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El Rey de los Kickboxers

una entretenida cinta de accion de la vieja escuela con todos los cliches que uno espera ( policia que hace sus propias reglas/ venganza por la muerte de un familiar/ chica en apuros/ maestro que entrena al prota para la pelea final/ pelea final tremendamente buena). sabiendo de que va es imposible no verla tan predecible. sin embargo logra ser un producto entretenido con carga nostalgica. ideal para una tarde.

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El Gran Milagro

Una lámina de oro, un trozo de metal, una bobina, un electroimán, baterías y...¡milagro!

Son los elementos clave para que el mes de Junio de 1.875 naciera el primer sistema de comunicación por medio de cables y con una amplia superficie entre los dos instrumentos base; nace el primer teléfono.
Y su inventor fue un joven de poco menos de 30 años, por todos conocido...¿o no?

Pues no, al parecer la Historia, sus descubrimientos, las nuevas investigaciones y el ansia de conocer la verdad ha demostrado que los aparatos telefónicos como tal ya existían mucho antes de que el joven Alexander Bell fuera repentinamente iluminado (como el transmisor eléctrico de Johann P. Reis o la transmisión de voz electromagnética por cables de Antonio Meucci, que gozó incluso de una presentación pública en EE.UU.), pero claro, fue él quien llevó esos prototipos a una mejora para transmitir un sonido humano articulado a través del aparato.
Pero en el Hollywood de los 30 estas vicisitudes aún no han llegado a entorpecer la autoría del inventor (ni siquiera su ardua batalla legal con Elisha Gray); a finales de la década uno de los grandes subgéneros dramáticos a los que los estudios apostaban con la casi plena seguridad del éxito, era la biografía de hombres ilustres cuya trayectoria profesional e histórica pudiera dejar un amplio margen a la creatividad de los guionistas, quienes aportaban la descripción más o menos veraz de unos avatares más grandes que la vida. El antecedente del moderno ¨biopic¨ tuvo en títulos como ¨El Gran Víctor Herbert¨, ¨Edison, el Hombre¨ o éste que nos ocupa sus principales exponentes.

En Fox le confían la dirección al actor y cineasta Irvin Cummings, que tan acostumbrado está a los dramas biográficos, y en la piel del genio un colaborador suyo, Don Ameche, querido astro de la época que ese mismo año daría vida al mismísimo DArtagnan (en una mediocre revisión cómica del personaje). La intención de los guionistas y el realizador con respecto a Bell es clara desde el primer instante en que aparece, irrumpiendo como el más humilde de los humanos en una pequeña reunión de cazurros de la alta sociedad que por supuesto quedan catatónicos al escuchar las interesantes ideas científicas del joven.
Ameche, con su físico menudo y sus expresiones inocentes, da el pego para este Bell miserable, bondadoso y a la vez ansioso de lograr un increíble descubrimiento. Durante este primer acto de presentación, Cummings se acoge al humor ligero más que otra cosa y a la mojigatería melodramática propia de la época, haciendo de la sordera un incentivo para la obsesión del protagonista con la comunicación humana; primero su madre, luego un pobre niño (George, que se lleva las escenas más lacrimógenas) y finalmente la mujer de la que se enamora al instante, Mabel Hubbard. La presencia femenina (sorda, en este caso), primero materna y luego amorosa, es crucial para hacer avanzar la historia y las ideas de Alexander.

La atmósfera cálida aunque algo tensa entre los deseos del joven, y sobre todo por culpa del padre de la chica, lleva la ligereza a terrenos algo más ásperos y dramáticos en un largo segundo acto prevaleciendo un tono cercano a Capra, con el protagonista siendo blanco de desacreditaciones, viéndose obligado a cambiar una y otra vez de casa, y luchando por demostrar al padre de su amada, a ella y a él mismo que su sueño del teléfono puede ser una realidad (cuando ya lo era, irónicamente, pero bueno...). Los espacios luminosos cambian así por alcobas en penumbra de olores penetrantes, bien modelados, gracias a cómo Leon Shamroy utiliza el blanco y negro.
Al lado de Bell está su ayudante y amigo Thomas (un jovencísimo y simpático Henry Fonda), y el director logra su objetivo: que el espectador se ponga del lado de este par de desgraciados a cuyo único sonido al que se han acostumbrado es el rugido de sus tripas hambrientas. Y el primero se fuerza a ello, pues es el inventor, pero lo que mueve al segundo es la mera amistad; tras el consabido descubrimiento y la expectación por la invención el metraje vuelve a tomar un ritmo veloz, y siempre con los efluvios amorosos de la encantadora y abnegada Mabel como motor de la ilusión del marido.

Desde luego una agradable y tierna pareja la formada por Ameche y esa bellísima Loretta Young. Un tercer acto (que teniendo en cuenta el potencial de su densidad dramática, también se despacha con bastante prisa) concierne a la lucha que se lleva a cabo, como es lógico desde la perspectiva del hombre de a pie fanático de su propia causa, contra ese capitalismo depredador que pretendía desposeer al inventor de la patente de su invento, transformándose todo en un drama judicial que apunta directamente a la vena sentimental cuando aquél y sus allegados se ven acorralados por los buitres de la aún incipiente Western Union.
No pueden quedar más al descubierto las intenciones del guión cuando se pretende que sea una carta de amor la prueba de la verdad absoluta (y eso no se lo cree nadie, ni en la realidad ni en la ficción...); seguro que a Meucci o Gray les habría encantado ver en pantalla al personaje de Bell defendiendo con uñas y dientes su teléfono y el sufrimiento que había llevado a cabo para crearlo. La encarnación de Ameche es heroica y eficaz, mientras uno se deshace ante la delicadeza de Young...pero nada de eso sería suficiente para hacer que los propios dueños de la Union se postrasen tan rápida y dócilmente ante los pies del inventor.

¨The Story of Alexander Graham Bell¨ aúna retrato costumbrista, afán de superación, fracaso, obstinación y triunfo ante las fuerzas del orden establecido, lo que explica que fuera un más que respetable éxito de taquilla por más que no llegara a alzarse con ningún Oscar.
En cualquier caso estamos ante una buena muestra de lo que era capaz el ¨star system¨ ¨hollywoodiense¨, maquinaria de arte industrial experta en generar sus propios y duraderos mitos por mucho que éstos pertenecieran más al terreno de la ficción que a la vida real en la que estaban inspirados...

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El Método Williams

King Richard es una pelicula de drama, biografía y deportes que se estreno en el año 2021. Esta dirigida por Reinaldo Marcus Green y protagonizada por protagonizada por Will Smith, Aunjanue Ellis, Saniyya Sidney, Demi Singleton, Tony Goldwyn, Jon Bernthal y Dylan McDermott.
Biopic sobre Richard Williams, un padre inasequible al desaliento que ayudó a criar a dos de las deportistas más extraordinarias de todos los tiempos, dos atletas que acabarían cambiando para siempre el deporte del tenis. Richard tenía una visión muy clara del futuro de sus hijas y sirviéndose de métodos poco convencionales, elaboró un plan que llevaría a Venus y Serena Williams de las calles de Compton, California, al olimpo de deporte convirtiéndolas en iconos legendarios.

Las hermanas Venus y Serena Williams son las tenistas más grandes de la historia del Tenis en los Estados Unidos por su talento, por su carisma y por su historia de vida tras el éxito y una pieza fundamental para lograr su grandeza fue su padre Richard Williams quien las apoyo en todo momento ya que estaba completamente seguro de que sus hijas se irían a convertir en leyendas en el mundo del tenis y pues bueno, en este biopic tenemos la historia de estás dos tenistas contada de una manera correcta y llevadera aunque de por sí la película tampoco es que resulte tan magnífica pero sin duda alguna es una de las películas más interesantes de este 2021 en cuanto a drama y deportes ya que hace tiempo que no veía una película de este género que llegase a ser tan emotiva y entretenida.

Vamos a ver, la pelicula en parte me ha parecido muy buena, es emotiva, entretenida pero esta lejos de llegar a ser una gran pelicula, tal vez para algunos les resulte un peliculón tremendo y un drama potente pero la verdad es que a mi ese rollo del Tenis me produce un aburrimiento insufrible, yo no soy muy apegado a ese deporte y lo mismo me pasa con otras peliculas que tratan sobre deportes como por ejemplo la Formula 1 que es otro que no me llama para nada la atención pero de todos modos solo porque no me gusta el deporte tampoco tengo porque desprestigiar a la pelicula y King Richard no es una pelicula mala, simplemente me ha parecido una pelicula correcta que relata muy bien la vida de toda esta familia ganadora aunque eso si resulta ser bastante predecible y da la impresión como si todos estos biopics sobre deportistas trataran de lo mismo.

Las actuaciones son bastante buenas aunque claro esta que quien mas sobresale en el film es Will Smith quien se luce de buena manera en esta pelicula haciendo una actuación brutal aunque esta muy lejos de llegar a ser la mejor de su carrera y si no lo nominan a los Oscar por favor no vayan e empezar a decir puras mamadas de que es injusto porque si Will Smith resta fantástico y maravilloso en la pelicula pero tampoco es para tanto y es mas, creo que su actuación en En busca de la felicidad resulto ser mas memorable y emotiva que en esta aunque esa solo es mi humilde opinión y nada mas.

Por lo demás no hay casi nada que decir, la historia esta bien contada, las actuaciones son muy buenas tanto del actor principal como la de los secundarios sobretodo la de las dos niñas que me resultaron tambien muy buenas y tambien contamos con la participación de Tony Goldwyn y Jon Bernthal como secundarios de lujo y pues del resto todo anda a las mil maravillas, el final esta bastante bien y puede que nos deja un sabor algo agridulce pero a la vez resulta motivador y lo que vendría en un futuro pues ya es pura historia.

En definitiva King Richard me ha parecido una pelicula muy buena, es algo larga ya que las dos dos horas y veinte minutos que dura se sienten y hay uno que otro momento en el que la historia resulta ser un poco aburrida pero de todos modos me ha gustado mucho y es cien por ciento recomendable para verla ya que el tiempo no se perderá en vano con ella.

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Chutaro of Banba

Un hombre sin nada que le pertenezca en una tierra feudal lúgubre que únicamente se mueve por la violencia y la codicia, embarcado en un viaje con un destino, quizás increíble: encontrar sus raíces y reparar su pasado.

Si por ejemplo un fan de Ozu que sólo le conociera por sus dramas costumbristas de cámaras estáticas se aventurase a investigar su primera etapa (donde hallamos comedias estudiantiles o historias de detectives y delincuentes) seguro que acabaría sorprendiéndose. Exactamente eso pasa con su coetáneo Nobuo Nakagawa, quien mucho antes de afiliarse a la fantasía y al horror y convertirse en un maestro del género, se perfeccionó como artesano y dejó su buen oficio en muchos otros tipos de cine desde que empezara allá por los años 30.
Ya llevaba unas dos décadas de carrera y había pasado con éxito su etapa de posguerra cuando le encargan una nueva adaptación para el cine de ¨Mabuta no Haha¨, de las más conocidas novelas de Shinjiro Hasegawa, genio del drama histórico y la tragedia familiar (como muchos de sus textos, éste trata sobre la eterna búsqueda materna, pues con ello reflejaba el triste abandono de su propia madre a su más tierna infancia). La primera versión la realizó en 1.931 un esencial del ¨jidai-geki¨, Hiroshi Inagaki, con una jovencísima Isuzu Yamada; en esta ocasión está como protagonista nada menos que Tomisaburo Wakayama.

Aunque en aquel entonces era más conocido como Masaru Okumura, un joven de unos 26 años experto en artes marciales y dominio de la espada y que venía de familia de actores (de hecho su hermano era el gran Shintaro Katsu) preparado para dar el salto a la gran pantalla gracias, precisamente, al film que nos ocupa, cuya historia se inicia en un indeterminado momento de la corta era Kaei (1.848-1.854). Si algo posee Nakagawa es una destreza envidiable en cuanto a puesta en escena y composición técnica, algo que brillará sobre todo en las secuencias de combates tanto en escenarios naturales como en interiores.
Pero ¨Banba no Chutaro¨ no es, como pudiera parecer, un ¨chambara¨, ni debe inscribirse entre las usuales aventuras épicas de la época; el director y Shintaro Mimura se mantienen fieles al libro y se disponen a narrarnos el largo, cansado y peligroso viaje de un pobre desgraciado que sólo tiene su espada para defenderse y un puñado de ryo para entregárselos a la madre que durante mucho tiempo lleva buscando. Se hace hincapié así en la figura materna ausente y en el anhelo de recuperarla, que se extrapolará a diferentes personajes (empezando por Hanji, amigo casual del protagonista a quien salvará del ataque de unos ronin sanguinarios).

Ésto se refiere a la subtrama que cruza toda la historia, donde los secuaces de un daimyo asesinado por Chutaro (algo que se podría entender como una figura paterna arrebatada) buscan venganza desesperados. Con el último cruzando montañas, valles y pueblos, no sólo se desarrolla una intensa cacería, sino un melodrama atravesado de amargura donde Nakagawa incluso rebasa los límites de lo emotivo; en constante conflicto estarán los valores del honor, la honestidad, la honradez y el respeto a la familia y la tradición, mientras el joven Wakayama, sorprendente en sus escenas de acción, se pone en la piel de un anti-héroe marcado por el sufrimiento, la culpa y la angustia existencial.
Más cerca de Zatoichi que de la legión de guerreros modernos oportunistas nacidos de la costilla de Sanjuro, este Chutaro es incapaz de matar sin sentir después el peso del alma de aquel al que desgaja con su katana, no así habituado a la vida de ronin errante y violento para sobrevivir en lo que parece ser una tierra ahogada por la cobardía, la injusticia, la depravación y el nihilismo (¿una aguda imagen feudal de los huérfanos de posguerra?). Onui, hermana de Hanji, le sirve de guía en su largo peregrinaje, que será interrumpido por diversos encuentros con pintorescos personajes (todos, absolutamente, sin un pasado familiar al que aferrarse...).

Pero Nakagawa, pese al marcado sentimentalismo de su fábula, no acaba sucumbiendo a ingenuas esperanzas que la terminen en una conclusión feliz; al final la imagen de la madre que queda es la que persiste en la memoria, pues el tiempo y la sociedad corrompen a la gente, la hacen recelosa y susceptible y logran congelar sus corazones para siempre. Isuzu Yamada regresa, 24 años después, para encarnar ahora a esa madre fría y distante, la que en imagen física jamás podrá sustituir a la mental; el cineasta nos sacude con un encuentro terrible y desgarrador.
Uno de los momentos donde se ha de elogiar su naturalidad a la hora de mostrar el drama de personajes, pero es durante ese desasosegante clímax (que siguiendo el camino de la fatalidad, tan presente en la historia, se repite la situación del principio) cuando hace gala de todo su talento (con Chutaro, tras la pelea, escondiéndose de su madre (el pasado que hay que olvidar) y evitando ser visto por Onui (el futuro al que no se puede aspirar) para elegir una existencia presente y errante). Poética descorazonadora de la soledad y el que podría haber imaginado el Mizoguchi más inspirado.

No sólo éste, de principio a fin ¨Banba no Chutaro¨ goza de una puesta en escena evocadora, sensible en sus instantes de carga dramática y psicológica, sumamente áspera en sus instantes de violencia, pero sobre todo de una gran belleza formal muy preocupada del detalle por el escenario interior y natural (las secuencias nocturnas revelan a un maestro de las imágenes) y los movimientos.
A Wakayama y una maravillosa Yamada en un papel repelente acompañan Koji Mitsui, una preciosa y genial Yoko Katsuragi, el bueno Hisaya Morishige en uno de los personajes más interesantes (propio del teatro kabuki), la veterana Hisako Takihana y el también muy joven Tetsuro Tanba. Estamos ante un drama feudal insólito para el director y el propio género, oscuro y agrio en sus conclusiones, poético y atroz, una rara joya que desde luego influenciaría a futuros títulos.

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La Posada de Osaka

Observar el Mundo por medio de la constante búsqueda de honor, bondad y humanidad puede ser un completo error y llevar al que lo hace a fatales desengaños.
El Mundo, por desgracia, es como es; lo veremos a través de los ojos de un idealista que no podrá sino darse de bruces con la realidad cuando esta asoma en toda su plena miseria.

Y el encargado de exponerlo es Heinosuke Gosho, desconocido maestro clásico para el público occidental que como muchos coetáneos cultivó una extensa carrera y tuvo el placer de ser reconocido y galardonado en esa década en la que el cine japonés estaba siendo aceptado internacionalmente, por supuesto la de los años 50. ¨Where Chimneys are Seen¨ había sido proyectada en el Festival de Berlín y su popularidad no pudo ser mayor, deslumbrando al Mundo con su cine honesto, de líneas costumbristas y visión humanista. Poco después va a adaptar la famosa novela ¨Osaka no Yado¨, del prolífico Abe Shozo (disfrazado tras el alias Takitaro Minakami).
Éste, aprendiz del maestro Izumi Kyoka, es un poeta, crítico y autor muy centrado en la realidad cotidiana del momento, lo cual encaja perfectamente con el estilo del director. Pese a su título, el film no empieza en esa posada que en breve se convertirá en escenario primordial de la historia, sino en un izakaya de Osaka, ciudad a la que Kyoichi ha sido transferido tras protagonizar una ¨heroica¨ disputa con su jefe en Tokyo; a partir de aquí vamos a contemplar desde su punto de vista (o a ser forzados a ello) los muchos devenires y situaciones con los que tropezará cuando decida residir en dicho lugar.

Para comprender el grado de su ingenuidad se debe partir de la idea de que dejó su oficina por cuestiones morales y que es engañado por el hermano de la dueña de la posada (Ossan) para instalarse allí; fundamental esta perspectiva. Quizás Gosho se identifique con Mita, pero percibe antes que él, y nos lo hace saber, cómo esa Osaka de la incipiente recuperación económica parece más bien un basurero donde se arrojan los deshechos del país. Magnificada por sus luminosas aceras, altos edificios y monumentos históricos, la oscuridad es perpetua, y la posada Suigetsu el reflejo de esta decadencia.
Suerte de lúgubre reinterpretación del clásico ¨Gran Hotel¨ de Edmund Goulding, Gosho se presta a la teatralidad y nos encierra en los espacios reducidos de ese microcosmos para atender a la multitud de tragedias que allí tienen lugar, haciendo hincapié, cual Mizoguchi, en el inmenso sacrificio de la mujer, porque son ellas las impulsoras del drama y circulan, desde el interior y el exterior, alrededor de la figura tranquilizadora y leal de Mita: la madre que no puede ir a ver a su hijo (Otsugi), la esposa insatisfecha (Orika), la geisha de corazón roto y alcohólica (Shizu), la joven despreocupada y vivaracha (Oyone), la avara y malévola dueña o una chica que ha tenido una desavenencia económica con él y cuyo padre está afectado del corazón (Omitsu).

Todas estas mujeres resultan ninguneadas por los hombres (ya sea el marido, el padre, el hijo, el hermano o el cliente) y abocadas a la infelicidad; lejos de este círculo de tristeza femenino, una paz soñada e inalcanzable para Mita encarnada en una muchacha con quien se cruza siempre en la ciudad (y que resulta ser la hija de un conocido).
Shizu, enamorada de él, le ve como una estrella que brilla en lo alto sin tocar el suelo; y es que es difícil aceptar los principios de esa Osaka terrenal donde sus habitantes se refugian en la individualidad, el nihilismo, la corrupción y la avaricia con tal de sobrevivir y salir adelante.

De igual modo que toda forma de sinceridad, moralidad y bondad (encarnadas en Mita) se rechazen con severa violencia; males que se aceptan con estoica resignación, pues la vida es como es y no se puede cambiar, de ahí que la visión del film acabe resultando incómoda, desagradable, agria, porque los injustos jamás son castigados por sus injusticias ni los honestos hallan el más ínfimo atisbo de esperanza. Firme en sus descripciones, Gosho no cae en ilusiones ni fantasías, y así, poco a poco, su héroe adopta su postura: la de un idealista decepcionado ante el avance de la inhumanidad (¨Sólo importa el dinero, ¿qué ha sido de la humanidad?¨, delibera).
Y mientras las distinciones entre hombres y mujeres se hacen conforme al sufrimiento que éstas padecen por el carácter cobarde, manipulador, lujurioso y brutal de ellos, el director radiografía toda esta realidad con una inopinada audacia que le distingue de algunos de sus colegas de profesión; ¿cómo se le podría calificar en última instancia?, ¿como el más clásico de los modernos o como el más moderno de los clásicos? Perfila con sobriedad las aristas de una atmósfera agobiante y perversa, y al mismo tiempo colmada de integridad y compasión por los perdedores.

Es preciso señalar cómo Yasushi Akutagawa demuestra auténtica maestría en el uso de la música para aumentar la intensidad dramática en momentos decisivos, y que permiten a Gosho crear algunas de las secuencias más oscuras de su cine: en especial cuando Mita descubre al padre de Omitsu, ya muerto en una esquina oscura de la casa, por ejemplo.
La tristeza lo invade todo, absolutamente todo.

Encabeza ese solemne y tremendamente flemático Shuji Sano un plantel donde brillan Mitsuko Mito, Kyoko Anzai, Hiroko Kawasaki y la siempre espectacular Nobuko Otowa (esposa de Kaneto Shindo), gracias al grado de realismo y naturalidad de sus interpretaciones, metiéndose a conciencia en sus personajes (y no hay que olvidar a Eiko Miyoshi y la joven Sachiko Hidari, pero son tan repulsivos sus papeles que cuesta brindarlas un elogio...). Queda un poso de amargura recalcitrante; en ¨La Calle de la Vergüenza¨ había una evolución, necesaria aunque en parte tocada por la desgracia.
Pero aquí el círculo, que tan tempestuoso ha estado girando y tan al límite a puesto a todos los personajes, se cierra sin ningún cambio (únicamente la posada parece contar con ese privilegio): la geisha sigue siendo un juguete roto, la dueña una avara repugnante, la esposa y la madre seguirán sufriendo, los ejecutivos seguirán mintiendo. Y pese al suicidio, la traición y la decadencia, hay que aferrarse a cualquier cosa para vivir, por terrible que sea...esta verdad se acepta, se encara con dignidad.

También Ozu nos enseñó muy bien que el tren pasa, la vida sigue, y que quizás las cosas puedan cambiar, pero en otro lugar, siempre hay que luchar por ello.
Gosho, por su parte, será de nuevo aplaudido y reconocido como el gran maestro que es por esta pequeña gran joya que da al cine japonés, uno de sus logros más duraderos.

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A Hard Day

Película de Asia que tiene cierta acción y situaciones muy exageradas por momentos (nunca faltan).

No me terminó de convencer pero me pareció interesante y divertida. Lo de la duración que leí en otro comentario quizás sea cierto pero, de mi parte ya estoy acostumbrado,

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Mi General

Veteranos de guerra que hacen cursillo para mantenerse actualizados, allá, los señores compórtanse como mozalbetes, haciendo pillerías y enamorándose uno de ellos como adolescente de mujer que regenta farmacia y al tiempo es locutora de radio cuyo programa erótico es. Pues no es cautivadora y menos entretenida, ya que los personajes bien trazados no están y el desarrollo de la historia poco profundiza a está y a trompicones se narra. Entonces buena premisa se presenta empero no cautivan sus hechuras.

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El último Duelo

El Último Duelo es una pelicula de drama e historia que se estreno en el año 2021. Esta dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Matt Damon, Adam Driver, Jodie Comer y Ben Affleck.
Francia, 1386. Cuenta el enfrentamiento entre el caballero Jean de Carrouges y el escudero Jacques LeGris al acusar el primero al segundo de abusar de su esposa, Marguerite de Carrouges. El Rey Carlos VI decide que la mejor forma de solucionar el conflicto es un duelo a muerte. El que venza será el ganador, sin embargo, si lo hace el escudero, la esposa del caballero será quemada como castigo por falsas acusaciones.

Hace tiempo que no me apasionaba tanto viendo una pelicula de Ridley Scott quien en el pasado nos trajo grandes obras maestras como Alien, Blade Runner o La Caída Del Halcon Negro pero que últimamente anda de mala racha con peliculas poco convincentes como Éxodo: Dioses y Reyes o la desastrosa El Abogado Del Crimen que definitivamente es de las peores peliculas que ha dirigido pero bueno, estamos ya finalizando el año 2021 y la verdad es que no hay mejor manera de reivindicarse y darle un nuevo resurgir a su carrea sino con una gran pelicula histórica como lo es El Ultimo Duelo, una obra basada en el libro The Last Duel: A True Story Of Trial De Combat In Medieval France de Eric Jager, y pues la verdad es que todo me esperaba de ella menos que me fuera a gustar tanto ya que definitivamente estamos hablando de una de las mejores peliculas del año por no decir que la mejor pero en lo que se refiere a peliculas de las que nadie esperaba absolutamente nada he de decir que esta se lleva todos los aplausos.

Vamos a ver, la pelicula se centra en la acusación de una mujer de haber sido brutalmente agredida por Jacques LeGris, el amigo de su marido Jean de Carrouges y para probar la afirmación de su esposa, ambos hombres deberán luchar hasta la muerte y se cree que el vencedor será determinado por Dios. Y bien, lo que en un principio se veía como un argumento simple y directo termino sorprendido a mas de uno al envolvernos por completo en la historia y conseguir atraparnos durante cada minuto de metraje pues si, El Ultimo Duelo cuenta con una historia solida pero narrada de una manera acojonante contándonos la historia desde tres puntos de vista diferentes lo cual en un principio podría resultar un poco pesado por el hecho de que se repite lo mismo una y otra vez pero este no ha sido el caso ya que la historia a medida que avanzan lo minutos se torna cada vez y mas interesante y se mantiene a flote hasta su epico y legendario final el cual será del agrado de muchos y que de por si le dio un brutal y magnifico cierre a todo este rollo.

Uno de los puntos mas fuertes de El Ultimo Duelo seria el casting repleto de grandes estrellas donde todos hacen realmente un trabajo tremendo y destacable, en primer lugar tenemos a Matt Damon quien como el Ave Fenix resucita de entre las cenizas porque ya le veía como un actor en declive porque no habia tenido buenos papeles en una producción y en la mayoría siempre aparecería como secundario y tambien participaba en peliculas que pasaron con mas pena que gloria pero hace ya algunos años tomo conciencia y ha participado en buenas peliculas como por ejemplo Ford Vs. Ferrari, Cuestión De Sangre o El Ultimo Duelo en donde se marca tremendo personaje con una actuación sublime y brutal muy digna de un pedazo de actor como el.

Por otra parte tambien tenemos como protagonista a Adam Driver, una de las estrellas de esta ultima generación en pleno ascenso y que nunca deja de sorprendernos porque después de que fue el villano en las nuevas peliculas de Star Wars ha participado en peliculas de renombre y conocidas y pues esta ha sido una de sus actuaciones mas lucidas y brutales, aquí Adam Driver interpreta al villano de la historia y me le quito el sombrero ante semejante actuación que se marco porque en verdad que fue magnifica.

Hablando de buenos actores y actrices en ascenso la que no se puede quedar atrás es Jodie Comer quien por fin ha encontrado su espacio en Hollywood porque esta año participado en dos buenas peliculas, una fue Free Guy junto a Ryan Reynolds y la otra El Ultimo Duelo donde realiza un papel muy convincente con el que llegamos a sentir mucha empatía y por ultimo finalizando el casting contamos con la presencia de un desaprovechado Ben Affleck quien tiene un papel muy secundario y de poca monta que queda completamente opacado por los tres actores principales que son Matt Damon, Adam Driver y Jodie Comer asi que para los que creían que Ben Affleck se iría a lucir en esta pelicula pues van aquedar muy decepcionados aunque eso no quiere decir que no haga un buen papel.

Otras cosillas a destacar serian que la pelicula maneja a la perfección el suspense ya que a pesar de ser una pelicula con una carga dramática impresionante se resalta mas que todo la intriga y la tensión las cuales se apoderan del espectador durante los 150 minutos que dura que de por si no llegan a ser pesados ya que la historia es apasionante y el ritmo es frenético aparte de que hay una que otra secuencia de accion para deleitar al publico aunque eso si no hay muchas porque son contadas pero se resalta mas que todo la epica y legendaria batalla final entre los dos protagonistas cargada de violencia, tensión y realismo muy del estilo de Ridley Scott quien con esta pelicula parece que ha encontrado una nueva salida a su carrera después de verse perdida tras destrozar una de sus sagas predilectas como Alien pero esa ya es otra historia.

En definitiva El Ultimo Duelo me ha parecido una película espectacular y esplendida en todos sus aspectos, visualmente es una maravilla con los decorados, la fotografía y la vestimenta las cuales son impecables y de por si o no tengo queja alguna con esta pelicula, es muy buena, entretenida y sin duda alguna apunta para ser una de las candidatas a las mejores del año ya que resulto ser una tremenda sorpresa.

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Darc

Darc es una película de acción que se estrenó en el año 2018. Está dirigida por Julius R. Nasso y protagonizada por Tony Schiena, Armand Assante, Tetsu Watanabe, Dawn Olivieri y Kippei Shiina.
Un agente de la Interpol incorpora a un peligroso delincuente, familiarizado con el funcionamiento de la mafia japonesa, para colaborar en la desmantelanción de una organización de trata de personas.

Darc es de esas películas de las cuales no podemos esperar ni exigir mucho porque es una simple y sencilla cinta de acción palomitera hecha exclusivamente para el entrenamiento y para los amantes del cine de acción a la vieja escuela ya que esta tiende a parecerse a aquellos films de los años noventa tipo Steven Seagal con la mafia y los yakuza de por medio así que si lo que se quiere ver es una simple película de acción para pasar el rato Darc sería la más indicada porque es entretenida y ligera aunque predecible en todo momento pero nos hace pasar un rato muy bueno y al fin y al cabo eso es lo que importa.

El argumento va de menos a más, es sencillo, poco original pero efectivo y digerible en los escasos 90 minutos que dura porque el ritmo es frenético y acelerado así que es imposible que aburra. La historia sigue a un ex presidiario, llamado Darc que se enfrentara el solo a la yakuza para vengar a su madre que fue brutalmente asesinada frente a este cuando apenas era un niño y también lo hará para rescatar a la hija de un policía interpretado por Armand Assante y pues de eso prácticamente trata la peli así que si espera una historia profunda, impecable y bien elaborada con giros en la trama pues van a perder el tiempo porque Darc es el tipo de películas de la cual solo podemos esperar entretenimiento puro y a mi parecer lo consigue ya que es una buena película de acción que resulta ser una mezcla entre American Yakuza, John Wick o Kill Bill con unas secuencias de acción salvajes y brutales que dejarán más que satisfecho a todo aquel que quiera ver sangre gratuita porque la peli no se anda con mamadas en lo que se refiere a violencia extrema.

Vamos a ver, las actuaciones tampoco es que sean la gran cosa pero los actores tampoco lo hacen nada mal, el protagonista es un tal Tony Schiena, un actor desconocido que anteriormente ya había trabajado como secundario en algunas películas con Vinnie Jones y Van Damme y pues del el no hay mucho que decir, es el típico héroe de acción inexpresivo que deleita al público en las secuencias de acción como si de un Scott Adkins se tratara y hasta se me hace curioso que Scott no haya Sido el protagonista de esta película porque es el tipo de papeles que suele interpretar pero de todos modos el tal Tony Schiena no lo hace tan mal aunque eso sí no se le ve por ningún lado un futuro prometedor en la industria y pues de los secundarios tampoco es que haya mucho que decir, los villanos son muy comunes en este tipo de films así que no hay sorpresa alguna y por último si lo que se echaba de menos era una cara conocida en el reparto pues allí tenemos a Armand Assante quien es un actor cuya carrera nunca llegó a despegar del todo aunque por ahí hay una que otra joyita en su filmografía como el film de aventuras La Odisea que me encanta muchísimo.

Lo que más destaca en Darc serían las brutales secuencias de acción ya que me parecieron muy buenas y para aquellas personas que disfruten las peleas con espadas con decapitaciones y desmembramientos pues van a quedar satisfechos aunque claro está que si hubiera alguna contra pues yo diría que me molestó un poco el hecho de que el protagonista sea resistente a los balazos y a los cuchillazos pero en fin, estamos solo ante una simple película de acción y tampoco voy a tirar pestes de ella ya que me ha gustado mucho y de por sí no tiene ningún pierde ya que es entretenida y disfrutable al cien por ciento.

En definitiva Darc me ha parecido una película decente y entretenida que nos hace pasar un buen rato y que para matar el aburrimiento sería una buena elección y más si somos amantes de este tipo de películas de acción que tratan sobre mafia y yakuza que se solían hacer en los noventa y que lastimosamente ya no se hacen hoy en día.

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El Rey de los Kickboxers

El Rey De Los Kickboxers es una pelicula de accion y artes marciales que se estreno en el año 1990. Esta dirigida por Lucas Lowe y protagonizada por Loren Avedon, Sherrie Rose, Keith Cooke, Don Stroud, Richard Jaeckel y Billy Blanks.
Kahn es un campeón de peso pesado de kickboxer, que a menudo mata a sus oponentes enfrente de una cámara y luego vende las cintas. Jake busca venganza por la muerte de su hermano en manos de Kahn. Años después Jake es un policía y viaja infiltrado a Tailandia a preparar su venganza, pero él tendrá que perfeccionar sus habilidades para luchar con la ayuda de Phang si es que quiere derrotarle.

Si bien es cierto que la mayoría de películas sobre artes marciales siempre suelen repetir lo mismo y en esta no es la excepción, tenemos una cinta titulada El Rey De Los Kickboxers que en algunos países se distribuyo como Retroceder Nunca, Rendirse Jamás 4 0 5 pero la verdad es que a excepción del protagonista no tiene nada que ver con dicha saga asi que aquí tenemos una historia diferente aunque mil veces vista pero eso no quita que la pelicula sea endiabladamente entretenida porque a mi me pareció muy buena y la he disfrutado como si fuera toda una super producción de Hollywood ya que me ha enganchado, la he disfrutado y si bien se podría decir que hasta es de mis favoritas porque en verdad que me encanta y me entretiene cada vez que la veo.

En esta historia tenemos al personaje de Loren Avedon quien busca vengar la muerte de su hermano que años atrás fue brutalmente asesinado por un despiadado peleador de Kickboxer que ahora se dedica a hacer peliculas de artes marciales para la televisión con el terrible secreto que asesina a sus oponentes frente a las cámaras y luego venden las peliculas como Snuff y pues bueno, la historia en si me ha parecido similar a la primera entrega de Kickboxer con Van Damme por el rollo del tipo que busca a un maestro que le enseñe a mejorar sus técnicas de combate para asi poder enfrentarse al villano de la función que es nada mas y nada menos que el monstruoso y formidable Billy Blanks.

Las actuaciones no son nada del otro mundo, el protagonista es Loren Avedon que hace el mismo papel de siempre pero aun asi me parece un actor gracioso, carismático y en las secuencias de accion tampoco se le ve tan mal y hasta me atrevería a decir que es de los mas infravalorados porque me parece mejor que otros como Lorenzo Lamas, Jalal Merhi o Don The Dragon Wilson. En el rol de villano tenemos a Billy Blanks con un personaje brutal que a mi parecer le queda como anillo al dedo porque viendo su físico y rostro creería yo que el papel de villano le sienta mejor que el de héroe porque le he visto como el héroe en otras peliculas y en verdad que luce de pena.

Por otra parte, lo mas llamativo de la pelicula serian las peleas las cuales me parecieron espectaculares lo cual me sorprende viniendo de una producción de serie B como esta pero aun asi me han parecido fantásticas sobretodo el enfrentamiento final entre el héroe y el villano que sin duda alguna fue la mejor pelea de toda la pelicula y le dio un digno cierre a esta historia tan predecible pero al fin y al cabo entretenida del carajo.

En definitiva El Rey De Los Kickboxers me ha parecido una pelicula muy buena, sencilla, directa y predecible pero altamente recomendable para los amante s del cine de accion y artes marciales de los noventa ya que es una pequeña joyita que no se puede pasar por alto si es que en verdad nos gusta este tipo de peliculas.

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