¨La fruta del amor tiene un sabor amargo. ¿Quién pudo decir alguna vez que es dulce?¨ Mientras el barco zarpa la mujer, desde el puerto, nos brinda su último pensamiento íntimo.
No lo oímos, no vemos las lágrimas, pero los sentimos hasta en lo más profundo. Sentimos la tristeza, porque a veces el amor no es dulce, es realmente amargo y su aroma todo lo invade.
La fértil cantera del Japón clásico ofrece una enorme cantidad de joyas para cualquier amante del cine que se precie, aunque por desgracia el viajar a una época que tan lejana se divisa dificulte mucho, o casi seguro resulte imposible, encontrar la mayoría de dichas obras en un estado, digamos, aceptable. Nos hallamos en un periodo de aprendizaje y desarrollo para un cine nipón casi incipiente; las mujeres empiezan a sustituir a los hombres en la actuación, el terremoto de 1.923 asola Tokyo y devasta los depósitos de películas y las compañías, resurgiendo éstas de entre los escombros.
La Nikkatsu construye estudios modernos, la Shochiku está en expansión y a partir de 1.927 debuta en el sonoro, lo que indigna a los benshis, quienes amenazan con boicotear esta nueva forma de cine; mientras tanto la libertad de expresión se torna difícil para los artistas tras las elecciones de 1.928 y reina la censura. Comparten fama en el momento cineastas emergentes como Yasujiro Ozu, Mikio Naruse, el vanguardista Teinosuke Kinugasa, Kenji Mizoguchi o Hiroshi Shimizu, quien en realidad lleva ejerciendo la profesión cinco años, y a un ritmo frenético; el destino quiso que una de sus tantas producciones de aquel 1.929 fuera el único trabajo más antiguo que se conserva de su carrera en la actualidad.
Y ese es ¨Fue no Shiratama¨, producido en el seno de la Shochiku cuyo guión de Tokusaburo Murakami se basaba en la novela de mismo nombre del aplaudido autor, periodista y director de la Facultad de Literatura desde 1.925 Hiroshi Kikuchi. Una secuencia sorprendente que pone de manifiesto la audacia visual y artística que posee el director inicia el film: una pesadilla, sufrida por la protagonista de esta historia; es bien sabido que durante gran parte de su filmografía Shimizu se dedicaría a observar la vida desde el punto de vista de la infancia, pero sus primeras obras resultan más versátiles.
Como indican los títulos, esta es la historia de dos hermanas, Reiko y Toshie, ambas mecanógrafas en unas grandes oficinas, ambas enamoradas del mismo hombre, Shozo, un joven y apuesto compañero de trabajo; la primera siente afecto por él y les une una bonita y casi juguetona amistad, pero la segunda lo ama honestamente con todo su corazón, y es en ella en quien se centrará la trama. Una carta de declaración amorosa desencadenará una serie de trágicos sucesos y sumirán a la mujer en la más melancólica de las tristezas, pues Shozo, víctima de la confusión y la ignorancia, creerá que la confesión pertenece a Reiko y pedirá su mano en matrimonio.
Así seguimos la desolación interior de la protagonista y su viaje a través de la resignación y la irremisible marchitación de la ilusión; a partir de ese momento el entorno y la atmósfera se tiñen con el dolido sentimiento y la agria expresión que embargan a Toshie. Otros dos hombres irrumpen en la relación triangular: Katayama, el vicepresidente de la compañía donde trabajan los protagonistas y que expresa un profundo amor por Toshie, y un extraño sujeto que persigue la amistad de Reiko cuando ésta se halla en su luna de miel. Shimizu dará buena cuenta de su nervio y estilo tras la cámara, lo que le servirá para narrar la historia de una manera muy dinámica y fluida.
En lugar de clavar la cámara en el suelo, usar planos generales y mantener la distancia con sus personajes, como hacen muchos de sus colegas de profesión, éste prefiere acercarse a ellos, enfocar directamente a los ojos, las manos, las expresiones, captando al vuelo las emociones humanas, conmovedoras, viscerales y crudas; además de moverse con gran soltura por escenarios naturales, interiores y exteriores, recurrirá al ¨flashback¨ y apostará por lo vanguardista a través de la introspección psicológica de sus protagonistas, plasmando en imágenes los pensamientos, sueños y deseos que éstos imaginan. Pero un tema en especial será el que determine el devenir de los hechos en su obra.
Y será uno que destaque en la carrera de Ozu en años posteriores: la confrontación entre el Japón moderno y el tradicional, una lucha donde ambos están encarnados a la perfección en las dos hermanas protagonistas. Toshie es de ideales conservadores, viste el kimono clásico, su presencia será vista como motivo de mofa y burla (los niños, que se burlan de ella cruelmente), su corazón es limpio y bondadoso, su postura será siempre la abnegación y el silencio y su destino el sufrir, incluso a sabiendas de que el hombre que amaba se ha ido con su hermana ella nunca intentará romper la unión matrimonial, al contrario.
Reiko es la otra cara de la moneda: viste a la moda occidental (este será uno de los primeros films en mostrarlo), es coqueta, egoísta, mentirosa, preocupada de la diversión, el lujo y la vida fácil y rechaza cualquier convencionalismo; tal y como la retratan Murakami y Shimizu es sin duda el modelo a evitar para la mujer del país, la cual se debe al matrimonio y al hogar. En la piel de éstas tenemos a Michiko Oikawa y la maravillosa Emiko Yagumo, actriz cuyas sentidas emociones atraviesan la pantalla, y de paso el corazón, con cada movimiento y gesto expresado; junto a ellas los buenos Minoru Takada y Arai Atsushi, todos extremadamente maquillados como en las obras kabuki.
Tomando las claves del romanticismo europeo, el estilo y las formas de Frank Borzage, John Stahl u otros genios del melodrama, y coronada con momentos memorables, como ese intenso clímax entre las dos hermanas, ¨Fue no Shiratama¨ no destaca por su historia melodramática de romances trágicos, sino por su poder visual y el modo con que Shimizu la narra y nos enrosca en ella.
Aunque no se conservan tantas obras de este señor como de sus más conocidos coetáneos, ésta que nos ocupa ya es un buen ejemplo para considerarle uno de los grandes maestros del cine (y no sólo japonés) de todos los tiempos.
Buenísima película bélica, con toques de humor, que hace una especie de sátira contra la segunda guerra mundial, contada por un grupo de soldados que se unen para robar un cargamento de lingotes de oro alemanes, pasando totalmente de órdenes, deberes y cualquier cosa que les una a la guerra.
La película cuenta con un excelente reparto, con Clint Eastwood, Telly Savalas y Donald Sutherland al frente, 3 nombres que dan mucho juego.
Pese a ser una ¨comedia¨, así entre comillas, es una película 100% bélica, con muchísima acción, y un tremendo repertorio de tanques, aviones, camiones y demás vehículos militares, además de que las lluvias de balas están aseguradas en toda la duración del film, y cuenta con muy buenos efectos especiales de explosiones y cosas reventado, todo de manera entretenida y bien hecha.
Una película algo distinta y atractiva, currada y digna de verse.
Soy -siempre lo he sido- un gran admirador de Woody Allen, al que considero un gran maestro del séptimo arte.
Sin embargo, Woody Allen tiene -desde siempre, no es problema de ahora- un gran hándicap. Su grado de imaginación es CERO. Woody Allen únicamente es capaz de escribir una película sobre su mundo, o sus mundos. De su entorno cercano y de lo que conoce muy bien.
Y su mundo, el mundo de Woody Allen, no puede ser más limitado. Si comparamos sus películas con cualquier montaje LEGO, digamos que tiene muy pocas piezas para usar. Y con tantos años a sus espaldas, las repite una y otra vez sin disimulo.
En los últimos años, no sé si de forma consciente o no, su ¨técnica¨ para idear películas es tomar ingredientes de otras, recientes o no. Para gente no especialmente conocedora de Woody Allen, esto puede no ser malo. Si ves una de sus películas-refrito, y no te suena de ninguna anterior, eso que ganas. Pero hace ya bastante tiempo que Woody repite, y repite y repite.
En DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK tenemos ingredientes de :
- Celébrity: Clarísimo el ¨homenaje¨ al mundo de las celebridades.
- Scoop: Joven periodista que se enamora o encapricha del objeto de sus entrevistas.
- Todo lo demás. Simplemente clavados -en lo psicológico- los protagonistas masculino y femenino. También la madre de él (de ella en Todo lo Demás).
- A Roma con Amor. Esa parejita que te deja tirado en un hotel y esa prostituta que haces pasar por tu novia.
Aparte de esas cuatro, digamos que descaradas, tendríamos componentes de muchas otras más: Desde Maridos y Mujeres o Manhatan hasta Si la cosa funciona o Café Society.
Centrándonos ya en la película, se le ha criticado -y coincido en la crítica- su falta de ¨realidad¨. En una historia actual, totalmente enclavada en el siglo XXI, no tiene mucho sentido presentar ese tipo de personajes. Volvemos al principio, Woody nunca sale -quizás porque no sabe- de su círculo de eruditos a la violeta. Resulta cargante escuchar a un chaval -casi un niño- disertar sobre filosofía, arte o música.
Las situaciones, por otra parte, no pueden ser más forzadas. Están ahí porque sí. Y esa falta de lógica en las situaciones se aceptan sin más en una comedia pura. Pero en una historia teóricamente ¨realista¨ no hay el más mínimo sentido.
En cuanto a las interpretaciones, Timothée Chalamet no acaba de convencerme en su rol. Quizá no es su culpa, sino de la escritura de un papel tan sumamente extraño. El de Elle Fanning es quizás demasiado facilón. Es inmadura e infantil, y no acaba de encajar demasiado bien con su ¨facilidad¨ para dejarse seducir. El de Selena Gomez es bastante más complejo, pero sin ninguna evolución. Desde el principio se percibe como un cliché puesto ahí para hacer posible un final ¨con estilo¨.
En los secundarios se percibe desgana. Jude Law parece un vegetal, y Diego Luna, un alter-ego del rol que Di Caprio ofreció en Celebrity.
La fotografía es bonita y la música, apropiada. La realización en conjunto es agradable. Nada que objetar.
En conclusión, una película que puede gustar a los no iniciados en Woody Allen y probablemente sonará a multi-reciclado a sus veteranos.
La película para sentirse bien más subestimada que he visto.
En serio, TODAS las audiencias en general estarán complacidas con esta. Nada innovador, pero solo pone una sonrisa en tu rostro.
Es mejor de lo que la mayoría de la gente se da cuenta, y realmente quiero que lo vean más personas.
Una película distinta, interesante y realmente conseguida. Una road movie reivindicattiva sobre el tema de los camioneros estadounidenses (que podría valer para todo el mundo) y los maltratos e injusticias que tiene que pasar.
La sinopsis realmente no le hace justicia, parece que la película fuera seria, y es todo lo contrario. Una película realmente divertida y entretenida, con montones de camiones a toda velocidad, coches de policía estrellándose, la ley intentando pararlos de todas las maneras posibles, los políticos intentando sacar tajada...
Como decía, una película algo distinta, pero que me llamó la atención al conocerla y no me arrepiento nada de haber visto. Vale la pena.
La empecé a ver sin ninguna expectativa pero la verdad es que me sorprendió mucho. Sigue estando en esa categoría de previsible pero aún así entretien. El tema es muy interesante y las actuaciones también. Me gustó el mundo en el cual se desarrolla la historia
Creo que de lo mejor que ha realizado Pixar, tanto en el detalle de la animación, ese mar tan colorido y lleno de vida como asi también en los personajes, uno mejor que el otro, donde yo destaco a el Papá, Dory, Nemo y algunos secundarios también como la tortuga y el tiburón, si bien es una cinta para toda la familia tiene momentos muy duros como al principio y tristes pero esas escenas conjugan muy bien con toda la trama que nos cuentan, Nemo se pelea con su papá y se pierde, toda la película transcurre con esa búsqueda o más bien el regreso a su hogar, muy entretenida y con momentos graciosos, la banda sonora acompaña muy bien, no hay nada más que decir, un lujo de animación.
esta pelicula me tomo por sorpresa y voy a explicar por que, son varios los motivos.. primero que yo descargo todas peliculas de terror y no se de donde coño se transgiverso esta.. mas alla de eso y puntualizando en la pelicula, en su historia.. una verdadera mierda. nunca vi un drama de baja calidad tan deprimente y aca hago spolier.. no se por que los chicos que tienen cancer son felices, eso pasa en la tele nada mas en la realidad sufren como locos asi que es hipocrecia, puedo escribir y defenestrar todo el dia esta basura asi que corto aca no mas con un 1 pesima mal
Divertida cinta de Disney donde un pollito miedoso debe salvar al mundo de una invasión extraterrestre, muy buenos gráficos y escenas de acción, los amigos también son geniales un pez, un cerdito rechoncho y una niña pato un tanto fea, nada nuevo pero entretiene sin mas.
Película de Disney donde aparece un perro llamado Bolt que tiene un programa de televisión donde es un superheroe con visión de rayos X, superfuerza y muy valiente, un día se pierde y termina en la ciudad de New York, decide volver a donde está sus dueña y en el camino se hace de un par de amigos, una gata llamada Smiten y un hamster Rhino, con los que tendrá el viaje de su vida, todos los personajes son muy carismáticos, la cinta resulta entretenida y por momentos muy cómica aunque su final sea lo más flojo y previsible a mi me gustó mucho y es para toda la familia.
Excelente película del siempre magnífico director Costa-Gavras. Ya son varias las cintas recomendables que veo de él; entre ellas se encuentran ¨Missing¨, ¨Amén¨ o ¨La Caja de Música¨.
La cinta engancha y entretiene desde que empieza hasta que termina sin aburrir en ningún momento. Podría considerarse como una de las más comerciales de este director.
Tiene un argumento bien hurdido que no decae hasta su buen final.
Deja un mensaje pacifista y está muy bien actuada.
Recomendable!
No es de las mejores películas de Van Damme, no hay grandes peleas comparado con otras grandes películas de el. Sin embargo la película no aburre y esta bien para pasar el rato.
Es una película poco conocida, mi puntuación un 5
Otra biopic sobre un cantante o banda famosa y van...
En este caso la ¨victima¨ es Elton John.Vemos su vida y sus conflictos desde que es un niño hasta casi la actualidad,con todos los condimentos de siempre(el arduo camino a la fama,los excesos,las caidas,etc.)
La pelicula,como casi toda biopic,no deja de tener su cuota de interes,aunque como ya es costumbre,se alteran hechos segun las conveniencias del guion para darle mas dramatismo,emocion o lo que sea.
No esta mal,pero lo que no me van son todos esos segmentos musicales que inundan la pelicula y te sacan del eje.Con un par hubiese bastado.Regular.
Biopic sobre Carlos Eduardo Robledo Puch,sin duda el mas celebre asesino de la historia criminal argentina,que es entretenida mas alla de los aberrantes hechos (hechos que tienen cambios sustanciales con lo que realmente paso,en algunos de los casos).
A pesar de todo si se mantienen algunas cosas como la homosexualidad latente de Robledo Puch,su incapacidad para dejar de robar y su frialdad a la hora de matar.Muy buena interpretacion por parte de Ferro,muy carismatico y sin duda lo mejor de la pelicula.
Esta película es Michael Bay 100%.
Persecuciones, tiros, explosiones a montones, tortas, velocidad y mucha flipada. Todo eso acompañado por un gran presupuesto, todos los ingredientes para lograr una película palomitera la mar de entretenida.
Desde el primer momento de la película, con esa pedazo de persecución a toda velocidad por las calles de Roma con coches saltando en pedazos por todos lados, en donde no puedes apartar la vista un momento para no perderte nada, sabía que la película prometía.
No esperes un gran guión, no esperes lógica, no esperes explicaciones adecuadas. Este tipo de cine es como es, y Michael Bay es un genio en lo suyo, que es la adrenalina pura y dura. Muy disfrutable.
Una película que me provoca sensaciones encontradas.
Por un lado como es lógico la banda sonora es brutal y Rami Malek hace un papel absolutamente increíble. El resto del cast también es excelente y la estética, vestuario... es magistral
Sin embargo, creo que la película pasa de puntillas tanto por la historia de la banda como del propio Mercury. La primera media hora parece un simple salto de cancion en canción. Luego, a lo largo de la película en general todo sucede demasiado deprisa, de manera que no hay tiempo de profundizar en nada. Personalmente me quedó la sensación de que si la película fuera sobre una banda inventada o si uno no tiene ni idea de la historia ni de Queen ni de Freddy, parecería un simple batiburrillo musical enlazando canción tras canción y varios de los puntos clave de la vida de la banda pero sin demasiada coherencia entre ellos.
Creo que habría sido muchímo mejor en formato serie.
Muy buena comedia Argentina, tiene un humor muy ácido y a pesar de ya sus cuarenta años de estreno lamentablemente sigue vigente, es una crítica social al estado que devora a todos y no da nada a cambio, la nona una viejecita que come todo lo que encuentra, interpretada magistralmente por Pepe Soriano, también está el genial Minguito Altavista un vago de aquellos que no le gusta laburar y es capaz y vender a la vieja con tal de sacarsela de encima, la hermosa Graciela Alfano como Martita, ella trabaja en la *calle*y el papá don Caramelo ¨Osvaldo Terranova que se la rebusca en un puesto en el mercado pero la vieja no parazón de morfar y hacen lo imposible por sobrevivir, escenas muy cómicas y un final donde el ciclo vuelve a repetirse.
Peliculón! Un film bastante duro que te pone entre la espada y la pared ya que
empatizás completamente con el personaje interpretado por Jessica Lange.
Tiene una historia sumamente hablada y bastante sobria. Inclusive, podría decirse, que es un poco lenta pero a mí, en lo personal, no me aburrió en ningun momento ya que me sumergí en la trama.
Las actuaciones son sublimes por parte de todos los actores, no hay uno que esté mal. Ni siquiera los actores de reparto.
Anteriormente de Costa-Gavras había visto otro film que tambien recomiendo mucho (inclusive más que este) llamado ¨Missing¨.
La fotografía y la estética en general cumplen.
Recomendable!
Muy buena película bélica que se aleja de la típica historia en el campo de batalla para ofrecernos una misión secreta de un comando especial, aunque para eso hay que esperar bastante, primero se nos cuenta toda la historia de como eligen a ese ¨comando especial¨, y toda su instrucción, que es, sin duda, lo mejor de la película.
12 condenados a muerte o a pasar el resto de su vida en prisión son entrenados para convertirse en un grupo de élite para una misión prácticamente suicida.
12 hombres, cada uno con una forma de ser difícil, entrenados por un coronel bastante especial.
Toda la primera mitad de la película es entretenida y bastante divertida, vamos viendo como de unos delincuentes, se van formando muy buenos guerreros, y tiene partes que molan bastante. Lo mejor, sin duda, el ¨juego de guerra¨ que tienen que ganar para no volver a prisión, realmente desternillante la que lían.
La parte final, la verdadera misión, es pura tensión, y bastante dura, donde sabes que van a caer unos cuantos de los personajes a los que le habías cogido cariño.
Una película con muchísima acción, bastante humor, y, por desgracia, algo de exaltación del espíritu americano (que siempre es un coñazo). Digna de verse.
Dirigida, escrita, protagonizada y musicalizada por el propio Mortesen cuenta la historia de un hijo gay que ha de ocuparse de su padre, un anciano protestón que todo cuestiona y a todo pone pegas a modo de tapadera para ocultar el daño que le produjo un hecho del pasado. El final es lo más interesante, además de HENRIKSEN, que se marca una interpretación deleitable. La historia es algo monótona pero a grandes rasgos, está bien.
Mad Warrior
9
Undying Pearl (Eternal Heart)
¨La fruta del amor tiene un sabor amargo. ¿Quién pudo decir alguna vez que es dulce?¨ Mientras el barco zarpa la mujer, desde el puerto, nos brinda su último pensamiento íntimo.No lo oímos, no vemos las lágrimas, pero los sentimos hasta en lo más profundo. Sentimos la tristeza, porque a veces el amor no es dulce, es realmente amargo y su aroma todo lo invade.
La fértil cantera del Japón clásico ofrece una enorme cantidad de joyas para cualquier amante del cine que se precie, aunque por desgracia el viajar a una época que tan lejana se divisa dificulte mucho, o casi seguro resulte imposible, encontrar la mayoría de dichas obras en un estado, digamos, aceptable. Nos hallamos en un periodo de aprendizaje y desarrollo para un cine nipón casi incipiente; las mujeres empiezan a sustituir a los hombres en la actuación, el terremoto de 1.923 asola Tokyo y devasta los depósitos de películas y las compañías, resurgiendo éstas de entre los escombros.
La Nikkatsu construye estudios modernos, la Shochiku está en expansión y a partir de 1.927 debuta en el sonoro, lo que indigna a los benshis, quienes amenazan con boicotear esta nueva forma de cine; mientras tanto la libertad de expresión se torna difícil para los artistas tras las elecciones de 1.928 y reina la censura. Comparten fama en el momento cineastas emergentes como Yasujiro Ozu, Mikio Naruse, el vanguardista Teinosuke Kinugasa, Kenji Mizoguchi o Hiroshi Shimizu, quien en realidad lleva ejerciendo la profesión cinco años, y a un ritmo frenético; el destino quiso que una de sus tantas producciones de aquel 1.929 fuera el único trabajo más antiguo que se conserva de su carrera en la actualidad.
Y ese es ¨Fue no Shiratama¨, producido en el seno de la Shochiku cuyo guión de Tokusaburo Murakami se basaba en la novela de mismo nombre del aplaudido autor, periodista y director de la Facultad de Literatura desde 1.925 Hiroshi Kikuchi. Una secuencia sorprendente que pone de manifiesto la audacia visual y artística que posee el director inicia el film: una pesadilla, sufrida por la protagonista de esta historia; es bien sabido que durante gran parte de su filmografía Shimizu se dedicaría a observar la vida desde el punto de vista de la infancia, pero sus primeras obras resultan más versátiles.
Como indican los títulos, esta es la historia de dos hermanas, Reiko y Toshie, ambas mecanógrafas en unas grandes oficinas, ambas enamoradas del mismo hombre, Shozo, un joven y apuesto compañero de trabajo; la primera siente afecto por él y les une una bonita y casi juguetona amistad, pero la segunda lo ama honestamente con todo su corazón, y es en ella en quien se centrará la trama. Una carta de declaración amorosa desencadenará una serie de trágicos sucesos y sumirán a la mujer en la más melancólica de las tristezas, pues Shozo, víctima de la confusión y la ignorancia, creerá que la confesión pertenece a Reiko y pedirá su mano en matrimonio.
Así seguimos la desolación interior de la protagonista y su viaje a través de la resignación y la irremisible marchitación de la ilusión; a partir de ese momento el entorno y la atmósfera se tiñen con el dolido sentimiento y la agria expresión que embargan a Toshie. Otros dos hombres irrumpen en la relación triangular: Katayama, el vicepresidente de la compañía donde trabajan los protagonistas y que expresa un profundo amor por Toshie, y un extraño sujeto que persigue la amistad de Reiko cuando ésta se halla en su luna de miel. Shimizu dará buena cuenta de su nervio y estilo tras la cámara, lo que le servirá para narrar la historia de una manera muy dinámica y fluida.
En lugar de clavar la cámara en el suelo, usar planos generales y mantener la distancia con sus personajes, como hacen muchos de sus colegas de profesión, éste prefiere acercarse a ellos, enfocar directamente a los ojos, las manos, las expresiones, captando al vuelo las emociones humanas, conmovedoras, viscerales y crudas; además de moverse con gran soltura por escenarios naturales, interiores y exteriores, recurrirá al ¨flashback¨ y apostará por lo vanguardista a través de la introspección psicológica de sus protagonistas, plasmando en imágenes los pensamientos, sueños y deseos que éstos imaginan. Pero un tema en especial será el que determine el devenir de los hechos en su obra.
Y será uno que destaque en la carrera de Ozu en años posteriores: la confrontación entre el Japón moderno y el tradicional, una lucha donde ambos están encarnados a la perfección en las dos hermanas protagonistas. Toshie es de ideales conservadores, viste el kimono clásico, su presencia será vista como motivo de mofa y burla (los niños, que se burlan de ella cruelmente), su corazón es limpio y bondadoso, su postura será siempre la abnegación y el silencio y su destino el sufrir, incluso a sabiendas de que el hombre que amaba se ha ido con su hermana ella nunca intentará romper la unión matrimonial, al contrario.
Reiko es la otra cara de la moneda: viste a la moda occidental (este será uno de los primeros films en mostrarlo), es coqueta, egoísta, mentirosa, preocupada de la diversión, el lujo y la vida fácil y rechaza cualquier convencionalismo; tal y como la retratan Murakami y Shimizu es sin duda el modelo a evitar para la mujer del país, la cual se debe al matrimonio y al hogar. En la piel de éstas tenemos a Michiko Oikawa y la maravillosa Emiko Yagumo, actriz cuyas sentidas emociones atraviesan la pantalla, y de paso el corazón, con cada movimiento y gesto expresado; junto a ellas los buenos Minoru Takada y Arai Atsushi, todos extremadamente maquillados como en las obras kabuki.
Tomando las claves del romanticismo europeo, el estilo y las formas de Frank Borzage, John Stahl u otros genios del melodrama, y coronada con momentos memorables, como ese intenso clímax entre las dos hermanas, ¨Fue no Shiratama¨ no destaca por su historia melodramática de romances trágicos, sino por su poder visual y el modo con que Shimizu la narra y nos enrosca en ella.
Aunque no se conservan tantas obras de este señor como de sus más conocidos coetáneos, ésta que nos ocupa ya es un buen ejemplo para considerarle uno de los grandes maestros del cine (y no sólo japonés) de todos los tiempos.
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