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Murder is my Beat

Su rostro triste y algo desencajado lo dice todo. La querríamos creer, ¿no?, a esa pobre chica que espera absolutamente desconsolada un destino que quizá no le tenga que tocar.
Por supuesto él también desearía creerla. Pero las mujeres son engañosas; su mejor arma es la lágrima fácil, siempre ha sido así en el relato negro...

El cine negro, por su parte, no había muerto tras haber acabado los 40 ni mucho menos, prosiguió con fuerza e incluso adquiriendo una nueva forma y estilo gracias a algunos títulos poderosos esenciales para el mismo; a mitad del decenio siguiente podríamos nombrar, como triunfos del género, ¨La Noche del Cazador¨, ¨The Big Combo¨, ¨El Imperio del Terror¨, ¨El Beso Mortal¨ o la francesa ¨Rififi¨. Está claro que entre tanta joya, entre tanto maestro al que alabar, las obras y directores menos reconocidos (que no menores) quedan siempre enterrados en polvo hasta que alguien se lo quita de encima.
¿Quién iba a recordar a Edgar Ulmer, el individuo de la tacañería cinematográfica?, pero no porque él quisiera, sino porque esa era la situación que le había tocado vivir; pues este hombre vive una época un tanto agitada y perniciosa, aceptando encargos en baratísimas coproducciones. En ese 1.955, y antes de filmar el extrañísimo ¨western¨ ¨La Aurora Desnuda¨ (por lo difícil que resulta ubicarlo en su filmografía), regresa a un terreno conocido como es el ¨thriller¨, y ahora ya no actúa desde PRC, sino desde Allied Pictures, donde Aubrey Wisberg financia y escribe el proyecto.

Uno que conoce el cine negro, que no le importa sumergirse en su universo tan particular a pesar de haberlo hecho cientos de veces, ha de aceptar la lógica y la historia como nos es contada; y en este caso, después de un intenso prólogo, seremos conducidos a un larguísimo y típico ¨flashback¨ a través de la narración que Ray Patrick brinda a su compañero Rawley. El primero es un detective de policía que acaba inmiscuido en un dudoso asesinato cuyo principal responsable parece ser una chica; aunque nos paseemos por los escenarios más reconocibles del ¨noir¨ y veamos a sus personajes más estereotipados hay algo que lastra la calidad del film.
Situando a Patrick en el centro del suspense, Wisberg y Ulmer despojan de cierto dinamismo a la historia; el impertérrito Paul Langton no encarna a un temerario del ¨hard-boiled¨ como Marlowe, sus procederes y sus formas de hablar y actuar corresponde a los rudos policías de los seriales televisivos, cuyo carisma es más plano que una pizarra. Por tanto podríamos decir que el argumento y los hechos de ¨Murder is my Beat¨ se desarrollan al estilo de un ¨thriller¨ policíaco de manual, en su más estricta y literal concepción; el protagonista surca diversos lugares bajo su narración omnisciente y monocorde, hasta llegar a la supuesta rubia perdida, Eden.

La rubia es, a todo esto, Barbara Payton, a la que podemos recordar de ¨Corazón de Hielo¨, ¨Atrapado¨ o ¨Sólo el Valiente¨, con unos pómulos cada vez más prominentes pero sin perder ese atractivo tan ¨monroeniano¨ que la caracterizaba. Ulmer, ateniéndose a su habitual limitación de presupuesto, modela una atmósfera tan propia del cine negro, tan desnuda y sencilla, que cuesta discernir su estilo, si bien aplica trazos de fatal romance aquí y allá; y éstos son los que llevan a la trama a lugares interesantes, al lograr la fémina hacer dudar al policía de su supuesta inocencia.
Planea la ambigüedad sobre ella, nunca pudiendo afirmar de si se trata o no de una ¨femme fatale¨ y Patrick de otro idiota que ha caído en sus hipnóticos encantos; la segunda mitad en el pueblo intentando dar con la pista de la sorprendentemente reaparecida víctima del asesinato (Fred Deane) es lo que mayor interés acumula, y más incluyendo la presencia extraña de una amiga de Eden (Patsy)...claves cuyo secreto se resolverá por malabares decentemente tratados en el guión (siempre gracias a una dirección escondida, un dinero que aparece en el lugar más sospechoso u otro personaje implicado que corresponde con más información para esclarecer el caso).

Pues a pesar de sus errores propios de producción barata, el buen director sabe imprimir el ritmo justo a la historia (ayuda que el metraje sea cortísimo) y mantiene enganchado con toda la sencillez y entretenimiento decente en los que se apoya y con el cúmulo de cosas que van sucediendo, algunas de ellas requiriendo la absoluta creencia del espectador en que si algo hace funcionar al cine negro es su torcida visión de la realidad, su absurdo orden, su bien establecido caos, y sus personajes ininteligibles, enigmáticos y confusos revolviéndose en su interior.
Como muy grande debe ser la fe que debamos otorgar a un clímax que Wisberg pretende resolver a base de sorpresas algo delirantes y apresuradas (si bien Hitchcock lo hacía en sus películas y Chandler en sus novelas y todos las consideran genialidades...); sin embargo por culpa del epílogo, simplón, torpe, demasiado dicharachero, uno no duda de que lo que perseguía el productor no era implicarse con un complejo ¨noir¨, sino salir del paso con un episodio de serial matutino, pues a eso acaba aspirando ¨Murder is my Beat¨.

Para Payton, por cierto, sumida en un consumo de drogas y alcohol cada vez más enfermizo a la par que sus constantes líos con la ley, éste fue oficialmente su último trabajo en el cine; terminaría su corta carrera ejerciendo como prostituta de clase alta y metiéndose en problemas por estafa.
Al final la rubia si que era una mujer fatal...pero ello le costó muy caro; una década más tarde, hepática, arruinada, olvidada y alcohólica, fallece en San Diego. Otra joven promesa de la industria, no poco talentosa, quemada antes de tiempo...

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Velvet Hustler

Los dos hacen planes, una pareja curiosa. Ella es una sofisticada y decidida mujer recién llegada de Tokyo, él es un bala perdida de Kobe cuyo hastío le ha llevado a la drástica decisión de regresar a Tokyo...pero ahí mismo es donde los planes se acaban y comienza la cruda realidad...

Una de las imágenes quizás más memorables de esta película y la que define por completo un discurso y esencia que se viene observando y tratando durante todo el metraje, pero tal vez sin alcanzar la claridad hasta ese mismísimo final donde el futuro de los protagonistas se tuerce de súbito y sin remedio; es un final algo distinto del ya imaginado en una obra anterior: ¨Red Pier¨. La situación es curiosa; a finales de los 60 el director Toshio Masuda seguía siendo una figura esencial del cine de acción moderno y el director mejor pagado de Nikkatsu, pero su colaboración con Yujiro Ishihara había durado mucho...
Nada menos que desde su debut ¨Rusty Knife¨, su obra maestra por otra parte; ahora, llegando 1.966, es Tetsuya Watari y no el nativo de Kobe el actor (y también cantante) que más despunta dentro de la productora. Suzuki ya lo ha impulsado gracias a ¨El Vagabundo de Tokyo¨ y el mismo Masuda dirige con él (tal vez forzado por Kyusaku Hori y acólitos) un ¨remake¨ de ¨Man who Raised a Storm¨, para más inri protagonizada por Ishihara casi diez años antes; ambos se volverán a unir en otra revisión de uno de los clásicos del cineasta, ya mencionado, escrito por Kaneo Ikegami.

La acción, al igual que su predecesora, sucede en Kobe, con Watari (extranjero de Awaji) en la piel del protagonista, quien en su día se llamó Jiro y ahora Goro, presentado como el gángster más chulo de toda la ciudad en una secuencia tan ¨kitsch¨ que sólo se la puede catalogar de ¨puramente setentera¨. El chico espera pacientemente en un aparcamiento, hasta que llega un tipo en un bonito descapotable rojo; se baja y el otro se lo roba, que usa para llegar hasta el jefe un clan rival y asesinarlo en plena autopista. Escena dirigida con el habitual nervio de Masuda y un gusto extraño por lo grotescamente autoparódico.
En muchos sentidos, ¨Velvet Hustler¨ llega para mofarse de ¨Red Pier¨, y con los colores intensos que brinda la fotografía de Kurataro Takamura y la imaginación del director artístico (y buen amigo de Suzuki) Takeo Kimura, sustituyendo así las preciosas tonalidades del blanco y negro de la de 1.958, que le otorgaba aires clásicos, ásperos y amargos, para acercarse al estilo de Makino, Ishii, el mismo Suzuki o los primeros films de Fukasaku. Goro es, a todos los efectos, un Jiro más festivo y menos comprometido, si bien comparten un exilio involuntario desde Tokyo y naufragan en una existencia sin rumbo a través de unas calles plagadas de criminales, pobres, prostitutas y visitantes americanos.

Visitantes ruidosos y sin escrúpulos que quieren volver a saborear las miserias que dejaron en el país tras su conquista; los cambios históricos hacen que esta vez Masuda mire de reojo al problema de la Guerra de Vietnam en lugar de a la de Corea. Los esquemas argumentales son los mismos; el policía Noro es Usu (quien pierde esa afección paternofilial y la comicidad del anterior para crear un detective mucho más implacable, obstinado y metido por voluntad propia en el clásico juego del ratón y el gato con el villano). Keiko, hermana del traficante asesinado, ahora (y con el mismo nombre) es su amante.
La dulzura y calidez de Mie Kitahara, que representaba una salvación para el protagonista, es reemplazada por la frialdad de una Ruriko Asaoka más misteriosa, en la línea de la ¨femme fatale¨ clásica; pero donde las interacciones de la primera e Ishihara rezumaban dramatismo y naturalidad (ayudaba el hecho de que fueran pareja en la vida real) Masuda dedica demasiado tiempo a las de la segunda y Watari, que estancan el film por su insoportable tedio y futilidad (Goro, tras mucho parloteo y coqueteo, reiterará a Keiko su deseo sexual), siendo capaz de arrancar el bostezo al espectador.

Mientras tanto vuelve ese asesino a sueldo, ahora encarnado por un Jo Shishido magistral que parece repetir su papel de ¨Marcado para Matar¨; una lástima que el guión le preste tan poca atención, pues lo presenta y se deshace de él demasiado rápido. Pero la mayor diferencia con ¨Red Pier¨ es la actitud del protagonista; Jiro quedaba atrapado en un dilema moral en cuanto a abandonar la vida criminal como un cobarde o asumir sus culpas como un hombre, así el joven yakuza debía hacer ese importante examen de conciencia que determinase su destino. Goro jamás toma esta decisión vital y preferirá seguir la senda del yakuza, marcada por la violencia y la muerte prematura, es decir: no desear cargar con responsabilidades.
Por ello los inmensos puertos de Kobe guardaban un importante significado en la obra original: la huida hacia una tierra prometida o la prisión permanente en el cruel exilio. Nada de este dramático doble sentido existe ya (por si no nos había quedado claro); el director se descuelga con el cinismo, se olvida de redenciones, y por el camino nos invita a un relato criminal típico de la época, con todo su colorido imaginario, sordidez, cruda acción y espíritu desenfadado, incluso juvenil (los mediocres instantes dentro de los pubs y discotecas, muy al estilo de Nikkatsu, sobran por todas partes...).

Ese espíritu es el que al final contagia al protagonista, tocado por el desparpajo tan característico de Watari, y tan alejados de Ishihara (a recalcar su horrenda escena de baile tras golpear al traficante); para hacer más pesada su presencia no dejará de silbar la melodía del film (¡silba incluso después de ser disparado!).
Sí destacan un elegante Tatsuya Fuji como el detective, Kayo Matsuo de chica rechazada y sinvergüenza y por supuesto Shishido, quien parece estar en otra película. Huelga decir que este prostituido ¨remake¨ fue todo un éxito y afianzó aún más la carrera de Watari...cuestiones esas que escapan a mi comprensión.

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Patrimonio Nacional

La vida política se desintegra y lo que estaba arriba ahora está abajo, se organizan partidos, ha aparecido algo así como la Ley Fundamental, un señor bajito con pinta de enterrador llamado Carlos Arias no se lleva muy bien con otro alto y apuesto que al parecer se ha sentado en un trono en el Palacio de Oriente, donde se debe estar muy a gusto...

Es la Transición, tan temida por muchos, tan esperada por otros, la era del cambio en nuestra España allá por 1.975, cuando se anuncia por televisión la muerte del Generalísimo Francisco Franco; y entonces sale Juan Carlos I de la nada, como siempre ha hecho, y se proclama rey, y no saben algunos la que se les vendrá encima cuando lleguen unas cosas llamadas democracia y elecciones. Este periodo de piruetas políticas tan convulso y que llegará a su cenit cuando en 1.978 se apruebe una serie de papelajos con el nombre de Constitución también se refleja en el cine.
Un cine que no tarda en aprovechar lo que le brinda un país mucho más liberal, en hacer de la libertad democrática una herramienta para desangrar la política obsoleta y explotar lo que antes hubiera sido condenado por la censura; y el director que mejor supo expresar este cambio a través de la cámara fue Luis García Berlanga, que se recupera de una peligrosa sequía gracias a ¨La Escopeta Nacional¨, exitosa obra, negra como el tizón, sobre la burguesía decadente, la pérfida ambición y la miseria moral de los que antes eran figuras de prestigio de los ambientes cortesanos y acabaron fuera del mapa tras el ascenso del Régimen.

Entonces el valenciano contempla junto a su querido Azcona volver la mirada hacia esa familia tan peculiar, tan ruin y entrañablemente corrupta, tan degenerada y, de un modo extraño, simpática: los Leguineche. Porque recordemos que en ¨La Escopeta...¨ entramos a formar parte de su universo delirante y ponzoñoso a través de Canivell, aquel vendedor de porteros electrónicos que desea codearse con la nata y la crema de la alta sociedad para dar buena salida a su negocio, sin saber que pueden estar envenenadas. Ahora, y por desgracia, a José Sazatornil no le volvemos a ver el ¨pelo¨.
Ahora son los Leguineche los que toman el protagonismo y Berlanga nos arrastrará a su estrambótica cruzada para volver a situarse en el lugar que una vez les correspondió. La película empieza con un plano de ellos saliendo del campo y entrando en la ciudad, estorbando a otros vehículos, con la posibilidad de provocar un accidente, abriéndose paso como asquerosos nobles que son entre los plebeyos, igual que sucedería en la Edad Media; el destino de la familia lo sigue determinando el curso de la Historia española: muerto Franco se reestablece la monarquía y parece que todo rastro del Régimen empieza a desaparecer.

Y el director contempla que es el momento idóneo para que su piara de chiflados oportunistas, con don José a la cabeza, quieran volver a su palacio, pero se encuentran con que allí vive la ex-mujer de éste y condesa Eugenia, ferviente franquista. La lucha de ideales en este derruido vestigio de tiempos patrios pasados representa lo que es el país en el momento, un homólogo a nivel personal de las guerras políticas que mantienen los del Consejo del Reino y los de la Coordinación Democrática; pero a los Leguineche poco les importa esta situación.
Absolutamente todos actúan por dos cosas: beneficio material y crédito social. Así les iremos viendo pasar por delante de la cámara de Berlanga, que obtiene el Palacio de Linares para su historia, inmersos en una serie de estrafalarias y caóticas situaciones en los que cada uno de ellos quiere echar mano del pastel en cuanto vuelvan a recuperar su prestigio; así Luis José sólo quiere desempeñar un cargo político mientras Chus busca el tesoro familiar por la polvorienta finca y el marqués hace lo posible por quitarle los bienes a su esposa, pero la mala suerte les golpea con la aparición de unos bienintencionados señores de Hacienda que reclaman unos impuestos impagados.

El humor del director y el guionista no cambia un ápice: negro y ácido en toda su delirante socarronería, en su devenir de una punta a otra del encuadre por el escenario casi único que es el palacio, y que figura, en sus desconchadas paredes y maderas carcomidas, el deterioro, el declive de esa estirpe burguesa de época pre-franquista tan consciente de su corrupción moral. A lo largo de la trama, y con el asunto de Hacienda como mejor ejemplo, se desvelan las más escandalosas degeneraciones en los personajes, a quienes no dejamos de mirar como patéticos rastreros y tacaños, encantadores en toda su sinvergonzonería.
El primero es por supuesto Luis Escobar, único e irrepetible en su don José, que aparece convertido en una versión más ingenua y amable del terrible déspota que fue en ¨La Escopeta...¨; tal vez sea una obra coral pero su presencia es la más destacada, sobre todo porque, en opinión de un servidor, escupe mejor que nadie las frases de Berlanga y Azcona. No desmerece en absoluto el colosal reparto que le sucede, con unos simplemente excelentes López Vázquez, Alfredo Mayo, José Lifante, Luis Ciges, Agustín González y Amparo Soler Leal, pero casi todos ellos eclipsados por el ingenio explosivo de Mary Santpere, que se mide con Escobar en un cara a cara difícil de olvidar.

Esperpento corrosivo que lo ataca absolutamente todo, y que demuestra que la democracia, como el Régimen, tiene tantos sus cosas buenas como malas, un delirio tratado desde cierta distancia con el que uno no deja de sorprenderse gracias al carisma y la naturalidad de sus actores.
Puede que el éxito no fuese tan grande como su predecesora y que perdiera parte de su frescura, pero al cineasta le valió, ni más ni menos, una nominación a la Palma de Oro en Cannes...la cual se acabó llevando el polaco Andrzej Wajda por ¨El Hombre de Hierro¨. En fin...

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El manosanta está cargado

Una de las mejores del negrito Olmedo, con todo el elenco de No Toca Botón. El Manosanta fue su personaje más destacado, un estafador que se hacía pasar por curandero brasilero, le sacaba el dinero a los incautos, y de paso se divertía de lo lindo con las chicas. Tiene gags divertidísimos como cuando Olmedo se hace pasar por la profesora de gimnasia. Muy recomendable para los que gustamos del humor argentino.

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Mi Prima la Sexóloga

Bastante mala con una historia algo llamativa pero que se vuelve repetitiva a tal punto que llega a cansar, además sus personajes resultan pesados y nada carismáticos debe ser por las pésimas actuaciones las cuales no transmiten nada, lo único destacable un par de escenas eróticas y algunos desnudos de Estephanie Herela. Película nada recomendable ya que es bastante aburrida incluso hasta sus diálogos .

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Mi Mujer no Es mi Señora

Comedia picaresca Argentina de fines de los setentas, con el gran comediante Alberto Olmedo, él es un publicista que conoce a una joven modelo Nadiuska, hermosa y exuberante, automaticamente queda obnubilado por su belleza y le pide matrimonio, ahi comienzan un sinfin de enredos, esa mujer podria tener parentesco con el protagonista, risas y un buen dearrollo, además tiene la participación de Olga Zubarry, ecelente actriz, poco reconocida.

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Parker

Parker es una película de acción y thriller que se estrenó en el año 2013. Está dirigida por Taylor Hackford y protagonizada por Jason Statham y Jennifer López.
Parker es un ladrón con un código ético muy particular: sólo roba a los ricos. Tras una operación, es traicionado por su equipo y dado por muerto. Entonces decide adoptar una nueva identidad; lo que se propone, con la ayuda de una hermosa mujer, es apoderarse del botín y que sus antiguos socios lamenten haberse cruzado en su camino.

Cuando nos disponemos a ver una película de acción con Jason Statham como protagonista podemos dar por hecho que el entretenimiento está más que asegurado y que no nos irá a decepcionar y pues eso me ha pasado con Parker, una película de acción pura que a mí me ha dejado más que satisfecho ya que me hizo pasar un buen rato aunque eso sí creo que está muy lejos de ser una de las mejores de Statham ya que no está a la altura de otros grandes peliculones como El Transportador 1 y 2, Crank o Death Race pero aun así vale la pena verle así sea para pasar el rato.

La película cuenta con un argumento bastante sencillo, Statham es Parker, un ladrón profesional a quien en su último trabajo es traicionado por sus socios y estos le dan una tremenda paliza que hasta lo dan por muerto pero como el tipo no puede ser vencido así fácilmente se recupera y volverá con otra identidad para reclamar su parte del botín y lógicamente también para vengarse y pues prácticamente ese es todo el rollo, aquí tenemos a un Jason Statham en estado puro que no decepciona y que le brinda a sus fans otra buena cinta de acción para relajarse en una tarde de domingo en casa sin muchas preocupaciones porque la película da lo que promete.

A mí parecer la película no cuenta lo que se dice con un gran reparto porque en primer lugar Jennifer López anda por allí como mujer florero y su personaje creo que sobra ya que no aporta gran cosa y además tampoco tenemos lo que se dice un villano a la altura del héroe porque Michael Chiklis me parece muy buen actor y todo pero no tiene gran participación y no llega a ser tan cruel ni despreciable como para que llegue a ser un villano odiado y de Nick Nolte la verdad poco que decir, totalmente desperdiciado lo cual es una verdadera lastima ya que también es otro pedazo de actor.

La película en si no tiene brillantes secuencias de acción ya que no son tan espectaculares y carecen de adrenalina pero de todos modos las que nos ofrecen son bastante llamativas, están bien filmadas y llegan a ser muy brutales ya que hay mucha violencia gratuita con mucha sangre o si no véase el enfrentamiento que tiene Statham con uno de los malos en el hotel que para mí fue uno de los mejores momentos que hubo en la película y pues de lo demás poco más para decir, me esperaba que el tercer acto hubiese sido un poco mejor ya que me pareció un poco descafeinado pero aun así la película cumplió con su objetivo y me hizo pasar un buen rato así que no me voy a quejar.

En definitiva Parker me ha parecido una película correcta, no es de las mejores de Statham pero si es un film muy entretenido que nos quedará gustando si somos muy fans de este actor, a mí parecer le sobra metraje ya que la duración se aproxima casi a las dos horas y a mí parecer pienso que tampoco daba para que se alargará tanto pero de todos modos aprueba con una nota muy justa.

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Red Handkerchief

Dos hombres separados por el tiempo, enfrentados a causa de él, dos amigos cuya amistad ahora es poco más que ceniza, y la razón es el dinero, siempre el dinero.
Nos volvemos a meter de cabeza en un particular y oscuro mundo criminal de individuos perdidos que desean redimirse y traidores sin escrúpulos...

Puede que a mitad de los 60 muchos directores estuvieran despuntando en Nikkatsu o siendo ya figuras respetadas (Takumi Furukawa, Ko Nakahira y en especial Koreyoshi Kurahara, Seijun Suzuki y Shohei Imamura), pero el que aún seguía ostentando la posición más alta era Toshio Masuda, un emperador según muchos, porque película que estrenaba, película que batía récords en taquilla; le ayudó mucho tener de estrella al tan idolatrado Yujiro Ishihara, pero sus sobradas virtudes como cineasta hubieran bastado. Ya llevaba seis años colaborando con él, y parecía no querer soltarle...
A partir de la exitosa canción que el actor compuso en 1.961, ¨Akai Hankachi¨, el director acepta el encargo de una película usando dicha tonada como elemento principal; despliega de nuevo su talento tras la cámara durante un prólogo trepidante y muy clásico de su cine, donde dos policías, Ishizuka y Mikami, han de interceptar a un individuo que posee una buena cantidad de dinero para financiar el tráfico de drogas. La violencia desatada entre esas calles de Yokohama oscuras y sucias establece el escenario y la atmósfera del film, perfilada por los tonos ásperos y apagados de la fotografía de Shigeyoshi Mine.

Que el perseguido sea atropellado, el dinero acabe por accidente en manos de un vendedor ambulante y éste se enfrente a los dos protagonistas a punta de pistola no quiere decir nada; todo este torrente de emociones inicial de repente se evapora cuando la hija del anciano (Reiko) lanza su desprecio a Mikami entre el barro y la mugre de los barrios bajos donde ésta trabaja. Y entonces la intriga se deshace en un paréntesis de cuatro años; con la desesperada búsqueda de éste por parte de un compañero detective (Tsuchiya) en una zona inhóspita y helada, su regreso es el punto clave de la trama.
De este modo Masuda recurre una vez más al drama del perdedor que ha pretendido fallídamente refugiarse en el olvido y debe volver sobre sus propias huellas para reparar su pasado; teniendo en cuenta que es Ishihara el (anti-)héroe, esta ¨Red Handkerchief¨ se conecta directamente con los dos primeros trabajos que hizo con él (¨Rusty Knife¨ y ¨Red Pier¨) y sus homólogos Yukihiko y Jiro (aquí incluso tiene el mismo nombre). El peso de un trauma que cambia para siempre la existencia del protagonista es la base del argumento, las sospechas del robo del dinero por parte de Ishizuka y su ascenso social impulsa el suspense; Masuda es lo suficientemente ingenioso para saber equilibrar ambas cosas.

Otra evidente conexión entre este film y ¨Red Pier¨ es el papel que desempeña el siempre solvente Hideaki Nitani, otra vez de secundario ambiguo, débil, cobarde y violento bajo apariencias de tipo honesto y leal; de por medio, y como no puede faltar en un producto de estas características, una mujer se inmiscuye en medio de los otrora compañeros, que no es otra que la misma Reiko. De este modo un triángulo amoroso puesto contra las cuerdas y oprimido por las sospechas, la desconfianza, los celos, la corrupción y el odio, cada vez con más intensidad mientras se desarrollan los acontecimientos.
Si ¨Red Handkerchief¨ tiene algo a su favor es que, a diferencia de otros ¨thrillers¨ del nativo de Kobe, no presenta subtramas innecesarias ni tampoco complejos giros de guión; Masuda enfoca directamente a Ishihara y su álter-ego, y los hechos suceden desde su punto de vista, a excepción de ciertos momentos concedidos a la chica. Se permite de igual modo escudriñar (como siempre ha hecho) en la psicología de estos torturados personajes y registrar su progresiva escalada de neurosis, hastío y violencia haciendo uso de una puesta en escena inventiva y rica en detalles, la misma de la que se sirve para sus secuencias de acción, frenéticas y viscerales.

Pese a los puntos a su favor es difícil pasar por alto ciertas incongruencias típicas de las producciones de Nikkatsu, que lastran el conjunto y le restan credibilidad; lo primero es que definitivamente nada induce al espectador a creer que Reiko deba enamorarse de Mikami (pero todo el mundo quería que el héroe se la llevara...), y lo segundo es la manera tan torpe e incompetente que tiene el guión de introducir a la yakuza, cuyas intervenciones son poco menos que ridículas (se dedican a pelearse, gritar un poco, amenazar y salir corriendo cuando llega la policía...).
Por su parte Nobuo Kaneko, en una de esas pocas veces donde no hace de villano, tampoco funciona como Tsuchiya, quien sólo va de aquí para allá, aparece siempre en la escena del crimen (¿es que no hay más detectives en la ciudad?) y da consejos inútiles aunque bienintencionados a todos. Y la cámara de Masuda, gracias a su operador Mine, ya logra por sí sola imprimir ese clima deprimente, de desesperanza y tristeza a las calles de Yokohama...no es preciso ver a Ishihara paseándose de vez cuando con su guitarra y demostrando lo bien que se le da cantar de forma tan melancólica (pero eso era algo muy típico de la época y de Nikkatsu).

Sí que merece rescatarse ese intenso clímax a las puertas de la comisaría, reviviendo los protagonistas los hechos del principio como si así el círculo de desgracia y fatalidad se viniese a cerrar de manera perfecta, equilibrándose el universo y aplicándose la divina justicia.
Aunque lo que más destaca en este último tramo es la vigorosa interpretación de Nitani, más que el sobreexceso dramático al que se presta Masuda. El film es, por supuesto, otro enorme éxito y estará considerada, hasta el día de hoy, una de las joyas de la productora y del género en la década de los 60...cosa de la que un servidor discrepa.

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Casablanca

En pleno vemos 2021, vi esta gran peli clásica en esa época estaba la II Guerra Mundial.
No hay escenas de acción pero se demuestra la intensidad contra los nazis

Hablando de intensidad, tambien tenemos la química entre Humprey Bogart e Ingrid Bergman que al principio chocan pero todavía estaban enamorados

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La Peor Semana

La Peor Semana es una película de comedia que se estrenó en el año 2018. Está dirigida por Robert Smigel y protagonizada por Adam Sandler y Chris Rock.
Un devoto padre de clase media está decidido a pagar la boda de su hija a pesar de las insistencias del padre del novio, que es mucho más rico. Una serie de calamidades obliga a los padres (y sus familias) a unirse y soportar la semana más larga de sus vidas.

Creo que en vez de haberse titulado ¨La Peor Semana¨ deberían haberle puesto ¨La Peor Comedia o ¨La Peor Película¨ porque la he visto y no puedo creer que haya alguien que se atreva a filmar comedias tan horrorosas como está, yo siempre he sido muy pasentudo con Adam Sandler y he visto la mayoría de sus películas pero últimamente anda haciendo películas malas y lamentables como está aunque claro está que no llega a ser tan mala como ¨Jack y Jill¨ pero como comedia es un verdadero desastre ya que no causa gracia en ningún momento y aburre infinitamente.

Y es que revisando las últimas películas que Adam Sandler ha protagonizado no encontramos ningún título que en verdad valga la pena porque el tipo ya parece que hiciera películas solo por hacerlas y no se preocupa si son buenas o malas y ¨La Peor Semana¨ es un claro ejemplo de ello porque es una película horrible y sin gracia, si bien lo único que se le podría resaltar es el mensaje que deja sobre el amor a la familia y tales pero si uno ve una película de este género lo mínimo que uno puede esperar es que por lo menos sea entretenida o que nos haga reír un poco pero es que en las dos horas que dura no produce nada de nada porque los chistes son malos y repetitivos y momentos que uno diga que sean divertidos y graciosos no iremos a encontrar así que la película como tal resulta ser un verdadero desproposito en dónde nada vale la pena.

Quizás viendo el reparto uno se espera que por lo menos los actores lleguen a dar gracia pero tanto Adam Sandler como Chris Rock pasan con más pena que gloria, Adam Sandler realiza la misma actuación de siempre y Chris Rock pues tampoco es que me parezca un actor divertido pero si me esperaba que fuera un alivio dentro del reparto pero está bastante flojo y pues a estos dos le añadimos la presencia de otro actor fetiche en las películas de Adam Sandler que es Steve Buscemi que como siempre anda haciendo papeles flojos y lamentables lo cual es una gran pena porque el tipo hasta me cae bien.

Si hablamos de momentos divertidos pues he de decir que la película fracasa totalmente en eso porque apenas hay como dos o tres momentos que logran sacarnos una pequeña mueca pero tampoco es que sean la gran cosa ya que estos como mínimo durarán unos pocos segundos y los otros 117 minutos restantes son de pura y extrema aburrición y pues en si yo no tengo nada más que decir acerca de este esperpento, es una película de esas que ni dan ganas de dar una opinión por lo malas que son y hasta da pena decir que desperdicie dos horas de mi vida en un bodrio como este.

En definitiva La Peor Semana me ha parecido una película mala, aburrida y mediocre que ni siquiera funciona para pasar el rato y que solo es recomendable para aquellas personas que de verdad se consideren fans de Adam Sandler porque esa sería la única forma de que alguien diga que es una película decente o discreta.

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