Desde que se aprobara el Plan de Estabilización Económica en 1.959 y España abriera sus puertas al comercio internacional y a la revalorización de la peseta, la llegada de extranjeros al país es cada vez más frecuente y en poco tiempo su presencia en las costas se convierte en la principal fuente de ingresos de la economía nacional: el turismo.
Nada detiene la llegada masiva de visitantes desde todos los rincones del globo, principalmente de las partes más frías del mismo; esta situación social quedará bien expuesta en el cine, sobre todo en la comedia costumbrista. En ella se trata desde el humor, la burla y la picaresca el choque de culturas y el intento del español medio para adaptarse a los cambios que está imponiendo la exótica presencia de esos extranjeros en busca de sol y playa. José María Forqué o Pedro Lazaga reflejan esto a la perfección en sus obras, pero el prolífico Mariano Ozores también hace hincapié en este fenómeno sociológico.
Llegan los años 70 y el cineasta ha dejado al infalible dúo Gracita Morales/José Luis López Vázquez (en calidad de protagonistas) para trabajar con otros; no tarda entonces en convertir a Alfredo Landa, con quien ya ha colaborado, en su actor fetiche de la década. El sr. Ozores comienza ¨Manolo ¨la Nuit¨ ¨ como si de un documental del NODO se tratase (con narrador incluido) y el primer tema al que enfoca, con marcada socarronería, es el turismo, la alegría de la economía española y de los que salen huyendo de sus tierras por el frío y la lluvia para encontrar el calor de la costa.
También presenta otra alegría, en este caso para las mujeres turistas: la de la figura del llamado ¨celtíbero español¨, el macho castizo de pelo en pecho, maneras rústicas, voz de cazalla e impetuosidad para amar (de ese que ya no existe). Pero dicha figura queda demolida desde el instante en que aparece el protagonista: Manolo Olmedillo, un hombre de baja estatura y gestos neandertales que muchos podrían tomar por el mecánico del pueblo trabaja en el negocio del turismo y es todo un ¨sex-symbol¨ para las visitantes de las playas de Torremolinos.
A lo largo de este inicio el director deja entrever mucha comedia picaresca típica de la época, hasta que entra en escena Susana, la esposa de Manolo, que vive en Madrid permaneciendo ignorante de las correrías de aquél. Es un aniversario de bodas olvidado y una inoportuna llamada telefónica la que da la vuelta a la trama y pone al seductor en fuga para reconciliarse con su mujer. Sin embargo lo que Manolo no sabe es que ésta va a seguir un plan hurdido por su retorcida hermana: hacerle creer que está embarazada de otro hombre.
Ozores y su colaborador Vicente Coello no abandonan la comedia, de inspiración ¨vodevilesca¨, pero desde el desengaño que ha vivido Susana el tono se vuelve más agrio, se introduce el melodrama y el tema del turismo no es sino un pretexto para ahondar con mucha audacia en los problemas matrimoniales, la infidelidad y la posibilidad del divorcio (que no se autorizaría hasta casi una década después) en una España aún dominada por la autoridad de Francisco Franco y los valores tradicionales. Una España cuyo desarrollo se da gracias a la prostitución física y moral y que a la larga acaba atentando contra las buenas costumbres.
Durante los malabares que el guión irá provocando a partir de la farsa planteada por Martina, el cineasta, con extrema mordacidad, enfrenta dos posturas en lo referente a la relación marido-mujer: la de la superioridad del esposo y la sumisión de la esposa, en la que un desliz por parte de ella se condena como la traición más inmoral olvidando ya todos los cometidos por él (¨¡Yo soy un hombre y tú eres una mujer!...¡mi mujer!¨, espeta Manolo en esa incómoda secuencia que hoy retorcería los intestinos a más de uno). Esta relación es la de Manolo y Susana, y hallando su perfecto negativo está la de Pelayo y Martina, de este modo se señala que tan mala es la sumisión total de la esposa y el dominio implacable del marido como la situación contraria.
Con la frase que orgullosa profiere aquélla ¨¡A los hombres no hay que quererles, hay que dominarles!¨ se deja claro que Ozores y Coello condenan a todos y a nadie conceden licencias, y sin dejar de retorcer la trama, que más disparatada se volverá y más enredos y sorpresas acumulará, extranjeras acosadoras incluidas (hasta llegar a lo absurdo cuando Manolo obliga a su mujer y su cuñada a hacer duros ejercicios para prepararse para el falso parto).
Pero para evitar el descontento del público y respetando los esquemas de la comedia de enredo, el guión seguramente propondrá el previsible reestablecimiento del amor por encima de todo y una solución muy casera, muy tradicional y muy española (esa unión de la pareja dejando atrás los turbios sucesos del pasado que de alguna manera se sabe desde el principio). Un magnífico Alfredo Landa en su clásico papel de mujeriego caradura e irritante, y ese genial José Sacristán de nuevo de tipejo insípido y apocado sirven a Ozores y Coello para hacer una ácida descripción de la figura del hombre tradicional, inevitablemente infiel, sinvergüenza, gritón y violento, pero también cobarde, hipócrita y miedoso.
Les acompañan Rafaela Aparicio, Ricardo Merino, Juanjo Menéndez, Antonio Ozores en una brevísima pero hilarante aparición, la soberbia y dulce María José Alfonso y una Josele Román bordando el papel de desquiciante y pérfida instigadora de tensiones, convirtiéndose así en el maestro de ceremonias absoluto en esta suerte de versión castiza de ¨Amistades de mi Mujer¨, mezclando con ingenio grandes dosis de humor grueso y trazos de puro melodrama.
Con su irremplazable carisma Landa demuestra ser uno de los actores que mejor lanza los chascarrillos y frases de Ozores, y ello derivará en una fructífera colaboración, quedando ¨Manolo ¨la Nuit¨ ¨ entre los mejores ejemplos de ésta.
Los Cuarenta y Siete Samurais (Los Leales 47 Ronin)
¨風さそう花よりもなお我はまた春の名残を...いかにとやせん¨. Esas fueron las últimas palabras de Asano Naganori antes de cometer hara-kiri.
Un acto de locura, una decisión política irrefultable, un reino que hizo pedazos, y cuarenta y siete hombres dispuestos a llevar a cabo la venganza que originaría la leyenda...
Cualquier amante de la cultura japonesa y de su historia tiene constancia de la inmortal gesta del grupo de samuráis que tras dar cuenta de una pésima decisión por parte del shogunato y ver condenado a su señor a realizar el suicidio ritual y la expropiación de todos sus dominios, incluyendo el gran castillo de Ako, se lanzaron convertidos en ronin a una concienzuda y arriesgada empresa: tomar la vida del hombre que provocó la deshonra de su amo y su familia y acabar con sus vidas honorablemente. La era Genroku estaría marcada por este suceso histórico inolvidable.
Suceso trasladado a la ficción a través de todos los medios de expresión posibles; el cine se apoderaría de la historia a partir de 1.907 y desde entonces se han producido innumerables recreaciones de la leyenda. Una de las más conocidas es la realizada por Kenji Mizoguchi a principios de los 40, quien en ese momento se halla en una situación muy delicada como cineasta debido a la cercana entrada de Japón en la 2.ª Guerra Mundial, resignado a realizar proyectos de encargo siguiendo órdenes del Ministerio de Cultura y el gobierno militar; por supuesto, Shochiku desea que esta nueva versión de la historia de los guerreros sea espectacular y conforme a las reglas dictadas por dicho gobierno.
Es decir, una versión más popular, más tradicional, apropiada para conmover a un pueblo sumergido en los albores de la guerra; el director, sin embargo, impone a los productores basarse en una obra kabuki del dramaturgo y maestro del teatro modernista Seika Mayama y contratar a la famosa compañía de actores (de kabuki) Zinshin-Za para intepretar a los protagonistas. Esta obra, menos espectacular, gira en torno al drama personal de Kuranosuke Oishi, consejero de Naganori, y es que Mizoguchi, como bien afirmó su guionista Yoshikata Yoda, no deseaba hacer del film un gran espectáculo y no poseía (ni deseaba poseer) el talento para filmar acción.
Esto se demuestra desde la escena inicial, donde en un arranque de violencia Naganori intenta asesinar en el castillo Edo a Kira Yoshinaka, uno de los poderosos funcionarios del shogunato, tras recibir en público sus insultos; incidente que trastocará la existencia de la familia y todos los súbditos del daymio. Por expreso deseo del cineasta la película se divide en dos partes, compuesta por largos planos fijos o panorámicas laterales casi sin incluir primeros planos y con cada secuencia (que se abre con una indicación del decorado en el cual se desarrollará la acción) separada por intertítulos y elipsis temporales, excluyéndose así todo rasgo de picaresca y dando a los combates heróicos un nuevo sentido lógico.
Por lo tanto reina la voluntad de teatralidad y un respeto rígido a la obra original, siendo prioritarios el texto declamado y la gestualidad minimalista; se muestran representaciones kabuki y Mizoguchi se apoya en estos códigos, de una manera fría y haciendo gala de una perfección indiscutible, y al suprimir la acción y los momentos más emocionalemente dramáticos, convierte los escenarios interiores en campo de batalla y las palabras, sentencias y sentimientos en las mejores armas. En efecto la trama sigue de cerca el sufrimiento que embarga a los allegados de Naganori y en especial a su consejero Kuranosuke Oishi, aquejado de un infinito pesar al ser testigo impotente de la decisión del shogunato para con su señor. Paulatinamente asistimos a la caída política, moral, económica y espiritual, de un reino, que se abalanza sobre las cenizas de su propio cadáver mientras el gobierno recoge y se reparte los pedazos. También contemplamos el hundimiento de una unidad, una unidad familiar sostenida por lazos más fuertes que los otorgados por la consanguinidad de la propia familia, y son aquellos referentes al sentido inquebrantable de la lealtad de los guerreros samuráis, aquí ensalzados por (un resignado) Mizoguchi y sus guionistas, quienes defienden en todo momento su estoica mentalidad, pureza de espíritu y admirable valor.
De este modo el director no tiene más remedio que transmitir los valores adecuados para complacer al régimen militar del momento: honor del clan, sentido del sacrificio y por encima de todo fidelidad a la memoria del jefe y ¨padre¨ unificador (la patria y el emperador). Pese a esto, Mizoguchi se concede un par de secuencias para infiltrar sus consabidos ideales izquierdistas en el sentimiento ultranacionalista que le ha sido impuesto; de este modo la voz del pueblo llano toma importancia sobre la del gobierno (literalmente expresado por Oishi ante su hijo) y se lamenta la trágica transmisión familiar del samurái (en ese drama íntimo entre Tokube y su hijo).
Mientras, su cámara de desliza con máxima delicadeza por los escenarios, presentando un estilo formalmente bello, denso y sobrio, realzado por la magnificencia de los decorados, el diseño artístico y la preciosa fotografía de Kohei Sugiyama, y capta cada uno de los detalles con respecto al entorno y los personajes, donde destaca por encima de todos ese abnegado Oishi que, ocultando sus auténticas intenciones ante sus hombres, sumidos en la incertidumbre y la desesperación, prepara sabiamente su anhelada venganza contra Yoshinaka en un gesto de solemne y no menos enfermiza lealtad (cuando es evidente de quien es la culpa) ante su ya desaparecido señor.
Sobre todo debido a la semejanza que guardan las existencias y el pasado de ambos, dándose un intercambio y asunción de roles de lo más significativo (la relación padre-hijo o hermano mayor-hermano menor, sustituyendo a la del señor y su súbdito). El director, lejos del épico y emocionante fresco de samuráis que hubiesen rodado otros como Inagaki, Okamoto o Kurosawa, decide centrarse en los entresijos, vicisitudes burocráticas, tensa atmósfera y conflictos morales y psicológicos dentro del truculento entorno de la nobleza; así, la paciencia y la reflexión dominan en el metraje, que llega casi a las cuatro horas de duración.
El segundo tramo sigue a partir de la decisión de Oishi de viajar hasta Edo y visitar a la viuda de Naganori en el aniversario de su muerte, y contiene momentos conforme al estilo de Mizoguchi, pues ahora éste (sin desplazar a los samuráis y su cometido y demás personajes masculinos) profundiza mucho más en el papel de las mujeres, dispositivo esencial de distanciamiento con el primer arco, donde éstas se disponían en el escenario cual simple apoyo; la cámara escrutará con esmero las ideas y sensaciones de varias féminas ya conocidas (la sra. Naganori y su sirvienta, la hermana de uno de los ronin o una joven enamorada también de uno de ellos y dispuesta a afrontar un trágico destino).
Sin embargo, a pesar de dicho distanciamiento, la limitación hierática general de esta obra imponente no permite que en ningún momento decaiga su espíritu propagandístico; los samuráis, independientemente de si sus acciones y las del señor al que defienden con sus vidas son correctas o justas, se alzan como héroes inmortales, respetados y envidiados por los demás. Mientras las elipsis, los intertítulos y las indicaciones de escenario conducen la trama, son las cartas las que actúan como humilde reemplazo de la acción (pues jamás veremos el suicidio del daymio ni el asalto al castillo de Yoshinaka).
Por su parte, un grupo magnífico de actores hacen de la sobriedad y la solemnidad sus mejores instrumentos de interpretación, donde cabe señalarse a Kikunosuke Ichikawa, Kunitaro Kawarazaki, Mitsuko Miura, Kazutoyo Mimasu, Mieko Takamine, Mitsusaburo Ramon, Sensho Ichikawa y el gran Chojuro Kawarasaki a la cabeza. Con esta obra el director se atreve con un cine algo ajeno a él, que incluye el uso de inmensos escenarios, miles de extras y un abultado presupuesto; además se ha de enfrentar a dos sucesos que perturban el rodaje: la definitiva entrada de Japón en la guerra y ver a su esposa Chieko (que afectada por la sífilis es presa de la locura) siendo internada en un manicomio.
Pese a las conclusiones médicas, que le exculpan, él conservará una eterna culpabilidad; a partir de entonces Mizoguchi, decidiendo casarse con la hermana de aquélla, madre de dos hijos, se convierte en un artista en crisis que no frena su carrera artística.
¨Genroku Chushingura¨ es, no obstante, una obra de arte técnica y académicamente perfecta, en todos los sentidos. Los historiadores críticos y fans la encumbrarían como un gran logro de la cinematografía japonesa, aunque en su momento Shochiku la considerara un estrepitoso fracaso.
El aroma de las cristalinas aguas de las playas de Kamakura se mezcla con el que despiden las flores de los cerezos salvajes de las montañas (yamazakura).
En verano el calor es sofocante pero los colores y olores de su naturaleza crean un contraste cautivador, y el espectáculo de fuegos artificiales en Yuigahama a principios de Agosto es digno de disfrutar.
¿Se podría observar este bello paisaje desde la tristeza o el pesar? Quizá sí para muchos, que aún vivían en un Japón ocupado por los americanos, orgullosos triunfadores de la guerra, y cuya invasión se había extendido a sus costumbres, su gente, su cultura entera; aunque ésta daba ya sus últimos suspiros y tras el Tratado de San Francisco las fuerzas americanas se retirarían reestableciéndose la soberanía nacional. En el cine la presión comienza a desaparecer y ya se pueden volver a tratar temas relacionados con el Japón feudal.
Es la edad de oro del cine nipón. Kurosawa ha estrenado ¨Rasho-mon¨, que pronto alcanza el aplauso internacional y dos importantes galardones: León de Oro y Oscar a Mejor Película Extranjera; Mizoguchi presenta ¨La Señorita Oyu¨ y Kinoshita realiza ¨Carmen vuelve a Casa¨, primera obra japonesa en color. Ozu, por su parte, se prepara para un nuevo trabajo junto a su guionista Kogo Noda donde decide recuperar los temas expresados en ¨Primavera Tardía¨, convirtiéndose así en la segunda entrega de la conocida Trilogía de Noriko, y cuya producción en Shochiku empieza poco después de haber estrenado ¨Las Hermanas Munekata¨.
¨El Comienzo del Verano¨ también significa el retorno del director a su serie de obras ¨estacionales¨, cuyo periodo del año se referirá a las emociones de los personajes y el enfoque de la historia; ésta se abre con un hermoso plano de la costa de Kamakura comenzando en un soleado día dentro del hogar de la familia Mamiya, compuesta de los padres (Shukichi y Shige), el hijo mayor (Koichi), la esposa (Fumiko) y los dos hijos pequeños de éste (Minoru e Isamu) y la hija menor, Noriko, secretaria en unas oficinas de la ciudad y de nuevo pieza central de todas las tensiones y acontecimientos que se irán desarrollando a lo largo del argumento.
Como en ¨Primavera Tardía¨, el tema a tratar es la necesidad de contraer matrimonio de la joven, que ya cuenta 28 años; será la visita de un anciano tío de la familia la iniciadora de toda esta vorágine de incertidumbre. Pero Noriko, como antes vimos, es una mujer perteneciente al Japón de la modernidad, ese que ha sido ocupado por lo extranjero, donde los carteles en inglés se acumulan en las calles, la coca-cola ha sustituido al té y las chicas tienen como modelos a las exhuberantes actrices de Hollywood. Traidición y modernidad colapsan causando la tristeza, la amargura y la contrariedad de la familia.
Mientras las madres miran a un pasado mejor y se sienten invadidas por la pena de haber perdido a un hijo en la guerra (en la que el mismo director ha tomado parte y ha vivido de cerca), los niños crecen sin la debida atención, volviéndose maleducados, codiciosos, exigentes y rebeldes, y la sociedad femenina se divide en dos grandes grupos: el de las solteras y el de las casadas. Ozu, soltero y en convivencia con su madre, critica con afilada mordacidad los inconvenientes del matrimonio (el recelo, la calumnia, el rechazo) y los perjuicios que éste acaba creando para la sociedad en general y la familia en particular, pese a la continua insistencia de sus miembros de mantener las nupcias tradicionales.
Noriko vive atada al conservadurismo cuando sus ideales son liberales; queda poco para que la mujer viva una liberación absoluta en la nación, pero la influencia americana ya ha cambiado su manera de pensar, hablar y vestir, y dicha influencia se considera desviada y degenerada por los fanáticos ultranacionalistas de los primeros tiempos de la era Showa. Las mujeres casadas, con el kimono tradicional, se separan de las solteras (literalmente mostrado en la cena de Noriko con sus tres amigas), quienes ya no pertenecen a su mismo mundo; el matrimonio se acepta con resignación pero en absoluto está relacionado con la felicidad.
Tras una primera hora de duda, se desata la tristeza y la atmósfera se acidula en el seno de los Mamiya, cuyo punto de inflexión será una barra de pan a la que Ozu, en un alarde técnico sorprendente dentro de su estilo, se acerca por medio de un suave travelling (a todas luces representando una lágrima por la ruptura inevitable entre una generación y otra, que es lo que simboliza ese pan partido por la mitad). Este movimiento fluido de cámara vuelve a introducirse entre las habituales tomas estáticas del cineasta mientras las conversaciones se desarrollan con auténtica naturalidad y se presta la más inmensa atención a los más mínimos detalles.
Una mirada a través de un ventanal, un gesto, una lágrima inesperada, todo ello formando parte del marco de sutiles emociones expresadas con gran intensidad por Ozu, quien vuelve a contar con la presencia de un Chishu Ryu aquí muy irritante, los correctos Ichiro Sugai y Hiroshi Nihonyanagi y esas maravillosas Haruko Sugimura, Chieko Higashiyama, Kuniko Miyake y Chikage Awashima. Y por encima de todos ellos una Setsuko Hara encantadora y de preciosa sonrisa que vuelve a ejemplificar a la fémina del Japón de la posguerra; la diferencia esencial con la Noriko Somiya de ¨Primavera Tardía¨ es que aquí su personaje tiene la oportunidad de elegir por su propia voluntad.
Sin abandonar los patrones del estilo ¨narusiano¨ al que se aferraría desde finales de los 40, Ozu factura sirviéndose de su habitual sensibilidad y pulso tras la cámara (con la que ejecuta más movimientos que nunca durante ésta, su segunda etapa), otro elegante, denso y trágico (el matrimonio como sinónimo de quiebra familiar) melodrama costumbrista dentro de la convulsa sociedad japonesa del momento.
La próxima vez que veamos a Noriko será en la magistral ¨Cuentos de Tokyo¨.
¿Qué es lo que le gusta al hombre español? Lo exótico, lo que no fabrica el país; sin embargo todo lo que llega de fuera, referente al producto cárnico femenino, es siempre bien recibido.
Y las playas son el mejor sitio para esperar y ligar.
Y no será porque no lo hemos visto un millón de veces ya. Si algo nos dejó claro la comedia costumbrista de nuestro país durante los 60 y 70 es que los nativos se quedaban embelesados con las mujeres llegadas de los rincones más remotos del globo, y allá, a esos rincones, querían irse muchas veces a prosperar y, de paso, a comprobar si la libertad sexual extranjera era cierta o sólo un cuento; quedan como testigo de esta época los arrebatos de Landa y López Vázquez. Pero hay que reconocer que lo de ¨¡a por las suecas!¨ tuvo su momento y la gracia no iba a durar toda la vida.
Tampoco es eterno el éxito de un director que se dedica a repetir los mismos esquemas durante toda su carrera, salvo que sea un genio y sepa cómo hacer que cada obra resulte fresca y original, y también se da el caso de que un cineasta, llegado a la etapa otoñal de su vida, decida revisionar su propia obra desde un enfoque maduro aun sin nuevos puntos que tratar. Esto último podríamos aplicarlo, por ejemplo, a Ingmar Bergman o Alfred Hitchcock...pero Mariano Ozores no es ninguno de los dos, ni tan siquiera, al llegar a dicha etapa, se dedicó a revisar su obra desde un enfoque maduro, más bien todo lo contrario.
El sr. Ozores fue un realizador todoterreno que siempre estuvo al pie del cañón y cuyos resultados de cara a la taquilla no podían ser mejores; además fue un hombre preocupado por la actualidad de su país y le gustaba retratar los temas socio-políticos y las inquietudes de los ciudadanos, siempre desde la sátira. Por tanto es bastante incomprensible cómo de anclado se quedó él y su trabajo cuando se fueron de su lado Andrés Pajares y Fernando Esteso, la pareja que más dinero le había dado, lo que coincidió con el declive del ¨destape¨, la aprobación de la Ley Miró y el auge de las producciones destinadas al videoclub.
El público se fue a buscar otro tipo de cine y el director no vivía una época creativa, tanto es así que se limitó a repetir, pero sin entusiasmo ni gracia, argumentos y temas ya vistos en sus obras anteriores, ahora con su hermano Antonio y Navarro al frente; mientras Almodóvar rompe esquemas con ¨Átame¨, Cuerda estrena la magnífica ¨Amanece, que no es Poco¨ y Trueba gana elogios con ¨El Sueño del Mono Loco¨, Ozores, con la colaboración de Enrique Barego al guión, quien ya le escribió ¨Veneno que tú me Dieras¨, se va a rodar a las playas de Huelva una comedia que desde su inicio huele, sabe y suena a un cine ya desfasado y nada interesante.
La película se llama ¨Los Obsexos¨ y nos presenta a dos hombres maduros, Alberto y Julio, que trabajan en un chiringuito de la playa y están casados (con dos mujeres quizás veinte años más jóvenes a las que ignoran y desprecian...todo muy normal), pero que sólo tienen ojos para las voluptuosas extranjeras que se pasean por la costa; y la solución para paliar el hastío de sus existencias les llega por arte de magia y de la forma más incoherente cuando el guía de una agencia de viajes que les ofrece un puesto en su compañía.
Rápidamente la pareja, escabuyéndose de sus respectivas mujeres, que cualquiera con dos dedos de frente no las rechazaría, a base de patéticas artimañas (el modo en que ambos las repelen para marcharse de casa y culpándolas con toda la caradura llega a extremos insoportables), llegan a la agencia y, como dos inocentes palurdos que son, se convierten en las víctimas de un desfalco que el jefe tiene planeado, todo sin saberlo, claro, porque ellos sólo tienen en la cabeza las piernas (y lo que no son las piernas) de las turistas. Esto habría resultado incluso gracioso si no fuera por la inexistente gracia con que filma Ozores una trama harto vista y oída y con más agujeros que un panal de abejas.
Porque se percibe cierta desgana y un tono de cutrez general que llega a molestar, con la cámara grabando a su pareja protagonista a base de planos tan largos como los chascarrillos y bromas que hacen esforzándose para hacernos reír; ¨gags¨ que se estiran y estiran y que no parecen acabar nunca (el de la mujer anciana importunando a Navarro resulta tremendamente desquiciante), método que usa el director todo el tiempo, sin imaginación ni nada que se le parezca. Tampoco consigue otorgar a las playas de Matalascañas el brillo que sí tenían las de Torremolinos en sus obras anteriores.
Este brillo se pierde en la filmación de exteriores, en el ingenio para provocar la risa y en el talento para construir una historia amena y simpática. Siempre es un placer ver a Antonio Ozores y Juanito Navarro, porque la química que exudan en pantalla (o en teatro o en televisión) es difícil de igualar por otro binomio cómico, aunque esta vez no se da el milagro, quizás por los chistes tan pésimos que Barego se saca de la manga o porque se limitan a repetir de manera mecánica esos chistes y formas que les han hecho famosos en el medio; y por supuesto no ayudan los personajes tan repulsivos y sinvergüenzas a los que dan vida.
A su vera, un Paco ¨Arévalo¨ de nuevo de gangoso que a penas saca una sonrisa, un Simón Cabido ridículo, sobre todo cuando se disfraza de doña Croqueta, y otros secundarios que parecen que no saben muy bien donde están. Con sus bromas pasadas de fecha, su humor descerebrado y chabacano, su argumento imposible y sus concesiones a un cine tan marchito como el del ¨destape¨, el film hace que cueste creer que tras las cámaras se encontrara el hombre que un día fue uno de los más grandes cineastas cómicos del país.
Muy lejos, quedaba el Ozores de ¨Objetivo: ¨BI-KI-NI¨ ¨, ¨Operación ¨Secretaria¨ ¨, ¨Yo Hice a Roque III¨ o ¨El Calzonazos¨. Lo de la imitación propia llega hasta la carátula, remedo de la de ¨Reír más es Imposible¨.
Cinta de Michael Mann que me ha gustado pero tampoco me ha parecido una obtra de arte como muchos la califican.
Tiene un elenco de lujo con todos actores conocidos (la protagonizan, ni más ni menos que, Robert De Niro, Al Pacino, Val Kilmer y Natalie Portman en uno de sus primeros papeles), razón por la que creo que la cinta gustó más de lo que realmente hubiera gustado sin este reparto.
De todas formas, no está mál. A mi me entretuvo sus casi 3 horas de duración sin aburrirme en ningún momento lo cuál, creo, ya es suficiente para calificar a una cinta como buena.
La historia me pareció que está bien pero tiene cero originalidad. Es una historia típica y cliché de los noventas del género policial.
Me gustó que Robert De Niro haya hecho un papel distinto al que suele hacer siempre.
Uno de sus puntos más fuertes es su excelente fotografía. La mayoría de las escenas son de noche y la luz está super contrastada creando lindas imágenes y muchos interiores están iluminados con luz fría creando un ambiente lúgubre muy bien conseguido.
Recomendable si quieren entretenerse un rato!
Lobo Guerrero es una pelicula de accion que se estreno en el año 2015. Esta dirigida por Wu Jing y protagonizada por Scott Adkins y Wu Jing.
Un soldado de las fuerzas especiales chinas con extraordinaria puntería es confrontado por un grupo de mercenarios extranjeros que son contratados para asesinarlo por un malvado capo de la droga.
Pues no es por nada pero a mi me ha parecido un verdadero peliculón, es una pelicula cien por ciento de accion con disparos, artes marciales, un argumento de lo mas sencillo pero venga que tenemos buena accion y en eso no decepciona ya que son 86 minutos llenos de pura adrenalina que no deja ni que el espectador parpadee de lo buena y entretenida que esta.
Es cierto que hay efectos por computadora que dan vergüenza ajena como por ejemplo el de los lobos, aquella fue una secuencia en la que me reí de lo mala que fue porque no vi la necesidad de meter un ataque de lobos con ese CGI tan malo y pues no se pero estábamos en una pelicula de accion y artes marciales y no en The Grey con Liam Neeson, aquella fue la única secuencia mala de toda la pelicula porque lo demás es tremendo y yo se porque lo digo ya que soy fanático de esta clase de peliculas y se cuando son buenas o son malas.
Las actuaciones estan correctas, tenemos al protagonista que es Wu Jing que aparte de protagonizar la pelicula tambien la dirige y pues en si el tipo actúa y dirige muy bien y tambien tenemos a Scott Adkins haciendo de villano y pues en si este tipo ha demostrado que puede ser el héroe o el villano sin ningún problema ya que es un muy buen actor y en las dos facetas esta bien aunque me gusta mas como villano y aquí nos ofrece un villano muy convincente.
Las secuencias de accion son muy buenas, tiros y violencia a cada rato aunque si se echa de menos mas accion cuerpo a cuerpo como peleas porque no todo pueden ser tiros y pues la pelea final deja mucho que desear pero aun asi Wolf Warrior fue un estupendo pasatiempo y de por si es un peliculón.
En definitiva Lobo Guerrero me ha parecido una pelicula de accion muy buena y es super recomendable, vamos a ver si me dan ganas de ver la secuela que por lo que veo tiene mejor pinta que esta.
Las Aventuras Del Doctor Dolittle es una pelicula de aventuras y comedia que fue estrenada en el año 2020. Esta dirigida por Stephen Gaghan y esta protagonizada por Robert Downey Jr., Antonio Banderas y Michael Sheen.
Después de perder a su mujer hace siete años, el excéntrico Dr. John Dolittle , un reputado doctor y veterinario, se encerró en sí mismo tras los muros de su mansión con la única compañía de su colección de animales exóticos. Pero cuando la joven reina cae gravemente enferma, Dolittle tendrá que dejar, muy a su pesar, su vida de ermitaño para embarcarse en una épica aventura a una mítica isla en busca de una cura, recuperando su sentido del humor y su coraje a medida que se cruza con viejos adversarios y mientras descubre maravillosas criaturas.
Pues la verdad no esperaba nada acerca de esta nueva adaptación del Doctor Dolittle, pues la que protagonizo Eddie Murphy nunca me llamo la atención asi haya gente que le tenga cariño pero a mi nunca me gusto pese a que me gustan mucho los animales y las secuelas que protagonizo su hija si que menos me van a gustar porque en verdad que son espantosas asi que le quise dar una oportunidad a Robert Downey Jr. y nada del otro mundo aunque en si es mucho pero mucho mejor que la de Eddie Murphy, no es una maravilla de pelicula pero resulta muy entretenida y es mejor porque esta trata como mas de aventuras y hasta tiene un toque de fantasía porque al final hasta aparece un puto dragón.
Y bien, francamente sin ser la gran cosa y sin ser un clásica esta nueva versión me ha entretenido mucho y me ha gustado, es una pelicula apta para ver con toda la familia en especial con los niños porque es una aventura sana, hay muchos animales y ademas no es tan larga y pues en ningún momento se vuelve monótona o aburrida, si hay algo que me molesta es el CGI que utilizan en los animales, si algo le rescato a la de Eddie Murphy es que allí si utilizaban animales de verdad pero vaya que sigo pensando que es una pelicula muy floja y entre Eddie Murphy y Robert Downey Jr. pues obviamente elegiría a Robert ya que es mejor actor aunque veo que no se ha despegado por completo del papel de Iron Man.
Las actuaciones estan correctas, Robert Downey Jr. esta bastante bien y algo que me ha llamado la atención es el trágico pasado del doctor Dolittle, pues perdió a su esposa y pues este se ha encerrado y no tiene contacto con el mundo exterior aunque ese detalle ya lo habia visto en peliculas anteriores pero no se en cual y pues lo curioso de todo es ver el reparto tan conocido que tenemos como Antonio Banderas en el papel de villano que no es por nada pero estuvo muy flojo y hasta sale Michael Sheen y contamos con las voces de Tom Holland, John Cena, Rami Malek y muchas otras celebridades que ponen la voz a los amigos del doctor Dolittle y no habiendo nada mas que decir pues queda decir que esperaba que fuera peor pero me ha gustado un poco.
En definitiva Las Aventuras Del Doctor Dolittle me ha parecido una pelicula entretenida apta para toda la familia y pues no se si hagan una secuela porque no le fue tan mal en taquilla aunque con esos números es seguro que no la van a hacer porque según lo que tenían planeado era hacer varias peliculas pero ya no podrán y creo que las aventuras del doctor Dolittle se tendrán que conformar con una sola pelicula.
Buena pelicula de ladrones de bancos actuada y dirigida por Ben Afleck, quizás con un poco más de acción me hubiera gustado más, pero se queda en un drama romantico entre el ladrón, la chica del banco y el policia del FBI que lo persigue, el grupo de ladrones son amigos desde la infancia, todos criados en la ciudad de Boston, eso es lo mejor de la cinta, después en los atracos no tiene tanta relevancia porque entran, roban y salen asi que no es el centro de la trama, y como dije es más drama que otra cosa, el final si me gustó.
El gran general romano Máximo ha vuelto después de regresar victorioso con sus legiones del campo de batalla, ahora sólo sueña con el regreso al hogar junto a su esposa e hijo. Sin embargo el emperador Marcó Aurelio tiene una nueva misión para el que es heredar su corona sin embargo esto traerá consecuencias ya que el hijo del emperador es celoso en este caso Cómodo manda a ejecutar a la familia de Máximo sin embargo este escapa y se convierte en esclavo pero es entrenado como gladiador y vuelve a Roma en busca de venganza.
Ridley Scott ha demostrado el inmenso director que el tanto El como su hermano que ya no está, bien dirigida y larga pero no aburre en ningún momento, los escenarios y fotografía son de tan buen nivel que se siguen viendo sensaciones hoy en día y es de esas películas que no necesitan para nada un remake.
En las actuaciones me parecen sensacionales destacando a Joaquín Phoenix que hace de maldito vaya actuación que se marca, escenas de acción geniales como la de los tigres o la pelea final entre Máximo y Cómodo.
El final te deja con sensación fría bastante logrado y triste y sin duda una maravillosa película que el tiempo ya la ha puesto en su lugar.
Agente Bajo Fuego se estreno en el año 2019. Esta dirigida por Ric Roman Waugh y protagonizada por Gerard Butler, Morgan Freeman, Danny Huston, Jada Pinkett Smith, Piper Perabo, Lance Reddick y Nick Nolte.
Tras un ataque sorpresa con drones, el agente Mike Banning es acusado de un intento de asesinato del presidente de los Estados Unidos. Perseguido por su propia agencia y por el FBI, Banning inicia una carrera a contrarreloj en la que ha de desvelar al auténtico grupo terrorista que ha puesto su mirada sobre el presidente.
Mike Banning esta de regreso en esta cuarta entrega de la saga “Bajo Fuego“, que si bien han sido películas que han pegado bastante bien en estos últimos años ya que tanto “Olimpo Bajo Fuego“ y “Londres Bajo Fuego“ han sido dos peliculones de acción brutales que para mi son de las mas destacables que han habido junto a las de John Wick pero bueno, el caso es que la segunda entrega fue una buena película pero no estuvo a la altura de la gran primera parte así que esta tercera como tal tenia pinta de estar por debajo de las otras dos pero ese no ha sido al caso porque esta tercera entrega es infinitamente superior a la segunda y se convierte así en la segunda mejor película de la trilogía aunque claro falta esperar a que salga una cuarta entrega que creo que ya esta confirmada.
Y bueno, pues aquí ya no tenemos a Aaron Eckhart como presidente sino esta vez es Morgan Freeman quien ya había salido en las dos anteriores pero como vicepresidente y pues aquí tenemos otro complot para matarlo, atentan contra la vida de Morgan Freeman, le hacen pasar por muerto, el mundo cree que Mike Banning esta detrás de todo esto y el tipo intentara demostrar que no es culpable y pues en si ese es todo el rollo de esta entrega, nada del otro mundo pero para ser una película de acción esta bastante bien, tiene un ritmo frenético que se mantiene hasta el final así que por lo general la película es disfrutable al cien por ciento y créanme que no decepcionara a los amantes del genero.
Por otra parte, las actuaciones vuelven a ser correctas, Gerard Butler vuelve a cumplir como héroe de acción y en si ya esta mas metido en el personaje y se desenvuelve de una manera fantástica, quizás lo único que me decepciono fue que no se profundizara demasiado la relación con su padre que es interpretado por Nick Nolte ya que la cosa daba para mas pero aun así esperemos que en una cuarta esto se profundice un poco mas. De Morgan Freeman solo hay que decir que esta bien, me parece un gran actor y todo pero apenas aparece escasos minutos en pantalla pero igual se entiende ya que es un actor que ya no da para estar en los mismos trotes en los que anduvo Aaron Eckhart con Gerard Butler así que han decidido poner a Morgan en una cama y que haga el trabajo desde allí porque de todos modos su buena pasta se la va a ganar.
Otra cosa que me gusto fue el villano de turno, si el de la anterior dejaba mucho que desear en esta esta muy bien aprovechado, tenemos a Danny Huston quien hace un papel tremendo que de por si es mas acorde con el tono de la película e incluso me hace recordar a los villanos de las películas clásicas de acción tipo Michael Ironside o Gary Busey y en si otro punto a favor serian las secuencias de acción, estas son fabulosas, disfrutables y emocionantes y pues en eso esta saga nunca ha fallado ya que la acción siempre sobresale y una secuencia así para destacar seria el ataque con drones ya que de por si fue la mejor parte de toda esta puta película que dejara muy contentos a los fanáticos del género.
En definitiva Agente Bajo Fuego me ha parecido un correcto film de acción que no tiene ningún pierde y que se disfruta al igual que las dos entregas anteriores aunque eso si no se acerca a la primera ni de chiste pero si esta mucho mejor que la segunda, de todos modos son tres películas que recomiendo encarecidamente si nos fascinan las buenas cintas de acción y ahora solo queda estar a la espera de la cuarta para ver con que rollo nos van a salir.
La verdad que esta película plasma bien la otra cara de la sociedad norteamericana donde existe la pobreza en la conocida América profunda donde vemos la historia de ests chica que la madre no se hace cargo de los hermanos y el padre es un borracho pervertido entonces ella decide irse a otro estado por un trabajo y conoceré otros chicos como ella.
En sí no me ha gustado del todo y eso se debe a que dura dos horazas y media que bien pudo ser menos y eso es el problema, hay escenas largas de paseo que no viene al caso además hay alguna escena fuerte de sexo.
La parte final terminas cansado y las actuaciones no son malas del todo tenemos a Riley Kneough en un personaje extraño como líder del supuesto trabajo...
Poco que añadir buena en lo que muestra pero larguísima y sin razón.
Habiendo visto finalmente todas las películas que fueron nominadas a los Oscar, pienso que la película que me atañe es la que tendría que haberse alzado con la estatuilla, pues su humor absurdo inteligente y la crítica hacia los maquiavélicos y necios nazis no podría haber sido más acertada. La historia está bien desarrollada y hasta en momentos más peliagudos dejan caer chistes que te dejan con la boca abierta de lo ingeniosos que son. La imagen paródica de Hitler es todo un acierto, así como el final donde mi estimado Yorki, al finalizar la guerra, espeta con total parsimonia que es mala época para ser nazi, ahí me morí de la risa. Pues así media película, me encantó y la recuperaré, espero, más asiduamente.
Esta película es muy larga a mi gusto y la historia mucho no me convenció un viaje en la América de estos amigos en los cuales hay sexo, drogas y alcohol la diversión por así decirlo, hay algo de mas drama en el final pero a mi no me convenció.
Mucha paciencia para un film de dos horas y cuarto además de eso hay muchas caras conocidas en el reparto en el cual destacó a Elizabeth Moss, tenemos a Kristen Stewart mostrando tetas... Sus actuaciones no están mal pero es que tampoco se puede pedir mucho para una historia que no tiene mucho que ofrecer.
Eso sí tiene una muy bella fotografía y escenarios pero poco más.
Divertido y entretenido clásico de Billy Wilder protagonizada por la belleza de Marilyn Monroe.
Es cierto que es muy ingenua pero, para la época, no está mal.
Yo siempre digo que cuando uno ve este tipo de películas hay que colocarse en su tiempo y, para su tiempo, la historia es bastante audaz y provocativa.
Como dije anteriormente, entretiene toda su duración siendo, casi toda, en interiores.
Marilyn desborda belleza y Tom Ewell se desempeña bien y juntos hacen una buena dupla.
Para los amantes del cine o estudiantes, la recomiendo. Pero al público común capaz pueda resultarle un poco ¨light¨.
Para mí, se deja ver!
Ahora entiendo porque esta película tiene mala puntuación en otros sitios ademas viniendo de la productora esta gravitas ya me imaginaba en primer lugar intenta ser original y termina cansando sobretodo por esos flashbacks y esos sonido que aturde el oído además ese efecto de eso que pelea super malo.
Aquí la que decide investigar lo sucedido con su marido es Dianna Agron que tampoco es un acierto para nada ponerla de protagonista, Andy García en un personaje bizarro a más no poder.
La fotografía es extraña al igual que toda esta pelicula y es mejor pasarla de largo.
El Llamado Salvaje es una pelicula de drama y aventuras que fue estrenada en el año 2020. Esta dirigida por Chris Sanders y esta protagonizada por Harrison Ford.
Cuenta la historia de Buck, un perro bonachón cuya vida cambia de la noche a la mañana cuando su dueño se muda de California a los exóticos parajes de Alaska, durante la fiebre del oro, a finales del siglo XIX. Como novato de un grupo de perros de trineo (y posteriormente su líder), Buck experimenta una aventura que jamás olvidará, encontrando su lugar en el mundo y convirtiéndose así en su propio amo.
Pues la verdad le tenía ganas a está película por varios motivos, primero porque me gustan las películas con animales en especial si hay un perro como protagonista y segundo porque uno de mis actores favoritos aparece en ella que es nada más y nada menos que un veterano Harrison Ford a quien el próximo año le veremos nuevamente como Indiana Jones en la que probablemente sea la última película de la saga o por lo menos con el interpretando al famoso arqueólogo y pues la verdad es que la película no me ha decepcionado, la he visto y me ha gustado mucho aunque eso sí tiene ciertas cosas que no le gustaron del todo y que lastimosamente me obligan a bajarle algunos puntos pero por lo general es una película muy buena que no tiene ningún pierde.
Vamos a ver, uno de los problemas que tiene la peli es que el perro esta hecho por computadora y eso por lo menos a mí molesta mucho y me da lastima ver cómo se han echado a perder estás películas porque en el pasado ponían a perros de verdad que estaban muy bien entrenados y eso para mi era fantástico porque no había necesidad de hacerlos por medio del CGI sino que se tenía que hacer un gran esfuerzo para que estos actuarán y en esta película pierde gracia en ese sentido porque solo crean al perro por ordenador y hacen lo que se les da la gana con el sin esforzarse nada y pues en si eso fue lo único que no me gusto porque por lo demás todo esta bastante bien y no tengo más quejas con la película.
Si bien es cierto que cuando el espectador se dispone a ver El Llamado Salvaje de repente se te vienen a la cabeza películas conocidas y una de ellas es Colmillo Blanco pero lo curioso es que esta no es la primera adaptación que se hace de la novela porque han habido muchas y las que son mas reconocidas son la de 1935 con Clark Gable, la de 1972 con Charlton Heston y el telefilm de 1997 con Rutger Hauer, aún no he visto ninguna de esas películas pero por lo que veo creo que son adaptaciones muy buenas que salieron en épocas diferente así que de mi parte les echaré una miradita porque en si me llaman mucho la atención.
Lo mas llamativo de la peli es sin duda alguna los paisajes y la ambientación, se ve claramente que todo está hecho por medio de efectos especiales y que no hay nada real en la pelicula ni siquiera los animales pero se ve que han hecho un excelente trabajo y eso se les reconoce y ya para terminar lo otro que no me gustó es que este tipo de películas siempre suelen tener duraciones larguísimas y está no es la excepción pero aún así la película se disfruta al cien por ciento, está muy entretenida, tiene buena historia, los efectos son muy destacables y Harrison Ford está genial aunque está muy lejos de ser su mejor actuación pero aún así la película aprueba considerablemente.
En definitiva El Llamado Salvaje me ha parecido una película muy buena y muy entretenida, no pasara a la historia como una obra maestra o un clásico ni tampoco llegara a ser la mejor adaptación de la novela de Jack London pero vale la pena verla porque en verdad que es muy disfrutable y es para todos los gustos.
Una película sin mucho sentido que ocurre en Argentina, el argumento es insustancial y todos los personajes que aparecen en ella tienen más bien pocas cosas que contar lo que hace que la película sea nada interesante y rapidamente olvidable, además conlleva un ritmo pausado que no la ayuda nada.
¿No se le da un aire la portada a la de La vida de Bryan? Bueno, pues a parte de eso, la película también hace referencia en el humor que entraña. Humor absurdo en una parodia histórica. Los obreros romanos acometen una sedeción protestando por su cometido, tanto es así, que el consul Demetrius decice hacer un complot contra Ben Hur, el cabecilla de la revuelta, entonces se entera que es hermano de Cleopatra, entonces en esa posición, decide hacer justicia y ayudar al pueblo. La película posee grandes momentos de humor absurdo y una trama bien hilada. Lo del césar sodomita está genial. Nos da buenos momentazos.
Es una historia real que cuenta una historia de amor entre dos jóvenes que ante las adversidades e imposiciones de sus mayores, esperaron el tiempo que fuera para estar juntos. La historia es realmente bonita pues, obedecieron todas reglas y se tuvieron que adaptar a la peliaguda situación de la leucemia del mozo, y entre tanto, se respetaron, se cuidaron y se amaron de la forma más noble posible. No como en estos días, que se intercambian las babas antes de saber sus nombres. El romanticismo, la ternura y la pureza se está extinguiendo.
We Die Young es una pelicula de crimen y accion que se estreno en el año 2019. Esta dirigida por Lior Geller y protagonizada por Jean Claude Van Damme.
Lucas es un joven de 14 años al que la vida de pandillero ha seducido en la ciudad de Washington D.C. Pese a ello, tiene claro que hará todo lo posible por evitar que su hermano de 10 años siga sus mismos pasos. Cuando Daniel, un veterano de la guerra de Afganistán llega a su barrio, Lucas encuentra una oportunidad única para que éste se convierta en el tutor de su joven hermano.
Ultima pelicula de Van Damme y la verdad me ha dejado un buen sabor de boca, tenemos un film donde nos muestra el mundo de la mafia, las drogas, las pandillas y los jóvenes que caen ese mundo, tenemos la historia de dos hermanos y un veterano de la guerra que es Van Damme que ayudara al hermano menor de un joven que vende drogas para que no caiga tambien en ese mundo de la perdición.
Bueno, uno de los detalles que me gustaron fue sin duda alguna el papel de Van Damme, vamos que pensé que serie el típico rol en donde se pelea con los malos les da su merecido y todo eso pero aquí no es el caso, yo jamas me imagine que Van Damme interpretara a un personaje mudo que se comunica por medio de un teléfono, Van Damme no es el personaje principal porque si vemos la pelicula no tiene mucho peso en la historia pero sale allí y lo hace es como para que la gente vea la pelicula, aun asi actúa bien pese a que no diga ni una puta palabra en toda la pelicula pero me gusta ver a Van Damme haciendo otra clase de papeles que no sean el del típico tipo rudo que es duro de pelar.
La historia en si es atrayente y esta muy bien contada, es bastante sencilla pero esta muy bien dirigida y actuada que es lo importante, es entretenida de principio a fin y no aburre en ningún momento, tambien tiene accion pero no es la clásica de Van Damme con peleas, patadas voladoras y esas cosas, tenemos tiros, sangre y una persecución en coche, todo esta bien planteado y pese al poco presupuesto con el que se contó se pudo hacer una pelicula mas que buena aunque le falto tocar mas a fondo el tema de las pandillas pero en si es una pelicula muy buena y es de lo mejor que ha hecho Van Damme en estos últimos años.
En definitiva We Die Young a mi me ha parecido una pelicula llamativa y muy buena, es recomendable a los fans de Van Damme y espero que las próximas peliculas del Belga sean buenas y no sean bodrios como Lukas o Kill Em All que hasta no puedo creer que le vayan a hacer secuela.
Mad Warrior
7
Manolo, la Nuit
Desde que se aprobara el Plan de Estabilización Económica en 1.959 y España abriera sus puertas al comercio internacional y a la revalorización de la peseta, la llegada de extranjeros al país es cada vez más frecuente y en poco tiempo su presencia en las costas se convierte en la principal fuente de ingresos de la economía nacional: el turismo.Nada detiene la llegada masiva de visitantes desde todos los rincones del globo, principalmente de las partes más frías del mismo; esta situación social quedará bien expuesta en el cine, sobre todo en la comedia costumbrista. En ella se trata desde el humor, la burla y la picaresca el choque de culturas y el intento del español medio para adaptarse a los cambios que está imponiendo la exótica presencia de esos extranjeros en busca de sol y playa. José María Forqué o Pedro Lazaga reflejan esto a la perfección en sus obras, pero el prolífico Mariano Ozores también hace hincapié en este fenómeno sociológico.
Llegan los años 70 y el cineasta ha dejado al infalible dúo Gracita Morales/José Luis López Vázquez (en calidad de protagonistas) para trabajar con otros; no tarda entonces en convertir a Alfredo Landa, con quien ya ha colaborado, en su actor fetiche de la década. El sr. Ozores comienza ¨Manolo ¨la Nuit¨ ¨ como si de un documental del NODO se tratase (con narrador incluido) y el primer tema al que enfoca, con marcada socarronería, es el turismo, la alegría de la economía española y de los que salen huyendo de sus tierras por el frío y la lluvia para encontrar el calor de la costa.
También presenta otra alegría, en este caso para las mujeres turistas: la de la figura del llamado ¨celtíbero español¨, el macho castizo de pelo en pecho, maneras rústicas, voz de cazalla e impetuosidad para amar (de ese que ya no existe). Pero dicha figura queda demolida desde el instante en que aparece el protagonista: Manolo Olmedillo, un hombre de baja estatura y gestos neandertales que muchos podrían tomar por el mecánico del pueblo trabaja en el negocio del turismo y es todo un ¨sex-symbol¨ para las visitantes de las playas de Torremolinos.
A lo largo de este inicio el director deja entrever mucha comedia picaresca típica de la época, hasta que entra en escena Susana, la esposa de Manolo, que vive en Madrid permaneciendo ignorante de las correrías de aquél. Es un aniversario de bodas olvidado y una inoportuna llamada telefónica la que da la vuelta a la trama y pone al seductor en fuga para reconciliarse con su mujer. Sin embargo lo que Manolo no sabe es que ésta va a seguir un plan hurdido por su retorcida hermana: hacerle creer que está embarazada de otro hombre.
Ozores y su colaborador Vicente Coello no abandonan la comedia, de inspiración ¨vodevilesca¨, pero desde el desengaño que ha vivido Susana el tono se vuelve más agrio, se introduce el melodrama y el tema del turismo no es sino un pretexto para ahondar con mucha audacia en los problemas matrimoniales, la infidelidad y la posibilidad del divorcio (que no se autorizaría hasta casi una década después) en una España aún dominada por la autoridad de Francisco Franco y los valores tradicionales. Una España cuyo desarrollo se da gracias a la prostitución física y moral y que a la larga acaba atentando contra las buenas costumbres.
Durante los malabares que el guión irá provocando a partir de la farsa planteada por Martina, el cineasta, con extrema mordacidad, enfrenta dos posturas en lo referente a la relación marido-mujer: la de la superioridad del esposo y la sumisión de la esposa, en la que un desliz por parte de ella se condena como la traición más inmoral olvidando ya todos los cometidos por él (¨¡Yo soy un hombre y tú eres una mujer!...¡mi mujer!¨, espeta Manolo en esa incómoda secuencia que hoy retorcería los intestinos a más de uno). Esta relación es la de Manolo y Susana, y hallando su perfecto negativo está la de Pelayo y Martina, de este modo se señala que tan mala es la sumisión total de la esposa y el dominio implacable del marido como la situación contraria.
Con la frase que orgullosa profiere aquélla ¨¡A los hombres no hay que quererles, hay que dominarles!¨ se deja claro que Ozores y Coello condenan a todos y a nadie conceden licencias, y sin dejar de retorcer la trama, que más disparatada se volverá y más enredos y sorpresas acumulará, extranjeras acosadoras incluidas (hasta llegar a lo absurdo cuando Manolo obliga a su mujer y su cuñada a hacer duros ejercicios para prepararse para el falso parto).
Pero para evitar el descontento del público y respetando los esquemas de la comedia de enredo, el guión seguramente propondrá el previsible reestablecimiento del amor por encima de todo y una solución muy casera, muy tradicional y muy española (esa unión de la pareja dejando atrás los turbios sucesos del pasado que de alguna manera se sabe desde el principio). Un magnífico Alfredo Landa en su clásico papel de mujeriego caradura e irritante, y ese genial José Sacristán de nuevo de tipejo insípido y apocado sirven a Ozores y Coello para hacer una ácida descripción de la figura del hombre tradicional, inevitablemente infiel, sinvergüenza, gritón y violento, pero también cobarde, hipócrita y miedoso.
Les acompañan Rafaela Aparicio, Ricardo Merino, Juanjo Menéndez, Antonio Ozores en una brevísima pero hilarante aparición, la soberbia y dulce María José Alfonso y una Josele Román bordando el papel de desquiciante y pérfida instigadora de tensiones, convirtiéndose así en el maestro de ceremonias absoluto en esta suerte de versión castiza de ¨Amistades de mi Mujer¨, mezclando con ingenio grandes dosis de humor grueso y trazos de puro melodrama.
Con su irremplazable carisma Landa demuestra ser uno de los actores que mejor lanza los chascarrillos y frases de Ozores, y ello derivará en una fructífera colaboración, quedando ¨Manolo ¨la Nuit¨ ¨ entre los mejores ejemplos de ésta.
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