (en el que participa Willem Dafoe) de situaciones y diálogos sin sentido que no afecta absolutamente nada al resto de la historia...
Pero esto es compensado por el duro realismo de Stone y la entrega de Cruise, quien convence más que nunca en el papel cuando carga contra la hipocresía de los gobernantes del país, ante un Nixon que no quiere saber nada del asunto, ante una multitud que le tilda de traidor; la furia de su discurso se siente en las tripas. El director firma (con algunas concesiones, para qué engañarnos) otra pieza icónica de su filmografía y una de las más contundentes representaciones que ha hecho el cine sobre la Guerra de Vietnam, y en especial sus consecuencias.

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Quiero ser Libre

“Nací siendo la hija de un minero de carbón,
en una cabaña sobre la colina de Butcher Holler.
Éramos pobres, pero recibimos amor,
eso era algo de lo que mi padre se aseguró,
quien para ganar un mísero dólar debía remover carbón...“.

De vivir en una familia numerosa sacudida por la pobreza aunque sobreviviendo con dignidad, de criarse en una comunidad de los Apalaches tan aislada que ni siquiera existían caminos para bajar de la montaña, a convertirse en una de las artistas más importantes de su generación y de EE.UU. en general. Cuando en 1.976 publicó su autobiografía, la buena de Loretta Lynn, quien declaró con esa particular honestidad que la caracterizaba, “No tenía ni idea de que a alguien le importaría quién era yo, dónde había nacido ni si sabía cantar, y me sorprendió mucho que se convirtiera en uno de los libros más vendidos. Era un libro común y corriente“.
Un libro que se mantuvo durante mucho tiempo en las listas de éxitos y pedía a gritos una adaptación cinematográfica. Cuesta creer que la legendaria cantautora, curtida en la dureza de las montañas de Kentucky, se sintiese cautivada por una chiquilla de Texas delgada, pelirroja y de fino rostro llamada Sissy Spacek y la eligiera, antes incluso de que ella aceptase, para interpretarla en “Coal Miner“s Daughter“; tambien cuesta creer que toda una vida quede comprimida, y la de Lynn no fue precisamente cosa sencilla, en un metraje de 2 horas. Eso es imposible.

Pero Michael Apted, reemplazo de Universal tras despedir a Joseph Sargent, es un director con un don especial para saber contar historias sobre personas (que no personajes) reales en lugares reales. Por eso la 1.ª parte del film es la más poderosa, todo lo que abarca la adolescencia de Loretta: su existencia ordinaria dentro de una fría comunidad que guarda celosa su aislamiento y tradición, la intimidad de esa familia que Phyllis Boyens y Levon Helm (nada menos que el cantante de The Band) lideran como los padres Clara y Melvin en una actuación maravillosa, y su flechazo con Oliver Lynn, a quien Tommy Lee Jones le da vida de un modo rabiosamente creíble.
Todo esto, cada interacción, mirada, palabra, beso o golpe, sabe a verdad. Apted narra la acción con paciencia y esmero, se recrea en las emociones sin sucumbir a un sentimentalismo excesivo y Spacek, con la bendición de Lynn, colma la pantalla de humanidad, inocencia y fuerza. Por desgracia, un tren que llega para llevarse a la joven Lynn al Noroeste de Washington anuncia la primera de las muchas, irregulares y molestas elipsis a las que se entregará el argumento, y ese es el fallo primordial de la película, lo que rompe con la linealidad narrativa y su coherencia...

De repente nos encontramos en el hogar de los Lynn, atestado de criajos que dan el follón y corren de aquí para allá. Parece que el destino de esta mujer es ser aprisionada por unas cosas o por otras; si en su infancia era una comunidad aislada ahora es una familia y sobre todo la presencia de un marido. Para Lynn, que se convirtió en mujer demasiado pronto, Oliver “podía ser alcohólico, dominante, infiel y violento“, pero también fue su “único amor y lo demostró todos los días de su vida“; no hay duda de que el personaje de Lee Jones, extraído del libro de Lynn, aparece suavizado, es severo y brutal, pero se vuelca en cuerpo y alma para hacer que su esposa alcance el éxito.
La vida real de la artista, más cruda, se disimula aquí por amor. Y es a partir del descubrimiento de la pasión de Loretta por la música que la trama avanza de manera un tanto dudosa, a menudo confusa. La escena de su primera actuación, en el bar, es un claro ejemplo del cine de Apted: cautivador momento donde la campesina captura la atención de los presentes, que se giran poco a poco y la miran hipnotizados; no se entiende por qué la trama va haciendo uso de tan grandes saltos cada vez con más asiduidad, sólo para situarnos en momentos concretos de la vida de la protagonista.

Y eso hacemos: saltar de situación en situación. Un concierto aquí, una discusión allá, y la gran amistad entre Lynn y la gran artista Patsy Cline es cruelmente despachada en poco tiempo y sin darnos cuenta; el guión parece dominado por el espíritu de Oliver, de quien, como se quejará su esposa en un epílogo que hay que ver para creer, hace las cosas de repente y sin consultarla. Ojalá se tomase más tiempo y ofreciera esos instantes que faltan para hilvanar dichas situaciones y que la narrativa evolucione de un modo consistente (el que yo más deseaba: ver a la familia de Loretta asistiendo a alguno de sus conciertos...).
Es lo único que pesa sobre “Coal Miner“s Daughter“, pero pesa. Como la canción de Lynn que da título al film necesitaba, según ella, unos versos más, el metraje necesita por lo menos media hora más; gracias a Dios la dirección y las actuaciones compensan estos errores y absorben el espectador, en especial Spacek, que imita de maravilla a Lynn con su propia voz (tuvo bien merecido el Oscar, el único de su carrera). El día que falleció a los 90 años la actriz declaró “El Mundo perdió a un ser humano magnífico, una gran artista, una pionera fuerte y una amiga muy querida“.

“...Desde entonces muchas cosas habían cambiado,
Y me sentí tan bien por regresar a casa,
Pero salvo los suelos casi nada había quedado.
Aquí ya no sobrevive nada
Salvo los recuerdos de la hija de un minero de carbón“.

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El Cuento de las Comadrejas

Comedia dramática muy entretenida. Si bien la historia en sí puede contarse en bastante menos tiempo, no deja de entretener. Tiene una historia original para ser un film de cine Argentino con muy buenos diálogos y personajes carismáticos.
Entretiene toda su duración sin aburrir en ningún momento y el final es realmente sorprendente.
Sinceramente me gustó mucho! Recomendable!

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El último Duelo

Lo digo sin temor a exagerar: esta es la película más infravalorada de Ridley Scott de largo, y debido al fracaso en taquilla que supuso tiene pinta de ser una película condenada al olvido.

Ambientándose en la Francia Medieval de Carlos VI nos cuenta la historia de tres personajes, unidos por una acusación de violación: Jean de Carrouges acusa al caballero Jacques Le Gris de haber violado a su esposa Marguerite. Ya de por sí la historia es interesante ya que explora el que fue teóricamente el último a muerte entre caballeros, pero además lo hace exponiendo el punto de vista de cada personaje.

Hay que reconocer que la película es muy arriesgada, ya que cuenta 3 veces la misma historia pero desde el punto de vista de cada personaje, esto hace que su mayor virtud sea también su mayor defecto: la repetición de la misma historia aunque haya cambios evidentes. Entiendo perfectamente que haya gente que la considere tediosa e incluso aburrida.

Personalmente me parece un tremendo ejercicio del estudio de los puntos de vista, de como cambian las historias y se adaptan en base a quien está contado la historia. No solo eso, la película es una auténtica obra de feminismo, un “me too“ usando la edad media para explicar y darnos a entender ciertos comportamientos que siguen en la actualidad, así como el alegato hacia la presunción de inocencia. Aparte de peli histórica curiosa tiene un guión bastante profundo.

El reparto cumple con muy buenas actuaciones.

Puede hacerse tediosa, pero tras verla por segunda vez confirmo que a mi me parece tremendo peliculón.

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Pathaan

Cachemira es una región de la India que tiene autonomía propia, debido al llamado “artículo 370“. Pero cuando el país decide derogar dicho artículo, un general decide tomarse la justicia por su mano y contrata a un terrorista, con el que ha trazado un plan para obligar a la India a devolver a Cachemira su autonomía.
Para enfrentarse a esta organización terrorista, tenemos a Pathaan, un agente especial de una organización secreta del gobierno, que junto a sus compañeros, perseguirán e intentarán detener el plan de los terroristas, que podría acabar con muchísimas vidas.
Con esta premisa, está claro lo que vamos a encontrar en esta película: acción por un tubo, aventuras, un poquito de comedia, y, aunque pueda parecer increíble, tan sólo dos actuaciones musicales, en las casi 2 horas y media que dura la peli. Una de ellas, además, en los créditos finales, y rodada en Cádiz. Qué curioso.
Tremendamente entretenida, con un gran presupuesto que da lugar a montones de localizaciones chulas, helicópteros, peleas en trenes y efectos especiales muy buenos.
La película, además, me ha descubierto un universo cinematográfico que no conocía, gracias al cameo en una escena de un personaje que tiene su propia trilogía, y es parte de dicho universo. Se trata del “YRF Spy Universe“, que cuenta ya con 5 películas -una de ellas, apate de esta, ya la había visto sin saber tampoco que era de dicho universo-, aparte de cómics e incluso videojuegos. La India es todo un mundo desconocido, y me encanta ir descubriéndolo poco a poco.
En definitiva, una de esas películas que vale la pena ver, si te gustan las pelis de acción con momentos imposibles, y yo digo, ya que estás viendo algo así, ¿para qué ser realista, pudiendo hacerlo todo lo épico posible? Amo el cine made in Bollywood.

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Las Vacaciones del Señor Hulot

Primera de las películas cómicas de Jacques Tati protagonizada por él mismo como su personaje “monsieur Hulot“. Digamos que es algo superior a su película anterior -la primera que he visto de este director- “Día de Fiesta“, pero no le llega ni a la suela a su secuela, la genial “Mi Tío“.
Aquí tenemos a un grupo de personas que han coincido de vacaciones en un pequeño pueblo de la costa francesa, todos en el mismo hotel, incluído nuestro protagonista, un hombre raro, patoso y bastante desastroso en cualquier cosa que hace, por puro despiste.
Seguro que a más de uno le recuerda a otro personaje muy posterior en el tiempo, como es el propio “Mr. Bean“. Incluso hay alguna que otra idea tomada de esta película para la serie de este personaje.
Digamos que la película está formada por numerosos pequeños sketches que van sucediendo en esas vacaciones, donde Hulot, y otros veraneantes, algunos de ellos bastante carismáticos, lidian con cosas cotidianas y no tan cotidianas. Es una película simpática, y tiene sus momentos divertidos, pero con demasiados altibajos entre unos y otros, no dejando una buena sensación.
Además, al principio de la película se cuenta que el mismo Tati montó una y otra vez la película, metiendo y sacando escenas, hasta dar con esta versión final, que no es tan completa como debiera, y es que hay momentos que se nota que falta “algo“, escenas inacabadas que te dejan con ganas de más.
La propia relación de Hulot con la “chica guapa“ de la película, que parece que va avanzando, llega un momento en que se olvida y queda en nada. Una película que no está nada mal, pero que deja una extraña sensación de inconclusa.

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