La verdad es que me gusto mas alla de que la historia sea mas que simple y basica.... se cuenta lo que es el interno por la fama del modelaje... ...aqui vemos sexo y lujuria y fracasos tipicos de pobres chicas que van por un sueño y terminan de nuevo sin exito en sus hogares con sus padres y sus antiguos novios.. nada mas basica pero llevadera tipica pelicula de esta tematica, un 6
A mi Speeke Lee nunca me gustó del todo aunque algunas de sus películas me agrandan por ejemplo el remake de Oldboy o la interesante escape plan más alla de eso no me gustan sus películas y esta otra de netflix es un claro ejemplo de que no me gusta.
Larguísima y aparte hay que tragarse el mensaje político racial que deja el director, tiene momentos que no dicen nada y otros de acción que si están bien pero es demasiado larga entre tanto diálogo que te cansa, eso de hablar hacia la cámara no me gusta en películas y le quita credibilidad aparte tiene actores desaprovechado como el gran Jean Reno me encantó verlo y más aún en ese final lleno de acción.
También cuenta esa historia de amistad pero es que no hay hincapié en muchas cosas aparte y de remate el director nos mete imágenes que nada que ver, y peor para rematar el black live matter al final.....
Lo único interesante como ya dije alguna escena de acción y la presencia de Jean Reno. El resto al garete.
Soy fan de Scott siempre le he tenido admiración porque aparte de ser un excelente profesional peleador es buen actor y defiende bien sus personajes.
Ahora bien está película me ha decepcionado porque no es de las mejores de el aunque de los productores de perro salvaje me esperaba algo mejor, te cuenta la historia de Scott que es un luchador de artes marciales que comienza a trabajar como cobrador de deudas para la mafia local y si bien este trabajo parece fácil cada vez se complica más.
El problema es la acción si bien hay alguna escena decente nada que ver con el Scott de otras películas que no se deja pegar y aquí han querido meter algo de humor cosa que queda mal.
Scott esta bien y lleva bien el peso de la película y por el final donde se aprecia más acción y violencia ya que todo lo demás es predecible y algo repetitiva.
Me ha gustado pero tampoco me ha parecido una obra maestra ni mucho menos.
Entretiene y hace reflexionar un poco sobre el mal del nazismo pero, lo poco que cuenta, ya lo sabemos casi todos (no la historia en particular, la cual es mínima; se podría haber contado en una hora menos).
Tiene excelentes actuaciones por parte del todo el elenco pero, el actor protagonista Adrien Brody, no me gusta demasiado como actor. No está mal pero a mí, personalmente, no me transmite demasiado.
Es bastante cruda por momentos, lo cuál está bien para demostrar el horror que se vivía en aquellos tiempos.
Los efectos son excelentes y está muy bien ambientada.
Algo que me llamo la atención es que en ningún momento aparece ni nombran a Hitler.
En términos generales, recomendable!
El tintineo de una campana resuena entre los bosques y las montañas de templo en templo. La portadora es una muchacha arrancada del seno de la tierra, de los brazos de su hogar, para ser lanzada a una sucesión de fatales experiencias que poco a poco trastocan su vida, aunque su fuerza y testarudez le ayudarán a encontrar su ansiada libertad...
De repente el cine en Japón empieza a perder ingresos, y las compañías entran en batalla para competir a base de producir películas con mayor contenido de sexo y violencia; la edad de oro del cine nipón está ya muy lejos y son las jóvenes estrellas y las ¨pinku eiga¨ las que más público llevan a las salas. No se sabe nada de Kurosawa y Oshima ha levantado una polvareda de polémica con ¨El Imperio de los Sentidos¨; entre tanto Yasuzo Masumura, que lleva en el negocio veinte años, decide cambiar de rumbo tras dos ¨thrillers¨, ¨Akumyo¨ y ¨Domyaku Retto¨.
Realizará otros dos de temática histórica, y con la prostitución de fondo, siendo el primero la adaptación de ¨Daichi no Komoriuta¨, segunda novela del aplaudido autor Kukiko Moto, por la cual se interesaría el productor Hiroaki Fuji, quien tras la bancarrota de la Daiei establecería una productora independiente junto al director y uno de sus habituales colaboradores, el guionista Yoshio Shirasaka; para el difícil papel protagonista Masumura escoge, atraído por su fuerza y determinación, a la debutante Mieko Harada. La película se inicia con el eterno peregrinaje de una joven en su búsqueda de libertad espiritual, y durante este viaje examinará sus vivencias pasadas.
Su nombre es Rin, y su historia comienza entre los frondosos bosques de Shikoku, a comienzos de una era Showa dominada por la crisis y las rebeliones ultranacionalistas que van a abocar al país a un estado de conflicto y terrible fanatismo; esta chica, huérfana y acogida por la anciana moradora de una de las aldeas de la montaña, vive sin embargo despreocupada y feliz, trabajando duro y cazando para sobrevivir; su vida entonces se ve truncada cuando esta abuela adoptiva muere y más tarde recibe la inesperada visita de un tipo de aires honorables que quiere convencerla para viajar con él hasta la isla de Mitarai, donde podrá prosperar.
La promesa de pagar una tumba para su abuela y sobre todo de ver el mar son suficientes para embaucarla; de este modo ¨Daichi no Komoriuta¨ retoma lo ya tratado en ¨Tabi no Omosa¨, primera novela de Moto, llevada al cine en 1.972 (una muchacha que recorre el territorio de Seto ansiosa por ser libre, lo cual halla en la mar). Ahora la protagonista no deja el hogar voluntariamente, sino que es engañada y encerrada en un pequeño burdel cercano a la costa, donde trabaja de sirvienta; como de costumbre en su cine, Masumura crea una atmósfera sórdida, sucia y decadente alrededor de la protagonista, expuesta a los más bajos instintos, las perfidias y las maldades de todos aquellos que la rodean.
Por esto mismo Rin maldice su suerte, maldice al ser humano y maldice su condición de mujer, sólo encontrando la paz entre las olas del mar (se identificará a sí misma con los peces), pero su fuerza interior le permite apartarse del oficio al que los propietarios del local desean introducirla; al contrario de aquella chica virgen que sucumbía a ese oscuro mundo al final de ¨La Calle de la Vergüenza¨, Rin se erige contra él demostrando a todos que una mujer puede sobrevivir sin tener que ejercer la prostitución, esto es, sin escoger el camino más fácil y denigrante. Masumura sitúa su cámara sobre ella y la sigue en su experiencia vital en todo momento.
No obstante este drama tratado por el director con la máxima aspereza y amargura, que debería disparar nuestra lástima y compasión por el personaje y ponernos a ojos cerrados de su parte, logra a medias su objetivo precisamente por la actitud que le es concedida a dicho personaje; y es que desde el principio, con sus modales rudos y desagradables, su carácter inestable, terco e irritante y sus arranques de ira descontrolada, nada en absoluto puede hacer a Rin ganarse nuestra simpatía, ni mucho menos su confianza tras decidir ella echar abajo sus propias convicciones al aceptar sin más la sucia vida que antes rechazaba con tanto empeño.
Al final, para hallar el camino de la libertad individual y la máxima liberación de su espíritu, Rin debe lanzarse al infierno de la lujuria, la opresión, el sufrimiento y la esclavitud, sin escapatoria posible...lo cual nos hace repeler aún más sus procederes y mentalidad (si desea volver al mar y huir del burdel, ¿por qué no buscar un bote y salir definitivamente de la isla?, pues en realidad no hay nada que la ate allí, ni siquiera ese joven pescador a quien cree amar). La visita de otro hombre que desea cambiar su destino, ahora un enigmático pastor, determinará el camino a seguir del alma perdida y el cuerpo malogrado de la chica.
Masumura combina la crueldad del mundo humano con la gran sensabilidad procurada por el mundo natural y espiritual, aquél que aspira alcanzar Rin, encarnada por una temperamental Harada, que fue exprimida física y mentalmente por el cineasta para lograr que se metiera a conciencia en la piel de la protagonista; su sentida actuación le valdría ser elegida para interpretar el inolvidable papel de Kaede en ¨Ran¨. Junto a ella grandes secundarios como Eiji Okada, Gen Kimura, Shigeo Kato y en breves intervenciones dos importantes mujeres del cine nipón: la veterana Kinuyo Tanaka, en la última actuación de su vida, y Meiko Kaji, ya muy conocida en aquel momento.
Desagarrador y crudo relato el de Shirasaka y Masumura, que se hizo con varios premios y menciones especiales; sin embargo la falta de simpatía por culpa del extraño e ininteligible personaje principal lo acaba estropeando todo, su imagen de cara al espectador y el devenir de la historia.
El director contó desde luego con mejores heroínas durante su etapa de relación profesional con Ayako Wakao, la indiscutible musa de su cine.
Corren los años 60, que ya han llegado al ecuador de su existencia. En Japón la sociedad está sufriendo multitud de cambios.
Gobierna el Partido Liberal Democrático con Eisaku Sato como primer ministro, quien lleva a cabo negociaciones con EE.UU., apoya la intromisión militar del país en la Guerra de Vietnam y ambiciona la superioridad armamentística nuclear.
Mientras la economía vive su resurgimiento las protestas estudiantiles cobran importancia y las ideologías anarquistas en contra de la tradición se expanden a diferentes medios; en el mundo del cine es esencial desafiar el conservadurismo del sistema. Esto lo pondrán de manifiesto los directores de la llamada Nueva Ola del cine japonés, capitaneada por Teshigahara, Suzuki, Oshima o Masumura, quien en ese momento lleva casi una década ejerciendo y acumulando una serie de obras que destacan por su libertad de expresión y sus ideales incendiarios con respecto a la sociedad y la política.
Tras el gran éxito cosechado por ¨Manji¨ el nipón se propone dirigir la adaptación de ¨Heitai Yakuza¨ de Yoriyoshi Arima (autor de otra novela llevada a la gran pantalla por el director un año después: ¨Red Angel¨), de cuyo libreto se encarga el veterano Ryuzo Kikushima, quien ya escribió para Kurosawa, Naruse y el propio Masumura. ¨Hoodlum Soldier¨ se abre con un primer plano del esqueleto de un soldado que está siendo picoteado por cuervos, su única compañía en el desolador páramo en el cual yace. Esta tétrica y memorable secuencia ya nos pone sobre aviso de los horrores de la guerra y de la repulsión que ésta le causa al cineasta.
La historia nos lleva, a través de la narración en primera persona del protagonista, Arita, a un reducto llamado Sung-ho situado en la ocupada Manchuria de la 2.ª Guerra Mundial, únicamente compuesto de algún local y una base militar donde los soldados aguardan, para su desgracia, su participación en un conflicto que se recrudece a cada día que pasa. Pero pese a ubicarse en este escenario bélico e histórico, Kikushima y el director no pretenden aleccionarnos sobre la guerra, más bien usarla como pretexto, y esto queda patente no sólo con las despectivas palabras que Arita lanza al ejército, al país y a la misma guerra, sino al presentarse como un fracasado que nunca pudo ascender de rango y quedó en simple cabo (tohei).
Este individuo (enteramente el álter-ego físico y emocional de Masumura) debe hacerse cargo de uno de los reclutas recién llegados a la base, Kisaburo, un rudo e indisciplinado que en otro tiempo fue yakuza; junto a ellos comprobaremos de primera mano el ambiente que se respira entre esas cuatro paredes, y nos lo podemos imaginar, pues la base viene a ser el perfecto reflejo del Japón de la época, cuya jerarquía y omnipotencia está ya en sus últimos estertores, donde la disciplina debe aplicarse a través del castigo físico y la humillación, donde el emperador ha de representar la imagen de la esperanza y el respeto e insuflar valentía a los pobres soldados.
Soldados sometidos al inconveniente del rango, que muchos aprovechan para hacer uso y abuso de la fuerza, y al agresivo comportamiento de los oficiales, quienes son descritos como matones, cobardes y ladrones que usan inútiles pretextos cuando la culpa cae sobre ellos y se refugian tras sus insignias de batalla y rangos. Masumura se sirve de su escrutadora cámara para arañar cual papel de lija la superficie e introducirnos entre los pliegues de un entorno asfixiante, constantemente impregnado del aroma de la violencia y la testosterona y dominado por la hipocresía, la injusticia y los más bajos instintos mientras lanza una visión mordaz y bufonesca sobre el ejército y sus oficiales (como en esa escena en la que uno de ellos da un discurso a los reclutas, acompañándolo una música propia de un espectáculo circense).
Lo único sincero, honesto y real será la unión que poco a poco se irá forjando entre Kisaburo y su ¨cuidador¨ Arita, dos hombres acostumbrados a la violencia y al dolor unidos por el hastío, la desesperanza y la pérdida de ilusión (mientras uno deseaba graduarse el otro no pudo convertirse en poeta narrador (naniwabushi) ) que se apoyan en cada momento para sobrevivir al entorno salvaje y deprimente del interior de la base, soportando con su inquebrantable promesa de amistad los golpes, las acusaciones y el horror de la guerra que afuera les aguarda. La culpa (el asesinato accidental de un compañero), la venganza (la del soldado que se finge oficial) y el desamor (el de Otomaru, con la que se establece la semejanza entre los soldados y las prostitutas) no servirán para detenerles.
La abrasiva autenticidad que exhala cada una de las imágenes filmadas por Masumura crea una cautivadora y melancólica armonía con esa atmósfera subyugada a los casi espectrales tonos negros que cubren el espacio fruto de una calculada puesta en escena y el magistral trabajo de fotografía de Setsuko Kobayashi. Shintaro Katsu, para quien la película fue un mero vehículo (su reciente éxito en la saga ¨Zatoichi¨ era enorme), y Takahiro Tamura logran una química indiscutible y dejan entrever entre sus contraídos rostros el gran carisma que poseen.
Les acompañan los buenos Kazuo Umezu, Toshiyuki Hosokawa, Yutaka Nakamura y la bella Keiko Awaji, pilar de ese tórrido triángulo amoroso entre los protagonistas. Lastrada por su denso ritmo y coronada con un impagable desenlance que es enteramente un insulto en voz alta a los valores del ejército y la tradición, el éxito de ¨Hoodlum Soldier¨ daría pie a una serie de secuelas, la mayoría realizadas por Tokuzo Tanaka, de menor calidad.
Masumura se destapa con un drama psicológico feroz y a menudo indigesto de ideales subversivos y antimilitaristas en la línea de ¨La Condición Humana¨ de Kobayashi o de ¨La Colina¨ de Lumet que trata la guerra sin mencionarla y cuya influencia trascendería a obras como ¨Los Chicos de la Compañía ¨C¨ ¨, ¨Corazones de Hierro¨ o ¨La Chaqueta Metálica¨.
Me gustó pero tengo que reconocer que me la esperaba bastante mejor.
La cinta me entretuvo las 3 horas que dura aunque tiene muchos tiempos muertos. Se podría haber contado la misma historia en 1 hora y 30 minutos y todavía sobraría duración.
De todas formas, como a mí me interesa el tema, no se me hizo particularmente pesada y densa sumado a que toca temas pocos conocidos de la vida de esta niña (un romance, por ejemplo).
Las actuaciones son sublimes por parte de todo el elenco.
Es bastante teatral ya que transcure toda en un mismo sitio con diversos personajes. De hecho, no recuerdo si antes o después, hicieron la obra de teatro.
La estética me gustó bastante. Tiene buena fotografía por momentos.
Los personajes que tienen mas interacción se diferencian psicológicamente unos de otros.
Como críticas negativos puedo decir que, como dije anteriormente, le sobra metraje y no profundiza demasiado en el tema.
En términos generales, la recomiendo!
Tengo que reconocer que me ha entretenido absolutamente toda su duración sin aburrirme en ningún momento, pero no terminé de entender la ideología; nunca supe si es anti o pro belicista. Por el año de estreno me daría la inmpresión de que es pro pero por diferentes situaciones que se suceden en el film que es anti, eso no me quedó claro.
El final lo noté sumamente apresurado. Podría tener un final mejor pensado ya que, en un punto, quedó abierto el desenlace; algo que no se veía venir por lo que quedó raro.
Las actuaciones son excelentes, sobre todo para la época. No hay un actor que esté mal.
La fotografía, decorados, ambientación, etc, es excelente!
Tiene algún que otro diálogo bueno suelto por ahí y la historia simple pero, como dije anteriormente, entretenida.
Dentro de todo, recomendable!
En la década de los ochentas en Argentina ve que estaban de moda los ninjas y es un pretexto para meter con calzador en la trama, que vemos nuevamente a la brigada Z haciendo de las suyas, escenas muy divertidas y gags en todo momento, la brigada debe detener a los ninjas que intentar robar un cargamento de plutonio, muy buenas actuaciones de los cuatro agentes, uno más inepto que el otro, pero tienen todo bajo control, Emilio, Gino, Berugo, Alberto y Moría entre otros, la simpleza en las tomas y lo hasta burdo de las actuaciones no dan para calificarla como gran película pero cumple con la función de entretenimiento y eso ya es mucho.
Desde que la nombrarón un día en un capítulo de Médico de familia la tenía pendiente y puse ayer remedio a tal menester. La experiencia no fue nada óptima, pues desde un principio intuí un aburrimiento supino. No sé para que se movieron a Africa para rodarla pues, todas las escenas que aparecen en medio de la vegetación parecen rodadas en un estudio de poca monta, por otro lado, las muchachas enamoradas - sabe Dios porque - del cazador, carecen de personalidad y lo peor de todo es que se enamoran perdidamente del cazador sin conocerce, al igual que él de ellas. Las aventuras en la selva carece de adrenalin, emoción y sustancia, al igual que el entramado amoroso del cual no salen chispas, y para colmo de males, el final es de lo más absurdo que he visto en meses... y por favor, ese Clarck con aspecto de alcohólico repele.
Poco hay que decir sobre esta cinta que aborda el conflicto entre turcos y armenios en la primera guerra mundial pues desde el inicio hiede a insustancialidad que va acentuándose más aún cuando va avanzando hacia un final completamente desaborido. Los personajes interpretados sin alma por todo el planten no transmiten absolutamente nada, aspecto que hace que la cinta decaiga en todo su concepto, asimismo, las escenas, supuestamente dramáticas, no infundan ningún sentimiento y es como mirar un montón de piedras. Película completamente aséptica y por extensión, olvidable.
Spike Lee siempre sorprende con sus peliculas contestatarias y revisionarias sobre la historia de la raza negra y en este caso tiene a la guerra de Vietnam como telón de fondo, cuatro excombatientes regresan al lugar donde se produjo un antes y despúes en sus vidas, la idea es encontrar el cadaver de su amigo muerto en combate y de alguna manera sepultar de una vez por todas sus demonios, y como frutilla del postre tienen que encontrar un tesoro perdido(lingotes de oro)en el desarrollo de la trama se pueden ver partes de documental y personajes de la epoca mezclados muy bien por el director, la pelicula es un drama belico en donde los protagonistas vuelven a la acción ya que los habitantes y algún traficante extranjero que quieren quedarse con el botin no les harán las cosas fáciles, los dos puntos que le bajo a la calificación es por la duración de 2 horas 35 y tambien que en las tomas de guerra cuando recuerdan, aparecen los actores veteranos y no en su plena juventud, aunque ese aspecto me parece que lo hizo adrede.
Muchísimo diálogo. Demasiado diálogo. Poca acción. La pena es que la película prometía, con un buen argumento y muy buenos actores. Lo que pasa es que con tanto diálogo es imposible que los actores brillen. Algunas escenas se salvan y siempre está Ray Liotta de por medio y otras son simplemente irrelevantes. También con tanto diálogo hay conversaciones completamente prescindibles (muchas). Por tanto, la película es decepcionante, pesada, lenta, aburrida, eterna para 1h. 37min. que dura. Con esta crítica recordaré al leerla no volver a ver esta DECEPCIÓN.
Aceptable película de cine negro con una forma muy curiosa de contar la historia, minuciosamente, paso a paso, cada paso que dan tanto los ¨malos¨ como los policías. Papelón por cierto de Edwars G. Robinson, como comisario al que no se le escapa una. Es increíble los esfuerzos e interés de la policía en esta película, haciendo realmente interesante su labor.
Hay momentos en que realmente te preguntas ¨¿y valía tanto la pena todo lo que montan los ¨malos¨ para secuestrar a un tio?¨, y la verdad es que se lo curran, quizás hasta más de la cuenta.
Una maravilla de película no es, pero capta la atención lo suficiente como para disfrutarla.
Me declaro fan incondicional de la cinta Fargo de los hermanos Coen por lo tanto no podía dejar de ver esta película que es como una especie de homenaje, una chica japonesa solitaria e introvertida interpretada por Rinku Kikuchi (Babel 2006) encuentra una cinta de vhs de la película Fargo y se obsesiona tanto que decide ir a buscar el tesoro que en la pelicula uno de los ladrones deja enterrado en la nieve, toda la trama gira en torno a esa búsqueda y el viaje de la chica en cuestión desde Japón hacia Fargo Dakota del norte, la película es un tanto lenta pero a medida que se desarrolla va tomando ritmo hasta el descenlace, sin dudas es original y que nos hace recordar con los escenarios, imagenes y diálogos de la película en cuestión.
Me ha encantado! Película sumamente entretenida la cual no aburre ni decae en ningún momento!
Si bien es cierto que tiene ciertas situaciones algo ingenuas debido a la época del film, yo la he pasado de maravilla viéndola!
Está bien actuada por parte de todo el elenco. Quizás, el que peor esté es Stewart Granger debido a que no me gusta mucho ese actor pero, hay que reconocer, tiene su simpatía.
La historia es divertida y, como dije anteriormente, entretenida.
La pelea final es bastante larga y está muy bien filmada.
Deborah Kerr una genia, como siempre.
Muy recomendable!
Muy buena segunda película de Jim Jarmursch (aún no vi la primera pero me dieron ganas).
Es típica de él en cuanto a los dilemas existenciales que plantea la trama.
Está excelentemente actuada y la estética bien sórdida me encantó.
Como corrección, me pareció que los dos protagonistas se parecen mucho tanto físicamente como psicológicamente por lo que cuesta diferenciarlos.
Sumamente recomendable!
Comedia romántica hindú que transcurre en Inglaterra. Esta es la primera película que vi en el cine y no me gustó mucho y hoy al verla de nuevo me ha complacido muchísimo menos. El principio me ha parecido aceptable pero a medida que transcurrían los hechos se me ha ido haciendo más pesada y deslavada. Kiera Kingley me produce arcadas cuando sonríe, la historia entre la muchacha hindú y el entrenador no es nada el otro mundo y el conflicto que tiene la moza con su familia tradicional no trasciende en ningún momento, tampoco aprueba su humor que al menos intenta hacer gracia. No interesa lo más mínimo y cualquiera diría que está dirigida por una directora hindú y no por un bretón... porque vaya aburrimiento, chato.
Amanece en Madrid. Dos tipejos con pintas no muy fiables salen del metro y recorren las calles para dirigirse al Sureste de la ciudad, hacia una de sus zonas más pobres y conflictivas.
Ambos seguramente no lo saben, pero están a punto de cometer el atraco de sus vidas...
Los cimientos de la España de 1.981 se tambalean como si fuesen de papel. El gobierno derechista de Adolfo Suárez está subyugado a una desorganización terrible y a la repulsión que el pueblo está empezando a sentir por él, continúan los atentados de ETA, el coronel Antonio Tejero da el golpe de Estado en Febrero para impedir el nombramiento de Calvo Sotelo y el Banco Central de la Plaza de Cataluña sufre un atraco espectacular. Poco le queda a este Gobierno para caer ante la arrolladora victoria de Felipe González y sus acólitos socialistas; en este ambiente de malestar se estrena en el teatro Gayo Vallecano “La Estanquera de Vallecas”.
La obra es un texto original del dramaturgo José Luis Alonso de Santos y consigue un tremendo éxito por su crítica social, sus personajes tan veraces y sus diálogos de corte callejero; en los años siguientes se continuará realizando hasta que en 1.986 Eloy de la Iglesia cumple por fin su objetivo de llevarla al cine tras desearlo durante tres años. Cuando quiso encargarse de su adaptación estaba preparándose para la segunda entrega de “El Pico”, ahora que cuenta con un presupuesto considerable y el apoyo del Ministerio de Cultura y de las fuerzas del orden (hecho curioso debido a la corrupta representación de éstas en sus films) está dispuesto a abordar su trabajo más ambicioso hasta la fecha.
Y es que De la Iglesia halla en la obra de Alonso de Santos todos aquellos ingredientes y temas que tanto le gustan y que son sinónimo de su cine; el guión corre por cuenta de ambos más la colaboración de Gonzalo Goicoechea, pero ahora la historia sucede en la España de 1.986, con el PSOE celebrando su segunda victoria y el incremento de los horribles atentados de ETA y de la delincuencia de por medio. Con una calculada puesta en escena y un envidiable sentido del ritmo el cineasta prepara el atraco al estanco en plena Plaza de San Ildefonso, un robo absolutamente chapucero realizado por dos hombres de la calle sin experencia, Leandro y el joven Tocho.
Las víctimas son Justa, una señora con temperamento y viuda de guardia civil, y su sobrina Ángeles (nieta, en la obra); afuera la muchedumbre del barrio, que grita, que se asusta por la terrible situación. Al caos de los primeros minutos, que De la Iglesia factura con intensidad y brutalidad, acompaña un sentido del humor ácido y negro como el carbón; al igual que Justa y la chica hemos sido acorralados entre cuatro paredes de donde la ausencia oxígeno es directamente proporcional al aumento de la sensación de desesperación, pero el director se concentra en los escenarios con el mismo pulso y rápidamente empieza a desvelar su visión crítica y mordaz del entorno, basada en el choque de tres diferentes puntos de vista.
Por un lado el de las fuerzas del orden, duramente retratadas por el ideal comunista del director como poco menos que incompetentes, cobardes y corruptos (a destacar el momento en que el comisario se hace con la cocaína), haciéndose hincapié en su capacidad para dañar más al ciudadano que ayudarle; en el otro extremo están los atracadores, seres sin suerte acostumbrados a la violencia y al crimen y sumidos en la pobreza cuya única vía de salida es practicar la delincuencia; y por último el pueblo, el pobre civil de clase baja que sufre las injusticias de un Gobierno ignorante e hipócrita y a la invasión continua de la criminalidad.
De la Iglesia es consciente del aumento de delincuencia, pero también hace por comprender al delincuente y su condición (así se profundiza en la psicología y sentimientos de los atracadores), y además de apelar a la libertad de expresión silencia a la policía, desconfía de las tretas de los políticos, del sistema judicial y concede voz al pueblo (los proletarios, marginados, drogadictos...), aquí encarnado en ese médico de barrio (inexistente en la obra) que cual justiciero reaccionario a lo Charles Bronson declara que el mal de los ciudadanos sólo puede ser extirpado de raíz por ellos mismos. Un microcosmos social con dos escenarios (el estanco y la plaza) donde todos sus integrantes son, al fin y al cabo, humanos.
Tan cruda, sucia y veraz es la atmósfera que crea De la Iglesia que parece una grotesca representación de viñeta de la España del momento. Dentro, ladrones y víctimas se conocen, se entienden; finalmente todos saben de los avatares del otro, sus dificultades, sus pasados, y los aceptan a pesar de la situación que se ha tenido que desatar para ello. Leandro halla en la dura y bondadosa Justa a la esposa que le dejó, y el loco Tocho a la chica que jamás encontrará en la calle; ni los malos son tan malos ni los buenos son precisamente tan buenos, aunque también se nos dará la oportunidad de acercanos a ellos.
Al intenso montaje de Julio Peña se une la fotografía de Manuel Rojas, la cual resalta los tonos más terrosos de la imagen para lograr un ambiente callejero auténtico, el nervio del cineasta y un genial plantel encabezado por esa monumental Emma Penella que disfrutó mucho de protagonista y un soberbio José Luis Gómez, donde destacan Jesús Puente, Antonio Gamero, Fernando Guillén y Simón Andreu; horrible a más no poder esa joven Maribel Verdú en un papel cuyo fallo es cambiar de personalidad y aspecto de forma tan abrupta (mucho más interesante la Ángeles pobre, fea e inocente que la fulana y descarriada).
Para el incomparable José Luis Manzano éste fue su último film antes de que la droga le fulminase, como ocurrió con Azucena Hernández, quien poco después sufriría el accidente de coche que la iba a dejar tetrapléjica; el director, enganchado a la droga, también se distanciaría del cine hasta mucho más tarde. Pero en la memoria queda este honesto testimonio de una época, regado de humor grueso, violencia cruda y una crítica absolutamente impensable para el cine de hoy día.
Los malos son detenidos, la muchedumbre se ha disipado, la policía se ha ido; son las 9, hay que volver a abrir la tienda y seguir trabajando, porque la vida es así, ni más ni menos...
¨Aquí unos se creen que la llegada del socialismo va a ser algo así como la ruina, y otros el cuerno de la abundancia¨. Y la sentencia queda rematada con ¨¡Qué país!¨.
No hace falta decir más. En efecto, en esta tierra de valores y libertades que es España el oportunismo, la corrupción y la ambición van a la cabeza, y sujetos por un par de cuernos.
Aparte de los buenos y malos recuerdos que dejó el colosal Mundial de 1.982, otros sucesos mucho más importantes estaban vapuleando a nuestro país, que pronto iba a entrar en una nueva era. Sucesos que no hacían sino agravar la crisis y el clima de hostilidad e incertidumbre que se respiraba; el caos del terrorismo siguió a la decisión de Adolfo Suárez de dimitir, eligiéndose a Calvo Sotelo para sucederle, lo que provocó el golpe de Estado por el coronel Antonio Tejero. El Gobierno se derrumbaba y de la confianza del pueblo en UCD no quedaban más que las cenizas, por no hablar de sus luchas internas.
Este desprestigio no tuvo más que una salida para Sotelo: echar a suertes la jefatura del próximo gobierno convocando elecciones anticipadas para el 28 de Octubre. Las alarmas saltaron en todos los partidos mientras los españoles, tras sufrir tantas penalidades por culpa de la Derecha, tuvieron muy claro a quien votar incluso antes de que se barajaran nombres; el partido socialista de Felipe González aplastaría a UCD y lograría el apoyo masivo (aunque la gente no tardó en arrepentirse...), y este nuevo ambiente, dominado con el lema ¨Por el cambio¨, se reflejaría en el cine, siendo ¨El Gran Mogollón¨, ¨Los Autonómicos¨ o la fantástica ¨Nacional III¨ del maestro Berlanga buenos ejemplos de ello.
Pero antes de llegar este acontecimiento el director Mariano Ozores, que vive del éxito gracias a sus trabajos con Andrés Pajares y Fernando Esteso, se separa por un momento de éstos para crear una fábula centrada en esas cercanas elecciones donde ya se había decidido el destino del país, comenzando con la producción para poder estrenar la película el mismo 28 de Octubre (de hecho lo haría 27 días antes). Si bien el sr. Ozores se ha distinguido por sus comedias costumbristas desenfadadas y alocadas, la situación de su país y los cambios en éste siempre han estado muy presentes para él.
Y si en ¨Los Chulos¨ lanzaba una mirada mordaz sobre la corrupción del sistema en líneas generales, ahora arremete sin frenos contra los sucios movimientos y estratagias de los dirigentes por medio del clima de incertidumbre que se vive en un pequeño pueblo donde la noticia del cambio de gobierno ha despertado el temor de muchos y la alegría de otros. En este pueblo tradicional de tendencias derechistas donde todos se conocen y apoyan la ignorancia en secreto, la decencia y la codicia campan a sus anchas y bien se demuestra cuando los distintos líderes deciden avasallar a Nicolás, un humilde representante del PSOE que lleva una autoescuela.
¨El Apolítico¨ halla su más directo negativo (el Enrique de aquélla se lanza a conocer a los presidentes, al revés de como sucede aquí) y Ozores sirve el disparate ridiculizando en extremo las acciones de los políticos y burlándose de cada uno de ellos, porque como veremos el cineasta no concede licencias ni perdón: todos demuestran ser un atajo de cobardes y sinvergüenzas que se juran amistad en la mesa para más tarde promocionar sus beneficios al inocente de Nicolás con la sana intención de que su partido, cuya victoria ya se huele, forme coalición o cualquier tipo de ¨pacto confidencial¨ con los suyos, y así no perder privilegios ni poderes.
Los socialdemócratas, los independentistas, los conservadores, los liberales...todos quieren su trozo del pastel actuando a espaldas de los demás, y de esta soberana patada que se le da a la sana competencia y al apoyo mutuo derivan frases inolvidables como ¨Unas veces mandamos nosotros y otras obedecen ellos¨. La sátira de Ozores es ácida, brutal y negra hasta la médula como en las obras de Berlanga, Bardem, Camus o Wilder, y desvela con una concesión directa a la parodia, su seña de identidad, la descarada manipulación que los poderosos ejercen sobre el hombre medio y trabajador, encarnado en Nicolás.
De hecho él, el único miembro del PSOE, partido al que todos temen, aparecerá representado (dato importante para comprender los ideales de Mariano, quien siempre se ha declarado apolítico) como el único honesto e inteligente, pero subyugado a la codicia tras comprobar las rastreras artimañas de los líderes políticos, que tan pronto son sus amigos como sus enemigos, enfrentándose así dos puntos vista: el de aquél que prefiere rendirse al privilegio prostituyendo sus ideales (Valentina) y el del que prefiere conservar la dignidad por encima de todo (Andrea, la madre de Nicolás).
El absurdo quedará elevado al paroxismo en ese tramo final heredado directamente del cine de Berlanga donde Ozores, en un nada velado homenaje, recuerda su inmortal ¨¡Bienvenido, mr. Marshall!¨ (es decir, que si los americanos nunca se detuvieron en Villar del Río lo mismo pasará con la comitiva de González). José Sacristán, simpatizante del PSOE en la vida real, encarna con veracidad y gracia innata a su ingenuo y algo caradura personaje, acompañándole los típicos secundarios del director (Rafael Hernández, Alfonso del Real, Adrián Ortega, Emilio Fornet, Mari Carmen Prendes...), encabezados por esos geniales Antonio Ozores y Luis Escobar, quien repite a su sinvergüenza marqués de Leguineche, y las preciosas reinas del ¨destape¨ Azucena Hernández y Jenny Llada.
Entre tanta comedia de enredo sobrecargada de chistes chabacanos y desnudos propios del cine de la época, Ozores factura una ingeniosa y demoledora sátira política, no exenta de alocado humor, con discurso final contundente y a todas luces imposible de estrenar hoy día (antes decapitan y entierran al director...), que quedó entre sus mejores obras realizadas en la década de los 80.
Memorable es, por cierto, el gracioso tema principal.
juampis99
6
The Model
La verdad es que me gusto mas alla de que la historia sea mas que simple y basica.... se cuenta lo que es el interno por la fama del modelaje... ...aqui vemos sexo y lujuria y fracasos tipicos de pobres chicas que van por un sueño y terminan de nuevo sin exito en sus hogares con sus padres y sus antiguos novios.. nada mas basica pero llevadera tipica pelicula de esta tematica, un 6Me gusta (0) Reportar