Construyo mi crónica desde la aquiescencia de este policial nocturno de investigación intrigante con el convencimiento, -ya digo-, de haber visto docenas de veces algo parecido: que ni los villanos son tan perversos ni los policías tan honestos e intachables. El irlandés Brian Kirk moldea su película al agrado de sus guionistas. 21 puentes, su título original y seré CONDESCENDIENTE en su calificación. .2 sobre 5. ..PICARD..
Intimista y relajado ejercicio estilístico hispano-argentino que con fruición se saborea. Muy dialéctica con inflexiones porteñas, absorbente y encantadora y en donde poco es lo que aparenta. Y Cayetana, ¿qué haces para estar siempre igual, sin signos visibles y palpables de natural envejecimiento? (Porque hechizas). De GUANTE BLANCO. .2 sobre 5. ..PICARD..
Todo, todo es previsibilísimo en esta seria-comedia francesa de larguísima duración a la que le sobra una hora de metraje. No es una malísima cinta, pero tampoco buenísima; ni aburridísima, pero tampoco amenísima; ni es indiferentísima, pero tampoco emocionantísima. Es, en fin, ¨ÍSIMA¨. .1 sobre 5. ..PICARD..
Es una Hachiko (2009), ambientada en espectaculares parajes naturales. Si aquella nos hizo llorar abundantemente por su gigantesca carga humanitaria, esta no le va mucho a la zaga, aunque no todo sea imagen real, a diferencia de aquella. Así pues, se trata de un ponderable cuento infantil-juvenil escrito en su momento por el novelista Jack London y apto para todo tipo de público en estos duros días de pandemia. Un filme PERDURABLE en el recuerdo. .3 sobre5. ..PICARD..
Sin ser una excelsa película, Díaz Lorenzo (¨Señor, dame paciencia¨), conduce satisfactoriamente a estas tres actrices, -incomparables ellas- y convence al espectador provocándole un diluvio de sensaciones contradictorias: compasión, alegría, zozobra, esperanza, desparpajo, angustia, comprensión, fuerza... Chirría Salva Reina, actor que es de mi escaso gusto. Rodada en exteriores de Andalucía, me pareció que podría haber sido un celuloide MEJORABLE. .2 sobre 5. ..PICARD..
Historia alegórica sobre las relaciones fraternas carente de ángel. Una llevadera historia para seguir... si no se tiene otra cosa, vaya. Y no es que esté mal, no; pero tampoco se me antoja imprescindible. Lo mejor, ambas actrices; y que una de ellas es la directora. Me pareció, no obstante, cine francés INTRASCENDENTE. .1 sobre 5. ..PICARD..
Páginas: 1
Lo último de Gracia Querejeta, icónica cineasta madrileña, que aborda un filme de índole feminista con guion propio, y en donde impera la dialéctica con diálogos absorbentes y subyugantes sin caer en el marujeo. E inconmensurables Adriana, Blanca, Emma y Nathalie, veteranas actrices de toda la vida. Bravo Gracia, bravo. 😍 .CULTURAL. .3 sobre 5. ..PICARD..
Bernabé Rico elabora convenientemente y con mucho gusto esta notable fábula emotiva, sustentada por las dos actrices principales y que no son inconvenientes para visionar esta película. Un film de índole sensitiva y constructiva. .CONVENIENTE. .2 sobre 5. ..PICARD..
Javier Fesser engarza cuatro esperpénticas y delirantes historias con honestas intenciones en esta comedia del género de vidas cruzadas. Es definitiva y disparatada y, a menudo, recuerda el cine de nuestro malogrado J. L. Cuerda. Por no entrar en las interpretaciones: ¡qué grandes son todas! Es una desgracia que, a causa de esta pandemia que nos azota, no haya podido ser estrenada en salas comerciales. Bravo, Javier. Y buena suerte. .OS LA RECOMIENDO. .4 sobre 5. ··PICARD··
Para ser una producción de la indeseable Atresmedia y con gran parte de su habitual plantel, no está demasiado mal y se deja ver con complacencia; pero sin exagerar, ¿eh? No se trata de una PIJA comedia al uso y se visiona con alegría en estos tiempos del covid-19, al que venceremos, humanas/os. Belén Cuesta, muy natural aunque, para mí, quien desafina es Salva Reina, mal actor en cualquier papel (es mi parecer, por supuesto; y así lo digo). .ANIMADA. .2 sobre 5. ..PICARD..
Se abre la escena en el interior de unas oficinas. Un hombre lee ante la cámara: “Nacido el 2 de Enero de 1.935; 32 años; hombre; japonés; fecha de desaparición: 20 de Abril de 1.965; ocupación: comercial de plásticos […]. Razón de la desaparición: desconocida”.
Shohei Imamura nos sumerge así, directo, sin preámbulos y al grano, en el inicio de una ardua labor: la búsqueda de un hombre...
Mientras se aproxima la mitad de los 60 el director se encuentra en una posición cada vez más incómoda; su fama le precede, sus películas rompen esquemas dentro del cine del momento y son aplaudidas por la crítica...sin embargo en Nikkatsu no miran con buenos ojos esa actitud tan rebelde y contestataria, tan poco sujeta a las normas del estudio, y sus producciones superan unas cifras que no se recuperan en taquilla. “Intento de Asesinato” será la última en ser realmente respaldada por Hori y su compañía, y tras tales desavenencias el nativo de Tokyo se exilia, como hacen algunos de sus coetáneos, para labrarse su porvenir de manera independiente.
Basada en la novela de Akiyuki Nosaka, “The Pornographers” abre esta etapa, tan influenciada por las corrientes modernas europeas, estéticamente impactante pero caótica en su narrativa, aunque muy reconocida dentro y fuera del país; debido a la mala situación que está viviendo la industria en la época se decanta por el formato documental, y el objeto de su siguiente e inopinado trabajo, con participación de Nikkatsu, resulta ser la volatilización de un hombre corriente, llamado Tadashi Oshima (mencionado al principio). Interesante punto de partida, desde luego, el que escoge el realizador.
Usa el vaporoso blanco y negro que provee la fotografía de Kenji Ishiguro para configurar una atmósfera de misterio y engaño y se aferra a esa inmediatez fílmica que siempre ha estado presente en su obra para lanzarnos de cabeza a una investigación al margen de la ley que encabeza el director de un equipo de rodaje junto a Yoshie, prometida del desaparecido; y junto a ellos iremos escudriñando en la vida de éste, uno de tantos hombres que por A o por B deja una familia, un romance, una existencia atrás, sin explicaciones, quizás sin remordimientos.
Los tonos deprimentes de ese blanco y negro realzan la tristeza de una realidad, la de una sociedad dirigida hacia un cambio progresista, hacia una clara evolución industrial, tecnológica e ideológica que aun así no puede afrontar un grave problema como es la irremediable desaparición de sus habitantes; más de 90.000 en el último año, y tal noticia llama la atención de Imamura, quien decidido recorre con su escrutadora cámara numerosos escenarios para, sirviéndose de ese reportero y la mujer, hallar una respuesta al paradero de Oshima. Esta exposición abruma por su realismo crudo, por la desolación que transmite el rostro de una Yoshie cada vez más sorprendida debido a las confesiones de los numerosos entrevistados.
Paulatinamente dicha investigación irá revelando los secretos ocultos bajo una difuminada superficie, así como la identidad del hombre se desgaja con la intervención de compañeros de trabajo, familiares, amigos cercanos y otros conocidos, todos ellos conectados sin saberlo; eso es lo que hace la cámara: capturar la realidad que tiene delante y sacarle las tripas cual bisturí, por un lado para exponer a un hombre que ha cometido desfalco en su empresa, que ha mantenido dudosas relaciones sentimentales a espaldas de Yoshie y cuyo pasado soporta el peso del rechazo, la culpa, la ausencia paterna, la humillación y el refugio en el alcohol y las mujeres.
Por otro lado también se dejan al descubierto las debilidades de esa misma sociedad que avanza a pasos agigantados hacia una nueva era de modernismo y progreso, y que Imamura critica con impasible dureza, una sociedad donde se condena a los hijos ilegítimos, los jefes asumen el rol de padres a falta de unos verdaderos, la gente llegada del pueblo es despreciada en el entorno urbano, muchos se abandonan a su fe ciega en absurdas supersticiones religiosas, el exacerbado respeto por la tradición engendra seres cobardes, y sobre todo donde éstos prefieren vivir de apariencias y autoengaños. Japón, a ojos de Imamura, es sumamente gris, violenta, pobre, triste, sucia, depravada y falsa.
De repente el director se propone una decisión desconcertante; empieza a perder interés el caso Oshima (pasaremos además de la compasión a sentir una tremenda repulsión por su persona) a medida que lo pierde Yoshie, y ella se convierte en el centro de atención a partir de una sorprendente confesión: la de su amor por el jefe de la unidad de reporteros. ¿Todo esto está planificado o es fruto de la espontaneidad? Parece ser que sí, no obstante, conforme avanza el metraje, una nueva trama se abre y se nutrirá de las sórdidas intrigas protagonizadas por la mujer y su hermana menor, Sayo.
El desaparecido es un mero “macguffin” del que ya nadie se acuerda; ahora nos debemos adentrar en otro pasado, el de las anteriores, marcado por un odio que viene de ninguna parte, por un corrosivo sentimiento de celos. La realidad, en efecto, posee muchas capas, y las de la identidad de Yoshie empiezan a caer una tras otra, pues deja de ser la pobre chica abandonada y herida para mutar en una neurótica incapaz de confiar en nadie y de pésimo carácter; empieza así un enfrentamiento entre ambas mujeres, alimentado por la sospecha de una infidelidad nunca confesada.
En este punto, la tensión psicológica que dispone Imamura empieza a viciar la atmósfera y el realismo de los inicios se torna en desasosegante dramatización, elevando a otro nivel los principios y normas de su historia y el formato que había elegido; llegamos así a un clímax absolutamente claustrofóbico, con las hermanas cara a cara: Yoshie posa ante la cámara, lanza miradas amenazantes, disfraza sus gestos y expresiones; Sayo agacha la cabeza melancólica, tuerce la mirada, niega la verdad. Hay testigos, hechos, fotografías, pruebas, pero parece que nada importa ya.
El tiempo y el espacio se quiebran entonces en un gesto de pura irreverencia al revelar el propio Imamura la verdadera naturaleza de su documental, de la trama propuesta, del papel que ocupan estos “no-actores”; “Todo es ficción”, afirmará mientras el escenario es desmontado y el plano se abre dentro de un set de rodaje, exponiendo lo que la cámara jamás filmó. Teshigahara, Kinugasa, Mizoguchi, Yoshida o Suzuki supieron jugar bien con las formas de una realidad suspicaz y engañosa, y el director no posee menos talento para ello (sin embargo dicha “sorpresa” es susceptible de provocar el impacto que deseaba, pues desde hacía tiempo se intuía esta metamorfosis).
Pero Imamura logra su propósito. El espejo se rompe, cae el argumento, la cámara ya no graba una investigación, y el jefe de los reporteros resulta ser el gran actor Shigeru Tsuyuguchi, al que ya habíamos visto en otras colaboraciones con el realizador y quien acabó física y mentalmente exhausto tras el rodaje al no conocer las auténticas intenciones del anterior; una multitud se aglomera en una calle estrecha durante ese caótico y desesperante epílogo. Aquél, ante periodistas (¿reales?) recalca la naturaleza ficticia de su trabajo a partir de la desaparición del ya olvidado Oshima.
Yoshie, Sayo y los testigos continúan, no así, en sus roles, y la confusión reina sin control hasta que el chasquido de una claqueta decide terminar con el esperpento. Imamura fue aplaudido por su arriesgado experimento así como duramente criticado; lo cierto es que quizás nadie hasta el momento había empleado el formato documental con un punto de partida veraz y se había dedicado a pervertirlo, retorcerlo, jugar con él y con sus espectadores, tergiversando sus esquemas, con tal libertad de expresión y de ideas; lo más fascinante es que ambos mundos se entrelazan de tal forma que la autenticidad de dicha obra puede ser discutidas pero nunca descubierta. Eso solo concierne al director y a su equipo de cómplices.
Qué ilusos e inocentes somos al creer en lo que tenemos ante nuestros ojos, como aquellos ancianos que abandonaban su suerte a absurdas supersticiones religiosas.
En ese aspecto Imamura ha actuado de chamán y nosotros de fieles que atentos han estado escuchando hasta que la verdad nos ha sacudido implacablemente. Y así salimos del visionado de “A Man Vanishes”, ¿habiéndonos enfrentado a qué?...¿a una realidad dramatizada o una ficción maquillada como realidad?
Cine por y para jóvenes en esta nueva propuesta de Calparsoro tras su El aviso, 2.018. Longevo policial que, de alguna manera, me recuerda a aquellas películas de parecido contenido de finales de los años 70 y hasta los 90 aunque, naturalmente, con mejor presupuesto, mayor verosimilitud y potencialmente actualizada. Está bien y se puede ver con predisposición aunque a mí me satisfaga más el cine de Álex de la Iglesia. Para gustos. Celuloide muy EFICIENTE. .2 sobre 5. ··PICARD··
La voluntad y el tesón de una esclava negra para liberar a personas de su misma condición, en un biopic conmovedoramente interpretado por la actriz Cyntia Erivo (Viudas, 2.018). Os cuento, amigas/os: no me interesaron nunca biografías presidenciales y demás, pero sí las de gente humanitaria volcada con sus semejantes como esta Harriet, icónica figura antiesclavista y con la que, además, me solidarizo de manera vehemente por sus ideales y proceder activista. El filme se visiona con atención permanente, siendo un ejercicio de una calidad innegable. .SUPERIOR. .4 sobre 5. ..PICARD..
Película estrenada en plataforma de pago pero que no hubiera desentonado de haberlo hecho en salas comerciales. Un Tom Hanks con oficio y un competente director, Aarón Schneider, se encargan de mantener la emoción en todo momento, aunque yo echo de menos más planos generales. Si os gustó ¨1917¨, ¨Dunkerque¨y/o ¨Sully¨, os gustará esta. .EMOCIONANTE. .3 sobre 5. ..PICARD..
Una mujer nacida de la miseria, criada en la ruina y como un animal moribundo que no puede engendrar absolutamente nada bueno.
Pero entre la pobreza, el frío y la violencia puede resistir como mujer que es, sobre todo si es japonesa.
Mientras en 1.964 sorprenden con sus rompedoras propuestas directores de la talla de Teshigahara, Shindo, Masumura o Kobayashi (menuda cosecha la de aquel año), la vida de otros dos, figuras clave del movimiento que está surgiendo en Japón, va a cambiar para siempre: Yoshishige Yoshida y Shohei Imamura. El primero se irá de Shochiku tras ver manipulado su ¨Escape from Japan¨; el otro se irá de Nikkatsu porque ya no aguanta exigencias ni limitaciones de presupuesto; su compañero Seijun Suzuki tardará más en irse, aunque no por voluntad propia.
Basándose en la novela ¨Akai Satsui¨ del famoso Shinji Fujiwara (posiblemente uno de los más versátiles autores de la literatura nipona, que escribía de relatos históricos o criminales a dramas románticos o poesía, y que fue muy adaptado al cine), el director va a concluir lo que podría denominarse su Trilogía de la Rebeldía, iniciada con la muy controvertida ¨Cerdos y Acorazados¨, considerada por él la primera obra auténtica de su carrera. En esta ocasión se trae a la mitad del equipo de ¨La Mujer Insecto¨ y se dispone a contarnos una desgarradora historia.
Pero antes de eso un ruidoso tren que corta como una cuchilla un silencioso paisaje devorado por la niebla, un Japón post-apocalíptico; si los trenes para Ozu simbolizan el constante movimiento de la vida, para Imamura son el progreso que irrumpe en el hastío de la perenne tradición (un pobre rezo en un altar improvisado y las carteles anunciando ¨Sin reglas no funciona un hogar¨ como perfecto ejemplo). En este ambiente negro y viscoso se mueve torpemente la protagonista, personaje-tipo del director, una mujer que arrastra tras de sí una herencia familiar miserable.
Nieta de una prostituta, hija de una camarera, ahora le toca asumir con resignación su papel de criada-esposa en la casa del hijo cuyo padre tenía como concubina a su abuela (así de intrincadas son las relaciones humanas...). Éste es Koichi, bibliotecario de mayor posición social, y modelo de los hombres que presenta Imamura; como él, todos serán cínicos, cobardes, infieles, brutales, abusivos y enfermos, física y psicológicamente. Pero no hace excepciones; tanto ellos como ellas están podridos hasta el tuétano, y hemos de aceptarlo. La parte más turbia del drama se desata a raíz del asalto y violación que sufre Sadako por parte de un sádico ladrón (Hiraoko).
Al contrario de lo que debería suceder, este acto horripilante no se divulga, se guarda en una esquina del hogar y la víctima, con la estoicidad de la tradición samurái, prefiere el suicidio a la vergüenza; pero la necesidad y la supervivencia (el estómago rugiente) dejan la tradición en segundo plano. La realidad se desestabiliza según el punto de vista de la mujer, pero sólo en apariencia. Abrasivo para muchos (sobre todo para una espectadora) es el aceptar con tan severo mutismo una violación, y más aún plantear un romance a partir de ella; sin embargo al universo de Imamura lo rigen la desesperación, la ruina y el masoquismo emocional, y aunque el ladrón cae presa del amor, Sadako en principio duda y se resiste.
Como la Oharu de Mizoguchi, ella es una víctima a todos los niveles, incluso por su naturaleza (que no físico) sensual, que le impide rechazar a los hombres; por esa razón se deja explotar, con o sin su consentimiento. Mientras Imamura nos hace partícipes de su dolor, nos sumerge en esa versión urbana del agujero de ¨Los Bajos Fondos¨, donde las ancianas chismorrean, los hijos insultan y los maridos abusan. La atmósfera, amparada por la sublime fotografía de Shinsaku Himeda, ahoga y repele con la misma fascinación.
A la doble infidelidad (la consentida de Koichi y Yoshiko, villana absoluta y de las féminas más repulsivas de Imamura, y la forzada de Sadako y Hiraoko), se unen la negativa del primero y su madre a aceptar a la protagonista en su círculo familiar (la vergüenza), un embarazo no deseado (la violencia), un supuesto viaje a Tokyo (la obsesión y la cobardía) y ráfagas de paranoia psicológica y ¨flashbacks¨ que atraviesan el film y lo elevan a registros casi oníricos, enlazando la forma y el estilo con los del cine europeo del momento. Pero a la pega del extensísimo metraje se une la protagonista.
Ésta, interpretada por una buena Masumi Harukawa, transmite lástima a un alto grado de irritación, por su sumiso carácter, su obstinado mutismo, su total rechazo a la realidad, su falta de autocompasión; el director la priva de todo eso y la convierte en una víctima torpe y detestable, por la cual es difícil sentir algo de empatía, pues sus decisiones, así como las de todos los que la rodean y aplastan, están condicionadas por su estupidez. La Tome de ¨La Mujer Insecto¨, pese a todo, avanzaba al mismo tiempo que su país, a base de pisar su tradición y sus hieráticas normas; Sadako se conforma con permanecer en un ¨impasse¨ existencial, del mismo modo que casi todo el film.
Los ratones girando sin parar en su rueda simbolizan esta resignación a lo permanente, y aunque se coman entre ellos continúan silenciosos en la jaula. Por eso mismo la historia, tan llena de callejones narrativos sin salida y situaciones innecesarias, parece avanzar, pero no lo hace; el poderoso tramo de la huida en tren y a través de la nieve (más próximo a Yoshida o Teshigahara) le insufla algo de intensidad, pero pronto se apaga...
Para rematar ni el personaje del magnífico Shigeru Tsuyuguchi (el más interesante) tiene el final que se merece ni la película acaba como debiera; aquí nada está en su sitio y el director disfruta regodeándose en ese caos. A efectos técnicos impresiona, pero su visionado es insatisfactorio y estomagante; sólo hay un instante digno del aplauso: ese que envuelve a Yuko Kusonoki (odiosa hasta la médula) y un camión...
Este Caballero es un espectáculo visual dialéctico-humorístico filmado al subyugante estilo de Guy Ritchie que no cambia en su procedimiento, sin desesperar por ello, ya que es su impronta. Así pues, no desentona de sus anteriores trabajos, especialmente de la valoradísima -por mí- ¨Cerdos y diamantes¨, y que a la/al cinéfila/o espectadora/or le reconforta frente a la pantalla y no le decepciona, porque sabe (y espera) a lo que se va a enfrentar. .ESTILOSA. .3 sobre 5. ..PICARD..
Mortensen escribe, compone, interpreta y dirige este indigerible drama sobre la vejez y la homosexualidad con continuas y repentinas retroacciones sin solución de continuidad y con humillantes confrontaciones verbales entre el padre y demás integrantes familiares, que no me satisfizo en absoluto, no. Lo lamento, Viggo; me quedo mejor con Green book de 2.019. ¨Falling¨, (¨Cayendo¨) en lo cargante y latoso. .NO. .0 sobre 5. ..PICARD..
Excelentísima ambientación de los años 70 y excelentísimo colorido en esta excelentísima comedia musical española, en acusado contraste con el predominante color gris de aquella época, cuando el franquismo daba sus últimos coletazos bajo el mando del ¨excelentísimo¨ dictador. Y de excelentísima sensibilidad. .EXCELENTE. ·3 sobre 5· ..PICARD..
La humanidad que de ciertas personas emana hacia colectivos de diversa discapacidad cerebral, contada por Eric Toledano en una película a la vez deprimente y esperanzadora. Se necesita mucha predisposición y apego humanitario para dedicarse a este menester. La cinta no es muy recomendable para ver en estos tiempos de pandemia, ¿o quizá, precisamente por eso, sí? Con demasiada carga dramática (y no comedia, como dicen), mejor nuestra ¨Campeones¨ de Fesser. .REAL. .2 sobre 5. ..PICARD..
Es una ¨Solo en casa¨ actualizada a estos tiempos pero carente de la frescura de aquella, aunque pretenda poseerla. Con un guion deplorable, un pasadísimo De Niro y una dirección muy perdida y desasistida, es la atractiva Uma Thurman, que mejora con la edad, lo más representativo de este pseudo cine. .DESACONSEJABLE. .1 sobre 5. ..PICARD.
..PICARD..
4
Manhattan sin salida
Construyo mi crónica desde la aquiescencia de este policial nocturno de investigación intrigante con el convencimiento, -ya digo-, de haber visto docenas de veces algo parecido: que ni los villanos son tan perversos ni los policías tan honestos e intachables. El irlandés Brian Kirk moldea su película al agrado de sus guionistas. 21 puentes, su título original y seré CONDESCENDIENTE en su calificación. .2 sobre 5. ..PICARD..Me gusta (0) Reportar