---

El Pequeño Kickboxer

estamos ante una especie de karate kid pero a la oriental y con una trama mas de mafiosos, me gusto aunque tarda en arrancar, en ver al protagonista peleando, pero cuando empieza se vuelve muy buena dentro de su genero, no se esperen accion con tiroteos o explosiones, aclaro.
es ideal para una tarde de finde sin mas nada que ver y sin muchas pretenciones.

Me gusta (0) Reportar

---

El Aprendiz de Kung-Fu

Un Jackie Chan bastante jovencito en una de sus películas típicas de artes marciales mezcladas con comedia. De las de esta época, es la que menos me ha gustado hasta el momento, y es que el humor se pasa de tonto, y nuestro protagonista, sobre todo al principio de la cinta, no hace más que sobreactuar de manera demasiado exagerada, incluso para ser cine asiático.
La película nos cuenta la historia de un joven que quiere aprender kung fu y se ve enfrascado en una contienda entre los poseedores de 2 poderosos artefactos, y un montón de villanos que quieren robárselos. Nuestro prota, por supuesto, se unirá a los buenos.
La cosa es que la peli parece casi un videojuego, Jackie va aprendiendo kung fu por momentos, de una forma exagerada, saltando de ser un inútil a un máquina en pocos días, a veces incluso de un momento a otro.
La peli entretiene, tiene buenos combates con la originalidad que siempre tiene este maestro de las artes marciales como es Jackie Chan, y el humor, pese a ser muy tonto, como decía antes, se hace simpático.

Me gusta (0) Reportar

---

Antes de Ti

No es la típica película romanticona(aunque tiene lo suyo) y por eso me gustó, tiene una hermosa historia y muy profunda, la pareja tiene una química innegable, el muchacho cuadriplejico y la chica común que lo tiene que acompañar y cuidar, en ningún momento se apela al golpe bajo y eso es muy valorable, además tiene una banda sonora excelente.

Me gusta (0) Reportar

---

Sand Storm

Me ha parecido una buena película en general, manteniendo una tensión y aura de angustia constantes.

Los temas que se tocan son bastantes fuertes (casamientos de conveniencia, matrimonios pactados, pobreza y machismo) y están bien llevados; pero no le doy más nota debido a que hay ciertos puntos que me dejaron algo fríos o que no me gustaron.

El final está cortado de manera muy directa para mi gusto, me hubiera gustado saber más de los personajes (ya se que termina accediendo a casarse y renuncia a todos sus sueños), y es que parece que más que una película, he visto un documental donde graban a una familia aleatoria que cuando deciden cortar, cortan.
¿Qué termina pasando con las hermanas de Layla? Lo pregunto ya que la madre estaba viviendo con sus padres, el padre las abandonó totalmente, y la hermana mayor se termina casando y viviendo con su nuevo marido (como es la costumbre en estas culturas tan herméticas).

Y lo que no entiendo directamente (o no tiene sentido) es que el padre en la primera escena da a entender que es un padre de pensamiento más liberal, el cual deja a su hija conducir libremente y la deja ir a la universidad; pero después no las tiene metidas en un zulo y las abandona sin ni siquiera darles comida o algo de dinero para comer, teniendo encima a tres hijas de muy corta edad (5-7 años aprox), mientras el se construye una nueva casa con todo los lujos para él y su nueva esposa, y justo al lado del zulo donde vive su familia (es muy xd).

A pesar de esto me parece una buena película, que relata bien como es las vida de muchas personas en el mundo islámico o de oriente medio (están en Israel). Pero tampoco la considero una obra maestra y es fácilmente olvidable.

Me gusta (0) Reportar

---

Espartaco

Espartaco es una película histórica que se estrenó en el año 1960. Está dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Kirk Douglas, Laurence Olivier, Jean Simmons, Charles Laughton, Peter Ustinov, John Gavin y Tony Curtis.
Espartaco era un esclavo tracio que fue vendido como gladiador a Léntulo Batiato. En Italia promovió y dirigió la rebelión de los esclavos (73-71 a.C.) contra la República romana. A medida que recorrían el país, innumerables esclavos se iban sumando a la rebelión. Espartaco intentará llegar con su ejército al sur de Italia para poner rumbo a sus hogares.

¨Espartaco¨ es de esas películas que todo aquel al que le guste o que le apasione el buen cine no debe pasar por alto ni en broma, Stanley Kubrick fue y será uno de los directores mas grandes de la historia del cine ya que dirigió películas míticas que hoy en día son consideradas obras maestras como por ejemplo ¨La Naranja Mecánica¨, ¨La Chaqueta Metálica¨, ¨El Resplandor¨ o ¨2001: Odisea Del Espacio¨, todas ellas grandes películas pero una de sus obras más memorables fue sin lugar a dudas ¨Espartaco¨ que si bien puede que no sea la película mas personal de Stanley Kubrick pero de una cosa si estoy seguro y es que ¨Espartaco¨ es un peliculón tremendo, fue una película que tenía todas las de perder debido a ciertas diferencias entre los actores y el director o también porque era una película demasiado violenta para aquel entonces pero en fin, esto para mí como también para muchos es lo que se llama cine de verdad, sin lugar a dudas es una obra maestra y también una de las mejores películas históricas de todos los tiempos porque ya han pasado más de sesenta años desde su estrenó y aún así sigue siendo una película extraordinaria.

¨Espartaco¨ es una película colosal, nos cuenta la historia de un esclavo tracio que dirigió la rebelión de los esclavos contra la República Romana, es una historia que esta cargada de aventura, acción, drama y romance que pese a durar más de tres horas se hace muy llevadera y entretenida simplemente porque su historia logra cautivar y tocar el alma del espectador, puede que su argumento poco tenga que ver con la historia real pero no se puede negar que la película es emotiva, esta llena de momentos realmente memorables y escenas míticas, un ritmo trepidante y muy dinámico ya que durante sus tres horazas de metraje no llega a aburrir en ningún momento, también cuenta con diálogos correctos y otros detalles que la hacen elevar aún más serían la banda sonora la cual estuvo excepcional y ni se hable del gran elenco de actores que participan en ella liderados por un Kirk Douglas en todo su esplendor en el que probablemente sea el mejor papel que haya interpretado en toda su carrera.

La película cuenta con un gran elenco de actores encabezado por Kirk Douglas interpretando el papel de Espartaco, Kirk fue un actor legendario cuya época de gloria fue durante los años 40, 50 y 60 ya que durante esas tres décadas participo en gran cantidad de películas míticas y entre ellas se encuentra ¨Espartaco¨, la que probablemente sea la mejor película de su filmografía a falta de ver otras como ¨Los Vikingos¨, ¨Lucha de Gigantes¨ al lado de John Wayne, ¨Duelo de Titanes¨ con Burt Lancaster y ¨20.000 Leguas de Viaje Submarino¨ la cual será mi próxima aventura a disfrutar y pues bueno, lo cierto es que Kirk Douglas la borda en el papel de Espartaco, el personaje esta muy bien caracterizado y la actuación de Kirk Douglas me pareció magnífica así que que cero problemas con el personaje principal porque realmente estuvo fenomenal y ejerce con autoridad el rol principal.

Claro esta que Kirk Douglas no es el único que sobresale en todo el film porque los secundarios también estuvieron de lujo, algunos sobresalen más que otros pero por lo general todos hicieron un gran trabajo como en el caso del legendario actor Laurence Olivier interpretando al cruel e inescrupuloso Craso, otro que me gusto fue Peter Ustinov a quien anteriormente habíamos visto como Nerón en ¨Quo Vadis¨ y que aqui hace el papel de Batiato y otros actores que también sobresalen serían Charles Laughton como Graco o también la bellísima Jean Simmons como Varinia quien fuera el gran amor de Espartaco y por último también tenemos a Tony Curtis un actor que personalmente no es que me guste mucho pero aquí realiza un trabajo bastante aceptable interpretando a Antonino además este junto a Espartaco protagonizan el que es uno de los momentos más fuertes, emotivos y tristes de la película que es cuando ambos se ven obligados a luchar a muerte para ver quién será colgado en la cruz ya que sin lugar a dudas fue un momento acojonante que incluso puede que llegue a tocar a la persona más insensible y fría de corazón

Una cosa que siempre resalto en este tipo de películas es que a nivel técnico y visual son una completa maravilla, sobretodo por los escenarios, los vestuarios y la gran cantidad de extras que hicieron parte de esta magnífica superproducción porque este tipo de películas en aquel entonces eran superproducciones de verdad ya que se requería buena pasta para cubrir los gastos de todo eso. Por otra parte también cabe resaltar las magnificas secuencias de acción ya que las luchas estuvieron muy bien filmadas y fueron espectaculares en especial la Batalla del río Silaro ya que aquella lucha fue realmente impactante pero sobretodo muy violenta convirtiéndose así en uno de los mejores momentos de la película aunque claro que también hay otros momentos que también me parecieron épicos cómo por ejemplo cuando cada uno de los esclavos se levantan diciendo ¡Yo soy Espartaco! o también la escena final cuando Varinia es puesta en libertad junto a su hijo recién nacido y estos al partir se dirigen a la cruz dónde Espartaco se encuentra crucificado dando por hecho así el éxito de la revolución ya que tanto su mujer como su hijo ahora son libres siendo así un final épico y emotivo para una gran película como lo es ¨Espartaco¨.

En definitiva Espartaco es una obra maestra en toda regla, es una película que sin duda alguna merece estar entre las mejores películas de aventuras de toda la historia. Magnífica dirección, magnífica interpretación de Kirk Douglas y el resultado final es una película que quedará para la historia y en si creo que está de más recomendarla porque en estos tiempos me es imposible pensar que una persona a la que verdaderamente le apasione el cine aún no haya visto esta gran joya cinematográfica la cual también es un claro ejemplo de lo que son películas y cine de verdad.

Me gusta (1) Reportar

---

Un Niño Grande

Will es un soltero reafirmado cuya única pretensión en la vida es escuchar música, consumir películas y encajar su pica en la cavidad de las madres solteras puesto que le resulta más sencillo dejarlas por la razón de que para cuando surgieran problemas poder salir pitando. Para cruzarse con mujeres de tal calaña acude a reuniones donde esta ralea de mozalbetas cuentan de puro honesto sus problemas. En eso doñea a una que en cuya cita trae consigo al hijo de una compañera que además de ser arrinconado por sus compañeros de clase por considerarle extraño, termina encariñándose de Will, con el quien entabla una relación que se estrecha cada vez más. Dicho lo cual es preciso decir que cae a su favor el personaje de Hugh que medra de forma que madura encontrando nuevos alicientes en la vida, ya que como bien reza la paremia de Jon Bon Jovi al inicio de la película “ningún hombre es una isla” y es que este señor a más de ser gran compositor deja grandes sentencias, y el personaje y consiguiente encarnación de Collete como madre mochales, no siendo así la aparición innecesaria de Rachel Weisz con cuyos gestos revuélveme la bilis.

Me gusta (0) Reportar

---

Nunca Digas Nunca Jamás

[Revisada el 28/09/2025]

Tras años y años fastidiando a EON tanto como pudo, en 1983 el co-productor y propietario de los derechos de “Operación trueno” y de la organización SPECTRE Kevin McClory se alió con el exjefe de Lorimar, Jack Schwartzman (con la esposa de Schwartzman Talia Shire y su hermano Francis Ford Coppola ayudando en la sombra) y lanzó su órdago: un remake de la película de 18 años antes con Sean Connery de protagonista y un envidiable equipo técnico. Tras el fiasco que fue Casino Royale en 1966, se lanzaba otro Bond alternativo.

Sean Connery vuelve a su personaje más famoso en mucha mejor forma que en su aparición en “Diamantes para la eternidad”. De nuevo con peluquín y sin vello facial, y con muchas ganas de de disfrutar de su último Bond: ahora estaba mucho más bajo control de la producción y se sentía liberado.
Por su enorme relevancia dentro de la película, no puedo más que señalar como segunda protagonista a Bárbara Carrera. La nicaragüense es una psicópata desencadenada, divertida de carácter y sádicamente juguetona como Fatima Blush, esbirra de SPECTRE. Una auténtica malosa de tebeo que deja a la espléndida Fiona Volpe de Luciana Paluzzi como una santa. En comparación, la aún principiante Kim Basinger está más verde que un pepino, pero ya apuntaba maneras y belleza (especialmente cuando aparece en maillots transparentes). Su Dominó es bastante parecida a la de Claudine Auger: distante y un poco frágil si se la agita en exceso.
Los villanos principales son un delirantemente histriónico Klaus Maria Brandauer como un Largo que en contraste con la intimidante y severa mezcla de gangster y pirata de Adolfo Celi, aquí se las da de simpático y alegre bucanero, magnate y playboy: un tipo carismático pero que en el fondo no es más que un niño pijo y demente con aspiraciones que tiene unas temibles pataletas que divierten muchísimo a Bond; finalmente tenemos a un desaprovechado Max von Sydow como un Blofeld encantador, casi tierno y absolutamente fuera de lugar aquí que solo sale en dos escenas.
Entre los secundarios, el recientemente finado Gavan O’Herlihy es el hermano yonqui de Dominó en uno de esos papeles de repelente que bordaba (aquí logra despertar compasión: al fin y al cabo un hombre mentalmente torturado y maltratado por la horrenda Fatima), Bernie Casey es un Felix Leiter más que decente y con buena química con Connery, Edward Fox es un M desagradable y neurótico y otro entonces principiante, Rowan Atkinson, es el insufrible contacto de Bond en Nassau, Nigel Small. Era su primera película, faltaban aún un par de meses para que nos hiciera partirnos la caja hasta la incontinencia urinaria con su inolvidable Black Adder y se nota demasiado: a mí incluso me pone nervioso.

Dirige Irvin Kershner, el emperador de las secuelas, escribe Lorenzo Semple Jr. (junto a un considerable grupo de guionistas no acreditados, los principales el dúo británico Dick Clement e Ian Le Frenais – se dice son que los verdaderos autores del guion – o el mismísimo Coppola) uno de los guionistas con más gancho comercial que podías encontrar en Hollywood, pero, vaya, no tiene el knack que ya tenía Richard Maibaum en lo que a Bond se refiere. La película es algo monótona a ratos y los chistes son en general malísimos.

El formidable Douglas Slocombe se encarga de la fotografía, dando un ligero aire indianajonesco a la acción. Pese a ser una producción bastante suntuosa para la época, con personal de lo mejorcito, la ausencia del personal de EON se nota y hoy día tiene un aire de serie B, casi de telefilm (ya que la he mentado antes, a veces se espera uno que al principio o al final aparezca el logo de Lorimar) que muchos critican y a mí me chifla. De los FX se encarga la compañía Apogee, que entonces tenía un gran prestigio, y si bien hay varias escenas meritorias, alguna que otra chirría bastante (esos Action Men de Bond y Leiter yendo en una especie de jetpack-helicóptero son risibles, solo falta el crío moviéndolos para que sea un anuncio navideño).
Esta NDNJ es junto a Panorama para Matar) la definición bondiana de lo ochentero, lo que le da encanto, y el menor abuso de escenas subacuáticas hace que sea a mi juicio menos farragosa de ver que Operación Trueno.

La banda sonora de Michel Legrand, pese a que hay un par de piezas majas (correctísimo tema principal a cargo de Lani Hall, eterna aliada de Sergio Mendes - que lo co-produce - y su marido el trompetista Herb Alpert – que ya estuvo en Casino Royale – y también el tema secundario “Une chanson d’amour”, aparte del discotequero “Jelaousy”), es abismal, nefasta. Es paradójico sabiendo que la base del Bond musical cuando Connery estaba en EON era el jazz combinado con otros géneros, pero el estilo de jazz de Legrand, más purista, resulta aquí fuera de lugar y además durante el metraje a veces la música suena como deformada, cacofónica (en el disco de la banda sonora suena correcta aunque sea mala: no se entiende). Mala idea de Connery la de imponer al compositor que le gustaba a él.

Con todo esto diré que si bien la “Operación Trueno” original es mejor película, personalmente esta me gusta más, algo en lo que me encuentro en franca minoría entre los fans de Bond: “Nunca digas nunca jamás” me resulta más entretenida, bizarra y encantadora que su hermanastra mayor de EON y Danjaq, si bien ambas tienen en común que no han envejecido bien.

Me gusta (0) Reportar

---

La Mansión de los Siete Placeres

Digna cuarta y última entrega de las peripecias del agente secreto Matt Helm.
La cinta es la peor entrega de toda la saga debido a que es la menos divertida.
Así y todo sigue teniendo sus momentos y no deja de entretener en ningún momento.
El apartado técnico está muy bien al igual que los actores que, si bien no son buenos, son carismáticos.
Recomendable!

Me gusta (0) Reportar

---

El Viaje a la Luna del Barón de Münchausen

El astrólogo Sirius es primo del viajero fantástico del Baron Munchausen y está empeñado en hacerse con la materia que inmortaliza a los seres humanos que se encuentra en la Luna. Para ello, insta a su primo a que viaje allá para conseguirlo a cambio de una fortuna, de forma que acepta y se embarca en una nave para tal odisea en colaboración con sus amigos, que a saber son; Huracán, con cuyo don sopla los contratiempos, Hércules que posee la misma fuerza que el Dios romano, Yedgood, el de las orejas grandes que a través de las ondas intuye amenazas, Cabalo, cuya virtud es correr veloz. Llegan a la Luna y descienden por un cráter en el cual se encuentran con bestias que les originan contratiempos y con el resto de los selenitas. Luego se topan con los reyes y luchan con otra clase de marcianos que quieren hacerse con el material inmortalizante. Cabe decir que los trazos de los dibujos son bastante simplones y en ocasiones el movimiento brusco es un tanto molesto, no obstante, se deja ver, que ya es mucho para ser gabacha.

Me gusta (0) Reportar

---

Bajo la Bandera del Sol Naciente

Más de 30 millones de muertos es una cifra que pesa, que pesa mucho sobre la Historia de cualquier nación o país.
En este caso sobre Japón, que celebra cada 15 de Agosto su ceremonia nacional por las víctimas de la guerra, la llamada ¨Zenkoku Senbotsusha Tsuitoshi-ki¨.

La cuestión que a sobreviene es si este acto atendido por el primer ministro y observado desde una esquina por el emperador, si los bonitos crisantemos ofrecidos para glorificar el alma de los caídos, es suficiente para justificar 30 millones de cadáveres en base a una sola idea: demostrar el poder sobre otra nación. En ¨Batallas sin Honor ni Humanidad¨ el recto yakuza Hirono se pregunta algo similar frente al altar donde se recuerda a sus compañeros, todo lleno de flores y grandes carteles; y su reacción es la de disparar contra esa parafernalia hipócrita y superficial.
No podría expresarse Kinji Fukasaku de una forma más clara y radical, quizás imaginándose a él mismo en esa ceremonia, haciendo pedazos los arreglos florales de crisantemos e incluso apuntando al emperador a la cabeza; pero antes de embarcarse en su periplo gangsteril por las calles de un Japón directamente posterior a la guerra y la ocupación norteamericana, se le mete entre ceja y ceja adaptar la galardonada antología ¨Gunki Hatameku Motori¨, publicada por el maestro nipón del ¨hard-boiled¨ Yukio Tamura, y que básicamente recopila algunos hechos reales y cruentos ocurridos en las filas militares durante la 2.ª Guerra Mundial.

Tal fue el deseo de llevarla a la gran pantalla que el director pagó de su propio bolsillo por los derechos, lo cual terminaría llevando a cabo desde el seno de Toho, con bastante presupuesto y un gran reparto (después de ¨Sympathy for the Underdog¨ y antes de ¨Street Mobster¨, realizadas en Toei); Kaneto Shindo, que al año anterior escribiera ¨La Batalla de Okinawa¨, reorganiza las ideas de la obra literaria, se hace con dos de ellas y, muy propio de él, sitúa como protagonista a una mujer. Sakie, en busca de una verdad indescifrable, cuya interpretación magistral por parte de Sachiko Hidari marca la cúspide de su talento como actriz dramática.
Fukasaku vuelve a recurrir a los archivos, a la realidad, desagradable e incómoda; soldados en la guerra, carne de cañón y enfermedades, luego las imágenes de la primera ceremonia por las víctimas, celebrada el 2 de Mayo de 1.952 en el gran parque de Shinjuku, donde vemos a Hirohito Michinomiya ofreciendo las flores. Para el marido de Sakie no hay flores, el sargento Tatsuo Togashi (Tetsuro Tanba), caído en algún punto y lugar durante la sangrienta campaña de Nueva Guinea; ya empieza a escucharse el rechinar de los dientes del director cuando nos presenta a la viuda en su lucha infatigable por averiguar la no demasiado bien explicada causa de muerte de aquel soldado...

Entonces se fragmenta el tiempo y nos lleva adelante y atrás para conocer su terrible situación desde todos los ángulos posibles, y sus pesquisas se inician tras volver a intentar en vano descubrir algún mísero dato en una oficina, lo cual permite a Shindo y Fukasaku hacer hincapié en temas espinosos como la destrucción de ciertos archivos clasificados tras la guerra, la negación de ayuda a las familias cuyos parientes soldados fueron ejecutados en consejo de guerra o declarados desertores, y por supuesto la injusta igorancia que pesa sobre unos y otros.
Pero ellos apartan el barro que cubre estos casos tan misteriosos por medio del revolucionario sistema narrativo que Akira Kurosawa y Shinobu Hashimoto empleasen dos décadas antes en ¨Rasho-mon¨; al igual que en aquélla, Sakie va a enfrentarse a las confesiones de los soldados que sí lograron sobrevivir y que pudieron mantener una relación directa o indirecta con Tatsuo, y quienes son, ni más ni menos, los míseros despojos que dejó la guerra tras de sí. Shindo plantea dos maniobras muy inteligentes con respecto a la exposición de los hechos; la primera es que cada confesión hace avanzar la historia cronológicamente, por lo tanto el presente se mueve al mismo tiempo que el pasado.

La segunda y más admirable es que, como sucedía durante la investigación del crimen cometido por Tajomaru, aquí cada confesor y testigo no relata con exactitud una situación sucedida, sino desde su propio punto de vista, y debido a esto las contradicciones no tardan en aparecer. Mientras Terajima (magistral Noboru Mitani) afirma que su sargento era un hombre noble que les salvó de la muerte frente a las órdenes ilógicas de los oficiales, Tomotaka recuerda a Tatsuo como un vulgar ladrón de patatas; a pesar de la fe que mantiene la mujer, ¿sabrá ella realmente las atrocidades por las que debe pasar un hombre para sobrevivir en una guerra?
Lo que sí encaramos de primeras es la condena de las consecuencias desde la perspectiva de Fukasaku: el primero mencionado alimenta cerdos y vive en un suburbio atestado de basura en el extrarradio de la ahora recuperada y próspera Tokyo; el segundo es un actor de teatro venido a menos que se mofa y parodia su pasado militar en escena entre las risas de un público al que el peso de sus propios muertos no causa ningún efecto. Mientras tanto protestas juveniles se alzan contra las bases estadounidenses en el centro donde imparte clase Ohashi, para quien escuchar los aviones que aterrizan en el aeropuerto cercano significa trasladarse de nuevo a los más terribles años de su vida.

Será él quien arroje algo de luz y con su confesión tergiverse toda la verosimilitud de la trama y mine un poco más la fe de la protagonista, quien guiando al espectador consigue hacernos parte (y Hidari se presta magníficamente a ello) de ese paulatino nihilismo y deshumanización que se va haciendo con el control de la historia.
Pero donde mejor tiene la oportunidad Fukasaku de demostrarlo es durante el conflicto; toda su rabia, su idignación, su bilis, nos la escupe a la cara en forma de algunas de las secuencias más escabrosas que se han filmado en el bélico.

Su objetivo, al igual que el de coetáneos y directores anteriores como Fuller, Siegel o Aldrich, es dejarnos bien claro que en la guerra hay de todo, de todo menos honor. Instantes en blanco y negro donde mejor luce el trabajo de fotografía del maestro Hiroshi Segawa (colaborador de Teshigahara) intercaladas con otras a vivo color nos arrastran a un entorno vomitivo y claustrofóbico cuya crudeza revuelve el estómago hasta al más experimentado en el género; cada relato contado por los entrevistados deja al descubierto otra nueva manera de aniquilar la dignidad y la humanidad. En su camino a una supuesta victoria, estos pobres soldados son manejados como marionetas por el violento fanatismo de los oficiales.
Soldados que, pese a ser japoneses educados en la tradición de que es preferible dejarse la piel por la patria (la idea errónea que se tiene de patria) y el emperador que sobrevivir, empiezan a cuestionarse el sinsentido de eso mismo. El director es tajante en su furia antimilitarista, pero nunca idealiza a ese sargento Tatsuo que se alza contra el mando y las órdenes suicidas; las confesiones nos irán revelando momentos de traición, enfrentamiento, insubordinación, asesinato e incluso canibalismo entre combatientes que se suponen del mismo bando...

Terroríficas visiones como la de los compañeros que se matan por una rata, ya atrapada en las fauces de uno de ellos, o ese Terajima aquejado de malaria, friendo en la fogata la mano del chiflado Goto, quien sometía a crueles torturas a sus subordinados, muertos de hambre y cansancio, por preservar el orgullo de un país más que hecho trizas a la altura de 1.945, cuando se declara la derrota. A este infierno de barro, orina, sangre, sudor, cadáveres en descomposición y carne llena de gusanos (homenaje que Shindo rinde a ¨El Acorazado Potemkin¨) nos lanza Fukasaku a través de su cámara frenética y mareante.
Lo peor es que la guerra no sólo priva a estos hombres de un presente, sino de un futuro, en el que ya no se les recuerda, sólo son nombres en archivos destruidos, y quedando vivos algunos oficiales (Senda) para, usando el patriotismo de excusa, intentar justificar todas las barbaridades cometidas tiempo atrás; Sakie escucha estas gestas de maldad y salvajismo hasta llegar al momento clave en que la traición y la mentira son los resortes que increíblemente destapan toda la verdad, si bien la verdad es algo ambiguo, y todos evaden su parte de culpa con frases como ¨podría ser así...¨, ¨fue un rumor...¨ o ¨no estuve presente...¨...

Pues es difícil que un individuo, quien al fin y al cabo se debe a sí mismo por muy japonés que sea, quiera cargar con esa responsabilidad tan grande: la de llevar sobre sus hombros el peso de otra alma humana, teniendo en cuenta los cientos de miles que ya cargan. Y al final Fukasaku, como hará en ¨Batallas sin Honor ni Humanidad¨, sólo puede terminar en un alegato, muy cínico y descorazonador. Ni el emperador será escuchado por ese Tatsuo a punto de ser sentenciado en la playa (brutal, brutalísima secuencia) ni su esposa logrará que su espíritu descanse en paz; sólo queda la pura resignación.
¨El Gobierno no pidió permiso a nadie para comenzar la guerra, pero nosotros somos los que quedaron atrapados, pagando por ella¨. Se puede decir más alto pero no más claro, o con el corazón roto como le sucede a la protagonista. Ahora reflexionamos si entonces esa ceremonia inicial por los muertos tiene una verdadera utilidad o sólo es artificio, hipocresía y excusa. Sólo queda eso: el olvido, la culpa, el trauma, las cicatrices, la locura, la muerte, las calaveras ardiendo en un fuego que nunca se apagará...

Me gusta (1) Reportar