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Ficha El Estudiante Novato

TANO

  • 14 Mar 2022

8


El Estudiante Novato
Harold Lloyd no falla, y de nuevo demuestra por qué es reconocido como uno de los primeros genios del humor de la historia del cine, en esta ocasión como estudiante universitario que quiere ser reconocido, y lo hace pero de la forma que él menos espera, y sin ser consciente de ello.
Como de costumbre, situaciones realmente divertidas, una historia de superación detrás, y momentos tan locos que acabas a carcajadas. Vale mucho la pena.



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Ficha The King's Man: La Primera Misión

asrock3000

  • 15 Mar 2022

6



The King's Man: La Primera Misión
Kingsman: El Origen se estreno en el año 2021. Esta dirigida por Matthew Vaughn y protagonizada por Ralph Fiennes, Djimon Hounsou, Gemma Arterton, Rhys Ifans, Matthew Goode, Tom Hollander, Harris Dickinson, Daniel Brühl y Charles Dance.
Cuando un grupo formado por los tiranos y las mentes criminales más malvadas de la historia se une para desencadenar una guerra que matará a millones de personas, un hombre tendrá que luchar a contrarreloj para detenerlos. Tercera entrega de la saga Kingsman, ambientada muchos años antes de las anteriores y explicando el origen de la agencia.

Esta nueva entrega de la saga Kingsman al igual que muchas otras sufrió bastante retrasos ya que tenia previsto estrenarse en el 2019 y no fue hasta finales del 2021 que se pudo disfrutar y pues bueno, he de decir que las anteriores películas de Kingsman me encantaron, me parecieron películas espectaculares y emocionantes las cuales mezclaban perfectamente el humor con la acción dando así como resultado una mezcla fantástica pero en si tampoco es que esperara con ansias esta nueva película de la saga que de por si es una precuela que se sitúa muchos años mas atrás ya que simplemente no me llamaba mucho la atención pero dije que al tratarse de una película de Kingsman tenia que verla si o si así que me dispuse a disfrutar de esta nueva aventura y el resultado se podria decir que hasta fue decepcionante y mas cuando no esperaba nada de ella.

Vamos a ver, ¨Kingsman: El Origen¨ tenía lo necesario para ser una gran película, el reparto me llamaba poderosamente la atención ya que teníamos a grandes actores como Ralph Fiennes, Djimon Hounsou o Rhys Ifans y por un lado también generaba como un poco de interés ya que trataba sobre los orígenes de la agencia y la primera misión de los agentes situándose durante la Primera Guerra Mundial así que la película como tal tenía gran potencial pero lastimosamente las cosas no salieron tan bien después de todo porque la verdad ¨Kingsman: El Origen¨ no parece que fuera una película de Kingsman, es aburrida, le falta ritmo, le falta humor y sobretodo le falta muchísima acción, Matthew Vaughn quiso darle un enfoque diferente a esta nueva entrega pero las cosas no le salieron tan bien después de todo porque en vez de hacer una película divertida, espectacular y emocionante hizo una película aburrida y floja que ni siquiera llega a estar al nivel de las dos anteriores y a aquellos que se quejaron que disque porque ¨Kingsman 2: El Círculo Dorado¨ había sido una secuela muy floja pues déjenme decirles que ¨Kinsman: El Origen¨ es mas floja e incluso peor.

Cómo mencionaba anteriormente uno de los puntos positivos que tiene la película es el reparto, los personajes estuvieron correctos destacando principalmente a Ralph Fiennes quien me parece un actor tremendo y aquí luce de maravilla como el héroe de la historia, junto a el tenemos unos secundarios de lujo como Dijimon Hounsou quien tuvo más protagonismo del que me esperaba ya que últimamente sus participaciones en las películas suelen ser de secundario o de personajes con poca relevancia dentro de la historia, también tenemos a Gemma Arterton con un personaje medianamente aceptable y por último junto a ellos también contamos con la participación de Harris Dickinson como el hijo de Ralph Fiennes cuyo personaje tiene un final trágico e inesperado cosa que llego a sorprenderme enormemente.

En el reparto también aparecen Charles Dance, Matthew Goode, Aaron Taylor-Johnson o Daniel Brühl aunque con roles muy pequeños aunque claro está que de todo el reparto contando a personajes principales y secundarios quien más sobresale es Rhys Ifans haciendo de Rasputín ya que de por sí es el mejor personaje de toda la película, su caracterización, su actuación, sus diálogos y sus escenas estuvieron excelentes pero claro está que no todo llega a ser color de rosa ya que lastimosamente el personaje aparece muy poco y cuando lo matan nos deja con esa sensación de que el personaje pudo haber estado mucho mejor y tener una mejor participación de lo que se vio si lo hubieran aprovechado un poco más pero ahí si ya nada podemos hacer.

Por último, a mí no me parece que está sea la entrega con más acción y a los que dicen eso pues no sé si habremos visto la misma película pero en lo que a mí respecta la acción es muy limitada, claro que la hay y no niego que este muy bien pero tampoco llega a ser tan espectacular ni tan violenta, la acción se desarrolla de una mejor manera ya en el tercer acto que es donde está lo mejor y es en donde la película ya se empieza a sentir como una entrega más de Kingsman ya que la acción vuelve a ser disfrutable y es divertida aparte de que recupera un poco el humor que prácticamente se esfumó por completo en esta entrega con la secuencia de la cabra que en si resulta innecesaria y fuera de lugar pero fue un punto cómico muy bueno así que como tal lo mejor de la película serían ya sus últimos minutos que por mucho son como media hora los cuales logran rescatarla del abismo y hacer que por lo menos se gane de mi parte el aprobado.

En definitiva Kingsman: El Origen como precuela es rescatable, conecta bien con la primera entrega pero como película de acción y entretenimiento fracasa totalmente, de todos tampoco la consideraría una mala película porque tiene unas muy buenas actuaciones, efectos especiales increíbles y unas secuencias de acción más o menos aceptables destacando principalmente todo el tercer acto que fue de lo mejor y que de por sí era el ritmo y el estilo que se tuvo que haber manejado durante toda la película ya que incluirlo solamente en la parte final tampoco logra que está sea una película espectacular porque para mí estuvo muy por debajo de las otras dos a las cuales considero mejores películas que está.



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Ficha Pan De Limón Con Semillas De Amapola

..PICARD..

  • 14 Mar 2022

9


Pan De Limón Con Semillas De Amapola
El realizador de ¨Intemperie¨, ¨Solas¨ y ¨La voz dormida¨, Benito Zambrano, elabora una adaptación novelística que rezuma sentimientos por todos sus fotogramas, con un libreto que sería improbable optimizar.¨Quien te retrataba podía robarte el corazón¨ expresa alguien en la presente ficción cinematográfica.

Pues a mí me lo ha robado sin haberme fotografiado. Película que, presumiblemente, será emitida en su momento por TVE. Y extraordinarias actrices, actores y equipo técnico; muy bien. Un perturbador drama emocional que cautiva y que se visiona mejor degustando con fruición una deliciosa y sustanciosa ración de ¨Pan de limón 🍋 con semillas de amapola¨ convenientemente amasado. .SOBRESALIENTE. .4️⃣/5. ··PICARD··



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Ficha Juegos Secretos

Parnaso

  • 14 Mar 2022

4



Juegos Secretos
Aburrida película de historias cruzadas en la que una mujer casada se fija en un hombre casado con el cual mantiene relaciones adúlteras mientras que en la misma calle en la que viven, se ha establecido un pederasta que tiene atemorizada a toda la vecindad, este intenta hacer una vida normal, pero no puede eliminar su mal gen, por otro lado, un policía retirado vive frustrado por no poder vivir de su pasión por haber matado a un joven saliendo de un supermercado. Pues la cuestión es que todas las historias están cogidas por los pelos y ninguna de ella me causaron furor. Es una película más bien anodina y en consecuencia, olvidable.



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Ficha El Escándalo

Parnaso

  • 14 Mar 2022

7



El Escándalo
Fabián mata a uno en duelo y Lázaro apiádase del muerto. En la diligencia, acude a Diego de Fabián para que no hacer oposición a la cátedra de patología porque hay otros aspirantes más pobres que él, pues es muy santero. Leonor, mujer que critica la hermosura varonil, acude a Fabián en una fiesta de baile. Fabián acude con el afán de acrecentar su hacienda.
Fabián Conde esconde su vida real mediante diferentes tipos de relaciones, al inicio del film se bate en duelo con un marido ofendido y el vulgo aplaude todas sus fechorías. Acude al casino para la hacienda. Fabián Conde oculta su alcurnia por vergüenza. Acude a Matilde que es su amante y está casada. Matilde urde una trama para justificar su presencia en su casa, manda una carta a una tal Gabriela. Gabriela niña joven es sobrina de Matilde. Fabián queda encandilado de ella, y en charla con su ¨hermano¨ Diego, confiesa se sentirse mal por ocultar su alcurnia y por ello, Diego, sugiérele que deje de ser Fabián Conde. Matilde mediante pantomima, hácele confesar a Fabián que esta enamorado de Gabriela y a su vez deja en claro su palabrería pomposa y vacía para camelar. El marido de Matilde desembarca en Cádiz, con lo que ella no flaquea para volver a llamarlo. Lázaro discute con un tal Alberto sobre un retrato que al final, este, se lo lleva. Luego Fabián acude a Matilda por recibir epístola. El marido da el consentimiento para que Fabián y Leonor se casen, entonces Fabián declara el amor a Leonor, lo que produce tristeza y lágrimas de dolor a Matilde, y en pleno dolor e ira, en una riña, Fabián camela entre jipios de Matilda que la quiere... Un heraldo, que viene desde América, difunto general Fernández de Lara Conde de la Umbría, es el padre de Fabián, al que se dirige como Sr Conde. Cambio de tercio, narran el pasado de Fernández cuya mayor debilidad eran las mujeres.(Gobernador, Gutiérrez, Beatriz). Felipe el gobernador, sospecha que Gutiérrez facilita entrevistas entre el General y Beatriz, por lo que instale a ir al campo enemigo para que decir que en nombre del conde Lara, que está dispuesto a entregar el castillo por el medio rillon de reales... El General saldrá a la misma hora con las llave del POTERNAS. Muere el conde de Lara, por lo que su nombre queda manchado por ¨traicion¨. Vuelta a la realidad, Gutiérrez sugiere a Fabián recobrar y revitalizar el nombre de su padre convenciendo con enemigos. Buena discusión entre los tres sobre la honra y coherencia. Diego dale directrices para reconquistar a Gabriela y a su vez redimirse de sus errores. En su visita a Diego y conocer a Gregoria, esta le delata como camelador, por lo que no simpatiza con el, y en una instancia a solas, la mujer tergiversa las intenciones de Fabián, que a la noche golpea la puerta de Diego, que llevarle a un bar donde. Entonces es acusado siendo inocente de tal hecho, y Fabián redímese confesándose a un cura y donando los millones a los niños. En forma de carta Diego recibe tales buenas.


Buena historia bien desarrollada, personajes con enjundia y jerigonza antigua que mucho me gusta a mí. Película que aboga por los buenos valores, ya extintos, por desgracia.



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Ficha Senderos de gloria

TOPOGIGGIO71

  • 14 Mar 2022

9


Senderos de gloria
Obra maestra absoluta del señor Kubrick. Para mí su mejor film, un soberbio alegato antibelicista protagonizado por un magnífico Kirk Douglas que fue además productor del film, rodado en un acertado blanco y negro, y que lo ajustado de su metraje no es, ni mucho menos, un impedimento para explicar lo adsurdo de la guerra, y lo inhumano de quienes la dirigen.



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Ficha Ronnie Coleman: The king

DE NIRO

  • 12 Mar 2022

8


Ronnie Coleman: The king
Sin dudas es el mejor físicoculturista de todos los tiempos, el documental refleja la vida de Ronnie Coleman y como llegó al máximo nivel y llegar a ganar ocho Mr.Olimpia consecutivos, todo muy lindo pero las consecuencias son irremediables, tiene múltiples cirugías de todo tipo fruto de varias lesiones por los kilos que levantaba, hay varios colegas que lo admiran y hablan muy bien de él, un ejemplo en éste deporte y mejor persona.



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Ficha El Mediador

asrock3000

  • 13 Mar 2022

5



El Mediador
Blacklight es una película de acción y thriller estrenada en el año 2022. Esta dirigida por Mark Williams y protagonizada por Liam Neeson, Emmy Raver-Lampman, Taylor John Smith y Aidan Quinn.
Travis Block, un agente del gobierno en la sombra que se especializa en eliminar operativos cuyas coberturas han sido expuestas, descubre una conspiración mortal dentro de sus propias filas que alcanza los niveles más altos del poder.

El 2022 empezó con el pie izquierdo en lo que se refiere a cine de acción porque ¨Blacklight¨ ha resultado ser una tremenda decepción aunque claro esta que la película en un principio tampoco prometía ser la gran cosa porque primero que todo el directo no me daba mucha confianza, apenas ha dirigido como dos o tres películas y esta es la segunda colaboración con Liam Neeson quienes ya habían trabajado juntos en ¨Venganza Implacable¨ que tampoco es que haya sido una gran película de acción pero por lo menos estuvo mucho mas entretenida que ¨Blacklight¨ que de por si me pareció una película aburrida, floja y con poca gracia.

En estos últimos años hemos podido comprobar que las películas de Liam Neeson ya no generan la misma gracia y emoción de antes, en el pasado disfrutábamos mucho de sus películas las cuales eran mas emocionantes y mas frenéticas pero las ultimas que han hecho han sido realmente flojas, tampoco es que fueran malas películas porque por lo menos resultaban ser productos entretenidos pero es que a ¨Blacklight¨ no le he encontrado la gracia por ninguna parte, es una película que al principio promete ser por lo menos una cinta decente pero a medida que avanza va decayendo y se vuelve insípida y aburrida, el argumento tampoco es que sea la gran cosa ya que una vez mas Liam Neeson interpreta a un agente que se involucra en una conspiración mortal del gobierno y hará lo que sea para desmantelar toda esta trama.

De las actuaciones poco que decir, Liam Neeson a sus 69 años sigue dando pelea y demuestra que ya no esta para estos trotes, interpreta el mismo papel de siempre y en las secuencias de acción se le ve agotado y cansado pero el tipo por lo menos hace aunque sea el mas mínimo esfuerzo de ofrecernos así sea una actuación decente y lo consigue, es el tipo duro de la película y en eso por lo menos cumple. En el reparto se echa de menos que no hayan actores de renombre porque los que hay son desconocidos y el malo de turno tampoco logra dar mal rollo y termino siendo una decepción tremenda ya que se echa de menos un buen villano que por lo menos ponga en mas aprietos al protagonista.

La acción sinceramente es bastante escasa y la que hay tampoco es que sea tan fantástica, puede que hayan tiros, muertes y una pelea cuerpo a cuerpo con Liam Neeson al frente pero no llegan a ser tan emocionantes, como thriller de acción es un completo desastre porque la película no llega a generar interés en ningún momento y mas encima le añaden mucho drama a la historia con el rollo de la hija y la nieta de Liam Neeson a las cuales sobreprotege mucho y pues en si esas subtramas tampoco llegan a ser tan emotivas pero en si las meten como para que el héroe sea mas vulnerable cosa que en Liam Neeson es bastante común si nos acordamos de la saga ¨Taken¨ en donde hacia lo que fuera con tal de proteger a los suyos.

En definitiva Blacklight me ha parecido una película muy floja, empezamos el año muy mal con una película de acción vacía y poco emocionante como esta porque ni siquiera llega a ofrecer así sea una pizca de entretenimiento salvo una que otra secuencia que estuvo bastante bien pero por lo general ha sido una película bastante aburrida que ni siquiera es recomendable para aquellos que se deleitan viendo a Liam Neeson en acción ya que probablemente este sea una de las películas mas flojas y poco destacables dentro de su filmografía.



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Ficha El Callejón de las Almas Perdidas

..PICARD..

  • 12 Mar 2022

7


El Callejón de las Almas Perdidas
De estafadores sobre voluntades ajenas e incautos crédulos -personificados en gente anónima- que lo único que desean es amenizar sus aburridas existencias. Del Toro revisa este viejo clásico de cine negro de 1.947 que yo no he visto, -de manera que no puedo comparar-, con la anuencia de relevantes e ilustres actores secundarios pero que, a diferencia de su ¨La forma del agua, 2.018¨ (revisar reseña), no me entusiasmó especialmente.

Empero, resultan impecables su puesta en escena, la interpretación, el montaje, la atmósfera de la década y la dirección. Todo destacable en esta producción de 150 de metraje, siendo después de pasados 80 cuando realmente comienza la intriga. Sin más, un ¨Callejón de las almas perdidas¨ NOTABLE. .3️⃣/5. ..PICARD..



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Ficha Pets

ragman

  • 12 Mar 2022

4


Pets
un drama con mucho erotismo a la vieja escuela, sin caer en los recursos de otros como russ meyers y demases, la trama es simple y el peso del filme cae en las dos chicas protagonistas.
en definitiva no es la gran cosa pero para pasar el rato esta muy bien. pasable pero totalmente olvidable



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Ficha El Cuarto Hombre

Mad Warrior

  • 12 Mar 2022

7



El Cuarto Hombre
Aquellos que se quedan sólo con los nombres más famosos del cine clásico creyendo que son los únicos que merecen la pena cometen un error fatal, y es relegar a otros que por A o por B no tuvieron tanta suerte y desarrollaron su talento en los límites de las producciones de bajo presupuesto...

Es curioso, pues los títulos que más destacan dentro del cine negro volviendo la vista a aquel lejano 1.952 pertenecen en su gran mayoría a genios muy olvidados; el que nos ocupa es de esta categoría, un nativo de Chicago llamado Phil Karlstein (luego Karlson) digamos en un momento muy bueno de su ya dilatada carrera. Salido de la Poverty Row y habiendo paseado su destreza de artesano por el misterio, la aventura y sobre todo el ¨western¨, tiene la mala pata de ser despedido por los señores de Columbia mientras rodaba ¨Assignment: Paris¨, que completará Parrish.
También es el momento en que se asocia con el productor Ed Small, con quien trabaja en muchas ocasiones; ¨Kansas City Confidential¨, cuyo guión pasa por demasiadas manos y no deja de reescribirse (incluso participando en ello el propio director y el actor John Payne), está bajo el auspicio de una pequeña sociedad creada por aquél dejando los derechos de distribución a United Artists. Karlson no lo sabe aún, pero ésta será una de sus mejores incursiones en el ¨thriller¨, y se inicia de una forma perfecta para lograr enganchar al espectador, después de ponernos sobre aviso acerca de un tema esencial: la corrupción y el abuso de la fuerza policial.

Una pequeña primera parte se va a dedicar a la organización y ejecución de un atraco muy lucrativo, y el modo que tiene éste de exponer los hechos deja muy claro su estilo, de novela ¨pulp¨ de Thompson o Burnett: gran precisión en los detalles y ciertamente abrasiva, tanto en el uso de la violencia como en la caracterización de los personajes, con un Preston Foster en un papel duro y expeditivo, que recluta por la fuerza y a punta de pistola a sus colaboradores, entre los que encontraremos a un jovencísimo Lee Van Cleef y al siempre secundario pero brillante Jack Elam, quien carga con el ¨peso dramático¨ hasta la llegada de un cuarto invitado.
Entonces el film nos saca de lo que podría ser la típica historia de ladrones en cuyo grupo surgen las diferencias que les llevan a matarse entre ellos; en realidad el conflicto no es interno sino que viene del exterior, figurado en Joe, un pobre repartidor de flores que se halla en el sitio más inoportuno. Karlson no tiene miedo a mostrar con particular ahínco el sadismo y la frialdad de la policía (algo imposible de hacer en el cine unos años antes), y entonces es este tipo inocente quien adopta el papel protagonista, para llevar a cabo su venganza contra los que le metieron en el follón.

Y si bien resulta curioso lo rápido que se pone sobre la pista de los responsables, hay que decir que ¨Kansas City Confidential¨, como absolutamente todas las películas de su estirpe, juega y se beneficia de eso que podríamos llamar la ¨ilógica idiosincrásica¨ del cine negro, sorprendiendo con maniobras inesperadas propias de su universo sin reglas y haciendo de ello su mayor atractivo (provocando situaciones tan absurdas como la negativa del jefe al reparto del botín y que ello sea aceptado por sus colaboradores; son cosas que debemos tragarnos y disfrutar del sinsentido)
Karlson lleva entonces la intriga a un lugar exótico mientras la venganza se convierte ahora en mascarada y apariencia al poseer Joe la identidad de uno de los atracadores; aquí se desarrolla la historia hasta el final, un bonito hotel mexicano donde el primero concentra la tensión y desata las dudas en espacios cerrados, abriéndose el guión y proponiendo un doble acto de venganza y farsa, la del protagonista y la del mismo jefe del robo (Tim),un antiguo policía al que echaron del cuerpo. Si algo hace hervir la tensión a cada minuto que pasa es el fuerte cinismo de los personajes y ese desprecio tan directo de las fuerzas del orden, lo cual da pie a un clima sucio y de puro nihilismo.

Sobra por tanto, y por todas partes, la presencia de esa inteligente abogada e hija de Tim que encarna la muy bella Coleen Gray; sobra, además de por la falta de carisma del personaje y su nula química con el decente Payne, porque con su presencia se pretende arrojar algo de luz a esta oscura fábula de traición y odio, y esto trae dos errores argumentales cuyo absurdo se alza a niveles farragosos (el primero es cuando ella encuentra el arma de Joe y prefiere mantenerlo en silencio, ya que nada nos hace suponer que quisiera hacer eso por alguien a quien apenas conoce; el segundo es despertar la buena conciencia de su padre, eliminando el tono cínico anterior).
Pero olvidando estos pasos en falso más propios de un guión no muy bien revisado, uno debe alabar la pericia con que el cineasta nos mete en esas atmósferas tan ahogadas de sudor, testosterona y desconfianza, bien captadas por la dura y áspera fotografía en blanco y negro de George Diskant; uno de los puntos fuertes de Karlson es lo directo de sus primeros planos, y cómo se esmera en resaltar la tensión a través los ojos de los actores, de sus expresiones faciales, sus movimientos y su continuo sudar y sangrar. A la hora de la verdad ni H. Lewis, ni DeToth, ni el mismísimo Siegel habrían rodado mejor las escenas de pelea en la habitación de Joe ni en el interior del barco.

Descarnada y almibarada con buenos giros y sorpresas, fue bien recibida en su momento y sobrevive entre los mejores ejercicios dentro del cine clásico de gángsters y atracos, aunque terminen por lastrarla algunas malas decisiones de guión y un colofón que parece más típico de los melodramas de RKO...
El de Chicago repetiría con Payne al año siguiente en la también buena ¨99 River Street¨.



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Ficha Punto de Recreo

Mad Warrior

  • 12 Mar 2022

2



Punto de Recreo
Hay que situarse.
Mediados de los 80, la resaca de ¨Porkys¨ casi se ha pasado después de finiquitarla una tercera parte bastante olvidable, pero eso no significa que la influencia de la obra original no continúe presente.

De hecho las ¨teen comedies¨ alocadas que pretenden imitar sus patrones se siguen produciendo como churros, tanto para el cine como para los videoclubs. Yo, un amante confeso de la década y sobre todo de sus comedias, no iba a dejar pasar la oportunidad de ver algo como ¨Private Resort¨, si bien ya tenía claro la clase de producto que podría encontrarme...lo que no esperaba es que mis expectativas cayeran tan, tan, tan bajo a cada minuto de metraje que pasaba.
La culpa es de Ben Efraim, responsable de una serie de títulos enfocados al público adolescente con mucho sexo, mucho humor absurdo y el ¨Private¨ como título distintivo (la más exitosa ¨Private Lessons¨, que tenía a Sylvia Kristel de reclamo). En esta ocasión acuerda con TriStar la distribución y se gasta una cantidad de dinero razonable para ponernos frente de las aventuras de dos colegas, el guay y el tonto, de quienes no sabemos nada cuyo único objetivo es pasar un fin de semana ligando y tomando el sol en un lujoso hotel de Miami: un Rob Morrow antes de su exitazo con ¨Doctor en Alaska¨ y un Johnny Depp recién salido de las pesadillas de Freddy Krueger, ambos muy alegres y vivaces.

George Bowers, un editor veterano cuya carrera de cineasta es desconocida, nos pone en el epicentro de las embarazosas situaciones que los chicos viven entre todos los muslos, curvas, traseros y pechos que la cámara se encarga de filmar; para ello añade un puñado de personajes alocados (pero en absoluto simpáticos), destacando un torpe jefe de seguridad, una chiflada que practica una extraña religión o un ladrón de joyas. El guión nos hace creer que este subnormal con la cara descompuesta de Hector Elizondo va a hacer de la trama una intriga con robos y mafiosos de por medio a lo ¨No me Chilles, que no te Veo¨.
Pero en lugar de eso se siguen proponiendo mil y una peripecias con la pareja protagonista corriendo aquí y allá, intentando llevarse alguna chavala a la cama y montando broncas con clientes y trabajadores desquiciados. Lo peor es que, de todas las féminas que por allí pululan, Jack va a dar, muy casualmente, con dos de las que tienen su ¨importancia¨ en la flojísima historia del diamante...pero los que escribieron esto no posían la imaginación suficiente para trazar una estructura ingeniosa y hacer al chaval parte del enredo.

Eso podría haber estado bien, teniendo en cuenta que la chica que se consigue (Karyn OBrien, un tesoro de muchacha) es la nieta de la anciana a la que le quieren quitar el colgante. Pero no, todo se desbarata en una sucesión de ¨gags¨ ejecutados con velocidad y sin gracia, golpes y caídas, coincidencias, salidas y entradas en habitaciones a lo vodevil, y desnudos a manta, con ese humor tan heredado de ¨Porkys¨ y sintonizándose con cualquiera de sus imitaciones (aunque esto queda quince pisos por debajo de cosas más simpáticas como ¨Joy of Sex¨, ¨Jóvenes Alocados¨ o ¨Vacaciones Locas, locas, Locas¨), y un poco de ¨Loca Academia de Policía¨.
Esto enlaza con el despatarre climático, con el ladrón pegando tiros por todo el hotel persiguiendo a los protagonistas, una oda al sinsentido más esperpéntico y ¨kitsch¨ que desde luego sólo podríamos ver en los 80; y a todo esto, cuesta encajar aquí a la explosiva Leslie Easterbrook (con un ¨look¨ a lo Sophia Loren que hace caer de espaldas) en un personaje tan idiota y manido después de disfrutar de su dura Debbie Callahan. Para liar más la cosa nos meten a una camarera de la que se enamora el desgraciado de Ben, llevando la película a un punto de ñoñería romántica que no pega ni con cola, y que se supone que me tiene que importar algo...

La verdad es que aquí todo está malísimamente aprovechado y la película se asfixia con esas pequeñas situaciones de enredo (la del maromo que quiere acostarse con una tía ante las narices de la novia como mejor ejemplo) que intenta resolver de forma disparatada; ninguna de las subtramas va a ningún sitio, ni los personajes tienen un verdadero papel, amén de que ciertos ¨gags¨ se repiten y duran hasta hacer reventar el páncreas del espectador (la pelea en el ascensor entre el peluquero y el jefe de seguridad, o peor: ¡la de la anciana y el ladrón a golpe de karate!).
Siempre se ha dicho que para ver una obra que evidencia mucho el estar realizada en su época se debe hacer con los ojos de un espectador de esa época; yo creo que ¨Private Resort¨ es igual de aburrida, confusa e idiota hoy día que cuando se realizó. Lo único sorprendente es comprobar que estos films son absolutamente imposibles de rodar en la actualidad, y de poder disfrutar de tanta chica desnuda o semidesnuda sin necesidad de pretextos, sólo por puro relleno, para calentar al público masculino, y es una impronta que hoy ya no existe y que se agradece recuperar.

Volviendo a la calidad de este producto, fíjense si ya chirriaba en el momento de su estreno que Depp y Morrow, avergonzados de verse en ella, acordaron destruir cualquier copia si se la encontraban a la venta, en el lugar que fuera.
Pocas veces mis oídos han sido amartillados con tal cantidad de sonrojantes y patéticos diálogos y frases, pero jamás olvidaré una dicha por Jack que me hizo estallar a carcajadas y que espero algún día poder usar: ¨Que te enseñe el ¨nana banana¨...y vas y te la tiras¨. Si es que esto ya resume a la perfección el espíritu y la mentalidad de la película...



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Ficha Tormenta de Fuego

Mad Warrior

  • 12 Mar 2022

5



Tormenta de Fuego
En efecto. Aquí tenemos un incendio de proporciones colosales, criminales fugados extremadamente violentos, misteriosas conspiraciones urbanísticas, héroes aguerridos y mujeres duras.
¿Pero qué más podríamos pedir?

Yo desde luego nada. Ver ¨Tormenta de Fuego¨ es regresar a mis tiempos de prematura preadolescencia; el primer encuentro que tuve con esta película fue en VHS, comprado por mi padre en un todavía abierto videoclub junto con ¨La Noche de los Tornados¨. Dos ¨buenos¨ títulos que desde luego servían para satisfacer mi ansia por el cine de catástrofes, el cual devoraba entonces sin orden ni concierto, y sin importarme en absoluto la calidad del producto; pues he sido capaz de ver de principio a fin el que nos atañe, y no sólo eso, ¡lo he disfrutado como un enano!
Éste pertenece a una época extinta, los 90, cuando más películas de acción se realizaban y más ruidosas, incongruentes y espectaculares estaban siendo; también coincidió con aquel fugaz instante en que Hollywood apostó de nuevo por las historias con desastres naturales en su epicentro. Dean Semler, legendario por su labor como director de fotografía, fue de esos que probó suerte en la dirección, a ver si lograba el éxito comercial como Jan DeBont; pero sólo realizó dos obras y ninguna de ellas será recordada por su recepción en taquilla. En ¨Tormenta de Fuego¨ se puso al frente de un guión que iba a producir Savoy Pictures.

No hubo suerte, la compañía fue a la quiebra y lo escrito por Chris Soth quedó en el limbo hasta que llegó a 20th Century Fox; una de las cosas que distinguieron al libreto fue la cantidad enorme de reescrituras que sufrió (Graham Yost, responsable del de ¨Speed¨, contribuyó a ello), incluso mientras se rodaba. Otra decisión ¨curiosa¨ de la productora fue fichar de protagonista a Howard M. Long, otrora estrella de football americano de los Raiders; tan claro como que aquí sólo se busca su total lucimiento es la evidencia de lo innecesario que resulta ese prólogo donde se nos mete de cabeza en la acción sin darnos tiempo a pensar qué sucede.
En serio, unos once minutos iniciales que, aparte de mostrar un trabajo de efectos especiales de lo más decente y el esfuerzo de Semler por intentar manejar secuencias de cámara frenéticas, está de más (quizás sí, para exponer la gran labor de esos sacrificados bomberos a la hora de salvar vidas ajenas, pero eso es algo que ya sabíamos); ni siquiera vale como la explicación de qué llevó al personaje de Wynt a lastimarse la pierna...simplemente podríamos quitar esos minutos del montaje y nada malo pasaría. La trama empieza en realidad cuando un asesino sádico y calculador (Shaye) planea una fuga usando de señuelo un incendio cercano al área forestal donde trabajan este Wynt, el protagonista Jesse y sus compañeros.

Este truco de cruzar un violento ¨thriller¨ de criminales y una aventura de catástrofes del más clásico orden nos recordará a otros títulos del momento como ¨Con Air¨, ¨Hard Rain¨ o la primera parte de ¨U.S. Marshals¨; aquí Semler se sirve del no tan utilizado cataclismo forestal para colocar a todos los personajes bajo amenaza, si bien las maniobras del film, como todos los diálogos, caen en lo absurdo y lo no poco risible. Hay un instante, mágico, en que Shaye pretende engañar a Jesse haciéndose pasar por bombero; la expresión de incredulidad de Long es un perfecto reflejo de la del espectador cada vez que somete sus neuronas a esas maniobras y diálogos.
El ex-jugador, tan falto de carisma que cree poderlo compensar con graciosas ocurrencias aquí y allá, se hace pasar por un Stallone o un Van Damme de provincias, y es una buena muestra de lo estereotipado de este catálogo de protagonistas; William Forsythe no deja de ser ese maestro del crimen, elegante y con aptitudes de líder, que se supone lo tiene todo muy bien planeado pero al final nada le sale bien, y la invitada Suzy Amis es el comodín del guión para garantizar la supervivencia del protagonista (qué conveniente que venga de tradición militar y sepa de armas, lucha y medicina, ¿eh?) y de paso proporcionarle un interés romántico.

Lo típico sobresale aquí, en exceso, a veces tan directamente que la trama alcanza niveles de comedia involuntaria del todo deliciosos; hay que rendirse ante lo evidente: esto no es más que un producto de consumo y evacuación rápidos, muy hija de su tiempo, distinguida por su acción incoherente y sin frenos y efectos especiales espectaculares (bueno, son sólo justitos pero no desmerecen en absoluto). En mi opinión he de decir que logra entretenerme incluso con más eficacia que ¨Pánico en el Túnel¨, la cual hacía por explotar sin éxito su vena dramática.
Ésta por el contrario no pasa del ¨action festival¨ descerebrado y ultraviolento, muy al estilo de DeBont, McTiernan o Simon West; por su parte, el veterano Scott Glenn aparece haciendo casi el mismo personaje que encarnó en ¨Llamaradas¨, otro buen referente de la que nos ocupa. Semler lo intentó y fracasó por descontado; su ¨Tormenta de Fuego¨ fue más catástrofe en la taquilla que su incendio forestal, y hoy queda como un testigo y paradigma de lo que fue el género en la época.

Y es que ya no se hacen películas de acción tan divertidas y libres de prejuicios, discursos y pretextos inútiles. Su función, entretener sin la necesidad de pensar, se cumple con creces. El momento que mejor podría distinguir y ejemplificar el espíritu de la película, así como del género y la época a los que pertenece, es ese clímax donde, en pleno incendio extendido y fugándose Shaye con Jennifer en el bote, emerge Jesse del agua, hacha en mano, que lanza hacia el anterior, acertándole en todo el pecho...¡y a varios metros de distancia, señores!
Huelga decir, cómo no, y siguiendo la tradición, que el héroe tendrá una segunda oportunidad de matar al villano, y de manera más espectacular y violenta. Ni Michael Bay tuvo la osadía de ofrecernos algo tan ilógicamente genial. Ciertamente, ya no se hacen películas de acción tan divertidas...



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Ficha Historia de los Crisantemos Tardíos

Mad Warrior

  • 12 Mar 2022

9



Historia de los Crisantemos Tardíos
Itinerancia, desilusión y vergüenza, los principales escollos en el camino del actor, sobre todo cuando el reconocimiento y la fama escapan de él, sobre todo cuando se le impone una de las más crueles normas de dicho mundo:
¨De nada sirve el talento si no va a acompañado del prestigio de un nombre que le respalde¨...

La historia de un actor cuya existencia estuvo marcada por este estigma, a todas luces imposible de deshacerse de él; Onoe Kikunosuke existió realmente y perteneció a uno de esos linajes legendarios del teatro kabuki, adoptado en la familia y siguiendo la tradición, y su historia sería trasladada de un modo en parte ficticio a versión literaria por el autor Yoshikazu Moramatsu, conocido por sus cuidadas novelas históricas y su espíritu rebelde tras sus frecuentes estancias en China, donde compartió los ideales de intelectuales extranjeros y se empapó de la cultura moderna occidental.
La obra, ¨Zangiku Monogatari¨, se publica en 1.936 y resulta todo un éxito, incluso será muy adaptada al cine, radio y televisión con el paso del tiempo; el primero en el medio cinematográfico que se ocupa de ello es Kenji Mizoguchi, quien en ese momento vive una etapa agitada y no poco frustrante debido a los encargos de orden propagandístico que se ve obligado a realizar. Al no desear reincidir en este tipo de cine, como todos sus colegas de profesión, decide regresar a Kyoto para trabajar en Shochiku, tentado por la oferta del productor Shintaro Shirai, lo cual aprovechará dado su creciente notoriedad y exige una libertad artística total.

Debido a su amistad con artistas progresistas teme padecer su misma suerte (acabar en prisión o ser enviado a primera línea del frente), así que se orienta a dirigir historias sobre el teatro, lo cual no sorprende vista su pasión por todas las formas de espectáculo y su decisión de insertar representaciones de obras en sus películas o evocar la existencia de los actores; en su caso el teatro siempre está presente en su cine, sin embargo el relato de Moramatsu le hace declinar sus temas recurrentes, pues, ambientado en el último periodo de la era Meiji, será uno de sus pocos trabajos que sigue por entero el destino de un hombre.
Aquí, Onoe se presenta como un actor mediocre que vive dominado por la personalidad de su padrastro, maestro del kabuki, y pronto nos damos cuenta de que esto es un reflejo del mismo negocio del teatro, dominado por una arrollador y estricto orden patriarcal; sin embargo para el joven todo son falsos halagos debido a que pertenece a la familia noble de Matsusuke. Para vencer la parte opresiva del padre deberá enfrentarse a él (gesto muy audaz el de Mizoguchi, ya que tal rebelión y rechazo de la tradición podría ser interpretado en el Japón de aquellos 30 como una acción contestataria contra la patria y el emperador...).

Y más aún teniendo en cuenta su brutal visión sobre la lucha de clases sociales; en efecto, Onoe, al haber encontrado en la dulce criada Otoku a la única persona capaz de expresar sus sentimientos y opiniones con plena sinceridad, opta por dejar el asfixiante seno paterno y fugarse con ella. De este modo la estructura de la trama podría dividirse según los saltos temporales que presenta, a modo de episodios, para mostrar la evolución del protagonista en su largo peregrinaje con el objetivo de mejorar como actor sin tener que hallarse bajo la sombra de su padrastro.
Pero aquí se evidencia lo que llevó a Mizoguchi a aceptar esta historia: Onoe no puede ser un individuo viril y dominante, pues su sensibilidad artística y humana lo feminiza, sin duda la razón por la cual este cineasta de la mujer es capaz de volcarse en él con total indulgencia; esto se lleva hasta tal punto que al joven no le queda más remedio que interpretar papeles femeninos en el escenario para cristalizar sus dones y su naturaleza, descansado parte del drama en una dualidad de identidades. El papel de la mujer, por otra parte, vuelve a tomar una gran importancia, con Otoku prefiriendo sacrificar su felicidad a ver cómo su amado destroza su vida tras oponerse a los mandatos del padre.

Todo el arduo periplo que ambos vivirán, desde Tokyo a Osaka, de ahí a trabajar para una empobrecida compañía itinerante, y de nuevo, en un ciclo expiatorio, de nuevo a Tokyo, es la criada el total sustento del actor (quien se degenera y bestializa a cada año que pasa), entregada hasta las últimas consecuencias, incluso ignorando su penoso estado físico, y con el único deseo de verle triunfar sin seguir malgastando su talento.
Su último gesto, abandonarle para siempre si con ello él logra recuperar el prestigio, roza lo grandioso según la visión ¨mizoguchiana¨.

Pero más allá de la metáfora sobre el martirologio femenino y la opresión que la sociedad de castas y la ingratitud masculina imponen, ¨Zangiku Monogatari¨ alcanza instantes magistrales únicamente gracias a su puesta en escena, a menudo estática, siempre fluida y suave; en ella encontramos esa aterciopelada sensualidad de las figuras de estilo que tejerán las futuras obras maestras del nativo de Tokyo, quien construye este itinerario ¨freudiano¨ con pudor y distancia mediante representaciones kabuki de una asombrosa hermosura, filmadas casi de manera documental, y se presta como nunca a los planos-secuencia, largos y minuciosos, no recurriendo a primeros planos.
El mejor ejemplo lo tenemos en esa escena, brillante, donde Otoku y Onoe pasean bajo el cielo nocturno y ella le revela sus sentimientos. Incluso en los momentos de mayor intimidad de los protagonistas, cuando el dolor y el amor se revelan poderosos, la cámara decide mantenerse alejada y hacer las veces de espectador; este es el motivo por el que se puede afirmar que el teatro siempre ha estado presente para Mizoguchi, al preferir filmar frontalmente a los actores, en plano fijo, de ceremonioso estatismo; para él cada personaje debe ocupar un lugar en el espacio enmarcado por la pantalla.

Lugar que define su relación psicológica y social con los otros protagonistas, además de reinar la idea de que el agua y la belleza se perfilan mortíferas y aterradoras; lo que anunciaba su gran díptico sobre la prostitución contemporánea (¨Elegía de Naniwa¨/¨Las Hermanas de Gion¨) se extiende secretamente a este melodrama oscuro y desgarrador en el que puede afirmarse como cineasta de la belleza angustiosa. Esta belleza nunca es decorativa o meramente seductora, sino que resulta sacrificial y antecámara de la muerte o la destrucción (o la autodestrucción).
En contraposición al gran gesto de sacrificio de Otoku, sorprende aún más el del padre, que se presta a la benevolencia en el último momento tras haber contemplado a su antes despreciado vástago madurar realmente como actor, y gracias a algo de lo que él quizás, en su juventud, no gozó: el cálido y honesto corazón de una mujer a su lado. Así que, pese a pertenecer el protagonismo a Shotaro Hanayagi, experto del kabuki en la realidad y gran admirador de Mizoguchi, todo el peso dramático reposa sobre los hombros de la joven Kakuko Mori, quien temía por sus exigencias.

De sobras era conocida la severidad del realizador durante los rodajes, y esta ocasión no iba a ser una excepción, donde despidió en menos de tres días a la incompetente Reiko Kitami y dio el visto bueno a Mori por recomendación de Hanayagi, no sin exprimirla debidamente para lograr de ella las interpretaciones más realistas y creíbles...
Y a fe que lo consiguió, pues la chica, de 25 años, deslumbra por si sola en una actuación magistral, como también lo hace su compañero, en especial durante esas representaciones que impactan por su exquisitez visual y artística.

En este sentido bien merecen ser alabados el diseño de producción de Hiroshi Mizutani, los preciosos decorados de Jotaro Kikukawa y Dai Arakawa y la fotografía áspera a la vez que sensiblemente vaporosa de Yozo Fuji y Minoru Miki (la cual logra captar el dramatismo en la naturaleza exterior como en la profundidad de los decorados interiores).
Mizoguchi puede sentirse orgulloso de su obra, aplaudida por la crítica y que gusta al público, donde empieza a exponer la gran belleza formal y la gravedad discursiva que distinguirán a todas las películas que están por venir. De ellas la más cercana será su versión (también sujeta a los patrones del kabuki) de la tan adaptada gesta histórica de los cuarenta y siete samuraís, ¨Genroku Chushingura¨.



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Ficha Traidor

Mad Warrior

  • 13 Mar 2022

7



Traidor
El Mundo no es un lugar seguro, la sangre derramada por la guerra se extiende a países enteros, es un caos global, y el terrorismo continúa lanzándose sobre las vidas de personas inocentes.
Un escenario que se plasma continuamente en el cine.

Y de un modo mucho más serio en la sociedad post-11-S; en 2.008, año en que Barack Obama aún es senador en Illinois, muchos conflictos se reparten por el Planeta, y en Oriente Medio destacan especialmente los de Afganistán, Turquía y cómo no esa Guerra de Irak que lleva activa desde hace un lustro y que en ese momento vive el levantamiento de los chiíes y la todavía presencia de las tropas norteamericanas. Estas tensiones internacionales y terror por la seguridad toma protagonismo, con menor o mayor acierto, en films como ¨La Sombra del Reino¨, ¨Rendition¨, ¨Secretos de Estado¨ o ¨Red de Mentiras¨.
¨Traidor¨ se estrenará unos meses antes que la exitosa película de Ridley Scott pero sin la misma repercusión en taquilla, y su historia, que increíblemente fue idea de Steve Martin, tuvo que modificar mucho sus puntos de vista, discursos y escenarios desde que naciera allá por 2.002; historia que casi cae de rebote en las manos de Jeffrey Nachmanoff, guionista recordado por su trabajo en ¨El Día de Mañana¨. En esta ocasión, y gracias a Dios, no está Emmerich al timón para destrozárselo; él mismo dirige, aunque cueste distinguir un sello personal sobre su estilo a lo largo de todo el film.

Uno de los muchos escenarios por los que cruzará la trama es Yemen, ahí se origina de la mano de dos personajes que a partir de ahora se seguirán y evitarán sus pasos: el agente del F.B.I. Clayton y el nativo de Sudán pero devoto musulmán Samir, experto en contactos con grupos terroristas radicales. El director, que expone la acción y la violencia como por ejemplo harían Tony y Ridley Scott o Michael Mann, enfoca esta historia desde los dos bandos pero sobre todo se acerca a su protagonista y expone en pantalla, con una honestidad cruda y, por qué no, algo de farragosa moralina inevitable, el fundamentalismo islamista.
Tras una primera parte de gran carga dramática dentro de un campo de prisioneros y una huida espectacular (lo cual disimula bien el algo limitado presupuesto con el que contaba la producción), Nachmanoff sabe absorbernos en ese típico cúmulo de intrigas y apariencias que tan bien caracterizan a los ¨thrillers¨ de temática terrorista internacional; de hecho el siempre solvente y nada excesivo Don Cheadle carga todo el peso del film sobre sus hombros gracias a la creíble ambigüedad de su personaje, quien se debate entre su total pacifismo, su fe inquebrantable y su deber en la lucha contra el enemigo (el norteamericano, cómo no).

Guy Pearce, una especie de joven Sam Gerard, tiene poco que ocultar y su agente federal se revela blanco y plano como una pizarra de oficina, por lo que es el anterior quien acapara la atención del espectador, y más aún al descubrirse que las identidades son sólo tapaderas ante agencias gubernamentales enfrentadas y armas de doble filo que sobre todo sirven para corromper el espíritu y los principios individuales; un decente Jeff Daniels que aparece brevemente es el principal culpable de ello, perfecta figuración de esos individuos que mueven los hilos en la oscuridad y organizan las guerras y las deshacen al precio que sea, incluso derramando la sangre de compatriotas.
Con audacia, aunque no pocas concesiones al cliché, ¨Traidor¨ trata la debilidad social y gubernamental, además del cruel radicalismo y el adoctrinamiento en el asesinato de inocentes por pura ideología; no se libran los musulmanes de ser tachados, todos ellos, de terroristas, pero el guión impone una sabia distancia sobre este peliagudo punto de vista al introducir a la madre y la ex-novia de Samir y enfrentarlas cara a cara con Clayton (más comprensible que ese violento e innecesario compañero suyo, papel que le han dado convenientemente a un Neal McDonough de pelo rubio y ojos azules...ejem).

Remitiendo completamente a ¨U.S. Marshals¨ (al darse el clásico encuentro entre el supuesto villano y el agente que lo persigue) y ¨Estado de Sitio¨ (al proponerse una operación terrorista usando bombas en una gran cantidad de autobuses públicos), el film parece ganar velocidad durante su 3.er acto, abocándose mucho más al frenesí de las fábulas de espionaje modernas en la línea de la saga Bourne, siempre arrastrando al espectador de un lugar a otro en un devenir intenso, sin darle un respiro, pero con una poderosa precisión narrativa que no lo hace caer en el exceso o la inverosimilitud, y por ello Nachmanoff ya merece un elogio.
Por ello y por no recurrir al típico final donde la acción desenfrenada prima sobre la oscuridad y la carga dramática, y en este caso el argumento se somete a un clímax/anticlímax que deja al espectador con una áspera reflexión: ¿cuántas vidas inocentes son necesarias para lograr la paz con una nación en guerra?, ¿cuántos deben sacrificarse a nivel personal por una causa global?, y lo más importante: al final...¿habrá merecido la pena? Carter, el personaje de Daniels, lo expresa de forma expeditiva, pero de poco sirve para convencernos; desde luego no quedan bien representados los agentes gubernamentales encargados de la seguridad nacional (pues se prestan a atentar contra ella a ojos cerrados...).

¨Traidor¨ utiliza bien sus bazas, juega bien sus cartas y sabe equilibrar la carga política y religiosa con el suspense y la intriga a un ritmo perfecto para considerarla como un inteligente entretenimiento. Además está Cheadle, que brilla desde el principio hasta el final.
Gustó a los críticos a pesar de no ser un bombazo en taquilla, y en cuanto se estrenó el ¨thriller¨ de misma temática de Scott la obra del neoyorkino quedaría eclipsada y rápidamente olvidada...injustamente, todo hay que decirlo.



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Ficha Disparate Nacional

Mad Warrior

  • 12 Mar 2022

5



Disparate Nacional
¡Extra, extra! ¡Concha Velasco se divorcia de Paco Marsó, el príncipe Felipe haciéndose fotos con Isabel Sartorus, la pobre Carolina de Mónaco se queda viuda y cada vez queda menos para la boda de Alberto Cortina y Marta Chavarri!
Los españoles lo llevamos en la sangre: el querer enterarnos de todo lo que no nos incumbe.

Maldita prensa rosa, que es la que mete al populacho las ansias en el cuerpo y le trastoca las cabezas; pocas veces se la ha atacado con tanto desparpajo y descaro como sucede en esta película de la cual nadie se acuerda. Y es que, aunque parezca mentira, la carrera de Mariano Ozores no acabó tras separarse de Pajares y Esteso, ni siquiera cuando la década de los 80 había tocado a su fin...pero como si lo hubiera hecho; en esos iniciados años 90 ya había un De la Iglesia, un Almodóvar, un Medem, una Coixet, una Rosa Vergés, ¿quién iba a acordarse del pobre madrileño a esas alturas y qué importa si llevó a millones de espectadores al cine dos décadas atrás?
De hecho se cavó su propia tumba al dedicarse a sacar películas directamente en vídeo, de una calidad terrible la mayoría de ellas; pero si algo tuvo a su favor era un buen puñado de gente que le seguía respetando y admirando, que siempre estuvieron ahí junto a él, y no sólo artistas veteranos. Es lo que desde luego permitió que rodara, ya pasadas las 60 primaveras y en una época de sequía preocupante, algo como ¨Disparate Nacional¨, con más presupuesto y medios que casi todo lo que llevaba haciendo desde mediados de la década anterior.

Si algo ha caracterizado a este señor es la soltura y buena intención con la que siempre atacó todo lo que tuviera relevancia en la sociedad española; no dejó títere con cabeza cuando se trató de criticar al Gobierno, los empresarios, las grandes corporaciones, la situación del pueblo llano, la injusticia social, incluso (y esto es quizás sorprendente para muchos) el machismo y el racismo, pero siempre empleando la comedia ligera para quitarle hierro al asunto. Ahora apunta a los medios de comunicación centrándose en otra de esas enfermedades de nuestra sociedad: la prensa rosa.
Lo hace a través de Manolo y Emilio, una pareja de paparazzis de poca monta que interpretan alegremente Óscar Ladoire y Antonio Ozores, y quienes, por supuesto, están todo el tiempo al filo de la noticia, buscando una mísera exclusiva para ganarse el pan; el mundillo que destapa el director es pura sinvergonzonería y tan repelente como en la vida real. Sin seguir una trama determinada, y eso es algo que afecta bastante al film, vemos a la pareja ir de acá para allá, metiéndose en mil y una situaciones comprometidas y batallas evitando que alguno le rompa los huesos por su falta de consideración y escrúpulos.

Ozores no hace distinciones con nadie, sus protagonistas son tan cínicos y rastreros como todos aquellos que caen víctimas del objetivo de su cámara, aunque resulten más simpáticos. Hace bien la película en señalar al principio que cualquier parecido de sus personajes con gente real es pura coincidencia, para distanciarse del peligro, pero no es tan díficil apreciar a qué seres pretende dejar en ridículo, desde políticos corruptos y sabandijas de la alta sociedad a magnates oportunistas; personalidades del momento que ocupaban portada como Jose María Ruiz-Mateos, Isabel Preysler, Marta Sánchez, Carmen Cervera o Miguel Boyer son blanco de la caricatura y la mofa.
Incluso, en un gesto realmente radical, aparecen el presidente y el vicepresidente del país de aquel entonces (Felipe González y Narcís Serra) como auténticos subnormales...es decir, todos como ellos mismos. Quizás lo más destacado de la historia es el revoltijo de violencia en el que se mete la pareja protagonista tras espiar la vida privada del jefe de la misma empresa en la que trabajan, eso y la pequeña aventura amorosa que se le da a Emilio y la hija de Manolo, una menor de edad; desde luego las cosas a las que se atreve el cineasta serían aplastadas por la censura izquierdista-progresista actual en cuestión de milésimas.

Todo esto lo sostiene con sus diálogos ágiles de siempre, que recuperan su carisma, y la interacción tan natural de sus alocados personajes, destacando entre ellos López Vázquez en un descacharrante papel de matón homosexual, la otrora musa del destape África Pratt y ese jefe redactor interpretado por Antonio Resines, uno de los más jóvenes protegidos de Ozores. Es cierto que le falta mucho para llegar al ingenio de sus mejores comedias, quizás por la ausencia de algo sólido que conduzca el argumento y por esa resolución tan absurda y poco concluyente...
Pero, pese a su inevitable cutrez y que recuperar la esencia del cine de humor de los 80 parece imposible, termina desenvolviéndose de forma veloz y divertida, y lo mejor, logrando su objetivo: dejar en evidencia a toda esa fauna desquiciada de las altas esferas de nuestra sociedad y a aquellos que se aprovechan de ellas. En este sentido sobresale un instante tan disparatado como grotesco: la pareja en el pub montando una discusión falsa y dejándose fotografiar con la promesa de una fortuna; ¨Hay que ver lo que hace la gente por dinero¨, dice la compañera de los protagonistas.

Desde luego, y no se les cae a muchos la cara de vergüenza, ni a nosotros mismos, hay que ver...



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Ficha Barren Illusions

Mad Warrior

  • 12 Mar 2022

4



Barren Illusions
¿Adónde ir? A ninguna parte, nada hay allí que sea peor que lo que hay aquí. ¿Sentir?, ¿para qué?, ¿donde, cuándo y a quién? Mejor desaparecer, no estar, no ser...
Quizás el mejor ejemplo de angustia social nos lo ha brindado Kiyoshi Kurosawa en sus obras, ésta la más destacada en dicho tema y la menos conocida.

Parecía ser un síntoma; a mediados y finales de los 90, igual que en el cine norteamericano, en Japón también había bastantes directores comprometidos a plasmar la triste realidad que vivía su sociedad. Echando la vista atrás, eran los últimos años de la llamada Década Perdida, tras el estallido de la burbuja económica del país y alcanzando la recesión financiera y la caída del P.I.B. su máxima cúspide; la joven generación, por supuesto, no podía atisbar un futuro claro ni prometedor en este entorno, y el índice de criminalidad y abandono de estudios aumentó.
Los incipientes Aoyama, Koreeda o Toshiaki Toyoda saben reflejar a la perfección este clima reinante, al igual que los más veteranos Kitano, Miike, Ishii o el nombrado Kurosawa, quien tras la enorme recepción de ¨Cure¨ fue un recurrente en los festivales internacionales, si bien no iba a volver a conocer el éxito masivo hasta la llegada de ¨Kairo¨; entre esos dos pilares de su carrera, ¨License to Live¨, proyectada en Berlín, abre una nueva vía en ella, pudiendo expresar por fin sus ideas sin tener que acogerse a géneros cinematográficos como tal. ¨Barren Illusion¨, proyecto independiente y limitado que realiza con la ayuda de pequeñas productoras, es un paso lógico a dar.

Pero encararlo es muy distinto, incluso para el fan acérrimo del nativo de Kobe. Un escenario interior solitario bañado con el relajante sonido de ambiente exterior y los tonos ásperos y apagados de la fotografía de Takahide Shibanushi (frecuente colaborador del director y de Takashi Shimizu); Kurosawa compone frente a nosotros a un joven atento al silencio sepulcral del entorno para luego descomponerlo lentamente. Este es un motivo esencial de una película la cual se acoge al minimalismo de arte y ensayo de la manera más concienzuda y extraña posible.
Pues tal vez jamás llevó ni llevaría a cabo una más críptica y forzando tozudamente al espectador a interpretarla en base a la intuición como ésta; de hecho la intuición es vital, al igual que la ausencia de trama. En ¨License to Live¨ y la posterior ¨Charisma¨, muy conectadas a la que nos ocupa, priman unos motivos argumentales perceptibles o descifrables; toda oportunidad de esclarecer aquí una interpretación coherente es bloqueada al instante, pero no de intuirla. Dos jóvenes, un productor musical y una trabajadora de mensajería, mantienen una relación, pero determinada por la ausencia y la carencia de verdaderos sentimientos...

Así es el mundo que vuelve a construir el cineasta. A través de la tensión silente, de espacios vacíos, de planos largos practicando la distancia y desemejanza con los seres humanos que pululan por el escenario; esta es una sociedad fría y oscura, de espectros deambulantes, estériles e incapaces, una sociedad distópica (se supone que los hechos se dan en un futuro próximo, alargando la crisis de la Década Perdida) donde la joven generación, presa de un hastío desasosegante, no puede expresar sus emociones salvo por medio de la violencia, la destrucción y autodestrucción, el odio y la locura.
El chico anónimo es el perfecto reflejo de esta situación, quien prefiere desvanecerse a seguir existiendo; la chica proyecta una visión de futuro, esperanza y huida, un anhelo de escapar, a todas luces imposible de realizar (al final el más allá desconocido que figura el océano sólo trae muerte). Kurosawa nos fuerza a ser testigos de esta nada en la que todo está inmerso en una gran depresión emocional, todo está muerto o encaminado a la muerte, a veces haciendo imposible discernir qué pertenece al mundo real o al proyectado desde la mente de sus simbólicos protagonistas.

Pues aquí todo es pura simbología y metáfora; la presencia de un polen nocivo para la salud quizás escora el relato hacia la ciencia-ficción distópica y la de una medicina experimental a la paranoia conspiratoria (explica el doctor al muchacho que los de su generación son más proclives a enfermar que los adultos, ¿la solución?: una droga experimental que causa vértigo, impotencia y problemas psicológicos). En realidad esa es la droga de la sociedad: la impotencia emocional.
Provista de instantes escabrosos que presagian el horror sobrenatural de ¨Kairo¨, pasajes oníricos, encuadres extrañísimos con predominancia de los planos generales, un extremo cuidado para modelar atmósferas de tensión difusa y un dudoso anticlímax, ¨Barren Illusion¨ es al fin y al cabo una de las odas más radicales y crípticas al vacío, en tierra de nadie como sus protagonistas, sin pertenecer a una auténtica categoría, aunque perfecta muestra del llamado ¨estilo Kurosawa¨, lo único vigente donde poder enmarcar esta rareza (evidentemente) desconocida para la inmensa mayoría.

Para entrar en ella es preciso dejarse engullir por los mecanismos de su ininteligible universo, dejarse arrastrar a sus coordenadas intransferibles, dejarse contagiar por su gélida desafección y emociones huecas, pero el resultado quizás diste mucho de ser satisfactorio...



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Ficha El desafío de las águilas

Mad Warrior

  • 12 Mar 2022

8



El desafío de las águilas
Una de las misiones más peligrosas que pudieron darse durante el transcurso de la 2.ª Guerra Mundial, aparentemente complicada y realmente imposible.
En los meses precedentes al desembarco de Normandía un comando se lanza en paracaídas con el propósito de acceder a una fortaleza de montaña considerada inexpugnable...

En los tiempos en los que las grandes películas bélicas se alejaban del rigor histórico o de la inmediatez dramática que tanto lustre dieron al género en décadas anteriores y apostaban por el puro y duro espectáculo cinematográfico, una serie de hechos daría pie a que naciera uno esos títulos legendarios del mismo. Por un lado el productor Elliott Kastner solicitaba al exitoso autor Alistair MacLean, quien ya consideraba su retiro, confeccionar un guión de aventuras con escenario de guerra al estilo de ¨The Guns of Navarone¨ o ¨Ice Station Zebra¨ (también adaptadas al cine).
Por otro, el actor reciclado en director (sin mucho éxito en ambas cosas) Brian Hutton sería contratado por Kastner tras haber trabajado para él; y en último un Richard Burton que tanto disfrutaba de una increíble carrera como de una vida personal bastante agitada por su afición al alcohol y su turbulento matrimonio con Elizabeth Taylor, se acercó a aquél y le pidió un papel de héroe aguerrido. ¨El Desafío de las Águilas¨ fue en efecto un enorme desafío, rodada con todo lujo presupuestario por localizaciones intransitables austríacas y estando equipo y actores a merced de condiciones naturales insoportables.

Hutton desde luego sabe capturar con sus cámaras la belleza y la inclemencia del paisaje, haciendo de él un protagonista más de esta historia que recurre a los mismos patrones de ¨Secreta Invasión¨ y su versión de alto copete ¨Doce del Patíbulo¨ o la misma ¨Los Cañones de Navarone¨, y donde se daban cita todos los elementos que tan buenos resultados habían arrojado a los libros de MacLean. Nos ponemos en las mismas: un grupo de militares cuidadosamente seleccionado debe rescatar a un general americano al corriente de los planes estratégicos aliados.
Pero desde el inicio de su periplo en pleno corazón del Reich, esta cuadrilla empieza a ser víctima de la traición, algo intuido por sus jefes; el escritor y el director se las ingenian para esconder siempre los secretos ante el espectador, y éste último las deja en suspenso apartando la cámara de las exposiciones y diálogos reveladores para desviar su atención a la intriga y la acción, las verdaderas maestras de ceremonias de un metraje que pese a su extensión avanza con total velocidad y seguridad. No es extraño; la gran química entre Burton (el elocuente oficial británico experto en misiones de alto riesgo) y un joven Clint Eastwood (el parco y duro militar americano) contribuye a poner al público a merced de la aventura.

Una aventura a través de las líneas enemigas que ofrece al fan todo lo que puede, a pesar de rozar lo inverosímil (hasta acercarse a las peripecias de James Bond, muy de moda en el momento), pero que Hutton, con el pulso de un Sturges, un Mann o un Ford cualquiera, desarrolla a golpe de ingenio, grandes cantidades de violencia y sobre un guión enrevesado en el cual la trampa para el espectador es idéntica a la que caen buena parte de los personajes, atrapados en el claroscuro mundo del contraespionaje, dejándose al descubierto, con no poca socarronería, la vulnerabilidad y poca fiabilidad interna de los organismos dedicados a ello.
Al mismo tiempo el enemigo alemán, y como de costumbre en los films de la época, aparece desdibujado por un barniz que acerca su imagen a la pura parodia...a la cual, bien mirado, tampoco escapan los esforzados héroes. El cineasta prepara la infiltración en el castillo durante la segunda mitad del film y desplaza la acción de los amplios escenarios exteriores a suntuosos y no poco agobiantes decorados interiores; en esta parte tendrá lugar el mayor punto de inflexión, durante esa conversación en la sala del alto mando saliéndose Burton por la tangente con una actuación magistral y donde la trama se retuerce, desdobla y se transforma en otra cosa.

Pero con tal eficacia hasta no dejar al espectador (y a los propios protagonistas) con más opciones que rendirse ante esos vuelcos de sinsentido argumental, sin más resolución lógica que la planteada por la ilógica del mismo guión, haciendo creíble lo increíble y arrastrándonos a un farragoso misterio de dobles identidades, mentiras y vías de escape minuciosamente trazadas que dejan a la imaginación si podrán tener o no una explicación razonable. No obstante Hutton ya nos tiene por el pescuezo, y lo próximo será vapulearnos con algunas de las secuencias de acción más espectaculares, violentas y brutas que ha conocido el género.
Destacando un servidor, por encima de todas, la ¨bondiana¨ pelea a puñetazo limpio sobre la cabina del teleférico, aunque éste cumple bien el dejarnos sin respiración durante esa huida de los protagonistas por territorio enemigo a bordo del autobús blindado, elevándose ya lo inverosímil a niveles estratosféricos y demostrando que si aquí se apunta a algo es al entretenimiento en su más pura esencia, mientras Hutton, plasmando la crítica mordaz de MacLean, da paso a una visión desmitificadora y cínica del bélico del mismo modo que hicieron en la época Aldrich, Pollack, Siegel, Guillermin, Castellari, el mencionado Sturges y otros muchos.

Una fórmula que el neoyorkino repetiría, corregida y aumentada, en su siguiente proyecto, la también legendaria ¨Los Violentos de Kelly¨, con Eastwood de nuevo a bordo.
Por su parte el film que nos ocupa hizo gala de todas sus bazas, siendo una de ellas el genial reparto secundario (cabe señalar a Donald Houston, Robert Beatty y las hermosas Ingrid Pitt y Mary Ure), y logró sin problemas conquistar la taquilla y a los críticos por igual. Lo dicho, una hazaña convertida en gran clásico, tremendamente influyente para infinidad de cineastas.



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Ficha Noche y Día

asrock3000

  • 12 Mar 2022

7



Noche y Día
Encuentro Explosivo es una película de acción y comedia que se estrenó en el año 2010. Está dirigida por James Mangold y protagonizada por Tom Cruise y Cameron Díaz.
Una pareja vive románticas y peligrosas aventuras por todo el mundo: ella es una mujer normal que tiene que acudir a una boda, y él parece un agente secreto. Ambos se vuelven a ver una y otra vez en los lugares más diversos; parece que están condenados a encontrarse y verse implicados en una serie de persecuciones donde nadie es quien parece ser.

Por lo menos en Latinoamérica se titulo ¨Encuentro Explosivo¨ y pues en si es una película de acción con toques de humor cien por ciento palomitera a la cual solo le podemos exigir que entretenga y por mucho que cueste creerlo he de decir que cumple con su objetivo, si bien este tipo de películas no suelen caerle bien a todo el mundo ya que puede que les parezca absurda, bochornosa o que no nos diga gran cosa pero para aquellos que solo buscan entretenimiento y diversión así como yo pues puede que les parezca un agradable pasatiempo y pues a mí la película me gustó, tampoco es tan epica ni tan maravillosa pero para pasar el rato creo que sí estuvo bastante bien.

¨Encuentro Explosivo¨ parece que fuera una especie de parodia de películas de agentes y de espías tipo ¨Misión Imposible¨ e incluso se puede notar alguna que otra referencia a James Bond como cuando Tom Cruise sale de la playa haciendo referencia a la película ¨Dr. No¨ solo que en vez de ser la chica es el tipo quien sale de allí pero aun siendo parodia o no sinceramente he de decir que la cosa salió como a pedir de boca, yo he disfrutado de esta película por todo lo alto ya que es entretenida de principio a fin y el ritmo es tan frenético que se hace digerible y se nos pasa en un abrir y cerrar de ojos, el argumento puede que no sea la gran cosa pero logra engancharnos y sumergirnos en la trama ya que es fresca, pasable, divertida y hay algunos giros que la vuelven más interesante aunque claro está que la mayoría de estos pueden resultar predecibles pero de todos modos la película se deja ver y en si la única intención de ella fue ser un digno producto para entretener y matar el aburrimiento así que tampoco se puede exigir mucho.

Las actuaciones están correctas, Tom Cruise hace un personaje que le queda como anillo al dedo ya que pareciera que estuviera interpretando nuevamente a Ethan Hunt de la saga Misión Imposible y junto a el tenemos a Cameron Díaz quien no es que me parezca la mejor actriz del mundo pero su presencia tampoco me molesta para nada además tiene buena con Tom Cruise y juntos hacen una pareja muy divertida. Entre los secundarios podemos ver a varias caras conocidas pero no llegan a brillar tanto como el dúo protagonista, tenemos a Paul Dano, Viola Davis, Peter Sarsgaard y hasta también sale Jordi Molla encasillado en su típico papel de malo bien malote y junto a ellos añadimos los cameos de Maggie Grace y Gal Gasto que tampoco es que aporten mucho a la trama porque aparecen por ahí de puro relleno.

Las secuencias de acción aparte de ser fabulosas son endiabladamente entretenidas y los efectos especiales en si estuvieron mas que aceptables aunque claro se ve que hay mucho efecto hecho por computadora para meter de lleno muchas fantasmadas como el aterrizaje del avión, la secuencia de la autopista o la más cutre de todas que es la secuencia de los toros pero bueno, de todos modos la película puede que no sea perfecta ya que tiene innumerables fallos pero en lo que se refiere a entretenimiento y espectáculo cumple y por lo menos en mi caso he quedado satisfecho con lo que vi ya que la película me hizo pasar un buen rato y no tengo alguna con ella ya que puro entretenimiento bien invertido.

En definitiva Encuentro Explosivo me ha parecido una película entretenida y nada mas, si bien no es nada del otro mundo pero como película de acción palomitera funciona a las mil maravillas y la recomiendo para verla en un fin de semana agotador ya que con ella nos relajamos fácilmente y es seguro que pasaremos un rato muy agradable y sin muchas preocupaciones así que para mi se acerca al 7 con facilidad ya que es puro entretenimiento de principio a fin



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Ficha Ases del Cielo

TANO

  • 11 Mar 2022

7


Ases del Cielo
Llamándose igual que uno de mis temas favoritos de Iron Maiden, que lo toma precisamente de esta peli, y en su videoclip salen imágenes de ella y otras pelis del estilo, claramente tenía que ver esta película antes o después.
El caso es que ni de lejos me ha parecido al nivel de otras de aviadores de la Primera Guerra Mundial que he visto antes -por poner un ejemplo, ¨Las Águilas Azules¨-, y es que esta película se parece bastante a las anteriores, pero es más moderna, lo cual le quita cierto interés a todo el tema de las batallas aéreas y demás, pues ya los medios técnicos estaban más avanzados -lo cual no quita que sea muy disfrutable ver aviones de la época de la WWI haciendo acrobacias y luchando en el cielo-.
La historia se centra en 2 personajes principales, un cadete recién llegado a una mini-base aérea inglesa en Francia, para enfrentarse a los aviones alemanes en la guerra, y el capitán de esa base, un jovencísimo Christopher Plummer, que es el aviador número uno allí.
Y ahí se nos cuenta como es la vida en la base, tu proyección como aviador, los pros y contras, etc. No puedo decir que sea una mala película, simplemente, como he dicho antes, he visto alguna otra del estilo que me ha parecido superior.



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