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The King's Man: La Primera Misión

Kingsman: El Origen se estreno en el año 2021. Esta dirigida por Matthew Vaughn y protagonizada por Ralph Fiennes, Djimon Hounsou, Gemma Arterton, Rhys Ifans, Matthew Goode, Tom Hollander, Harris Dickinson, Daniel Brühl y Charles Dance.
Cuando un grupo formado por los tiranos y las mentes criminales más malvadas de la historia se une para desencadenar una guerra que matará a millones de personas, un hombre tendrá que luchar a contrarreloj para detenerlos. Tercera entrega de la saga Kingsman, ambientada muchos años antes de las anteriores y explicando el origen de la agencia.

Esta nueva entrega de la saga Kingsman al igual que muchas otras sufrió bastante retrasos ya que tenia previsto estrenarse en el 2019 y no fue hasta finales del 2021 que se pudo disfrutar y pues bueno, he de decir que las anteriores películas de Kingsman me encantaron, me parecieron películas espectaculares y emocionantes las cuales mezclaban perfectamente el humor con la acción dando así como resultado una mezcla fantástica pero en si tampoco es que esperara con ansias esta nueva película de la saga que de por si es una precuela que se sitúa muchos años mas atrás ya que simplemente no me llamaba mucho la atención pero dije que al tratarse de una película de Kingsman tenia que verla si o si así que me dispuse a disfrutar de esta nueva aventura y el resultado se podria decir que hasta fue decepcionante y mas cuando no esperaba nada de ella.

Vamos a ver, ¨Kingsman: El Origen¨ tenía lo necesario para ser una gran película, el reparto me llamaba poderosamente la atención ya que teníamos a grandes actores como Ralph Fiennes, Djimon Hounsou o Rhys Ifans y por un lado también generaba como un poco de interés ya que trataba sobre los orígenes de la agencia y la primera misión de los agentes situándose durante la Primera Guerra Mundial así que la película como tal tenía gran potencial pero lastimosamente las cosas no salieron tan bien después de todo porque la verdad ¨Kingsman: El Origen¨ no parece que fuera una película de Kingsman, es aburrida, le falta ritmo, le falta humor y sobretodo le falta muchísima acción, Matthew Vaughn quiso darle un enfoque diferente a esta nueva entrega pero las cosas no le salieron tan bien después de todo porque en vez de hacer una película divertida, espectacular y emocionante hizo una película aburrida y floja que ni siquiera llega a estar al nivel de las dos anteriores y a aquellos que se quejaron que disque porque ¨Kingsman 2: El Círculo Dorado¨ había sido una secuela muy floja pues déjenme decirles que ¨Kinsman: El Origen¨ es mas floja e incluso peor.

Cómo mencionaba anteriormente uno de los puntos positivos que tiene la película es el reparto, los personajes estuvieron correctos destacando principalmente a Ralph Fiennes quien me parece un actor tremendo y aquí luce de maravilla como el héroe de la historia, junto a el tenemos unos secundarios de lujo como Dijimon Hounsou quien tuvo más protagonismo del que me esperaba ya que últimamente sus participaciones en las películas suelen ser de secundario o de personajes con poca relevancia dentro de la historia, también tenemos a Gemma Arterton con un personaje medianamente aceptable y por último junto a ellos también contamos con la participación de Harris Dickinson como el hijo de Ralph Fiennes cuyo personaje tiene un final trágico e inesperado cosa que llego a sorprenderme enormemente.

En el reparto también aparecen Charles Dance, Matthew Goode, Aaron Taylor-Johnson o Daniel Brühl aunque con roles muy pequeños aunque claro está que de todo el reparto contando a personajes principales y secundarios quien más sobresale es Rhys Ifans haciendo de Rasputín ya que de por sí es el mejor personaje de toda la película, su caracterización, su actuación, sus diálogos y sus escenas estuvieron excelentes pero claro está que no todo llega a ser color de rosa ya que lastimosamente el personaje aparece muy poco y cuando lo matan nos deja con esa sensación de que el personaje pudo haber estado mucho mejor y tener una mejor participación de lo que se vio si lo hubieran aprovechado un poco más pero ahí si ya nada podemos hacer.

Por último, a mí no me parece que está sea la entrega con más acción y a los que dicen eso pues no sé si habremos visto la misma película pero en lo que a mí respecta la acción es muy limitada, claro que la hay y no niego que este muy bien pero tampoco llega a ser tan espectacular ni tan violenta, la acción se desarrolla de una mejor manera ya en el tercer acto que es donde está lo mejor y es en donde la película ya se empieza a sentir como una entrega más de Kingsman ya que la acción vuelve a ser disfrutable y es divertida aparte de que recupera un poco el humor que prácticamente se esfumó por completo en esta entrega con la secuencia de la cabra que en si resulta innecesaria y fuera de lugar pero fue un punto cómico muy bueno así que como tal lo mejor de la película serían ya sus últimos minutos que por mucho son como media hora los cuales logran rescatarla del abismo y hacer que por lo menos se gane de mi parte el aprobado.

En definitiva Kingsman: El Origen como precuela es rescatable, conecta bien con la primera entrega pero como película de acción y entretenimiento fracasa totalmente, de todos tampoco la consideraría una mala película porque tiene unas muy buenas actuaciones, efectos especiales increíbles y unas secuencias de acción más o menos aceptables destacando principalmente todo el tercer acto que fue de lo mejor y que de por sí era el ritmo y el estilo que se tuvo que haber manejado durante toda la película ya que incluirlo solamente en la parte final tampoco logra que está sea una película espectacular porque para mí estuvo muy por debajo de las otras dos a las cuales considero mejores películas que está.

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Juegos Secretos

Aburrida película de historias cruzadas en la que una mujer casada se fija en un hombre casado con el cual mantiene relaciones adúlteras mientras que en la misma calle en la que viven, se ha establecido un pederasta que tiene atemorizada a toda la vecindad, este intenta hacer una vida normal, pero no puede eliminar su mal gen, por otro lado, un policía retirado vive frustrado por no poder vivir de su pasión por haber matado a un joven saliendo de un supermercado. Pues la cuestión es que todas las historias están cogidas por los pelos y ninguna de ella me causaron furor. Es una película más bien anodina y en consecuencia, olvidable.

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Senderos de gloria

Obra maestra absoluta del señor Kubrick. Para mí su mejor film, un soberbio alegato antibelicista protagonizado por un magnífico Kirk Douglas que fue además productor del film, rodado en un acertado blanco y negro, y que lo ajustado de su metraje no es, ni mucho menos, un impedimento para explicar lo adsurdo de la guerra, y lo inhumano de quienes la dirigen.

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El Mediador

Blacklight es una película de acción y thriller estrenada en el año 2022. Esta dirigida por Mark Williams y protagonizada por Liam Neeson, Emmy Raver-Lampman, Taylor John Smith y Aidan Quinn.
Travis Block, un agente del gobierno en la sombra que se especializa en eliminar operativos cuyas coberturas han sido expuestas, descubre una conspiración mortal dentro de sus propias filas que alcanza los niveles más altos del poder.

El 2022 empezó con el pie izquierdo en lo que se refiere a cine de acción porque ¨Blacklight¨ ha resultado ser una tremenda decepción aunque claro esta que la película en un principio tampoco prometía ser la gran cosa porque primero que todo el directo no me daba mucha confianza, apenas ha dirigido como dos o tres películas y esta es la segunda colaboración con Liam Neeson quienes ya habían trabajado juntos en ¨Venganza Implacable¨ que tampoco es que haya sido una gran película de acción pero por lo menos estuvo mucho mas entretenida que ¨Blacklight¨ que de por si me pareció una película aburrida, floja y con poca gracia.

En estos últimos años hemos podido comprobar que las películas de Liam Neeson ya no generan la misma gracia y emoción de antes, en el pasado disfrutábamos mucho de sus películas las cuales eran mas emocionantes y mas frenéticas pero las ultimas que han hecho han sido realmente flojas, tampoco es que fueran malas películas porque por lo menos resultaban ser productos entretenidos pero es que a ¨Blacklight¨ no le he encontrado la gracia por ninguna parte, es una película que al principio promete ser por lo menos una cinta decente pero a medida que avanza va decayendo y se vuelve insípida y aburrida, el argumento tampoco es que sea la gran cosa ya que una vez mas Liam Neeson interpreta a un agente que se involucra en una conspiración mortal del gobierno y hará lo que sea para desmantelar toda esta trama.

De las actuaciones poco que decir, Liam Neeson a sus 69 años sigue dando pelea y demuestra que ya no esta para estos trotes, interpreta el mismo papel de siempre y en las secuencias de acción se le ve agotado y cansado pero el tipo por lo menos hace aunque sea el mas mínimo esfuerzo de ofrecernos así sea una actuación decente y lo consigue, es el tipo duro de la película y en eso por lo menos cumple. En el reparto se echa de menos que no hayan actores de renombre porque los que hay son desconocidos y el malo de turno tampoco logra dar mal rollo y termino siendo una decepción tremenda ya que se echa de menos un buen villano que por lo menos ponga en mas aprietos al protagonista.

La acción sinceramente es bastante escasa y la que hay tampoco es que sea tan fantástica, puede que hayan tiros, muertes y una pelea cuerpo a cuerpo con Liam Neeson al frente pero no llegan a ser tan emocionantes, como thriller de acción es un completo desastre porque la película no llega a generar interés en ningún momento y mas encima le añaden mucho drama a la historia con el rollo de la hija y la nieta de Liam Neeson a las cuales sobreprotege mucho y pues en si esas subtramas tampoco llegan a ser tan emotivas pero en si las meten como para que el héroe sea mas vulnerable cosa que en Liam Neeson es bastante común si nos acordamos de la saga ¨Taken¨ en donde hacia lo que fuera con tal de proteger a los suyos.

En definitiva Blacklight me ha parecido una película muy floja, empezamos el año muy mal con una película de acción vacía y poco emocionante como esta porque ni siquiera llega a ofrecer así sea una pizca de entretenimiento salvo una que otra secuencia que estuvo bastante bien pero por lo general ha sido una película bastante aburrida que ni siquiera es recomendable para aquellos que se deleitan viendo a Liam Neeson en acción ya que probablemente este sea una de las películas mas flojas y poco destacables dentro de su filmografía.

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Pets

un drama con mucho erotismo a la vieja escuela, sin caer en los recursos de otros como russ meyers y demases, la trama es simple y el peso del filme cae en las dos chicas protagonistas.
en definitiva no es la gran cosa pero para pasar el rato esta muy bien. pasable pero totalmente olvidable

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Punto de Recreo

Hay que situarse.
Mediados de los 80, la resaca de ¨Porkys¨ casi se ha pasado después de finiquitarla una tercera parte bastante olvidable, pero eso no significa que la influencia de la obra original no continúe presente.

De hecho las ¨teen comedies¨ alocadas que pretenden imitar sus patrones se siguen produciendo como churros, tanto para el cine como para los videoclubs. Yo, un amante confeso de la década y sobre todo de sus comedias, no iba a dejar pasar la oportunidad de ver algo como ¨Private Resort¨, si bien ya tenía claro la clase de producto que podría encontrarme...lo que no esperaba es que mis expectativas cayeran tan, tan, tan bajo a cada minuto de metraje que pasaba.
La culpa es de Ben Efraim, responsable de una serie de títulos enfocados al público adolescente con mucho sexo, mucho humor absurdo y el ¨Private¨ como título distintivo (la más exitosa ¨Private Lessons¨, que tenía a Sylvia Kristel de reclamo). En esta ocasión acuerda con TriStar la distribución y se gasta una cantidad de dinero razonable para ponernos frente de las aventuras de dos colegas, el guay y el tonto, de quienes no sabemos nada cuyo único objetivo es pasar un fin de semana ligando y tomando el sol en un lujoso hotel de Miami: un Rob Morrow antes de su exitazo con ¨Doctor en Alaska¨ y un Johnny Depp recién salido de las pesadillas de Freddy Krueger, ambos muy alegres y vivaces.

George Bowers, un editor veterano cuya carrera de cineasta es desconocida, nos pone en el epicentro de las embarazosas situaciones que los chicos viven entre todos los muslos, curvas, traseros y pechos que la cámara se encarga de filmar; para ello añade un puñado de personajes alocados (pero en absoluto simpáticos), destacando un torpe jefe de seguridad, una chiflada que practica una extraña religión o un ladrón de joyas. El guión nos hace creer que este subnormal con la cara descompuesta de Hector Elizondo va a hacer de la trama una intriga con robos y mafiosos de por medio a lo ¨No me Chilles, que no te Veo¨.
Pero en lugar de eso se siguen proponiendo mil y una peripecias con la pareja protagonista corriendo aquí y allá, intentando llevarse alguna chavala a la cama y montando broncas con clientes y trabajadores desquiciados. Lo peor es que, de todas las féminas que por allí pululan, Jack va a dar, muy casualmente, con dos de las que tienen su ¨importancia¨ en la flojísima historia del diamante...pero los que escribieron esto no posían la imaginación suficiente para trazar una estructura ingeniosa y hacer al chaval parte del enredo.

Eso podría haber estado bien, teniendo en cuenta que la chica que se consigue (Karyn OBrien, un tesoro de muchacha) es la nieta de la anciana a la que le quieren quitar el colgante. Pero no, todo se desbarata en una sucesión de ¨gags¨ ejecutados con velocidad y sin gracia, golpes y caídas, coincidencias, salidas y entradas en habitaciones a lo vodevil, y desnudos a manta, con ese humor tan heredado de ¨Porkys¨ y sintonizándose con cualquiera de sus imitaciones (aunque esto queda quince pisos por debajo de cosas más simpáticas como ¨Joy of Sex¨, ¨Jóvenes Alocados¨ o ¨Vacaciones Locas, locas, Locas¨), y un poco de ¨Loca Academia de Policía¨.
Esto enlaza con el despatarre climático, con el ladrón pegando tiros por todo el hotel persiguiendo a los protagonistas, una oda al sinsentido más esperpéntico y ¨kitsch¨ que desde luego sólo podríamos ver en los 80; y a todo esto, cuesta encajar aquí a la explosiva Leslie Easterbrook (con un ¨look¨ a lo Sophia Loren que hace caer de espaldas) en un personaje tan idiota y manido después de disfrutar de su dura Debbie Callahan. Para liar más la cosa nos meten a una camarera de la que se enamora el desgraciado de Ben, llevando la película a un punto de ñoñería romántica que no pega ni con cola, y que se supone que me tiene que importar algo...

La verdad es que aquí todo está malísimamente aprovechado y la película se asfixia con esas pequeñas situaciones de enredo (la del maromo que quiere acostarse con una tía ante las narices de la novia como mejor ejemplo) que intenta resolver de forma disparatada; ninguna de las subtramas va a ningún sitio, ni los personajes tienen un verdadero papel, amén de que ciertos ¨gags¨ se repiten y duran hasta hacer reventar el páncreas del espectador (la pelea en el ascensor entre el peluquero y el jefe de seguridad, o peor: ¡la de la anciana y el ladrón a golpe de karate!).
Siempre se ha dicho que para ver una obra que evidencia mucho el estar realizada en su época se debe hacer con los ojos de un espectador de esa época; yo creo que ¨Private Resort¨ es igual de aburrida, confusa e idiota hoy día que cuando se realizó. Lo único sorprendente es comprobar que estos films son absolutamente imposibles de rodar en la actualidad, y de poder disfrutar de tanta chica desnuda o semidesnuda sin necesidad de pretextos, sólo por puro relleno, para calentar al público masculino, y es una impronta que hoy ya no existe y que se agradece recuperar.

Volviendo a la calidad de este producto, fíjense si ya chirriaba en el momento de su estreno que Depp y Morrow, avergonzados de verse en ella, acordaron destruir cualquier copia si se la encontraban a la venta, en el lugar que fuera.
Pocas veces mis oídos han sido amartillados con tal cantidad de sonrojantes y patéticos diálogos y frases, pero jamás olvidaré una dicha por Jack que me hizo estallar a carcajadas y que espero algún día poder usar: ¨Que te enseñe el ¨nana banana¨...y vas y te la tiras¨. Si es que esto ya resume a la perfección el espíritu y la mentalidad de la película...

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Historia de los Crisantemos Tardíos

Itinerancia, desilusión y vergüenza, los principales escollos en el camino del actor, sobre todo cuando el reconocimiento y la fama escapan de él, sobre todo cuando se le impone una de las más crueles normas de dicho mundo:
¨De nada sirve el talento si no va a acompañado del prestigio de un nombre que le respalde¨...

La historia de un actor cuya existencia estuvo marcada por este estigma, a todas luces imposible de deshacerse de él; Onoe Kikunosuke existió realmente y perteneció a uno de esos linajes legendarios del teatro kabuki, adoptado en la familia y siguiendo la tradición, y su historia sería trasladada de un modo en parte ficticio a versión literaria por el autor Yoshikazu Moramatsu, conocido por sus cuidadas novelas históricas y su espíritu rebelde tras sus frecuentes estancias en China, donde compartió los ideales de intelectuales extranjeros y se empapó de la cultura moderna occidental.
La obra, ¨Zangiku Monogatari¨, se publica en 1.936 y resulta todo un éxito, incluso será muy adaptada al cine, radio y televisión con el paso del tiempo; el primero en el medio cinematográfico que se ocupa de ello es Kenji Mizoguchi, quien en ese momento vive una etapa agitada y no poco frustrante debido a los encargos de orden propagandístico que se ve obligado a realizar. Al no desear reincidir en este tipo de cine, como todos sus colegas de profesión, decide regresar a Kyoto para trabajar en Shochiku, tentado por la oferta del productor Shintaro Shirai, lo cual aprovechará dado su creciente notoriedad y exige una libertad artística total.

Debido a su amistad con artistas progresistas teme padecer su misma suerte (acabar en prisión o ser enviado a primera línea del frente), así que se orienta a dirigir historias sobre el teatro, lo cual no sorprende vista su pasión por todas las formas de espectáculo y su decisión de insertar representaciones de obras en sus películas o evocar la existencia de los actores; en su caso el teatro siempre está presente en su cine, sin embargo el relato de Moramatsu le hace declinar sus temas recurrentes, pues, ambientado en el último periodo de la era Meiji, será uno de sus pocos trabajos que sigue por entero el destino de un hombre.
Aquí, Onoe se presenta como un actor mediocre que vive dominado por la personalidad de su padrastro, maestro del kabuki, y pronto nos damos cuenta de que esto es un reflejo del mismo negocio del teatro, dominado por una arrollador y estricto orden patriarcal; sin embargo para el joven todo son falsos halagos debido a que pertenece a la familia noble de Matsusuke. Para vencer la parte opresiva del padre deberá enfrentarse a él (gesto muy audaz el de Mizoguchi, ya que tal rebelión y rechazo de la tradición podría ser interpretado en el Japón de aquellos 30 como una acción contestataria contra la patria y el emperador...).

Y más aún teniendo en cuenta su brutal visión sobre la lucha de clases sociales; en efecto, Onoe, al haber encontrado en la dulce criada Otoku a la única persona capaz de expresar sus sentimientos y opiniones con plena sinceridad, opta por dejar el asfixiante seno paterno y fugarse con ella. De este modo la estructura de la trama podría dividirse según los saltos temporales que presenta, a modo de episodios, para mostrar la evolución del protagonista en su largo peregrinaje con el objetivo de mejorar como actor sin tener que hallarse bajo la sombra de su padrastro.
Pero aquí se evidencia lo que llevó a Mizoguchi a aceptar esta historia: Onoe no puede ser un individuo viril y dominante, pues su sensibilidad artística y humana lo feminiza, sin duda la razón por la cual este cineasta de la mujer es capaz de volcarse en él con total indulgencia; esto se lleva hasta tal punto que al joven no le queda más remedio que interpretar papeles femeninos en el escenario para cristalizar sus dones y su naturaleza, descansado parte del drama en una dualidad de identidades. El papel de la mujer, por otra parte, vuelve a tomar una gran importancia, con Otoku prefiriendo sacrificar su felicidad a ver cómo su amado destroza su vida tras oponerse a los mandatos del padre.

Todo el arduo periplo que ambos vivirán, desde Tokyo a Osaka, de ahí a trabajar para una empobrecida compañía itinerante, y de nuevo, en un ciclo expiatorio, de nuevo a Tokyo, es la criada el total sustento del actor (quien se degenera y bestializa a cada año que pasa), entregada hasta las últimas consecuencias, incluso ignorando su penoso estado físico, y con el único deseo de verle triunfar sin seguir malgastando su talento.
Su último gesto, abandonarle para siempre si con ello él logra recuperar el prestigio, roza lo grandioso según la visión ¨mizoguchiana¨.

Pero más allá de la metáfora sobre el martirologio femenino y la opresión que la sociedad de castas y la ingratitud masculina imponen, ¨Zangiku Monogatari¨ alcanza instantes magistrales únicamente gracias a su puesta en escena, a menudo estática, siempre fluida y suave; en ella encontramos esa aterciopelada sensualidad de las figuras de estilo que tejerán las futuras obras maestras del nativo de Tokyo, quien construye este itinerario ¨freudiano¨ con pudor y distancia mediante representaciones kabuki de una asombrosa hermosura, filmadas casi de manera documental, y se presta como nunca a los planos-secuencia, largos y minuciosos, no recurriendo a primeros planos.
El mejor ejemplo lo tenemos en esa escena, brillante, donde Otoku y Onoe pasean bajo el cielo nocturno y ella le revela sus sentimientos. Incluso en los momentos de mayor intimidad de los protagonistas, cuando el dolor y el amor se revelan poderosos, la cámara decide mantenerse alejada y hacer las veces de espectador; este es el motivo por el que se puede afirmar que el teatro siempre ha estado presente para Mizoguchi, al preferir filmar frontalmente a los actores, en plano fijo, de ceremonioso estatismo; para él cada personaje debe ocupar un lugar en el espacio enmarcado por la pantalla.

Lugar que define su relación psicológica y social con los otros protagonistas, además de reinar la idea de que el agua y la belleza se perfilan mortíferas y aterradoras; lo que anunciaba su gran díptico sobre la prostitución contemporánea (¨Elegía de Naniwa¨/¨Las Hermanas de Gion¨) se extiende secretamente a este melodrama oscuro y desgarrador en el que puede afirmarse como cineasta de la belleza angustiosa. Esta belleza nunca es decorativa o meramente seductora, sino que resulta sacrificial y antecámara de la muerte o la destrucción (o la autodestrucción).
En contraposición al gran gesto de sacrificio de Otoku, sorprende aún más el del padre, que se presta a la benevolencia en el último momento tras haber contemplado a su antes despreciado vástago madurar realmente como actor, y gracias a algo de lo que él quizás, en su juventud, no gozó: el cálido y honesto corazón de una mujer a su lado. Así que, pese a pertenecer el protagonismo a Shotaro Hanayagi, experto del kabuki en la realidad y gran admirador de Mizoguchi, todo el peso dramático reposa sobre los hombros de la joven Kakuko Mori, quien temía por sus exigencias.

De sobras era conocida la severidad del realizador durante los rodajes, y esta ocasión no iba a ser una excepción, donde despidió en menos de tres días a la incompetente Reiko Kitami y dio el visto bueno a Mori por recomendación de Hanayagi, no sin exprimirla debidamente para lograr de ella las interpretaciones más realistas y creíbles...
Y a fe que lo consiguió, pues la chica, de 25 años, deslumbra por si sola en una actuación magistral, como también lo hace su compañero, en especial durante esas representaciones que impactan por su exquisitez visual y artística.

En este sentido bien merecen ser alabados el diseño de producción de Hiroshi Mizutani, los preciosos decorados de Jotaro Kikukawa y Dai Arakawa y la fotografía áspera a la vez que sensiblemente vaporosa de Yozo Fuji y Minoru Miki (la cual logra captar el dramatismo en la naturaleza exterior como en la profundidad de los decorados interiores).
Mizoguchi puede sentirse orgulloso de su obra, aplaudida por la crítica y que gusta al público, donde empieza a exponer la gran belleza formal y la gravedad discursiva que distinguirán a todas las películas que están por venir. De ellas la más cercana será su versión (también sujeta a los patrones del kabuki) de la tan adaptada gesta histórica de los cuarenta y siete samuraís, ¨Genroku Chushingura¨.

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Disparate Nacional

¡Extra, extra! ¡Concha Velasco se divorcia de Paco Marsó, el príncipe Felipe haciéndose fotos con Isabel Sartorus, la pobre Carolina de Mónaco se queda viuda y cada vez queda menos para la boda de Alberto Cortina y Marta Chavarri!
Los españoles lo llevamos en la sangre: el querer enterarnos de todo lo que no nos incumbe.

Maldita prensa rosa, que es la que mete al populacho las ansias en el cuerpo y le trastoca las cabezas; pocas veces se la ha atacado con tanto desparpajo y descaro como sucede en esta película de la cual nadie se acuerda. Y es que, aunque parezca mentira, la carrera de Mariano Ozores no acabó tras separarse de Pajares y Esteso, ni siquiera cuando la década de los 80 había tocado a su fin...pero como si lo hubiera hecho; en esos iniciados años 90 ya había un De la Iglesia, un Almodóvar, un Medem, una Coixet, una Rosa Vergés, ¿quién iba a acordarse del pobre madrileño a esas alturas y qué importa si llevó a millones de espectadores al cine dos décadas atrás?
De hecho se cavó su propia tumba al dedicarse a sacar películas directamente en vídeo, de una calidad terrible la mayoría de ellas; pero si algo tuvo a su favor era un buen puñado de gente que le seguía respetando y admirando, que siempre estuvieron ahí junto a él, y no sólo artistas veteranos. Es lo que desde luego permitió que rodara, ya pasadas las 60 primaveras y en una época de sequía preocupante, algo como ¨Disparate Nacional¨, con más presupuesto y medios que casi todo lo que llevaba haciendo desde mediados de la década anterior.

Si algo ha caracterizado a este señor es la soltura y buena intención con la que siempre atacó todo lo que tuviera relevancia en la sociedad española; no dejó títere con cabeza cuando se trató de criticar al Gobierno, los empresarios, las grandes corporaciones, la situación del pueblo llano, la injusticia social, incluso (y esto es quizás sorprendente para muchos) el machismo y el racismo, pero siempre empleando la comedia ligera para quitarle hierro al asunto. Ahora apunta a los medios de comunicación centrándose en otra de esas enfermedades de nuestra sociedad: la prensa rosa.
Lo hace a través de Manolo y Emilio, una pareja de paparazzis de poca monta que interpretan alegremente Óscar Ladoire y Antonio Ozores, y quienes, por supuesto, están todo el tiempo al filo de la noticia, buscando una mísera exclusiva para ganarse el pan; el mundillo que destapa el director es pura sinvergonzonería y tan repelente como en la vida real. Sin seguir una trama determinada, y eso es algo que afecta bastante al film, vemos a la pareja ir de acá para allá, metiéndose en mil y una situaciones comprometidas y batallas evitando que alguno le rompa los huesos por su falta de consideración y escrúpulos.

Ozores no hace distinciones con nadie, sus protagonistas son tan cínicos y rastreros como todos aquellos que caen víctimas del objetivo de su cámara, aunque resulten más simpáticos. Hace bien la película en señalar al principio que cualquier parecido de sus personajes con gente real es pura coincidencia, para distanciarse del peligro, pero no es tan díficil apreciar a qué seres pretende dejar en ridículo, desde políticos corruptos y sabandijas de la alta sociedad a magnates oportunistas; personalidades del momento que ocupaban portada como Jose María Ruiz-Mateos, Isabel Preysler, Marta Sánchez, Carmen Cervera o Miguel Boyer son blanco de la caricatura y la mofa.
Incluso, en un gesto realmente radical, aparecen el presidente y el vicepresidente del país de aquel entonces (Felipe González y Narcís Serra) como auténticos subnormales...es decir, todos como ellos mismos. Quizás lo más destacado de la historia es el revoltijo de violencia en el que se mete la pareja protagonista tras espiar la vida privada del jefe de la misma empresa en la que trabajan, eso y la pequeña aventura amorosa que se le da a Emilio y la hija de Manolo, una menor de edad; desde luego las cosas a las que se atreve el cineasta serían aplastadas por la censura izquierdista-progresista actual en cuestión de milésimas.

Todo esto lo sostiene con sus diálogos ágiles de siempre, que recuperan su carisma, y la interacción tan natural de sus alocados personajes, destacando entre ellos López Vázquez en un descacharrante papel de matón homosexual, la otrora musa del destape África Pratt y ese jefe redactor interpretado por Antonio Resines, uno de los más jóvenes protegidos de Ozores. Es cierto que le falta mucho para llegar al ingenio de sus mejores comedias, quizás por la ausencia de algo sólido que conduzca el argumento y por esa resolución tan absurda y poco concluyente...
Pero, pese a su inevitable cutrez y que recuperar la esencia del cine de humor de los 80 parece imposible, termina desenvolviéndose de forma veloz y divertida, y lo mejor, logrando su objetivo: dejar en evidencia a toda esa fauna desquiciada de las altas esferas de nuestra sociedad y a aquellos que se aprovechan de ellas. En este sentido sobresale un instante tan disparatado como grotesco: la pareja en el pub montando una discusión falsa y dejándose fotografiar con la promesa de una fortuna; ¨Hay que ver lo que hace la gente por dinero¨, dice la compañera de los protagonistas.

Desde luego, y no se les cae a muchos la cara de vergüenza, ni a nosotros mismos, hay que ver...

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El desafío de las águilas

Una de las misiones más peligrosas que pudieron darse durante el transcurso de la 2.ª Guerra Mundial, aparentemente complicada y realmente imposible.
En los meses precedentes al desembarco de Normandía un comando se lanza en paracaídas con el propósito de acceder a una fortaleza de montaña considerada inexpugnable...

En los tiempos en los que las grandes películas bélicas se alejaban del rigor histórico o de la inmediatez dramática que tanto lustre dieron al género en décadas anteriores y apostaban por el puro y duro espectáculo cinematográfico, una serie de hechos daría pie a que naciera uno esos títulos legendarios del mismo. Por un lado el productor Elliott Kastner solicitaba al exitoso autor Alistair MacLean, quien ya consideraba su retiro, confeccionar un guión de aventuras con escenario de guerra al estilo de ¨The Guns of Navarone¨ o ¨Ice Station Zebra¨ (también adaptadas al cine).
Por otro, el actor reciclado en director (sin mucho éxito en ambas cosas) Brian Hutton sería contratado por Kastner tras haber trabajado para él; y en último un Richard Burton que tanto disfrutaba de una increíble carrera como de una vida personal bastante agitada por su afición al alcohol y su turbulento matrimonio con Elizabeth Taylor, se acercó a aquél y le pidió un papel de héroe aguerrido. ¨El Desafío de las Águilas¨ fue en efecto un enorme desafío, rodada con todo lujo presupuestario por localizaciones intransitables austríacas y estando equipo y actores a merced de condiciones naturales insoportables.

Hutton desde luego sabe capturar con sus cámaras la belleza y la inclemencia del paisaje, haciendo de él un protagonista más de esta historia que recurre a los mismos patrones de ¨Secreta Invasión¨ y su versión de alto copete ¨Doce del Patíbulo¨ o la misma ¨Los Cañones de Navarone¨, y donde se daban cita todos los elementos que tan buenos resultados habían arrojado a los libros de MacLean. Nos ponemos en las mismas: un grupo de militares cuidadosamente seleccionado debe rescatar a un general americano al corriente de los planes estratégicos aliados.
Pero desde el inicio de su periplo en pleno corazón del Reich, esta cuadrilla empieza a ser víctima de la traición, algo intuido por sus jefes; el escritor y el director se las ingenian para esconder siempre los secretos ante el espectador, y éste último las deja en suspenso apartando la cámara de las exposiciones y diálogos reveladores para desviar su atención a la intriga y la acción, las verdaderas maestras de ceremonias de un metraje que pese a su extensión avanza con total velocidad y seguridad. No es extraño; la gran química entre Burton (el elocuente oficial británico experto en misiones de alto riesgo) y un joven Clint Eastwood (el parco y duro militar americano) contribuye a poner al público a merced de la aventura.

Una aventura a través de las líneas enemigas que ofrece al fan todo lo que puede, a pesar de rozar lo inverosímil (hasta acercarse a las peripecias de James Bond, muy de moda en el momento), pero que Hutton, con el pulso de un Sturges, un Mann o un Ford cualquiera, desarrolla a golpe de ingenio, grandes cantidades de violencia y sobre un guión enrevesado en el cual la trampa para el espectador es idéntica a la que caen buena parte de los personajes, atrapados en el claroscuro mundo del contraespionaje, dejándose al descubierto, con no poca socarronería, la vulnerabilidad y poca fiabilidad interna de los organismos dedicados a ello.
Al mismo tiempo el enemigo alemán, y como de costumbre en los films de la época, aparece desdibujado por un barniz que acerca su imagen a la pura parodia...a la cual, bien mirado, tampoco escapan los esforzados héroes. El cineasta prepara la infiltración en el castillo durante la segunda mitad del film y desplaza la acción de los amplios escenarios exteriores a suntuosos y no poco agobiantes decorados interiores; en esta parte tendrá lugar el mayor punto de inflexión, durante esa conversación en la sala del alto mando saliéndose Burton por la tangente con una actuación magistral y donde la trama se retuerce, desdobla y se transforma en otra cosa.

Pero con tal eficacia hasta no dejar al espectador (y a los propios protagonistas) con más opciones que rendirse ante esos vuelcos de sinsentido argumental, sin más resolución lógica que la planteada por la ilógica del mismo guión, haciendo creíble lo increíble y arrastrándonos a un farragoso misterio de dobles identidades, mentiras y vías de escape minuciosamente trazadas que dejan a la imaginación si podrán tener o no una explicación razonable. No obstante Hutton ya nos tiene por el pescuezo, y lo próximo será vapulearnos con algunas de las secuencias de acción más espectaculares, violentas y brutas que ha conocido el género.
Destacando un servidor, por encima de todas, la ¨bondiana¨ pelea a puñetazo limpio sobre la cabina del teleférico, aunque éste cumple bien el dejarnos sin respiración durante esa huida de los protagonistas por territorio enemigo a bordo del autobús blindado, elevándose ya lo inverosímil a niveles estratosféricos y demostrando que si aquí se apunta a algo es al entretenimiento en su más pura esencia, mientras Hutton, plasmando la crítica mordaz de MacLean, da paso a una visión desmitificadora y cínica del bélico del mismo modo que hicieron en la época Aldrich, Pollack, Siegel, Guillermin, Castellari, el mencionado Sturges y otros muchos.

Una fórmula que el neoyorkino repetiría, corregida y aumentada, en su siguiente proyecto, la también legendaria ¨Los Violentos de Kelly¨, con Eastwood de nuevo a bordo.
Por su parte el film que nos ocupa hizo gala de todas sus bazas, siendo una de ellas el genial reparto secundario (cabe señalar a Donald Houston, Robert Beatty y las hermosas Ingrid Pitt y Mary Ure), y logró sin problemas conquistar la taquilla y a los críticos por igual. Lo dicho, una hazaña convertida en gran clásico, tremendamente influyente para infinidad de cineastas.

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Ases del Cielo

Llamándose igual que uno de mis temas favoritos de Iron Maiden, que lo toma precisamente de esta peli, y en su videoclip salen imágenes de ella y otras pelis del estilo, claramente tenía que ver esta película antes o después.
El caso es que ni de lejos me ha parecido al nivel de otras de aviadores de la Primera Guerra Mundial que he visto antes -por poner un ejemplo, ¨Las Águilas Azules¨-, y es que esta película se parece bastante a las anteriores, pero es más moderna, lo cual le quita cierto interés a todo el tema de las batallas aéreas y demás, pues ya los medios técnicos estaban más avanzados -lo cual no quita que sea muy disfrutable ver aviones de la época de la WWI haciendo acrobacias y luchando en el cielo-.
La historia se centra en 2 personajes principales, un cadete recién llegado a una mini-base aérea inglesa en Francia, para enfrentarse a los aviones alemanes en la guerra, y el capitán de esa base, un jovencísimo Christopher Plummer, que es el aviador número uno allí.
Y ahí se nos cuenta como es la vida en la base, tu proyección como aviador, los pros y contras, etc. No puedo decir que sea una mala película, simplemente, como he dicho antes, he visto alguna otra del estilo que me ha parecido superior.

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