Una correcta película de acción y aventuras, lo mejor es la ambientación de la Rusia zarista y lo que me hace bajarle un punto a la crítica es lo extenso en su duración, dos horas que se hacen interminables, y a pesar de eso las batallas de los rusos contra los nómadas están muy bien y los efectos se han realizado minuciosamente, esta muy bien contada la historia y dicen al final que es un caso real, el Zar envia tropas a la zona de siberia con el objetivo de conseguir oro para engrosar sus decaidas arcas provocadas por el bloqueo comercial con China, las actuaciones son correctas, no esperaba nada del otro mundo y me entretuvo.
Curiosamente en las páginas especializadas en cine, a este filme lo catalogan de ¨comedia¨.
O el humor ha cambiado un montón, o la pandemia me tiene amargado, porque no le encontré nada de gracia.
Una escaladora mujer tiene un negocio muy bien montado con hacerse de la custodia de los bienes de ancianos solitarios y a punto de morir.
Todo va bien, hasta toparse con la madre de un mafioso, que pondrá las cosas muy difíciles.
Ni tan reveladora, ni tan sorpresiva la historia, si bien está contada con un estilo propio, yo dudaría de catalogarla de comedia negra.
Su estética visual, junto a la actuación de la protagonista es lo alto de la película.
pelicula mas que tranquila y pausada y con una historia que realmente no me llego a convencer,...... digamos que la trama es mas que simple y suele pasar en la vida real, asi que nada de esta pelicula me sorprendio... otra cosa que decir y aca hago spolier.. que paso al final con la foto y con el final de esa misteriosa nena,.. no estaba muerta o que.. en fin no me gusto y mi puntaje es un 4 mala. no recomendable.
Película que si Nolan hubiera osado firmar la hubieran tachado de pretenciosa, y es que esta película de Antonio Banderas es poética y confusa. Trata sobre el amor de adolescencia, el paso del tiempo y la absurdez de la vida, temas interesantes por cierto pero, con el elenco pésimo que se presenta en pantalla es imposible tomársela en serio pues además, utilizan un vocabulario zafio que ensucia la historia en demasía, luego aparecen muchas escenas experimentales que a servidor no le suscitan nada. Tratan mucho sobre Dante y se hace algo pesada.
Me lo recomendó el médico. Es lo primero que podrías decir, el inconveniente es que lo dice todo el mundo, porque no se puede decir la verdad, porque acabas siendo el blanco de las recelosas miradas y los malos pensamientos de los demás.
Pero, ¿qué importa si el baile es la pasión de uno?
Cada uno tiene sus preferencias de cine, e ir en contra de ellas es difícil; pero muy de vez en cuando hay alguna película que llega porque sí, y si bien se da de tortas con dichas preferencias logra hechizarte hasta en lo más hondo, sin que se pueda explicar cómo...es el encanto, la magia del cine. Esto me sucedió hace tiempo con ¨Shall we Dance?¨, emitida una noche en televisión y aceptada a regañadientes sólo por los actores que aparecían y el hombre que la dirigía, Masayuki Suo, iniciado en el negocio de las turbias ¨pinku eiga¨ y poco a poco ganando prestigio hasta ser uno de esos constantes galardonados y exitosos en su tierra.
Responsable de la reciente ¨Talking the Pictures¨, a mediados de los 90 realizó la que fue y sigue siendo su obra más ambiciosa y, por ende, la más reconocida. Tras salir victorioso en los Premios de la Academia de Japón (los Oscars nipones) gracias a la genial ¨Shiko Funjatta¨, cambia el mundo del sumo por el de la danza y se descuelga con un cariñoso tributo en toda regla al cine que trata esta disciplina: el musical. Desde los créditos iniciales sus intenciones quedan claras. Una cita de Shakespeare da pie a un alegato del protagonista de esta historia, Shohei Sugiyama.
Éste afirma la incapacidad de las parejas dentro de la sociedad japonesa para atreverse a algo más que cumplir la hiératica y estoica tradición de la unión matrimonial, y todo esto ante un enorme salón donde un gran número de hombres y mujeres (que no son japoneses, claro) bailan colmados de alegría, despreocupados. Pareciera que se trata de un film realizado por un cineasta extranjero (sí, americano) bajo un punto de vista superficial. No obstante la visión de Suo es estrictamente japonesa, y también mordaz y amarga como la que más.
Shohei, nuestro protagonista, representa el estereotipo de asalariado nipón, serio, taciturno, lacónico y cuya vida parece ser toda una patética mascarada. Con una esposa sumisa y callada (Masako) y una hija (Chikage) conformando en una humilde casa un núcleo de incomunicación e insatisfacción aceptada con resignación. Esta vida consiste en aparentar ser normal para pasar desapercibido dentro de esta capitalista, fría, conservadora y mustia sociedad y luego desaparecer silenciosamente sin dejar rastro.
El director deja al descubierto entonces un remedio contra tan corrosivo hastío, y este cristaliza en forma de inocente gesto: el del protagonista observando atento a una bella profesora de baile algo melancólica en el ventanal de su clase desde el tren en el que sube todos los días para hacer el trayecto de casa al trabajo y viceversa.
Eso es suficiente para que el clima cambie de manera radical. Acompañamos a Shohei en su búsqueda de un aliciente para sentirse vivo (aunque sea a costa de la duda de arrojar su fortuna al retrete), y sin olvidar la recalcitrante calumnia de los otros, permaneciendo en secreto este nuevo placer; contra el frío y oscuro mundo exterior, la clase de Mai y Tamako resulta ser un refugio cálido y alegre. Como acostumbra el cineasta, se permite mucho tiempo para todos sus personajes, construyendo tipologías (la esforzada madre soltera, el chico acomplejado con su físico, el tímido del que todos se burlan, el padre insatisfecho) deliberadamente simplificadas mediante un proceso de decantación que las revela en toda su complejidad.
De ahí que nos sea tan fácil simpatizar con estos individuos que perdidos en sus vidas reales han renacido impulsados por el movimiento de la danza. Suo nos atrapa en una atmósfera deliciosamente entrañable que, con la mítica ¨El Rey y Yo¨ de principal inspiración, homenajea sin miedo al cine hollywoodiense de la era de oro, a sus musicales y a sus comedias románticas ligeras y sofisticadas, exhalando el perfume del cine de Stanley Donen, George Cukor, Mark Sandrich o Vicente Minnelli, y siendo lo suficientemente ingenioso para no caer en excesos sentimentales. No se mantiene al mismo nivel la subtrama de las sospechas de Masako y el detective; un farragoso añadido fuera de lugar, mal expuesto y mal desarrollado, sobre todo teniendo en cuenta que ésta, insípida hasta el vómito, aparece de manera esporádica para luego desaparecer media hora.
Y si bien se empatiza con todos los personajes (incluso Shohei, que en realidad resulta ser un hipócrita egoísta), con el de Mai ni es fácil ni se desea llevar a cabo, por su carácter repulsivo inicial y por su nada interesante historia que se nos revela hacia el tramo final; Masako y Toyoko, incluso la profesora Tamako, deberían gozar de un mejor desarrollo psicológico y emocional. Pero tan fácil es olvidar los hándicaps de ¨Shall we Dance?¨ como quedar hipnotizado por sus virtudes técnicas, por mucho que no pase de ser una comedia romántica; la música, las coreografías, el diseño artístico, la fotografía, todo transpira elegancia en un vals visual y sonoro perfectamente cohesionado.
Con respecto al elenco uno se deleita con los geniales y esforzados Eri Watanabe, Hiromasa Taguchi, Reiko Kusamura o la veterana Kyoko Kagawa. Koji Yakusho, totalmente irreconocible (sobre todo para el espectador acostumbrado a verle en ásperos dramas y ¨thrillers¨, como un servidor), nunca estuvo tan apuesto y divertido en su habitualmente sobria actuación. Pero si alguien se merece toda la atención es sin duda ese monumental Naoto Takenaka, versátil actor y un humorista experto en crear pintorescos personajes-tipo; y es que verle contoneándose con esa peluca y su falsa identidad creada para huir de la realidad es impagable.
A todo esto la película fue de las más taquilleras y premiadas en Japón en el momento, tanto que el baile de salón, muy olvidado y desfasado allí, pasó a ser el ¨boom¨ del momento tras su estreno. Porque viendo a Yakusho y Tamiyo Kusakari bailando al son del tema que da título a la obra le hace a uno imaginarse la misma situación con Cary Grant e Irene Dunne.
Esto es: la elegancia y la distinción hollywoodiense son la clave de Suo, quien después de esto, y ya casado con Tamiyo Kusakari, se apartaría tristemente durante una década de la dirección. Y hagan el favor. Olvídense del repelente y artificioso ¨remake¨ americano horriblemente dirigido por Peter Chelsom con Gere ni llegándole a la suela de los zapatos de baile a Yakusho y esa Jennifer López que debería replantearse seriamente lo de dejar la profesión cinematográfica.
Eso es, háganse un favor y vean esta delicia atemporal.
Las actuaciones, ambientación, temática, todo una exquisitez. Actrices con trayectoria como Meryl o Anne brillan donde sea.
Voy a criticar la peli, el argumento, historias y desenlace que me hacen darle este puntaje ya que es una incoherencia, con 0 credibilidad y ridiculez.
Tenemos a Andrea que necesita trabajar y consigue el laburo soñado para muchos pero para ella es solo temporal para pagar su alquiler y cuentas.
Vemos como todos le remarcan lo privilegiada que es y que debe apreciar y adaptarse a ser la asistenta de Miranda innovando y estando siempre a un paso de lo que esta ¨tirana¨ pueda solicitarle.
Vemos desde como Miranda la contrata por verla diferente y ¨gorda¨ que quizás sea distinta a las demás, se nota que Andrea consigue sorprender y superar las expectativas de Miranda, dejando su supuesto y poco creíble noviazgo a un segundo plano en pos del trabajo.
Hasta ahí todo muy bonito, pero luego en Francia, Andrea intentando desesperadamente advertir a Miranda de una traición es sorprendida por Miranda que ya lo sabía y que estaba resguardada diciéndole que ambas son iguales que pisarían cualquier cabeza o serrucharían el piso a cualquiera para ascender.
En su apogeo, ganando como nunca, llena de guita y en Paris con ropas obsequiadas Andrea que al parecer siente que su orgullo y volver a la monotonía de antes ganando menos siente que debe renunciar, regalar sus vestidos, volver a ¨vestirse mal¨ como antes y ser ¨gorda¨ comiendo como antes sin cuidarse todo para demostrar que ella no es mala, es buena, no se deja manejar bla bla.
Me pareció una peli aburrida, densa, no le vi mucha gracia, solo admiré las actuaciones y fotografía. El resto bodrio, la historia, cualquiera el desenlace y final lo peor.
Incoherente y pensar que en su año de estreno me la recomendó tanto uno que no tenía muchas luces ahora entendí por qué.
Película muy al estilo de los Farrelly, rodada en su ciudad natal con un Jim Carrey en su salsa interpretando a un bipolar que no para de contornearse y hacer las mil y un muecas ante la cámara. Las escenas en que interpreta a la vez a sus dos personalidades interactuando entre ellas están más o menos curradas. La Zellweger sale muy maja.
Es una comedia de humor chabacano y gamberro, que resulta muy básica en cuanto al guión pero logra entretener y tiene puntos graciosos desde el comienzo como que el personaje de Jim Carrey haya criado a 3 negros bastardos fruto de la infidelidad de su mujer xDDD
Tras “A Quemarropa”, Irwin Winkler y Robert Chartoff vuelven a producir esta cuarta adaptación de las aventuras del inefable Parker – aquí llamado McClain - de Donald E. Westlake, hecha para lucimiento del recientemente retirado del fútbol americano Jim Brown en el papel protagonista. Está basada en la novela “The Seventh”.
El apuesto as de la NFL da muy bien el tipo Parker físicamente y a nivel de gestualidad: muy machote, duro, intimidador e incluso bastante sádico incluso cuando está de buenas (disfruta como un enano cuando atenta contra los futuros miembros de su banda por tal de ponerlos a prueba), pero con un toque sentimental aunque siga tratando a la otra gente, especialmente mujeres, como peones en sus operaciones. En las escenas de acción se el tío se sale: no está mal para su segunda peli como prota. Viene muy bien petrechado con nombres de futuras y presentes estrellas del cine del calibre de sus compañeros de reparto en “Doce del patíbulo” Ernest Borgnine (Clinger, el músculo de la banda de McClain) y Donald Sutherland en su debut en Hollywood (Negli, el algo narcicista y chiflado – bueno, es Donald Sutherland, ¿no? - pistolero de la banda); las estrellas de Broadway y la tele Diahann Carroll (que además de ser preciosa supura tristeza y una mal disimulada fragilidad como la única mujer por la que McClain debe sentir algo: Ellie, su pobre esposa), Jack Klugman (Kifka, chófer de la banda), y Julie Harris (muy bien como Gladys, cerebro y paganini de la banda), el entonces ascendente Gene Hackman (como un detective chusquero que establece una forzada y no deseada alianza con McClain en los minutos finales de la peli) o el secundario de lujo Warren Oates (Gough, el revientacajas racista y asmático. Sus momentos de tensión son de lo mejor de la peli). La banda de McClain consigue ejecutar un golpetazo pero la aparición de un aspirante a chantajista sádico, demente y necrófilo (James Whitmore) hace que todos los miembros se vuelvan contra él.
El escocés Gordon Flemyng, célebre entre los fans del Dr. Who por sus dos películas de cine con el personaje, dirige, y escribe Robert Sabaroff, especialmente recordado por guionizar varios episodios de Star Trek. Ambos crean un producto con una sola pretensión: darle al público acción y suspense por un tubo. Y tenemos ambos, vaya que sí: a ratos, el ritmo es frenético en las escenas de acción, que, grandes alardes, están notablemente realizadas. Las del atraco son pausadas, con el toque justo de comedia para compensar la tensión. El reparto, además, parece pasarlo pipa.
Lo mejor a un nivel más técnico, es, sin duda, la banda sonora a cargo del grandérrimo Quincy Jones: soul y jazz se entremezclan con piezas ejecutadas por invitados del calibre del teclista Billy Preston.
Para nada una obra maestra del cine, pero una película muy decente, entretenida, meritoria y con un reparto excelente. Yo que vosotros me la vería.
Curiosa, muy curiosa esta co-producción china-española con Sammo Hung y Jackie Chan (al tercer protagonista no lo conozco) mostrando sus flipadas por las calles de Barcelona.
Una película bastante divertida, mezcla de humor tonto y de situación, que te hace pasar un buen rato, y si eso lo unimos a buenísimas dosis de artes marciales bien hechas, nos queda una película digna de verse para los amantes de este tipo de cine.
La peli tiene cierto aire casposillo, fruto de la época y el presupuesto, pero eso no le quita estar bien trabajada y conseguida.
Vaya tronco de película. La trama es absurda y mil veces vista, no tiene gracia, los personajes resultan cargantes al máximo, está plagada de errores absurdos. Sinceramente no tiene nada bueno. No hace falta opinar sobre ella mucho más, españolada de las malas. Fin.
Gran película del gran van damme, me gusto bastante y este papel le queda bien. Una mezcla de acción con thriller con buenas actuaciones y escenas, no aburre en ningún momento y los demás actores genial también. La recomiendo totalmente. Para ser de clase b es muy buena la película.
Es una buena peli de van Damme para ser de clase B. Recuerda algunas escenas a la esencia que hacia en los 90, hay buenas peleas, buenas actuaciones y persecuciones. Para mi hace bien el papel de policia, los demás actores tb interpretan bien. Muy entretenida y no aburre en ningún momento.
Tras una portada que parece bastante romanticona, se esconde una gran película de artes marciales y acción a raudales hindú, con todo lo que eso explica: algo de romance, algo de humor, unas cuantas canciones con baile... los que estamos acostumbrados al cine de la India, sabemos a qué atenernos. Y oye, a mí me gusta el rollo que llevan.
Pese a que este cine pasa bastante desapercibido en occidente, hay películas bastante buenas, y actores que se van haciendo un nombre, como es el caso de Tiger Shroff, actor de acción que mola lo suyo (incluso ha protagonizado la versión hindi de ¨Rambo¨, y es que físicamente hasta se le da un aire).
Como decía, nos encontramos con una historia de amor y acción, donde nuestro protagonista tendrá que luchar por un campeón de artes marciales que quiere quedarse con la chica por las buenas o por las malas.
Las dosis de tortas están aseguradas, así como persecuciones con pelea (en buena parte copiada de ¨Ong-Bak, el Guerrero Muai Thai¨), y bastantes escenas donde el prota demuestra su chulería y buen hacer, y es que en Bollywood todo lo hacen muy épico.
Personalmente la he disfrutado mucho y considero que no tiene nada que envidiarle a muchas producciones norteamericanas, seguro que los amantes del cine de acción la disfrutarían si se atrevieran a intentarlo con el cine hindi.
Si quisiéramos demostrar que el cine funciona como un espejo que refleja, a veces en clave de humor, de drama y de tragedia, lo que realmente sucede en una sociedad, podríamos presentar a La ley de Herodes como un estupendo ejemplo de como el arte imita a la realidad social mexicana, pero que también funcionaría como fiel un reflejo de toda Latinoamérica.
Luis Estrada nos narra, en clave de humor negro, las desventuras casi surrealistas de Juan Vargas, un personaje típicamente mexicano, que al principio tiene buenos principios y propósitos de traer la modernidad al pueblo donde el gobernante PRI lo ha designado alcalde, pero que no tardará en corromperse e integrarse a la espiral de podredumbre que encierra al poder político.
La trama desnuda las porquerías del poder y de todos los estamentos sociales, desde el cura hasta el médico, pues todos meten su cuchillo para sacar su tajadita del pastel, en realidad esquilmar los bolsillos de los humildes campesinos, hasta que la paciencia se colme y estalle la ira popular.
Damián Alcázar, Pedro Armendáriz Jr. e Isela Vega están fantásticos en sus papeles.
Película algo lenta, con pocos momentos realmente interesantes, destacando quizás los últimos 15-20 minutos. Esos 5 puntos que le he puesto han sido en gran parte por el papel de Scoot McNairy en el papel de controlador aéreo que ha cometido un error que cuesta muchas vidas y en el que me parece que lo hace increíblemente creíble su papel de amargado (realmente era tan creíble que pensaba hasta que se iba a suicidar). El papel de Arnold me pareció un poco soso, poco expresivo. Lo sacan de papeles de acción (que realmente lo hace muy bien) y me parece un actor normalito tirando a malo. También un punto a favor de la película es que no es larga y por tanto no se hace tan pesada. En fin, para ver una vez y olvidarla.
Más envoltorio que sustancia. Es la típica historia de amor imposible que se crea en verano y una vez te separas de la persona amada, no terminas de olvidarla. Pues esto es lo mismo, solo que sucede en unos viñedos de Andalucía, que todo sea dicho, convida a perderse en ellos y deleitarse con el paisaje tomando coca cola fresca. En cuanto a la historia, pues decir que es el típico amorío de pasión que se confunde con el amor verdadero en que todo es roce y poco entablar conversaciones para descubrir el pensar o gustos de la otra persona. Javier Rey me parece un actor pésimo carente de carisma por lo que no me transmite nada, Blanca Suárez está correcta y el resto de los secundarios o cameos son los que me parece que funcionan mejor.
Es aburrida, pretenciosa... Encadena muchas desgracias para intentar encoger el pecho del espectador, con imágenes funestas que intentan potenciarlas con golpe de efecto musical rimbombante que lo único que produce es rechazo...
Drama policíaco cuya trama está bien definida pero sin tener los husillos bien apretados, lo que hace que no sea buen entretenimiento ni distracción. Los protagonistas son un desabrido Emilio Aragón y Ana Obregón, luego aparece como secundario un siempre solvente Agustín González que daba toda la pasión y carácter que tenía. La grabación es bastante chapucera pero al menos tengo el placer de ver a ¨El pirri¨ aportando su ineludible carisma.
Tenía yo ciertas dudas a la hora de decidirme a ver esta película, y es que el simple hecho de pretender hacer una ¨precuela¨ del crack en esta época, ya me parece una falta de respeto, pero además, es que podrían haberlo hecho mal...
Y bueno, una maravilla no es, pero al menos han hecho un buen intento.
El principal problema que le vea a la película, es cierto halo de artificialidad que desprende en todo momento, no me parece una ¨película¨, en todo momento me parece ver a actores sobre un decorado, recitando unos textos que les vienen un poco grandes la mayoría de las veces, y una película en donde nada te parece ¨real¨... pues te corta el rollo en todo momento.
Hay que reconocer que se han currado el casting, han buscado actores que dieran el pego lo mejor posible (el protagonista es el que menos me ha gustado, es muy difícil igualar el que quizá fue el mejor papel de Alfredo Landa en su carrera), y un aplauso a Miguel Ángel Muñoz como el ¨Moro¨, en todo momento me parece estar viendo al ¨Moro¨ original.
Para ser una precuela, me esperaba yo que fuera la historia que explicara como Areta dejó la policía y se hizo detective, pero no, esto realmente es una precuela por llamarlo de alguna forma, porque es un caso cualquiera.
Las imágenes del Madrid de ese tiempo están conseguidas, la música de la saga original la han mantenido, y la trama es aceptable.
Como tributo, me ha parecido digno. Innecesario, pero digno. Y artificial, demasiado artificial.
Reversión o transgresión del tiempo presente en cuanto a cómo sus líneas de realidad se ven afectadas por los abruptos cambios en el pasado. Un pasado de ideales, furia contra tradición, amor contra opresión, luchar contra el Gobierno.
Proyectados en un futuro sin futuro, ideales condenados a morir debido a la peor de las tragedias. ¿Qué salió mal, Sakae?
Yoshishige Yoshida, que ha dedicado toda la década a plasmar su visión única del hombre, la mujer, la sociedad y el Mundo lejos de las imposiciones y ataduras de los grandes estudios, como la gran mayoría de sus coetáneos, la finiquita tras la ambiciosa e internacional ¨Farewell to the Summer Light¨ con otra obra aún más ambiciosa, inspirada en la vida del controvertido Sakae Osugi, importante figura del movimiento anarcosindicalista en el Japón de comienzos de la era Taisho, y varios individuos claves en su vida, en especial la también activista Noe Ito, la más radical de las feministas de cualquier época en el país.
Sin embargo la acción toma lugar en el presente, o un futuro cercano (1.970), asfixiado por el blanco y negro metálico que modela Motokichi Hasegawa. En este presente conocemos a una serie de personajes cuyos propósitos, caracteres e ideas son poco menos que ininteligibles, y que aman liberar su rebeldía a lo largo de un mundo que pareciese enterrado en la más gélida esterilidad; el director los encierra tanto en interiores de penumbra invasiva, mientras en el exterior confunde sus horizontes por culpa de una luz cegadora que nunca nos deja ver con claridad dónde se encuentran. Los ángulos, la puesta en escena y su inventiva, una forma ¨nouvelle¨ con la que rompe la concepción formal como nunca hizo en su cine.
Es una expresión de locura juvenil tal cual plasmó en su debut ¨Good for Nothing¨, pero siguiendo unas coordenadas de juego aún más intransferibles. Aquí se revuelven y rebelan los estudiantes Eiko y Wada, ella acusada de prostitución, él un nihilista amante de la causa suicida. Al comienzo prevalece un afán de investigación y el pasado directamente relacionado con Noe Ito; allí nos lanza Yoshida, a unos cincuenta años en el pasado, a un Japón de disturbios y tensión, donde las condiciones de vida de los obreros son lamentables, los sindicatos demasiado débiles y la Revolución Rusa se convierte en un buen ejemplo a seguir por los oprimidos.
En este pasado el ritmo y la musicalidad de los diálogos obedece las maneras del kabuki. El director araña con total libertad las ideas políticas de estos personajes, pero sobre todo desea acercarse a sus vidas privadas en una recreación fatalista como ha estado haciendo en sus ¨antimelodramas¨ previos. Y todo se contradice rabiosamente; el deseo de libertad individual en desafío de las presiones del capitalismo, el matrimonio y la burocracia se da de bruces en un pentágono amoroso devorado por los celos, la posesión, el engaño, el cinismo, la perversión, la venganza y las bajas pasiones.
Todo circula alrededor de esa fuerza de la naturaleza que es Sakai (bien encarnado por Toshiyuki Hosokawa), su irresponsable ¨affair¨ que involucró a su esposa Yasuko y sus amantes Itsuko (la periodista radical Ichiko Kamichika) y Noe, tres mujeres figurando tres conceptos diferentes del amor (el amor falso y resignado por el título matrimonial, el amor celoso, posesivo y trágico, y, al menos en su ideal, el amor libre y hedonista). El quinto pilar en discordia es el marido de Noe, el poeta y dramaturgo Jun Tsuji, quien ya no soportará más el comportamiento de su esposa e intentará encontrar el amor en la infidelidad.
Las ideas de libertad traicionadas por los deseos e impulsos, tan egoístas y humanos. Todos incapaces de rechazar su posesión, física o metafísica. Esta linealidad argumental, donde tan de cerca se examinan dichos conflictos amorosos, es quebrada de cuando en cuando por viajes de retorno donde se nos fuerza a seguir al lado de los estudiantes, cuyas historias son evidentemente menos interesantes que las sucedidas en el pasado. Y es a partir de sus teorías fracasadas, revoluciones oprimidas y sentimientos venenosos que podemos entender ahora los códigos del presente.
¿Qué presente han heredado las nuevas generaciones? Un presente de paranoia, de perversión y desconfianza, un presente de caótico hermetismo cuyos exteriores son vacíos y eternos; aún más importante, un presente donde los individuos confunden sus identidades y, ante la ausencia de futuro, juegan con sus roles o los inventan sobre la marcha (de ahí que, desde el principio, Eiko ve cuestionada su verdadera identidad).
Sobre la estructura pesa una complejidad que a menudo se vuelve impenetrable, pero Yoshida la divide ingeniosamente en tres fases.
Cuando pareciera que ambas realidades seguirían una narrativa cronológica, se produce una escisión. El policía que acosa a Eiko y sus teorías acerca del poder de la imaginación de los pobres (la clase obrera) funciona de catalizador para que pasado y presente se fusionen en un mismo escenario, así la nueva generación puede aprender directamente de la vieja, así la vieja generación puede observar las consecuencias de sus actos, cuando aún se luchaba por ideales y movimientos sociales, sin saber que todo sería en vano. Los personajes que antes habitaban la era Taisho deambulan como espectros melancólicos en el Japón de finales de los 60.
La facilidad con que el director rompe las barreras del espacio-tiempo en pantalla lleva a instantes de puro vanguardismo y una potencia visual fascinante, destacando la entrevista que Eiko (Toshiko Ii, tan hipnótica como a menudo insoportable) hace a Noe en el centro de la Tokyo moderna; es el cada vez mayor deseo de la primera de escudriñar en el pasado la causa de que éste vaya tomando importancia en detrimento del presente, y así los jóvenes son relegados a investigadores de las vidas de otros, perdiendo el protagonismo. A partir de ahora cualquier cosa es posible en este universo múltiple que se pliega y repliega siguiendo sus propias reglas.
Un libro autobiográfico desvela la auténtica conexión entre Sakae y Noe, Eiko y Wada, y su curiosidad nos abre las puertas al descubrimiento. A este punto, preparada la trama para entrar en su tercera fase, el tiempo pretérito se ha dejado de mostrar cronológicamente y los saltos adelante y atrás son más habituales, hasta colisionar en un instante decisivo en las vidas de la pareja protagonista, que lleva a recrear el famoso Incidente de la Casa Hikage Chaya ocurrido en Septiembre de 1.916; si bien Mariko Okada ha sido la bendecida con mayor atención por parte de la cámara de su esposo, Yuko Kusunoki entra como un torrente de emociones y le arrebata dicho honor.
Allí, en habitaciones muy cerradas, Yoshida demuestra la misma habilidad que en sus dramas previos (en especial se recuerdan ¨The Affair¨ y ¨Affair in the Snow¨) para acrecentar la tensión en una atmósfera de odio y celos reprimidos, donde la proximidad humana los libera dolorosamente, gracias a su cámara escrutadora, tan cercana a la piel de los seres, y a esa inventiva formal y estética que le caracteriza. Tanto más sorprendente resulta este último tramo, exclusivamente centrado durante su hora y cuarto en el interior del motel-casa de té, cuanto que no se trata de una recreación literal de los hechos...
Pues, en su gusto por seguir desfigurando la realidad, el nipón nos propone el incidente, donde los celos de Itsuko (la ¨masacre¨ o ¨psique¨ griega) se transforman en un afilado cuchillo en la garganta de Sakae (el ¨eros¨), desde la interpretación personal de Eiko y Wada, de tal manera que nunca se tratará el crimen auténtico (al contrario, es presentado cual función teatral, con los implicados fundidos en un precioso ballet físico propio del noh).
Es un claro ejemplo de cómo Yoshida sólo se sirve de los turbios eventos reales para urdir tragedias metafóricas donde la debilidad y la pasión humanas desvelan su lado más melodramático y fatal.
Su mensaje al principio de la película es una firme declaración de intenciones. Este es un diálogo entre él y el espectador acerca de unos sucesos cuya repercusión a todos nos atañe, son sus elucubraciones y sentimientos intentando llegar a nuestro inconsciente y engendrar opiniones e ideas, la última fase de la revolución de su cine y el compendio del mismo, con sus aciertos y errores.
En un momento catártico, pasado y presente terminan entremezclándose gracias al poder de la tecnología del cine, que lo capta nítidamente, sin discernir las líneas entre uno y otro, sin hacer juicios unidireccionales. Tras un larguísimo trayecto que nos ha desconcertado y extenuado, se traspasa la Historia con las formas modernas ¨avant-garde¨, y el efecto es vibrante, conmovedor. Lo que fuimos es lo que somos y viceversa; y nada cambiará eso, ni el amor ni las revoluciones...
Tom y Jerry vuelven a la carga y acaban en un hotel y lo van a reventar en pedazos con su infantilismo.Añade que si Spike esta por ahi llega el Armageddon.
Tom y Jerry es un espectaculo dantesco de disfrute.Todos nos criamos con ellos y ahora podremos disfrutarlo junto a nuestros hijos.No solo eso que pese al toque infantil añade bastante madurez en el guion escrito por Kevin Costello en el que en una rivalidad a veces ningunos es malo,solo malentendidos.Mas bien en los personajes de Chloe Moretz y Michael Peña.Lo de Jerry es mas bien puteo XD.
En Conclusion:Una pelicula que he disfrutado como un niño,me duele el pecho de tanto reir y pese a que otras series pasaron por esto (el oso yogi,Looney Tunes,etc)...ESTA ES LA QUE MAS SOBRESALE EN LA ULTIMA DECADA.No es nada facil pero lo han conseguido.Piensa como entretenimiento y te saldra una maravilla.
9/10.Puteo Descontrolado por parte de Jerry.Tom le toca la fibra a Spike y Spike se une mas otros animales por el recinto.Hace que te olvides que son dibujos animados y eso esta bien
DE NIRO
5
La conquista de Siberia
Una correcta película de acción y aventuras, lo mejor es la ambientación de la Rusia zarista y lo que me hace bajarle un punto a la crítica es lo extenso en su duración, dos horas que se hacen interminables, y a pesar de eso las batallas de los rusos contra los nómadas están muy bien y los efectos se han realizado minuciosamente, esta muy bien contada la historia y dicen al final que es un caso real, el Zar envia tropas a la zona de siberia con el objetivo de conseguir oro para engrosar sus decaidas arcas provocadas por el bloqueo comercial con China, las actuaciones son correctas, no esperaba nada del otro mundo y me entretuvo.Me gusta (0) Reportar