una desconocida pelicula de accion ochentera con gary busey como protagonista,grata sorpresa me lleve con este filme, ya se que la trama es por demas predecible pero para entretenimiento sirve muy bien y no hay que ser demasiado pretencioso en este tipo de peliculas.
ademas suena el tema clasico de rocky, eye of tiger.
Comedia romántica con la guerra fría de fondo que sirve de excusa para crear una comedia sin pizca se gracia. En ella, un jefazo contrata a dos peleles para hacerse cargo de un club y americanizar a los soviéticos. Hay danzas y algunos pillajes, pero el procedimiento del argumento no estalla en ningún momento porque está contada sin consistencia, lo que aburre demasiado. Por otro lado John Travolta está pésimo y sólo ilumina la pantalla su mujer Kelly Preston luciendo pelo encrespado y un cuerpo de infarto. Eso sí, que la metieran en este paupérrimo film para aparecer como un simple florero me parece fatal.
No sé como serán los tres relatos de Chejov, pero lo que tengo claro es que seguramente será mejor que este bodrio absurdo que no hay por donde cogerlo. Para empezar, tengo que soportar al sobrevalorado Mastroniani que no hace ningun gracia como siempre y no despierta ninguna simpatía, y en segundo lugar, el argumento carece de fuerza narrativa y se diluye como azucarillo en café, entraña escenas tan absurdas y patéticas que irritan y se hace larga como un día sin pan. Se nota que está rodada por un ruso. Increible pensar que estuviera nominada a los Oscar y Mastrioniani más de lo mismo con lo horrendo que lo hace.
Lamentablemente la segunda parte no alcanza el nivel de humor de la primera y termina desinflándose palpablemente. Goldie es la que da color a esta comedia en la que el protagonista principal es el sosainas Steve Martin - nunca me hizo gracia -, aunque he de confesar que aquí realiza una escena para el recuerdo que logra partirte el pecho, me refiero a aquella en la que comienza a tontear con su amada y termina apuntando con precisión uno de sus pezones.
La peli es una comedia romántica en la que la mentira es uno de sus condimentos más notorios en la que Goldie se luce marcándose unas líneas humorísticas e incluso absurdas, geniales. Lástima de la segunda parte que pierde el encanto de la primera.
Me gustó!Buen documental dedicado a Narciso Ibañez Menta.
Desde sus inicios siendo un niño actor,su paso por el teatro,cine y televisión . No es una revisión completo,sino sólo sobre terror y suspenso.
Contiene fragmentos de entrevistas,homenajes y también entrevistas a actores,actrices y directores que trabajaron con el(Chicho Serrador y Paul Naschy,entre otros).También habla un poco sobre su pasión por el maquillaje y la carecterizacion.
Me dio pena que algunos trabajos televisivos hechos en Argentina,se hayan perdido para siempre,como El fantasma de la ópera y El hombre que volvió de la muerte.
Muy interesante!
Chow Yun Fat colabora con uno de sus directores fetiche, el malogrado Ringo Lam, en esta segunda adaptación – parcial y no oficial – de The Hunter/A quemarropa de Donald E. Westlake, la primera aventura de su famoso personaje Parker.
Chow Yun-Fat, por entonces ya un gran estrella en Asia, es Ko Fei, el trasunto de Parker: un criminal implacable, aunque con trazas honorables – al contrario que Parker – y que parece que desearía abandonar esa vida y sentar la cabeza con su mujer, la dulce stripper Mona (Ann Bridgewater). Traicionado por un supuesto aliado, que además ha asesinado a su amigo Chung (King-sang Lee), se lanza a la venganza no solo por él, sino por una familia inocente que queda pillada en medio del follón (solo logra salvar a la desfigurada hija y al perro). El tipo en cuestión es Judge, un taradísimo y despiadado atracador profesional que se pavonea con sus aterrorizadas víctimas haciéndoles trucos de magia mientras los tortura y asesina lentamente. Interpretado estupendamente por Simon Yam, Fat y Yam se lanzan a un notable duelo interpretativo.
Y, bueno, no son los únicos. La banda de Judge come aparte de su jefe: Bonnie Fu es Lau Ngang, una atracadora psicópata y obsesa sexual – se masturba durante los “trabajos”, pues la violencia la pone como loca - que se ríe como una hiena; Frankie Chi-Leung Chan es Psycho, que es lo que su nombre indica: una descerebrada máquina asesina. Luego está el interesante y acertado papel de traidor del actor Anthony Chau-Sang Wong: el exmejor amigo de Ko Fei y primo hermano de Judge, que causa todo el follón solo porque quería pagar el funeral de la madre de Fei, que no tenía dinero para costeárselo y una cosa llevó a otra (como dicen, los cementerios están llenos de buenas intenciones). Y encima le roba a Mona. Para redimirse, tendrá que ayudar a Ko Fei a vengarse
Escrita por Ringo Lam fusilando en algunos momentos la novela “The Hunter” de Donald Westlake (alias Richard Stark), la película tiene todos los ingredientes de un noir oriental desde que John Woo, Takeshi Kitano y el mismo Lam revolucionaran el concepto en los 80: personajes extraños, ambiente macarra, cierta comicidad ácida, estética de videoclip, escenas de acción muy cuidadas (hay incluso escenas en tiempo bala) y ultraviolencia y sexo supurando fotograma por fotograma. Sin ser una maravilla, engancha desde el primer momento.
Cuidado aspecto técnico: acción y montaje trepidantes como es norma en Hong Kong, colorida, excelente y feísta ambientación en exteriores de Bangkok y banda sonora blues-rock la mar de marchosa.
Lejos de ser una obra maestra del noir asiático, si que es un muy buen exponente, un visionado agradecido yamén de un entretenimiento de alto voltaje para el que busque una peli de acción trepidante y visualmente chula.
Tengo que reconocer que la empecé a ver con prejuicios pero me he llevado una grata sorpresa.
El resultado es una comedia inteligente comparable con la excelente cinta de Woody Allen llamada ¨Annie Hall¨ (obviamente que ¨Annie Hall¨ es muy superior).
Los diálogos son muy rápidos e ingeniosos por lo que está super bien escrita.
Las actuaciones están bien pero no los actores (físicamente) ya que el protagonista tiene cara de tonto y la chica podría ser más bella. Además ninguno de los dos tiene carisma.
Recomendable!
Simplemente excelente! Una de las mejores películas de acción y comedia que vi en lo que va del año.
La comedia puede resultar algo tonta pero tiene su ingenio y por ende logra sacar unas cuantas carcajadas, que es lo que importa.
Las secuencias de acción también resultan impresionantes e ingeniosas! Tiene excelentes coreografías de peleas y una secuencia de riesgo al inicio completamente impresionante y vertiginosa.
De las mejores cintas de Jackie. Muy recomendable!
Tanto se ha hablado de esta película de netflix que decidí verla y bueno en sí como dicen una especie de sombras de grey a lo polaca eso sí mucha más explícita y más entretenida.
Aunque igual la historia es mera excusa para llevar la trama del secuestro y que le da los días para que se enamore, lo mejor como dije son las partes sexuales..
La protagonista esta pasable y el protagonista no me parece tan guapo como se dice solo pasable y lo mejor para mi fue el final el cual fue logrado aunque dicen que supuestamente esta en camino otra parte debido al éxito y porque se basa en un libro, habrá que ver.
La película no es mala la vi por casualidad en netflix queriendo encontrar algo bueno en sí en primer lugar tiene ese aire europeo que tanto gusta también esa muy buena fotografía sobretodo al principio que se ven las calles francesas al amanecer que bello.
Por otro lado la historia aquí es muy del monton y deja a criterio del espectador muchas cosas es habitual en los thriller europeos, la chica que se va de Dinamarca a Francia a perseguir su sueño de modelo sin embargo todo se verá afectado cuando conozco a un fotógrafo por el cual detonara una obsesión.
Esta bien llevado porque no me aburrió en ningún momento y tiene escenas interesantes y algunas no esperadas por ejemplo la escena de sexo en la piscina ahora bien la protagonista le faltó más nunca en sí se ve como una obsesión de esas mortales simplemente muy enamorada pero deja cosas en duda por ejemplo al viejo que apuñaló y la discucion con la amiga que supuestamente salía con el novio pero nunca se supo en realidad si eso era verdad y queda a criterio del espectador, al final tampoco se sabe si regreso con el chico y o la propuesta que le hicieron en la última escena todo esa queda a criterio.
Las actuaciones no son malas y se puede ver a Ed Skrein de fotografo y su actuación esta bastante bien y la protagonista también y con esto queda más que claro que para cumplir sueños en otro lugar no es fácil como lo pintan y a veces se lleva una vida muy desordenada.
A mi me ha gustado aunque no es ni por lejos de lo mejor que ha dirigido el excelente director Takashi Miike (director de grandes films como son ¨13 Asesinos¨, ¨Ichi the Killer¨, ¨La Espada del Inmortal¨ o ¨Audición¨, entre otras).
La película es un thriller japonés del montón. No se destaca demasiado por nada en particular.
No aburre, cabe destacar, pero tampoco apasiona demasiado.
Se deja ver!
Precuela de perdida que para mi resulta un poco mas inferior a la primera la cual si me gustó mucho, en este caso comienza bastante bien con la escena de los policías en el bosque y encontrando al cadáver de esta chica que al principio parece que los perros se la comieron pero no es así es un asesinato.
Se mantiene en suspenso pero tiene muchas caídas en su ritmo y aparte que es predecible muchas cosas que pasan.
Mucho se habla de las actuaciones que dicen que son muy malas yo las veo regulares por un lado a Luisana Lopilato mucho la critican a mi no me parece que sea mala pero lo hizo mejor en la anterior a mi gusto y el detective regular también.
Ya cuando se descubre la verdad es más de lo mismo y se enrueda mucho en personajes sin importancia, flojo final igual que la anterior solo que aquella a mi punto de vista tenía más acción y fallaba en el final también está igual pero peor final.
Buen cierre de la saga el cual, sin llegar al nivel de las dos entregas anteriores, logra entretener.
Tiene escenas de acción alucinantes con muy buenos efectos especiales, buenas secuencias y buenas coreografías de lucha.
La historia es similar a la de las entregas anteriores pero así y todo, como dije anteriormente, no aburre.
La secuencia final es impresionantemente buena!
Recomendable!
Pasable película de Steven Seagal ambientada en Tailandia que nos cuenta como Seagal es doctor se dedica a ayudar a las aldeas sin embargo se vera metido en un problema cuando raptan a una chica que tiene una especie de poder.
Me gustó ver a Steven en algo de mejor calidad y aquí se ve como enseña esas técnicas que tanto gusta aparte las escenas de acción no están nada mal sobretodo los momentos finales que estan bien coreográfiados y son violentos.
También le veo sus malos momentos por ejemplos esos sueños que tenía Seagal los veo demás y ciertas actuaciones secundarias y eso de la canción al final tampoco no viene a cuento son igual cosas que si se hubiesen ahorrado quedaría mejor.
Aún así me parece que es de las mejores que ha hecho Seagal últimamente.
Otra típica historia más de obsesión y ese es el problema de estos telefilmes abusan mucho de ese cliché que el alquilado resulta ser un psicópata ya llega a aburrir.
Se mantiene en lo mismo que otras, acontecimientos y la protagonista que intenta descubrir y la sobrina que es una tonta que sigue sin creer.
Demasiado predecible el final y otra vez Vivica A Fox haciendo de detective que ya aburre.
A medida que uno va avanzando en la filmografía de un director, esto es, desde sus inicios hasta el final de su carrera cinematográfica, puede apreciar varias cosas. Esto no siempre debe estar ligado con una maduración personal, sino que incluso puede especializarse en crear un tipo determinado de productos, o bien retocar ciertos elementos de sus obras, dejando impreso su “sello personal” o también, por qué no, demostrar su brillantez sobre un género determinado antes que sobre otros.
En cuanto a nuestro maestro en cuestión, Kiyoshi Kurosawa, me atrevería a decir que peca del último aspecto a grandes dosis, siempre, dejemos esto claro, en el buen sentido del término. Y es que leí a un usuario de Internet que afirmaba que, de alguna forma a Kiyoshi “se le daba mejor” hacer películas que no fueran de terror. No se trata de una cita textual, sino una idea transformada. Aunque seguro estoy que nuestro amigo se habrá visto más material que el que escribe estas palabras, he de estar casi obligatoriamente de acuerdo con él.
Hasta el momento, es decir, hasta “Bright Future (2003)” podría decirse que del género Terror podríamos contar con la casi primigenia “Sweet Home (1989)”, su aportación al universo de “Gakko no Kaidan G (1998)”, “Séance (2000)” o la apocalíptica “Kairo (Pulse)” del 2001. De entre medias se mandó algunos trabajos desconocidos y con poco peso como “Dangerous Stories (1989)”, “Door 3 (1996)” o la para mí, un tanto sobrevalorada “The Guardian from the Underground (1992)”. Si por el contrario, colocamos en el otro brazo de la balanza, aquellas cintas que podrían llegar al término de Drama/Historias de la vida o la serie de películas con tinte policíaco-Suspense, estaríamos casi incluso en igualdad de condiciones. Aunque muchos de estos últimos trabajos actúan meramente de engrosamiento de su ficha personal como cineasta. Se tratan de obras “secundarias” donde la mayoría son cortos o TV Movies sin mucha relevancia. Con ello no quiero desprestigiar el trabajo del cineasta, pero la realidad muestra otra cosa bien distinta.
¿Qué de cierto hay entonces en lo dicho anteriormente? Bueno, quizás por la gran disparidad entre ambos géneros. Es cierto que el género del terror es amplio y de hecho, aporta una gran capacidad de síntesis con otros tantos, como por ejemplo, cine de terror y suspense, cine de terror y policías o también, cine de terror y acción. Sin embargo, con Kurosawa podemos discernir una gran y gruesa a la vez, línea fronteriza entre el mundo del terror y “lo que no es terror”. Ya sea sus dos primeros pinitos con “Kandagawa Wars” y “The Do-Re-Mi Girl” o con su saga “Suit Yourself or Shoot Yourself”, tenemos claro que entre el fin del mundo, casas embrujadas y fantasmas vengativos, Kiyoshi sabía cambiar de bando con gran maestría. Ahora bien, ¿dónde se especializa? ¿Qué se le da mejor? Si bien es cierto que las cintas de terror son de gran calidad y aportan un nicho dentro en la nueva ola del J-Horror moderno, aquellos otros trabajos marcan sobretodo un estilo propio y característico del propio realizador, romantizando a las propias películas y creándolas bajo un propio ambiente, una manera de contar la historia tan personal e inconfigurable por terceros, que hace nada más que quererlas y admirarlas a partes iguales.
Bright Future no es sino otro caso más de esos. Una película de “Historias de la Vida”, de un caso común y corriente de la vida cotidiana, que le sucede a un protagonista con alguna tara personal. Fórmula repetida en la gran cantidad de obras reconocidas del director: Serpent’s Path, The Eyes of the Spider, License To Live, Charisma o Barren Ilusions. Sin embargo, la diferencia de Charisma con las otras obras es que el resto están más enfocadas a esa personificación e identificación del cineasta con las obras, dándoles esa alma o ese estilo más propio que tiene el hombre. Charisma, aunque igualmente posee esa marca de calidad de Kiyoshi, es entendible de a primeras, sin muchas dificultades, y con metáforas y demás instrumentos narrativos asimilables y buenamente entendibles.
Futuro Brillante es lo que sueña nuestro protagonista, un joven con problemas emocionales y dificultades para relaciones de manera normal con sus iguales. En sus sueños contempla un mundo ideal y sano, donde él viviría feliz y en paz. Sin embargo, la realidad es antagónica como menos. Llega a tal punto su ineptitud para realizar la más básica de las tareas que un colega suyo del trabajo le ayuda y asesora con ciertos temas “básicos”. No solo se convierte en su único amigo, sino que cuando desaparece de su vida sin decirle adiós, nuestro protagonista ha de realizar un periodo de adaptación en soledad a la vida real. Una vida sin Mamoru, su único amigo.
Y es que el propio Mamoru renuncia un día a su mediocre trabajo para comenzar una nueva vida, un renacimiento. Asombrosamente, ello sería cometer un crimen atroz. La película se basa en las, tan amadas, metáforas del director para representar a la medusa venenosa que Mamoru tiene por mascota para reflejar el problema que ilustra a nuestro protagonista. La preciosa medusa no sólo es letalmente venenosa, sino que además posee una apariencia apacible, como relajada y en paz (o hasta suave y frágil). ¿Podría ser una representación del propio protagonista (Yuji Nimura)?
Como iba diciendo, una vez su único amigo es encarcelado, el padre del mismo, un viejo con una tienda de reparaciones de electrodomésticos, anda corto de personal y compañía, y decide “adoptar” a Nimura como su nuevo hijo y ayudante en la tienda. Asistimos ya no a una historia de un hombre con problemas y perdido en una sociedad que parece no quererle, sino a una lucha entre generaciones. El padre de Mamoru, que representa a una vieja generación con valores y aptitudes, y Nimura, quien quizás representa a una generación de jóvenes rebeldes sin una meta en su vida y sin aspiraciones personales. Entre tintas tenemos a la poca familia que tiene Nimura, los cuáles no sólo se ven más maduros y desarrollados que él, sino que representan otra generación, o grupo, donde él, debido a su incapacidad de adaptación, le es imposible encajar.
De narrativa compleja, llena de metáforas y estudios del comportamiento humano, Akarui Mirai, representa una obra interesante, de crítica social inclusive, que Kurosawa tan buenamente supo realizar. Transgresora en ciertos momentos, no es recomendable para muchos y aunque es bastante bella en cuanto a todo lo que quiso mostrarnos (y cómo lo hace), no quedará en la mente mucho más allá del simbolismo que transmite.
Brutal, feroz e intensa película bélica que muestra un excelente retrato de la tensión, incertidumbre y el día a día de un pequeño grupo de soldados americanos que se encuentran en una zona totalmente hostil.
La batalla de Kamdesh fue una de las más impactantes de la guerra de Afganistán, en la que se enfrentaron 54 soldados americanos contra 300 talibanes. Esta adaptación está basada en el libro ¨pelotón rojo¨, que fue escrito por el corresponsal de guerra Jake Tapper y debo decir que el director Rod Lurie ha hecho un trabajo magnífico. Rod tiene futuro ante las cámaras porque sabe filmar muy bien la acción.
La película es coral. El desarrollo de los personajes es muy bueno, sabiendo sus temores, preocupaciones y la evolución de cada uno de ellos. Scott Eastwood y Caleb Landry Jones son los dos mejores actores debido a su expresividad y su destreza actoral.
Las secuencias de combate son impresionantes porque reflejan todo lo que un soldado debe ser cuando su vida está en juego. La valentía, el heroísmo y el sacrificio del soldado en la batalla están satisfactoriamente desarrollados. No hay un minuto de respiro porque el enemigo puede atacar en cualquier momento y cuando menos te lo esperas. La acción es salvaje, trepidante, tensa y realista.
Soy consciente de que este tipo de películas ofrecen mucha propaganda acerca de Estados Unidos y de la grandeza de su ejército. Sin embargo, esta película es un homenaje a un grupo de valientes soldados que demostraron tener coraje y valor para afrontar situaciones peligrosas y sobrevivir a ellas.
La secuencia de la batalla es una de las mejores y memorables escenas bélicas de los últimos años. 40 minutos de acción y adrenalina.
Una cinta de drama y romance de calidad, los actores se lucen, Resse Witherspoon, Robert Pattinson y Christopher Waltz conforman un elenco de lujo, el escenario donde se desarrolla la película está muy bien, un circo en plena crisis económica por la depresión de los años veinte, un joven Pattinson que llega a pedir trabajo y uno ya se da cuenta que al echarle el ojo a la mujer del dueño del circo la cosa no terminará bien, tiene el drama y el romance justo, más empalagosa no hubiera funcionado, sinceramente no soy fan de este género pero la ambientación y las actuaciones merecen ser vistas, gran trabajo.
Basada en la novela de Thomas Keneally, “La Lista de Schindler” cuenta la historia de Oskar Schindler, un empresario alemán de moral dudosa que sin embargo lo arriesgó todo y salvó a más de mil judíos polacos durante la Segunda Guerra Mundial, empleándolos como trabajadores en su fábrica.
Steven Spielberg logrò un film intenso y conmovedor que se convirtió en uno de los mejores y más relevantes en tratar el drama y la crueldad del Holocausto. Fue filmada en blanco y negro, para darle un tono documental, otorgarle un mayor realismo a la historia e imprimirle un sentido atemporal a la trama, además de rendir un homenaje al cine expresionista alemán y al neorrealismo italiano. Solo una escena tiene color, la escena en que aparece una pequeña niña judia con un abrigo rojo en medio del espantoso desalojo del gueto de Cracovia. La niña representa la inocencia en medio del caos y la muerte. Por cierto, en esa escena Schindler toma conciencia del horror y decide intervenir en favor de las vicitimas.
Liam Neeson destaca con una interpretación que merecía mayor reconocimiento, un joven Ralph Fiennes hacía el papel de su vida como un oficial SS cruel y sin corazón, y la conmovedora música de John Williams te llega profundo.
¿Hay maniqueísmo en la trama? ¿Se mete con calzador un final que justifique el sionismo? Sí, claro que sí. Ojala Spielberg hiciera una película sobre las atrocidades de Israel en contra de los palestinos. Pero después de ver esta emotiva película, que logró conjugar un guion excelente, una historia conmovedora e impactante, unas logradas actuaciones, y una parte técnica fabulosa, que nadie dude del extraordinario talento como director de Spielberg.
¨Norma Rae¨ (1979), dirigida por Martin Ritt y protagonizada por la magnífica Sally Field, con una interpretación que le hizo ganar uno de los dos premios Oscar a mejor actriz de su extensa y prolífica carrera, es de esas películas que te recuerdan el valor de la dignidad humana.
Norma es una chica de clase trabajadora, no ha tenido una vida facil, es madre soltera de dos niños e intenta sobrevivir trabajando como obrera en una fabrica textil. Norma se encuentra atrapada en una realidad llena de prejuicios, machismo, dominación y, en general, un ambiente cargado de hostilidad hacia ella.
Las cosas cambian cuando llega al pueblo un activista sindical con la intención de promover la creación de un sindicato. Norma toma conciencia de clase y trata de abrir los ojos al resto de compañeros de la fábrica para que se unan como una sola fuerza. Antológica es la escena en que Norma decide no permitir que la sigan pisando y de manera pacifica, pero firme y digna, se levanta entre sus compañeros con un cartel que dice ¨UNION¨, llamandolos a luchar.
La historia, basada en hechos reales, es una estupenda historia épica, de cómo una mujer anónima logró cambiar el injusto orden establecido, un tema que no ha perdido en nada su actualidad.
ragman
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El Ojo del Tigre
una desconocida pelicula de accion ochentera con gary busey como protagonista,grata sorpresa me lleve con este filme, ya se que la trama es por demas predecible pero para entretenimiento sirve muy bien y no hay que ser demasiado pretencioso en este tipo de peliculas.ademas suena el tema clasico de rocky, eye of tiger.
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