es un filme inpecable como para su accion como para su trama es casi inposible pero algo muy justificada tiene una trama inpecable una duracion que no se hace nefasta Un excelente filme de accion escenas de accion magestuosas escena de bombardeo su escenografia la escena final la musica cojonuda las excellentes actuaciones su trama sus cojones para escena de el recuerdo la escena dela salida del pantano el momento con la francesa o italiana y es un filme que no te suelta ni un poco luego de terminar de verla su duracion varia segun la version que veas pero es una pelicula que cuando la olvides una ves que la veas y la recuerdes queras volver a verla. un error la escena de los disaros al barco comerciante un error en la escena una curiosidad es recordada por usar cuerpos reales durante la grabacion.
una pelicula mini documental sobre la banda talking Heads es entretenida pero es muy poco.recordada y ademas uno con el titulo y la imagen del poster uno se imagina mil y un cosas pero es mejor que otros documentales super duper raros y su aparicion en re animator me recuerda ala cabeza del dr.hill y me suena a un gran spoiler super fuerte pero como es de comedia me recuerda mas a un film de horror y no al de una banda que uno solo remember with drugs but i cant remember ist aparicion in happy death day o other filmes que la toman para aser referencia a cosas que pasaran o no un chiste para dr. pues no se pero es buena y es mejor que ver pelis horiblemente locas que parece que ya te saldra sangre por la naris pero es excelente para un domingo o curiosidad si quierres saber a que referencia se referia esa peli ochentera .,,,,
Esta saga tengo que volverle a echar el ojo porque las vi todas pero no recuerdo nada de las anteriores y bueno en si esta es la ultima y la verdad es pasable para tratarse de un film de acción.
Cuenta la historia de Shaw un detective que regresa al servicio después de la muerte de su compañero cuando descubre corrupción policial metida en un asesinato y le ponen una trampa para acusarlo y de remate esta en la jefatura encerrado con muchos que quieren matarlo, por un lado me sorprendió la acción porque no esta mal para nada, mucha bala y peleas que no están mal el problema es que es algo repetitiva y termina cansando pero es algo leve.
El final es predecible y si sabía que también la tipa estaba detrás aunque la forma en que termina como que muy sutil esperaba una muerte para el negro pero bueno es lo que hay aún así para pasar el rato de acción no tiene pierde del todo.
Un hombre corre por las calles en plena noche tras haber cometido un robo a un banco. A ojos de la ley es un ladrón común que debe pagar con severidad el precio de su delito.
Sin embargo este acto oculta una verdad desgarradora, la de la terrible enfermedad de una niña y la de una familia sumida en la más profunda de las miserias...
La carrera de un cineasta clásico tiende a dividirse en etapas por circunstancias creativas o que escapan a su control como el exilio a otro país, fuertes cambios sociales y demás; Alfred Hitchcock vivió sus etapas, y Fritz Lang, e Ingmar Bergman, y por supuesto Yasujiro Ozu, pues la filmografía del maestro nipón, en efecto, consta de dos partes bien distintas: la anterior a la 2.ª Guerra Mundial y la posterior, y entre ellas se aprecian muy bien las diferencias. Los años 30 comienzan en Japón con una grave crisis económica, revueltas de grupos que predican el pensamiento ultranacionalista y reinando la censura en los distintos medios de expresión.
El cine es uno de estos medios, donde se mantiene el interés y el gusto por el llegado del extranjero, sobre todo el americano, y se dan los primeros pasos hacia el sonoro, aunque los problemas económicos y las amenazas de los narradores benshis retrasa su generalización. Ozu ha ascendido a director en los estudios Shochiku, donde se realizan muchos melodramas centrados en la situación social y la generación del momento (algo en lo que éste destaca gracias a ¨Días de Juventud¨ y las casi hermanas ¨Daigaku wa Deta, keredo...¨ y ¨Rakudai wa Shita, keredo...¨; el presidente de la productora, Shiro Kido, se siente satisfecho con él y le ofrece un proyecto más serio y distinto de lo que hasta entonces ha hecho.
Se trata de adaptar el relato ¨From 9:00 to 9:00¨ del autor de origen ruso Oscar Schisgall, inmerso en un ambiente dramático y de suspense. Aquellos que sólo hayan conocido al Ozu de su último periodo de niguna manera lo distinguirán en los primeros minutos del film, que arranca entre calles oscuras y oficinas de policías al más puro estilo ¨noir¨ americano, y para corroborar esto un atraco a un banco mostrado por la cámara con audacia y nervio. El director se regocija en el frenesí de los travellings, en la emoción de la huida y la persecución entre las sombras y usa el plano detalle para subrayar los sentimientos y las pistas en las que se apoya la intriga.
Así, una huella en un cristal, un teléfono descolgado en una cabina, un paquete de cigarrillos tirado en mal sitio, una pistola al descubierto, todo ello contribuye a crear el suspense y la tensión propios de un ambiente de trazos ¨hitchcockiano¨; sin embargo el nipón nos ha engañado, pues este delito no forma parte de una trama criminal de inclinaciones ¨hard-boiled¨, sino que está perpetrado debido a una delicada situación, la de una familia hundida en la pobreza cuya hija está gravemente enferma. El resorte del atraco es, por tanto, la precariedad, la inevitable necesidad y el sacrificio paterno se erige como tema central de la historia.
Así, el entorno se reduce en el siguiente tramo y Ozu se concentra en desarrollar la acción en la desolada vivienda de los protagonistas, que se verá inesperadamente asaltada por una presencia extraña, la del sagaz detective que, haciéndose pasar por taxista, sigue al marido, ladrón del banco, hasta el interior del hogar. De repente, un inesperado intercambio en los roles: el marido ha sido autor del atraco, pero es la mujer la que plena de coraje obliga al policía a punta de pistola(s) a mantenerse quieto; con la niña postrada en la cama y la esposa presa del agobio la atmósfera modelada por el director entre esas cuatro paredes resulta verdaderamente asfixiante, calurosa y tensa.
Su cámara, entonces, se desliza y observa con detenimiento cada rincón de la estancia en una serie de estudiados travellings y vuelve a utilizar el plano-detalle para recalcar la opresión y la angustia. El entorno es triste, austero, reflejo de los agitados tiempos que corren en la sociedad, y adornado a la postre con varios carteles de artistas (Walter Huston) y films americanos (¨Broadway Daddies¨, de Fred Windemere), y es que a Ozu en sus primeras obras no le temblaba el pulso para mostar en pantalla sus influencias extranjeras (lo que cambiaría tras la guerra).
Poco a poco el policía retenido va tomando conciencia de la verdadera situación de los protagonistas, y es el grave dilema moral lo que se impone a su estoico deber profesional. Ya no es la fuerza de la madre, sino la propia voluntad la que le obliga a quedarse, a la espera, hora tras hora sopesando su resolución (de ahí el título de la obra original). Ozu filma ni más ni menos que a seres humanos en la máxima expresión de la humildad, sujetos y resignados a su condición, y sin perseguir grandes objetivos, tan sólo el poder sobrevivir un día más al cuidado de la familia.
Su mirada desnuda la película de toda inclinación al género popular, pues se muestra la realidad en su más honesta, melancólica, sucia, desgarradora e injusta forma, algo que el realizador siempre mantendrá en su cine, aunque decantado hacia una mayor exquisitez formal. Finalmente la bondad, la abnegación y el deber perfilan la lección moral en un gesto trágico pero comprensible. Mientras Tokihiko Okada y Togo Yamamoto (como ese duro detective al estilo americano) se muestran correctos aun con sus limitaciones artísticas, la magnífica Emiko Yagumo (que ya dejó patente sus habilidades para el drama en ¨Fue no Shiratama¨) sobresale entre ellos, no sólo por ser la única mujer del reparto, sino por esa capacidad innata que posee para transmitir todo un crisol de intensas emociones con un gesto o una expresión; junto a ellos dos actores fetiches de Ozu en breves apariciones: Chishu Ryu y Tatsuo Saito.
El director daría un paso importante en su primer periodo a través de este duro drama social adornado con pinceladas de cine negro e impregnado del espíritu de Frank Capra, Mervyn LeRoy o el Howard Hawks primerizo, fuertes referencias para él.
De algún modo su trabajo cambia, evoluciona y tiende, paulatinamente, a volverse más pesimista con el tiempo, además de seguir nutriéndose de géneros extranjeros (¨Umarete wa Mita, keredo...¨ y ¨Dragnet Girl¨ serán los mejores ejemplos).
Un hombre recorre las calles de Macau, bañadas por la oscuridad de la noche y el intenso resplandor de los neones, sólo con una misión en mente, una misión de venganza dispuesto a cumplir, pero...¿qué significa la venganza cuando lo has olvidado todo?
El ¨thriller¨ asiático estaba viviendo un buen momento fuera de sus fronteras a mediados del 2.000. En concreto Johnnie To era laureado en festivales internacionales gracias a ¨Exiled¨ y ¨Election 2¨, ambas secuelas; en ese momento los productores Laurent Pétin y su esposa Michèle, quienes habían distribuido algunos trabajos del chino en territorio francés, se le aproximan con la idea de realizar una coproducción con un actor no asiático en el papel principal.
Esa idea, que entusiasma a To, también es ofrecida al legendario Alain Delon (protagonista de uno de los films más influyentes en la carrera del director: ¨Le Samourai), quien primero acepta pero luego se muestra reacio al conocer las pautas del guión escrito por el compañero del anterior, Wai Ka-Fai. Tras este rechazo los Pétin, lejos de rendirse, consideran para el papel al artista y también actor Johnny Hallyday, del cual To no ha oído hablar (al contrario que él, que es un fan de su cine). Durante la espera éste ya ha dirigido cuatro películas y ha servido de productor en otros tantos proyectos (¨Accident¨, la serie ¨P.T.U.¨); el de ¨Vengeance¨ se pone por fin en marcha...
Como su título indica esta es una historia de venganza, áspera, brutal y sobre todo clásica, cuyo detonante, misión y final son siempre los mismos, y ninguna de esas claves varía aquí. La matanza sin cuartel de una familia en Macau desata la ira y sed de sangre de un misterioso personaje cuya identidad iremos descubriendo poco a poco, Francis Costello, padre, suegro y abuelo de las víctimas, objetivos de tres despiadados asesinos a sueldo, quien no duda en salir de su París natal para recorrer las calles de Macau en busca de alguien que le ayude.
Durante este tramo, Ka-Fai y To evocan con cariño el clásico de Melville (siendo el apellido y el ¨look¨ del protagonista un buen ejemplo de ello), aunque subvirtiendo su orden y personajes; ahora el Jef de aquélla es un hombre más próximo al Kersey de ¨Yo soy la Justicia¨ o al Katayama de ¨Sun Scarred¨ que busca vengarse, y los asesinos con los que se cruza por casualidad en un hotel reemplazan al de Melville (en la rueda de reconocimiento se puede observar bien esta inversión de roles). Tres asesinos que aceptan el encargo de Costello donde no será más importante el beneficio material tanto como un rígido sentido de la justicia y la ética el cual empieza a aflorar en ellos de repente.
Importante la maniobra de Ka-Fai: al manejar un argumento de movimientos previsibles y manidos personajes-tipo (como Fung o ¨Primo Tony¨), dota a sus protagonistas de gran carisma y decide centrarse en la relación nacida entre estos hombres de nacionalidades diferentes pero unidos por un objetivo común y un sentimiento de amistad y deber reforzado con el avanzar de los acontecimientos, que ayudarán a que tanto ellos como nosotros conozcamos al enigmático Francis, un antiguo asesino a sueldo reciclado en chef aquejado de pérdida de memoria progresiva por un trágico accidente del pasado.
A los rebotes ilógicos de esta trama que no puede esconder la pura serie ¨B¨ en la que se enmarca (pese a su pretensión de disfrazarse de producción de primer orden por su exquisita técnica) acompaña la cercana radiografía que se hace de los personajes, sus motivos, intenciones y sentimientos. To también transgrede ligeramente los códigos de estos ¨thrillers¨ al presentar el duelo entre villanos y ¨buenos¨ no en el clímax de la historia, sino en pleno Ecuador (esa batalla nocturna en el bosque donde el director, a través de una factura técnica impecable, combina su gusto por el ¨western¨ y el ¨neo-noir¨ dando como resultado un espectáculo tan bello como feroz).
Ka-Fai hace que del contrato entre Francis y los tres profesionales nazca un vínculo más allá de las estrictas normas (como vemos éstos decidirán enfrentarse al jefe) y bifurca los caminos de la trama para plantear dos venganzas, aunque en este caso la venganza no deja de ser un pretexto para reparar en los fuertes lazos de la amistad, surgidos de la desgarradora fatalidad del destino y la maldad humana. To hace así los preparativos para llevarnos a un arco intenso y excitante donde repara con mucho detalle en la puesta en escena y la belleza de la violencia; la matanza alcanza matices casi poéticos.
En esto sirven de gran ayuda la excelente labor de Cheng Siu-Keung a la fotografía, el montaje de David Richardson y la música de Lo Tayu, y es que a efectos técnicos el film es cautivador; pero el director no tiene vergüenza de mostrar sus fuertes influencias, que van desde DePalma, Peckinpah (el duelo en el descampado no puede recordar más a ¨Grupo Salvaje¨) y John Woo (con especial atención en ¨A Better Tomorrow¨) al ¨noir¨ más clásico y contundente (el de Chabrol y Melville), con algún toque a lo ¨Memento¨. Entre tanto unas buenas interpretaciones, las de reconocidos actores chinos y habituales de To como Anthony Wong, Lam Suet, Lam Ka-Tung, Michelle Ye o Simon Yam, de nuevo de villano.
Pero si las miradas han de recaer sobre alguien es sobre ese gran Johnny Hallyday, quien a sus largos 66 años aún mantenía una presencia magnética y un carisma arrollador; nos dejaría hace ya tres años, pero la mirada cortante que arrojan sus escrutadores ojos sigue preservando la misma fuerza.
Pese a su conocido argumento, las ¨bonitas¨ incongruencias que To introduce en éste y sus ligeros toques de humor, ¨Vengeance¨ no deja de ser un implacable, áspero y sombrío ¨thriller¨ inscrito en la mejor tradición del cine negro, el cual le valdría a éste el éxito en taquilla y el reconocimiento en muchos festivales internacionales, como el de Cannes, donde hasta compitió por la prestigiosa Palma de Oro (¡!).
Primero y lo primero esta película pensé que sería de otra forma y resultó ser de otra por un lado bastante decepcionante teniendo a tan buen reparto y este director que comenzó tan bien luego decayó con los 4 fantásticos y aquí vuelve a caer otra vez.
La película te cuenta la vida de Al capone tras pasar de prisión comienza a sufrir de demencia y su mente es acosada por recuerdos de su violento pasado, por un lado es muy extraña tiene escenas que nada que ver y otras que no vienen a cuento como cuando mata un lagarto a que viene eso? Así mismo esos recuerdos se entiende que sufre de demencia pero todas estas escenas se hacen extrañas como la de los ojos también y eso hace que el espectador se quede como raro en su desarrollo.
Tom Hardy me parece sobre actuado no se pero con todo ese maquillaje y esos gestos y lenguaje no me convence o será que así fue ese hombre por otro lado tenemos a Linda Cardellini como la mujer que poco aporta también, y bueno la mejor parte de esta película es cuando comienza a matar a todos con su pistola la única escena brutal en muchos sentidos ya que por lo demás aburrida y loca en muchas partes.
Esperaba mucho más al ver el tan buen ttailer y si bien no es del todo mala yo esperaba mas aunque la directora su anterior era relento aquí cambia se registró a una película de venganzas, en este caso Stephanie una mujer común que se autodestruye después que su familia muera en un accidente de avión en el cual descubre que fue provocado entonces entra en plan de venganza.
El entrenamiento con Jude Law el cual es un agente la entrena de una manera brutal para luego meterse en este mundo oscuro y eso es lo que decepciona pues la comparaban con peppermint y no llega a ese nivel para nada y eso se debe a Blake Lively la cual me encanto en a simple favor pero aquí a su personaje le faltó más fuerza pensé que iba a asesinar y poder pelear tan bien pero nunca lo consigue solo un poco en el final en el autobus pero nada más.
Siento que la directora le faltó exprimir más accion porque había para más y lo poco que hay no está mal pero queda debiendo y como dije el final es lo mejor pero queda abierto cosa que dudo que se haga ya que fue un gran fracaso y eso que el trailer se veía genial y no fue así.
Es la historia de siempre auge y caída de una artista pop que pudo haber sido no se de jazz o de gospel por esa voz tan característica de su raza pero se fue por otra vertiente, al ser melomano me vi esté docu sin mucho interés ya que Whitney Houston no es santa de mí devoción pero respeto esa voz que se manejaba, me gustó y también la forma tan respetuosa de Kevin Macdonald de retratar a Whitney aún en los pasajes más aterradores no toma partido ni la juzga la ve desde el retrovisor como está chica de clase media alta se enrumba a ser una de las cantantes más conocidas y mediáticas del mundo y como la caída es tan estrepitosa en un torbellino de drogas,divorcio una hija a la quería y la termino ajusticiando por no pasar lo que ella sufrió en su infancia, faltaron varias cosas como el síndrome de Diógenes que sufrió y su adicción al crack que se dice pero queda como anectodata o como termina enrollada con el meth, se le pudo sacar más provecho a Bobby Brown aunque creo con conceder una entrevista se dio mucho para su posición de ser el que todos culpan. Buen documental para el fan y curiosos
Que gran obra con una Saoirse Ronan imperial, dura, rígida, escalofriante de cómo te labras un destino incierto en lo personal si se le acusa de casi teatral sus primeros cincuenta minutos sin desperdicio en un seudo puzzle de está pareja de recién casados y su noche especial, es una lástima que sea desconocida por qué es una gran pelicula que tiene el sello de clasica, perturbadora historia de amor aunque tenga ese final hollywoodense
El debut de Lukas Moodysson del que se dijo era el nuevo lars von trier nos presenta una historia bonita para millenials aliados de la comunidad del arcoiris representados por dos chicas de instituto de clase media sueca y sus vaivenes de juventud película sobrevalorada y lo peor quien fue el idiota que la etiqueto de culto a una película que no envejeció bien y que más parece la tesis mediocre de un estudiante de escuela de cine bueno eso es moodysson
Y el mediocre sueco Lukas moodysson se nos va a estados unidos con financiación incluida a contarnos una historia de una pareja de clase media alta en horas bajas por qué ella una médico súper ocupada dónde no tiene descanso ni el domingo y el un empresario tecnológico en ciernes se da una gira por la empobrecida filipinas mira que bonito moodysson llevando a un tipo que ha inventado un juego de videos a la prospera filipinas que tipo este pero bueno sigamos después de la pareja se nos presenta la dulce sirvienta de está pareja que como buena inmigrante envía sus dolaritos a sus hijos allá en el paraíso filipino dónde los truanes de sus familiares se lo quedan y no va a lo que la pobre sirvienta quiere invertir en todo ese periplo financiero estan los apesadumbrados hijos de la sirvienta cuidados por su anciana abuela que no sabe cómo explicarle por qué su madre se fue al gabacho y el amigo moodysson como buen cirujano de mala praxis nos da el pastel con estos niños que por cierto que grima en toda el desarrollo preguntándose el uno al otro por qué su madre los ¨abandono y taran taran van directo dónde un altruista turista que lo encuentra para ofrecerle un dinerito a cambio de un paseo masaje corporal y nop te cuento cómo finaliza está historia estúpida del inflado sueco que sigue en su mejor quehacer y por eso lo admiro seguir tomando a productoras como la del amigo von trier y el gobierno sueco a través de los impuestos de sus compatriotas,. Eres grande Lukas estafas moodysson
El mediocre de Lukas moodisson nos regala otra lastimera, burda y de pañuelito Kleenex en su lilja forever de la época post sovietica cuenta las peripecias de está chica de hogar desestructurado en un barrio de vagos que por cierto ella lo es donde se prostituye se dopa por aquello que viene del mismo infierno y lo ve como una salida para su triste panorama pero el amigo moodisson se empeña en llevar a su personaje a los límites obsequiandole un niño vago como si de una madre soltera se tratara la pobre lilja buen camuflaje lo del pequeñín y se vuelven en cual aventura desafortunada para llegar a un clímax lamentable y estupido final de los peores que he visto en mí vida cinefila y así termina las peripecias de la pobre lilja solo faltaba que se fuera al pueblecito de aquellas niñas de fucking amal otra idiotez del sueco que tuvieron el atrevimiento y la sinvergüenzas de decir que era el nuevo Lars Von Trier. Lo único que se salva de las quema de está infame producción es el gran track de esa banda de culto británica Ladyytron con su destroy everything you touche
Mientras espías internacionales se matan entre ellos por conseguir archivos de Estado súpersecretos que impliquen algún conflicto entre naciones, timadores de tres al cuarto ejercen sus artimañas para estafar a los inocentes turistas.
¿Cómo podrían estos dos mundos, tan alejados y diferentes, colisionar en las playas de Torremolinos?
1.968 fue un año convulso para la sociedad a nivel global. En España la situación no es muy distinta, con huelgas y movilizaciones estudiantiles y los primeros atentados de ETA, pero aún se vive bajo el mandato de Francisco Franco y lo verdaderamente importante es el ¨boom¨ económico que se está viviendo. En la ficción se lucha por expresar los ideales de la época, aunque eso lleve a sufrir la censura; en este contexto el cine también busca servirse de la evasión con films de género, y uno de los más lucrativos era el de agentes secretos, con las hazañas del británico James Bond a la cabeza.
En nuestro país se llevaba la comedia costumbrista con miras a los cambios sociales, siempre dentro de lo moderado, y la aceptación de la invasión turística, pero como estaba de moda, la industria española, a veces en coproducción con otros países, también se dedicó a fabricar sus propias aventuras de espías, asesinos y agentes internacionales.
A menudo se hacía desde la seriedad (¨Misión en Jinebra¨, ¨Con la Muerte a la Espalda¨) o bien desde el humor, burlándose de los estereotipos del género (¨Ok, Yevtushenko¨, ¨Espi...ando¨), algo a lo que se aficionó Mariano Ozores durante su primera etapa, cuando lograba gran éxito en taquilla gracias al dúo formado por José Luis López Vázquez y Gracita Morales. Tras demostrarlo en ¨Operación ¨Cabaretera¨ ¨, el director se dispondría a filmar de nuevo con ambos en la maravillosa Costa del Sol ¨Objetivo: ¨BI-KI-NI¨ ¨, la cual desde los mismo créditos iniciales ya juega y parodia las claves del cine de espías y James Bond, sobre todo.
El elemento culpable de los alocados acontecimientos que van a desencadenarse es, como ya hemos visto en otras ocasiones, un microfilm, por el que varias organizaciones secretas se matarán a conciencia. A la vez que estos hechos ocurren en territorio extranjero, en las playas españolas el panorama es bien distinto, con los turistas abarrotando las playas y siendo víctimas de los clásicos caraduras timadores, como Acacio y Justina, una pareja que actúa en Torremolinos y cuyas argucias tienden al fracaso; Ozores recuerda el cine de chorizos y estafadores de clase baja inspirándose en ¨Los Tramposos¨ (el timo de la estampita nunca se olvida) y no tarda en cruzarlo con su parodia ¨bondiana¨.
El embrollo arranca al tragarse Acacio el susodicho microfilm, siendo él y Justina perseguidos sin cesar, como el Thornhill de ¨Con la Muerte en los Talones¨, por las atractivas y peligrosas subordinadas de un extravagante villano llamado Marqués; el realizador, haciendo gala de unas técnicas que ya serían imposibles de hallar en su carrera posterior (destacando una puesta en escena sofisticada y métodos de filmación bastante experimentales, teniendo en cuenta su cine costumbrista) nos mete de lleno en la intriga y la emoción mezclando humor grueso y disparatado de la escuela de Donen y Edwards y acción desenfrenada.
Además de esto cobran importancia los tonos picarescos con los que adorna la historia, los cuales abren el camino a una asimilación total del gusto por lo erótico-festivo, seña de identidad de sus comedias en décadas futuras; tonos dados por la caracterización que brinda a Acacio, y del que se sirve para ofrecer una visión ridícula y torpe del macho español, a quien nunca dejarán de acorralar las guapas villanas sin conocer sus verdaderas intenciones ni la existencia del microfilm. Mientras tanto Justina se desvive, pero no por salvarlo a él, sino a lo que hay en su estómago (nunca se sabrá quién de los dos es más sinvergüenza).
Ozores maneja una trama parecida a ¨Operación ¨Cabaretera¨ ¨ en la línea de la recién estrenada ¨Casino Royale¨ británica donde va desplegando una sucesión de ¨gags¨ absurdos, como los personajes (parodias absolutamente bufonescas, casi grotescas, de aquellos que ocupan las películas de espías, y el sr. Marqués es el mejor ejemplo). Secuencias divertidas y alocadas preparan el terreno para un desenlace que ya se pronosticaba desde la mitad del metraje; el nivel del disparate es tal que veremos en una escena imposible a Gracita Morales disparando a lo Peggy Cummins contra una ambulancia desde un descapotable.
Por otra parte, ésta, cada vez más hundida en su amargura y su trastorno mental, no dio un rodaje precisamente agradable a Ozores y al resto del equipo, llegándose muchas veces a situaciones insostenibles por su carácter explosivo y su mal temperamento; en pantalla, claro, todo es ficción y ella resulta tan carismática y graciosa como de costumbre. López Vázquez, por el contrario, sufre las inclemencias de un guión que le vuelve a representar de manera repelente, con desvaríos a lo macho alfa (cuando eso no hay quien se lo crea) y una actitud tediosa y desquiciante para con su pareja (mientras Acacio debe actuar como un español viril ante una chica guapa, Justina no puede ponerse un bañador actual).
Acompañándoles disfrutamos de secundarios como Emilio Laguna, Alicia Tomás, una preciosa Marisol Ayuso y ese Antonio Ozores impagable como villano chiflado, primo castizo del Emilio Largo de ¨Operación ¨Trueno¨ ¨, sin duda el mejor personaje de esta mofa de las aventuras de Bond con todos los tics de los films de espías: descapotables, agentes internacionales, lujosas mansiones y las muchas jóvenes que se van paseando en ropa interior toda la trama como si nada.
El sr. Ozores perfecciona lo hecho en ¨Operación ¨Cabaretera¨ ¨ y demuestra que puede hacer algo más que comedias costumbristas al uso; la película, pese a los grandes problemas de rodaje (todos causados por Morales) resulta otro gran éxito de taquilla.
El Japón de finales de los 40 está cambiando. La presencia americana modifica todos y cada uno de los medios de expresión imponiendo su voluntad; su intervención en el cine se basa en destruir los films realizados durante la guerra, reorganizar las productoras e incitar a rodar obras en defensa de los valores de la democracia.
El tradicionalismo es sustituido por los estilos neorrealistas y las influencias occidentales. Kenji Mizoguchi se ha convertido en presidente de Shochiku, pero pronto presenta la dimisión de su puesto en el sindicato; éste ha sabido siempre ajustarse a la realidad del momento: en tiempos de guerra filmaba propaganda, ahora dramas sociales donde presenta sin tapujos sus ideales más liberales; además, descubrir a Rossellini le ha influenciado mucho. Tras la áspera y salvaje ¨Mujeres de la Noche¨ la productora le ofrece rodar un guión escrito por Kaneto Shindo basándose en una obra del autor Kogo Noda.
La historia está tratada desde el espíritu militante e izquierdista, y relata una parte de la vida de Higeko Kageyama, importante activista y combatiente socialista que durante la convulsa Restauración Meiji luchó por los derechos de la mujer y su libertad contra las ataduras de la tradición. El inicio es un perfecto reflejo del sentimiento contestario del momento, con una manifestación en las calles de la Okayama de 1.884 en defensa de los derechos del pueblo, rindiendo pleitesía a una activista real, Toshiko Kishida, antes de la aparición de Eiko (trasunto de Kageyama), que inspirada por aquélla decide formar parte del movimiento por los derechos humanos.
Mizoguchi se siente a gusto plasmando sus ideas liberales en pantalla y aborda los temas que le obsesionan con total libertad y desde un realismo sórdido, amargo y crudo; establece el choque de mentalidades comenzando por la familia de la protagonista, que se revela contra el brutal autoritarismo del padre (perfecta imagen del japonés de la era Meiji) antes de tomar la importante decisión de marchar a Tokyo y unirse al Partido Liberal, dirigido por Kentaro Omoi (en realidad Oi Kentaro), mientras su sirvienta, Chiyo, se vende como prostituta para ayudar a sus padres. El cineasta puede expresarse con libertad y no duda en lanzar furioso su perorata.
Condena la corrupción política y la maldad del militarismo y las clases altas, rechaza cualquier remanente del Japón feudal, aboga por la renovación cultural inspirada en las tendencias llegadas de Occidente y lucha en todo momento por las masas desfavorecidas (siendo un perfecto ejemplo la honesta recreación que lleva a cabo sobre las revueltas de Chichibu, en las cuales participa el Partido Liberal); aunque, por encima de todo y como de costumbre, se alza a favor de la mujer, pues considera que lo político (la idea, la manifestación, la libertad) ha de expresarse a través del drama y el destino femenino.
Esto quedará mejor tratado que nunca en ese insoportable tramo de película centrado en la condena de Eiko junto a las mujeres de la factoría, donde Mizoguchi hace por crear una atmósfera realmente agobiante y abrasiva con el objetivo de ponernos en la piel de las mujeres, que resultan ser las víctimas en todos los casos: de la opresión, la cobardía, la ignorancia, la barbarie, el salvajismo encarnado en el hombre; de hecho ningún personaje masculino protagonista, ni uno solo (lo que se lleva mi personal desaprobación) obtendrá la redención ni la simpatía, desde el padre hasta el marido pasando por el patrón esclavista, los guardias de la prisión o el militante político.
Y es que incluso el dirigente progresista (Omoi), que tanto dice defender la libertad de derechos y la democracia y apoyar la causa femenina, acaba quedando por obra y gracia del realizador como un cínico sin escrúpulos que engaña a Eiko, cosa que admitirá sin problemas. En efecto no hay esperanza para la mujer en un mundo dirigido y gobernado por las acciones y las palabras de los hombres, y la protagonista, seguidora ferviente de Juana de Arco (sobre la que escribe), es sin duda el bastión que se erige en contra de esta terrible injusticia, para abrir los ojos de los necios, para dar voz a las mujeres maltratadas y condicionadas por la sumisión.
¨Amor en Llamas¨, continuación en espíritu e ideales de ¨La Victoria de las Mujeres¨, es de nuevo un híbrido con respecto a la técnica y expresión de Mizoguchi, conteniendo a la vez secuencias fríamente realistas (destacando por encima de todas la crueldad de los maltratos dentro de la prisión), momentos líricos y grandes tomas de rebelión política; su estilo formal es heterogéneo y mezcla rigurosos planos-secuencia y de masas en inmensos escenarios con escenas íntimas y dramáticas en decorados interiores reducidos. El conjunto es, sin embargo, de una destacada belleza formal.
Su musa del momento (de la que se dice que está locamente enamorado), Kinuyo Tanaka (intelectual, comprometida y una de las primeras cineastas japonesas a partir de 1.953), da vida orgullosa, y ello se aprecia en pantalla, a Hideko (bajo un nombre ficticio), de nuevo condenando la situación de la mujer en la sociedad y su opresión sufrida por el poder masculino; ella es la estrella y Mizoguchi la filma como tal. A la sombra de la imponente actriz unos buenos secundarios como Ichiro Sugai, Eitaro Ozawa, Mitsuko Mito y Kuniko Miyake en la piel de Kishida. La película es signo de los tiempos y su mencionada belleza está al servicio de un pesado y aparentemente necesario didactismo.
El realizador queda insatisfecho comprendiendo que su arte se antepone a toda demostración militante, en especial cuando es considerado un académico por la crítica; así pues orientará sus trabajos en la búsqueda formal y estética para alcanzar la perfección (cuya cúspide será ¨Ugetsu Monogatari¨), y lo que anunciaba su hermosa ¨Utamaro y sus Cinco Mujeres¨ y sus amargas observaciones sobre la prostitución serán la base estilística de una serie de obras exepcionales...
Excelente película!! No cabe duda que es una de las mejores cintas de los 80! Me ha encantado!
Todos los actores deslumbran, inclusive Jack Nicholson que, a mí parecer suele repetirse pero aquí, si bien se repite, está fenomenal!
La dirección es magistral: es como si Steven Spielberg y Martin Scorsese se hubieran funcionado ya que está increíblemente bien dirigida.
La producción es bastante grande, debo reconocer, con escenas repletas de extras y lindos decorados.
Continuando con lo anterior, los decorados se lucen de tal forma, en parte, debido a la alucinante fotografía proveniente del gran Vittorio Storaro.
El final ha logrado emocionarme bastante!
Como crítica negativa puedo decir dos cosas: los testimonios en el medio de la cinta molestan un poco ya que te ¨despegan¨ de lo que estás viendo (yo hubiera puesto algunos al principio y otros al final) y la ideología del film apoya a la revolución armada, algo que me repugna pero, en términos generales, es una excelente película.
Muy recomendable!!!
No sé si el comic es fiel pero me alegro ver una peli de acción de altura.
Al principio se hizo lenta pero cuando empezó la pelea se hizo muy rápida con una profundidad en el personaje y que la conexión con el niño indio era muy bonito
Quizás lo malo del film es que alguna veces es la cámara esta demasiada pegada al personaje y choca un poco con el personaje en cuestión
El italiano Gillo Pontecorvo es uno de los genios del cine político. En los convulsos, idealistas y politizados años 70s rodó un puñado de filmes ( La batalla de Argel, Operación Ogro y Quemaida) que se volvieron clásicos en la forma de abordar temas sociales polémicos (el colonialismo, el imperialismo, la revolución social) y que estaban en el centro del debate en ese momento.
En 1968 Marlon Brando había rechazo uno tras otro los proyectos que le habían propuesto, hasta que le llegó la propuesta de Pontecorvo de viajar a Cartagena, Colombia y rodar “Quemaida”, un drama con mensaje anticolonialista, que le encantó al actor, y que pasaba perfectamente como un film de época y aventuras. El film funcionó bien en taquilla, gracias a la presencia magnética de Brando y a su fascinante historia de descolonización/nueva colonización común a cualquier país de AL o del tercer mundo, y a la forma de cómo operan las potencias coloniales, sus manipuladoras estrategias políticas, sus intereses económicos, sus sinuosos discursos demagógicos.
Durante el rodaje, Brando y Pontecorvo, con dos poderosos egos, pasarían peleando y discutiendo por quítame estas pajas, pero rodarían un estupendo film, políticamente pedagógico, con un fuerte mensaje, rodado en unos años en que se pensaba que el cine, y el arte en general, podían ayudar a reflexionar al espectador y hacerlo tomar conciencia de la necesidad de transformar el mundo.
Rowland Brown es uno de esos curiosos personajes de la edad dorada de Hollywood. Acusado de tener vínculos con la mafia y con el partido comunista, alcohólico, pendenciero, inteligente y exitoso guionista, y posteriormente director de cine con películas tan reseñables como “Quick Millions”, “La carretera del infierno” y “Blood Money”. Steven Spielberg y Martin Scorsese han señalado a Brown como uno de sus directores y guionistas preferidos, lo cual no es poca cosa.
“Hell’s Highway” lanzada por RKO, en 1932, tiene el mérito de compartir con “Soy un fugitivo” de Mervyn Le Roy, el génesis del género de dramas carcelarios y la denuncia de la tragedia de las cárceles de EEUU. La brutalidad de los guardias de prisión, las torturas medievales y la explotación, realmente una esclavitud, a la que sometían a los prisioneros queda retratada por esta película de Brown. El guión se inspiró en el caso real de la muerte de un joven recluso de nombre Arthur Maillefert, torturado por los guardias hasta la muerte dentro de la denominada “caja de sudor”.
El guión, muy pulp en su variante chaingang, coescrito por el propio Brown, recurre a muchos de los clichés del género, y es una película muy entretenida. Richard Dix (una de las principales estrellas de RKO desde 1929 hasta 1943) cumple como un rudo presidiario que quiere evitar que su joven hermano, que ha disparado contra el hombre que lo denunció y envió a prisión, cometa sus mismos errores.
Una road movie de acción con una historia con muchos ¨frentes abiertos¨, donde las historias de unos y otros se van cruzando, mientras se desarrolla la trama.
Cuenta con buenos actores y una buena idea, montones de tiros y alguna buena escena, y cierto estilo que puede incluso recordar un poquito a Tarantino. Elementos para haber sido una gran película, pero no llega ni de lejos, y es que le falta un algo más.
Más crudeza, algo más de tensión, y sobre todo, una parte final más currada, que es lo más flojo de la cinta con diferencia.
Aún así, me pareció muy entretenida.
¨Es para echarse a llorar. Y pensar que cuando yo planeé este atraco era el atraco perfecto¨. Y es que en este negocio ya se sabe; hay robos que salen a la perfección, pero no siempre es así...
Días difíciles los que tuvieron los españoles allá por 1.981, año de malestar por culpa de la crisis, el terrorismo y el desorganizado gobierno de Adolfo Suárez, un año en que todos presenciaron al coronel Tejero dando el golpe de Estado el 23 de Febrero cuando se iba a pronunciar el nombramiento de Calvo Sotelo y para rematar, tres meses después, el gran atraco al Banco de la Plaza de Cataluña; en este contexto socio-político el panorama cinematográfico vería dichos sucesos expuestos algo más tarde en ¨Asalto al Banco Central¨.
Otro realizador, sin embargo, no se podía mantener más lejos de todos estos problemas, por lo menos en lo que a su profesión se refería, y ese era Mariano Ozores, quien a pesar de la tormentosa crisis nacional estaba en la etapa más lucrativa de su carrera gracias a sus colaboraciones con la pareja Pajares/Esteso, con quienes ya llevaba realizados cinco éxitos de taquilla. Llegado 1.982, cuando el francés Édouard Molinaro estrena su genial ¨Pour 100 Briques tas plus Rien!¨, a Ozores, habiendo dado su versión cómica del mundo del boxeo, los casinos de juego y la prostitución, también le apetece descolgarse por el cine de robos y atracadores.
Esta producción no la firma Ízaro Films, sino la compañía de José Luis Bermúdez de Castro, y en ella el director no ocultará las alusiones, directas y tajantes, que realiza sobre el atraco en Barcelona y la situación que atraviesa el país en ese momento (lo que demostrará el título, en referencia a las palabras de Tejero, o la hora del robo planeado, las 9 de la mañana) recogiendo el testigo de este cine, siempre objeto de parodia en la industria española, inspirándose así en clásicos como ¨Los Ladrones somos Gente Honrada¨, ¨La Pandilla de los Once¨ o la magnífica ¨Atraco a las 3¨.
La trama, como cualquier historia de ladrones que se precie, arranca con la ¨minuciosa¨ prepación del asalto a la sucursal donde se desarrollarán todos los acontecimientos y un control del tiempo absoluto (como el que llevaba Kubrick en ¨Atraco Perfecto¨); entre tanto Ozores nos va presentando a los prinicipales implicados: Facundo, jefe de la banda y empleado del banco, y Aniceto, quienes no dejan de ser los típicos individuos de su cine, dos maridos sinvergüenzas y mentirosos que engañan a sus esposas sin ningún reparo, lo que inclina mucho esta primera parte a la comedia de enredo de toques ¨vodevilescos¨.
Los otros dos son Pedro, un mecánico tuerto siempre cabreado, y Bernardo, personaje que añade una inusual nota dramática al conjunto al tratarse de un anciano dueño de un desvencijado tiovivo que ha de soportar las continuas peleas de su hija con su marido y cómo éstas afectan a su nieto; será, por tanto, el único de esta descerebrada pandilla de cuatro que encuentre la simpatía del espectador, pues la suya es, a pesar de todo, una causa mucho más noble que la de sus acólitos. Como es lógico, unos personajes como estos no pueden tener la suerte de su parte, y las complicaciones empezarán incluso antes del robo, del cual, para más inri, ¡confunden la fecha!
Y no sólo eso: las 10 a.m. se cambia por las 9, el día 9 por el 10 y los 150 millones de pesetas que iban a llegar en un camión menguan hasta 150 mil; así está planteada la farsa y así seguirá, con una de las amantes de Aniceto a punto de dar a luz y el nieto de Bernardo incluidos en el embrollo. Aun así no saldremos del banco y todo el humor se concentrará en ese espacio claustrofóbico y reducido, heredado esto del clásico ¨Tarde de Perros¨; desgraciadamente Ozores, por buen artesano que sea, no es Sidney Lumet, y una vez haya acontecido el asalto el ritmo del film decaerá bastante al tiempo que el ingenio de los ¨gags¨ y los diálogos, aunque la diversión esté siempre presente.
Mientras dentro se intenta buscar una solución desesperada al gran error del grupo de Aniceto, afuera la policía hace por controlar la situación, lo que le da la oportunidad al director de lanzar una afilada y mordaz crítica contra la situación política del momento (nunca se olvidará de los sucesos del 23-F y 23-M) y sobre todo la incompetencia de los dirigentes del Gobierno, mucho más preocupados de las consecuencias económicas que de las pérdidas humanas; pero aun dejando a éstos en el más absoluto de los ridículos, Ozores no decanta su denuncia a un sector o partido concreto (de ahí que el comisario nunca sepa la postura política de los atracadores).
Y es que para él, como siempre ha opinado, todos le parecen iguales, unos corruptos y oportunistas sin entrañas. Andrés Pajares y Fernando Esteso no abandonan la línea de sus anteriores papeles, uno volviendo como el galán que encandila a las mujeres y el otro como tozudo hipócrita; en esta ocasión son Antonio Ozores y Juanito Navarro los que se llevan la mejor parte con sus geniales personajes. Un cuarteto acompañado de los grandes Ricardo Merino, Valeriano Andrés, Alfonso del Real, Paloma Hurtado, esa impagable Rafaela Aparicio y dos de las musas del ¨destape¨ y del director: Beatriz Escudero y Azucena Hernández. Como curiosidad podemos ver al hijo de Andrés Pajares en una pequeña aparición.
Sin alcanzar el nivel de ingenio de ¨Los Bingueros¨ o ¨Yo Hice a Roque III¨, con ciertos tonos dramáticos algo insólitos y con los desvaríos erótico-festivos, por los que tanto se han distinguido las obras de la pareja, fuera de combate, ¨Todos al Suelo¨ no ha llegado a ser tan recordada como otras de sus colaboraciones, por desgracia...
Todo queda inscrito en la clásica parodia del cine de ladrones con sus típicos enredos y disparates, pues el sr. Ozores no tiene más pretensiones salvo las de divertir al público. Yo, por mi parte, la considero una de las más divertidas de la enealogía.
El peliculon
10
Apocalypse now
es un filme inpecable como para su accion como para su trama es casi inposible pero algo muy justificada tiene una trama inpecable una duracion que no se hace nefasta Un excelente filme de accion escenas de accion magestuosas escena de bombardeo su escenografia la escena final la musica cojonuda las excellentes actuaciones su trama sus cojones para escena de el recuerdo la escena dela salida del pantano el momento con la francesa o italiana y es un filme que no te suelta ni un poco luego de terminar de verla su duracion varia segun la version que veas pero es una pelicula que cuando la olvides una ves que la veas y la recuerdes queras volver a verla. un error la escena de los disaros al barco comerciante un error en la escena una curiosidad es recordada por usar cuerpos reales durante la grabacion.Me gusta (1) Reportar