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Una Historia Verdadera

Una auténtica maravilla, seguramente la película menos ¨Lynchliana¨ del maestro David Lynch. Sencilla, emotiva, con un protagonista en estadio de gracia nominacion al Oscar incluida. Un auténtico placer cinematográfico, de esas películas que al terminar dices: Ha merecido la pena, de verdad

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La Peor Persona del Mundo

Drama amoroso en el que una joven sin las ideas claras, se enamora de un hombre mayor que ella que la sugiere ser padres, lo que hace que comience a replantearse las cosas, entonces va perdiendo el deseo que sentía por el al comienzo y por ello le es infiel con otro con el que no termina de encajar igual de bien que con el anterior. Además, se suman más temas dramáticos cuyos desarrollos están bien tratados. La película refleja muy bien las relaciones de pareja que no son tan simples como las quieren pintar los románticos. Y una vez más se deja ver como la gente confunde pasión con amor. ¡Craso error!

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La Caida del Castillo Ako

En el matsu-no-oroka del gran castillo de Edo un joven daimyo se lanza contra el arrogante maestro de ceremonias Kira Yoshihisa tras hartarse de sus insultos. El desenvainado del arma y el ataque provocan la ira del Shogunato.
Esto da pie a la creación de la elaboradísima venganza de 47 vasallos que pasaría a la Historia y se convertiría en leyenda...

Oficialmente la 26.ª adaptación de la celebérrima gesta de esos guerreros de Ako que a finales de la era Genroku se alzaron contra el poder de la nación, algo insólito en aquellos tiempos, y sacrificaron sus vidas en un gesto de honor y lealtad que sigue trascendiendo a través de los siglos. El tipo de historia para ser producida dentro de los límites de Daiei o Toho, pero a finales de los 70 en Toei también se habían unido a la moda de la recuperación de las fábulas épicas emulando las superproducciones clásicas debido a la pérdida de interés por el cine de acción contemporáneo. ¨Yagyu Ichizoku no Inbo¨ ejemplificó lo bien que le sentó el cambio de miras a la compañía de Shigeru Okada.
Y Kinji Fukasaku ahí, en mitad de todo, quien dejó sus peripecias criminales a un lado para encarar su estreno en el ¨jidai-geki¨/¨ken-geki¨ de primera clase, en lo que fue un rodaje de abultado presupuesto y ponerse al frente de enormes decorados y miles de extras. La recaudación masiva abrió la veda para proseguir esta tendencia y el de Mito fue llamado por su presidente a traer de vuelta y por todo lo alto la leyenda de los 47 samuráis; no se sentía muy conforme debido a dos factores: su mala relación con Kinnosuke Nakamura, ansioso de lograr el papel protagonista, y el no poder contar dicha historia a su manera (queriendo incluir elementos de terror y fantasía).

Por ello deja que el guión lo escriba Koji Takada, en lo que es una revisión, bautizada ¨Ako-jo Danzetsu¨, menos poética, más directa y violenta, de las épicas versiones de Kunio Watanabe y Hiroshi Inagaki. El inicio de la que nos ocupa, sin embargo, nos muestra a un Fukasaku en pleno dominio de sus habilidades rindiendo tributo a los cineastas de antaño; la imagen, rica en detalles gracias a la fotografía de Yoshiro Miyajima y la dirección artística de Tokumichi Igawa, deleita con su bellísimo mosaico de intensos colores. Esta poética de la forma choca de inmediato con la violencia.
Y conociendo al director la violencia se revela cruda y sin paliativos, haciendo hincapié su cámara, ya nerviosa, en la sangre derramada del corredor del castillo, mientras un desagradable (como siempre) Nobuo Kaneko portando el rostro de Yoshihisa se arrastra ante la furia del joven Teruhiko Saigo como Asano. Desde este primer e impactante arranque, el primero elabora, al igual que ya hacía en sus viejas ¨yakuza eiga¨, una disyuntiva de gran importancia: el desafío contra la autoridad; pero el Japón de la posguerra y la recuperación económica no es el de la era Genroku. En este periodo feudal se siguen a ciegas códigos estrictos de honor y castigo, aun así dictados por burócratas cínicos y despiadados.

En adelante, y por medio de Yoshio Oishi, consejero jefe de Asano, quedarán enfrentados los conceptos de ley y justicia y la contradicción de las órdenes, pero sin quebrantar, en ningún momento, el código de honor y rectitud, vitales para que se cimente un sólido discurso acerca de la validez del código establecido por el Gobierno (dokusai-ho) contra el código del honor samurái (bushido), maestro de ceremonias a la hora de reunir a esos fieros sirvientes con el objetivo de vengar a su sacrificado señor (como sucedía con los clanes yakuza de ¨Batallas sin Honor ni Humanidad¨ u otras ¨crook stories¨ modernas).
Takada, y es algo que le viene muy bien a la conocida dinámica de acción colectiva del director, puede que modele el argumento con Oishi de figura central, sin embargo apuesta por sacarle el mayor jugo posible al magnífico reparto coral con el que se cuenta (sobresaliendo algunas de las caras más míticas del cine nipón, desde ¨Sonny¨ Chiba, Mariko Okada, Toru Minegishi, Hiroki Matsukata o Tetsuro Tanba a Shinsuke Ashida, Tsunehiko Watase, Sanae Nakahara, Yoshi Kato o la todavía muy joven Mieko Harada, e incluso por ahí veremos a Toshiro Mifune en un breve pero significativo cameo; desde luego un elenco estelar).

Así que todos y nadie serán los protagonistas, cada uno implicándose en los hechos de un modo u otro y siendo su vida destrozada por la tragedia a la que han sometido el feudo de Ako, próximo a su entera destrucción (destacando tres secuencias que son su pilar inicial donde Fukasaku se presta a la elegancia de los travellings y la composición visual, tanto en los suntuosos escenarios como en las vestimentas, de una belleza sublime: el suicidio ritual de Asano; el otro suicidio, en este caso espiritual, de la esposa Akuri; y por supuesto la noticia del sacrificio del primero en presencia de todos los vasallos, mientras se recita la famosa poesía elegíaca).
No obstante uno de los inconvenientes de la trama en multiperspectiva, y es el único fallo que se le puede achacar al film, es que la numerosidad del casting sobrepasa la atención del guión, que no repara en los secundarios como debiera hacerse, y cuando lo hace no parece ser la forma más adecuada; en lugar de conceder su pequeño tramo de película a introspeccionar en la vida de cada uno (lo que no se considera pues obviamente el metraje se extendería sin problemas a las cuatro horas), prefiere presentarlos a través de descripciones quizás fieles pero leves e incompletas.

De esta manera les vemos pasar por la pantalla algo desdibujados, reaccionando a las consecuencias del curso de la Historia y las órdenes pero sin auténtica voz en ello, siendo algunos ejemplos importantes de ésto el ronin Kazuemon, la esposa y el hijo de Oishi (Riku y Chikara), el tesorero Kurobei e incluso el mismo Yoshihisa y su hijo Uesugi.
Los únicos que gozarán de una verdadera atención son Hashimoto y su esposa Hatsu, cuya fatalidad se cierne sobre ellos cuando el primero, herido en la pierna y amargado al contemplar la vida ociosa a la que se ha abandonado Oishi en lugar de preparar la venganza, también se lanza al vicio y la corrupción.

Retrato íntimo donde nos vapulea el Fukasaku más agrio, invitándonos a conocer de primera mano cómo esa corrupción puede alterar la percepción y la existencia de un samurái sin señor hasta transformarle en una bestia desorientada; y pese a dicha precipitación al vacío, Takada no le arrebata al personaje su intachable ética como guerrero que sigue siendo en espíritu, rechazando el trato de Kobayashi. Ni siquiera a Hatsu, quien, ya convertida en prostituta, prefiere devolver el soborno y preservar el honor (pues aceptándolo y huyendo su sacrificio habría sido en vano).
Y en el centro de todo esto queda Oishi, a cuyo drama nos acercamos en la distancia, no representándose su sufrimiento al tener que fingir mientras espera el día de la venganza, tal cual se relató en otras versiones anteriores (donde también deshechaban el punto de vista de los villanos y su propia opinión acerca de las decisiones del Shogunato, algo que a Fukasaku le interesa mostrar de primera mano). Esta concentración de conflictos emocionales, dilemas morales, traiciones y demás, propios del ¨jidai-geki¨, no extenúa a pesar de su sobriedad, ya que aquél sabe imprimir un ritmo constante a la intriga, uniendo cuidadas secuencias dramáticas con severos estallidos de acción y violencia.

Pero si de acción hablamos la última parte y sus grandes momentos climáticos, los del asalto al castillo de Kira, son un absoluto deleite, no sólo para los amantes del ¨ken-geki¨, sino de todo el cine de aventuras. Sin música y comenzando en plano general con las tropas que avanzan en la nieve (instante que produce escalofríos en la columna y recuerda a los grabados de la época que reprodujeron aquel acontecimiento), en este tramo el director vuelve a su particular modo de exponer el movimiento de la acción, tan estructurado en su caos, y entregándose como nunca a la cámara en mano, nerviosa, desquiciante, tras algunas secuencias de sobria belleza.
Es sin duda lo que podríamos esperar de alguien como él queriendo filmar con el mayor realismo lo que tuvo que ser la matanza librada en el interior del castillo la noche del 14 de Diciembre; mientras Mizoguchi prefirió no enseñar en pantalla el asalto, Fukasaku se recrea en los géisers de sangre, el restallar de las katanas sobre la piel, los trotes en el tatami, la acumulación de cadáveres y el bullicio general, concentrado en habitaciones en las que la cámara avanza de fuera hacia adentro, engulléndonos en el corazón interior de la masacre.

Extenuación pura y dura y épica de masacre humana que habría sido la envidia de habituales del género como Eiichi Kudo, Kenji Misumi, Tokuzo Tanaka o el mismísimo Akira Kurosawa; vale la pena cada segundo de cada duelo que Fukasaku entrega para apreciar su genio como maestro de la acción (y que lo terminará de perfeccionar en su posterior ¨La Leyenda de los Ocho Samuráis¨).
Con respecto a ¨Ako-jo Danzetsu¨ es, por supuesto, con sus múltiples reclamos, un exitazo de taquilla (algo menor que el de la previa ¨Yagyu Ichizoku...¨), y gana en numerosos eventos, destacando en el Festival de Cultura y Arte Nacional de 1.978.

Sí, puede que la película haya triunfado, sin embargo el director se ha sentido presionado por el estudio y sobre todo por Nakamura, y al igual que los vasallos de Ako hicieron con el Shogunato, él se revelará contra los formulismos cinematográficos e históricos haciendo la versión que deseaba, llamada ¨Chushingura Gaiden: Yotsuya Kaidan¨...pero habrá de esperar dieciséis largos años...

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Bat 21

Bat 21 es una película bélica que se estrenó en el año 1988. Está dirigida por Peter Markle y protagonizada por Gene Hackman y Danny Glover.
El coronel Iceal Hambleton es un brillante estratega militar que sabe cuidar muy bien de sí mismo, pero a 30000 pies de altura. Después de que su avión es derribado tras las líneas enemigas en Vietnam, tiene que sobrevivir en una guerra para la que no está preparado. Por el momento todo lo que puede hacer es ocultarse, escuchar y hacer caso de la voz de un amigo. En alguna parte, en el cielo, hay una persona que puede ayudarle. Se hace llamar Birddog y es un tenaz observador militar que mantiene constante contacto por radio con Hambleton, levantándole el ánimo y haciéndole constantes promesas sobre su rescate. A medida que van hablando se intercalan el instinto de supervivencia y el sentimiento de amistad, dentro del contexto de la guerra de Vietnam.

Por mucho que cueste creerlo ¨Bat 21¨ es una película que está basada en hechos reales, digo eso porque viendo la película simplemente se me hace el típico producto de acción palomitero de esos que gente como Chuck Norris o Michael Dudikoff solían protagonizar en los años ochenta pero a todas estas ¨Batallón 21¨ es una película que me ha sorprendido de buena manera, es una joyita desconocida del cine bélico y de guerra que me ha hecho pasar un rato entretenido, tiene cierto aroma a telefilm pero por lo general es una película bastante buena, ligera, con buenas actuaciones y lo mejor es que no dura mucho ya que como mucho durará unos 100 minutos por lo menos y estos son frenéticos en todo momento.

En ¨Bat 21¨ el Coronel Iceal Hambleton , un estratega militar interpretado por Gene Hackman se enfrenta por primera vez a la guerra en primera persona y tras muchos años en el servicio descubre lo que significa matar y estar en peligro de muerte cuando su avión es derribado tras las líneas enemigas en Vietnam. Por otra parte tenemos a Danny Glover cómo un observador militar que se esforzará por sacar a Gene Hackman de esta situación y rescatarle a toda costa pero se encontrará con todo tipo de dificultades en su camino.

Las actuaciones están correctas, Gene Hackman no es un actor que me apasione pero el tipo es un actor tremendo y en esta película se marca una actuación más que correcta, por otra parte tenemos al siempre infravalorado Danny Glover a quien recordaremos por aparecer en películas míticas como la fabulosa saga de ¨Arma Mortal¨ o ¨Depredador 2¨, ambos actores por lo general estuvieron bastante bien, cumplen con sus papeles son problemas y destilan buena química más que todo en los diálogos ya que hasta la parte final es que comparten escena juntos pero de todos modos los diálogos que mantienen por radio son realmente entretenidos y mantienen al espectador más animado.

También cabe destacar las secuencias de acción ya que para mí estuvieron muy buenas, tampoco es que tenga escenas tan espectaculares pero están perfectamente filmadas y eso es lo que vale, además es una película en la que a toda hora hay acción y dinamismo porque van sucediendo cosas a cada momento así que por mucho de que sea una película basada en hechos reales no hay espacio para el drama ya que está repleta de acción y también de momentos crudos como por ejemplo la parte en la que los Vietnamitas toman prisionero al piloto y lo hacen meter en el campo minado, aquí fue un momento cargado de mucha tensión y una crudeza increíble así que en resumidas cuentas ¨Bat 21¨ es una película disfrutable y entretenida de principio a fin, nada del otro mundo pero es una buena película de acción digna para ver en una tarde de domingo.

En definitiva Batallón 21 es una película buena y muy recomendable para aquellas personas a las que le gusta el cine bélico o de guerra, no llega a la altura de grandes obras como ¨Platoon¨ de Oliver Stone pero en si me parece que es un buen producto de acción que simplemente fue hecho para entretener y en eso por lo menos cumple.

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Dog: Un Viaje Salvaje

Película de aventuras en carretera implicando a un humano y a una perra, según nos cuenta su sinopsis oficial, y de la que hay poco más que añadir.

Un entretenimiento vacuo, sin excesivas pretensiones, que sirve únicamente para difundir las ¨excelencias¨ del sistema militar norteamericano antiterrorista mediante el adiestramiento de animales supervisado por sus marines, rangers y soldados. !Oh! Y qué héroes son todos ellos -añado yo. .Lo dicho, un ejercicio cinematográfico VACUO. .1/5. ..PICARD..

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La Chica de Bube

Hablando con mi mujer de cine caí en preguntarle por la película favorita de su madre; sorprendido quedé por no tratarse de un típico clásico del cine japonés de Ozu, Naruse o Mizoguchi...
Sino de esta pequeña gran joya italiana sobre una ¨ragazza¨ que batalla contra sus emociones mientras su país va cambiando debido a la 2.ª Guerra Mundial, las rendiciones y los nuevos partidos...

Inspirándose en la vida de Nada Giorgi, que luego llevó a las páginas como mejor le pareció (lo cual en absoluto agradó a ésta), el genio Carlo Cassola crea la poderosa novela ¨La Ragazza di ¨Bube¨ ¨, aplaudida y premiada, si bien objeto de crítica por muchos debido a su contenido político. Poco después otro maestro, Luigi Comencini, la traslada a la gran pantalla junto a Marcello Fondato, y contando con la ¨meravigliosa¨ presencia de Claudia Cardinale para interpretar a la heroína Mara (aunque ya tenía 25 años y en el libro es sólo una adolescente), quien lo hizo exhibiendo su auténtica voz, antes doblada.
Heroína en el término más estricto del melodrama trágico y del modelo femenino que suele hallarse en la obra del autor romano, heroína que aparece iniciando un viaje en tren; ni de ida ni de vuelta, en realidad la encontramos en un momento circular, deambulatorio, de su existencia, y su voz, algo afligida, nos catapulta a otra época muy distinta, a ese instante en que se celebra la caída de la República Social de Mussolini y los partisanos comunistas son los triunfadores por excelencia; cuando volvemos a ver a Mara no es más que una chiquilla en cuyo destino se cruza Arturo ¨Bube¨, guerrillero y compañero de armas de su hermano.

El cineasta, como ya vino demostrando en sus fábulas neorrealistas edulcoradas y siguiendo la visión de Cassola, por supuesto versa sobre las enormes mutaciones sociopolíticas que atraviesa y atravesará Italia, pero siempre en un segundo plano y centrándose en la pareja, víctima precisamente de estos cambios, más enormes que su humilde y repentino romance. Se cuenta que la química entre Cardinale y George Chakiris no era demasiado buena, y este roce se extiende a sus personajes, sufriendo gran contraste la vitalidad e inocencia de ella como niña malcriada y rebelde y la aspereza de él, que ha sacrificado su juventud para conocer la muerte y la violencia de cerca.
Y la historia se construye a base de sacrificios, de decisiones, y de cómo el destino se impone, siempre por culpa de los estigmas que ha dejado la absurda guerra; punto de inflexión y fin de la primera parte es la huida de Mara y Arturo debido a su arresto, donde, en un entorno incapaz de transformarse en bucólico como sí lo gozaron los amantes de ¨Un Verano con Monika¨ por el fantasma del conflicto, se les concede un breve periodo de tiempo, separados del resto del mundo y sus problemas, y en el que poco a poco evolucionarán y apreciarán las cosas que han ganado y las que van a perder. Aquí las sombras del blanco y negro de Gianni di Venanzo lo invaden todo dejando en las imágenes un amargo rastro de tristeza.

Comencini nos sacude con la fatalidad como a una Mara a la que no le queda más remedio que aceptar la realidad, momento clave donde se abandona la adolescencia y se encara la despiadada vida adulta; trasladando la trama al entorno urbano, Mara (cuyos pasos no son exactamente los mismos que en la novela) prosigue su aprendizaje y su descubrimiento lejos de su familia y con Arturo exiliado. Retrato crudo, sincero y humanista de la Italia de la época, en efecto de raíces neorrealistas, paseando aquél sus cámaras por avenidas bulliciosas, barrios suburbiales, locales casi sin comida, austeras salas de fiestas y cines abarrotados.
Allí, la chica se identificará con el personaje de Vivien Leigh (llamada Myra, para colmo) en ¨El Puente de Waterloo¨, que entusiasma a los ciudadanos; de hecho su condición sacrificial y su trágica situación amorosa sirvió más de inspiración a Cassola que la vida de la verdadera Giorgi. Pero si la heroína de LeRoy se veía obligada a ejercer la prostitución, la de Comencini soporta con coraje la larga espera y los golpes de la vida...hasta que ésta la ponga en un serio dilema, batallando contra sus sentimientos, su necesidad y su fidelidad a su desaparecido amado. Y el elemento de la discordia se llama Stefano, polo opuesto de Arturo, el poeta intelectual para quien la política no puede estar más lejos de sus intereses.

Durante esta segunda parte se acumulan alrededor de la figura de Mara todos aquellos conflictos a los que ella ni podía imaginar enfrentarse en la primera; la razón es que ya no es una niña que reaccione ante las decisiones de los demás, sino una mujer adulta que las toma firme y valientemente. Cardinale sabe reflejar bien el viaje de aprendizaje al cual es sometido su personaje, en constante mutación como la sociedad en la que está atrapada y los individuos que en ella pululan, y como otras heroínas del melodrama romántico no cesará en defender su condición de mujer sacrificada.
Mientras nos sumerge en la agitación de los movimientos de la nueva República, el director filma los paseos nocturnos de Mara y Stefano (buen Marc Michel) como si se tratase de la estela espectral de un sueño, donde ella puede permitirse fantasear con instantes de felicidad efímeros antes de verse otra vez sacudida por la negra realidad; esa felicidad propia es a la que decide renunciar por un hombre, su lealtad y su amor hacia él. Es realmente la lucha de una mujer contra el mundo cambiante, intereses de índole ininteligible y movimientos sociales que nada entienden de sentimientos individuales.

Lidori alcanzará a decir ¨La culpa es de la guerra, del fascismo, porque las auténticas causas se olvidan...¨. Secuencia a destacar, y una de las que mejor evidencian su maestría interpretativa, es la de Cardinale en el juicio, encarnando al mismo tiempo la valentía y la debilidad de su personaje. Rodeada de una fuerza política y social que la quiere someter, tiembla sin poder pronunciar palabra alguna, pero manteniéndose firme en sus convicciones por amor.
Ella es el verdadero poder revolucionario de esa Italia deseosa de conseguir la libertad pero aún rodeada de dolor y violencia, y la fuerza central de este gran melodrama histórico. En su voz, a la hora de narrar los hechos, pesa una insoportable pero silenciosa resignación que desgarra el corazón...

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RRR

Esta mega-producción de Bollywood esta llena de todos los tópicos del cine de la India.
Exagerada hasta decir basta, y te arranca más de una risa en las escena épicas, es que son de un nivel de grandilocuencia exagerada, que no hay quien se la trague.

Así, hay que verla desde un principio con ojos de puro y mero entretenimiento.

Hay que reconocer el ingenio para colocar a los protagonistas en escenas épicas que tienen aires de leyenda.

La animación digital en el cine indio, aún le falta más trabajo, para lograr una mayor integración con lo real. Pero comple bien.

Números musicales y canciones en los momentos más inverosímiles, que no solo son temas oreja, si no que les entregan el encanto que uno busca en este cine. El número final es un video clip que casi te levanta a bailar.

Pues bien, en medio de todo esto hay una historia que parece sacada de una película hay, ya que las mujeres de ambos son meras excusas e incluso la chica inglesa se pierde como una hora de la historia para aparecer al final de la nada, pasándose al lado contrario ¿?

Pero bueno, así es bollywood y su director demuestra que no ha perdido su toque e incluso ha ido madurando tras sus múltiples películas.

Siempre he pensado que si sacamos todas las escenas en cama lenta, las películas de la India durarían media hora menos.

Entretenían garantizada.

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¿Qué tal, Pussycat?

Una comedia romántica donde todos los personajes, absolutamente todos, están como una cabra. Y ese es el punto que tiene esta película, que en ningún momento sabes por dónde te va a salir alguno.
Primera película de Woody Allen como actor y guionista -haciendo un papel algo secundario y no muy interesante, la verdad-, y con un reparto de lujo, con un montón de nombres conocidos en el mundillo, destacando a los dos protagonistas, Peter Sellers y Peter Otoole, y a un montón de actrices guapísimas.
La peli viene a ser enredos amorosos de unos y otros, entrecruzados, y con la peculiaridad, como ya resalté antes, de que todos están fatal de la cabeza.
Con momentos algo tontos y otros geniales, y con una trama que se complica más y más hasta el caos final, la película comienza siendo un poco arrastrada y acaba enganchando hasta hacerse tremendamente divertida.

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Último Domicilio Conocido

La última mirada que le echa Jeanne a Marceau tras éste proferir, casi como un susurro de angustia, ¨De todas formas es muy tarde¨, produce una desolación que desgarra el hígado.
Es una mirada que lo transmite todo: impotencia, decepción, abatimiento, soledad y dolor, mucho dolor...

La cámara parece recrearse en este dolor, el cual se puede interpretar como una violación a la esperanza, aún más, a la esperanza de que las fuerzas del orden, a la que ambos pertenecen, son la máxima institución de la protección a la sociedad contra las fuerzas del Mal; contra ellas han estado luchando desde el principio y cuando la lucha parecía ganada sus propias manos han sido las que han colgado la soga alrededor del cuello de las víctimas. Esta mirada resulta más devastadora si recordamos que poco antes Jeanne aseguraba a la pequeña Marie que trabajaban para proteger a la gente...
Joseph Damiani (o José Giovanni) siempre ha sabido imprimir a sus obras, tanto las literarias como las cinematográficas, ese hálito de desesperanza y negrura, siempre planeando sobre una sociedad gris donde nadie puede confiar en nadie y el destino juega en contra de los idealistas, sobre todo al estar manejado por crueles desalmados. Lo volverá a dejar patente en su adaptación del libro del periodista y autor de novela negra norteamericano Joseph Harrington, ¨Last Known Address¨, primero de una trilogía sobre las peripecias detectivescas del sargento Frank Kerrigan y su joven acompañante Jane Boardman, transmutados en Marceau y Jeanne.

Angiolino Ventura vuelve a trabajar con el de París tras ¨Caza sin Cuartel¨ pero en un contexto muy distinto pese a un tramo inicial que puede llevar a engaño; los primeros minutos sólo son una presentación del protagonista, situaciones encadenadas a ritmo de vértigo y al estilo de un ¨opening¨ de una serie de televisión contemplando a este Marceau Leonetti como la fuerza más imparable de la policía francesa, un detective duro, clásico del ¨noir¨. Por desgracia algo se cruza en su camino que acaba con este prólogo tan fantasioso y con su excitante carrera, algo más poderoso que el poder de sus puños: el poder de la corrupción institucional.
A partir de ahora sobre la mirada que observa estos temas, situaciones y escenarios pesa un marcado cinismo, hasta el mismísimo final. Entonces la historia se estanca en el tedio, como sucede con la existencia, ahora apartada y solitaria, del otrora súperdetective, hasta que un nuevo caso, perfecto para él, asoma: encontrar al testigo de un asesinato perpetrado por el jefe de una banda criminal y que lleva escurriéndose de los dedos de la policía durante años. Nuevo vistazo a la desfachatez del cuerpo: si bien el superior de Marceau dice confiar en él para encontrar al desaparecido Martin, aun contando con pocos días para ello, en realidad parece estar preparándole como cabeza de turco si la operación falla...

¿Quién mejor que un inspector degradado como él? Por fortuna se le añade una compañera, la joven Jeanne (con el carisma y esa preciosa carita de Marlène Jobert que siempre me ha vuelto loco), y también, por fortuna, la relación que se va cimentando entre ambos no va más allá del cariño y el respeto profesional, evitando el cliché de un romance que sí se habría dado en una película estadounidense. Lo consiguiente es lo que cabe esperar de un proceder policial a ras de acera, narrado a la manera de Chabrol o Melville, con un cuidado extremo por el desarrollo del argumento y los personajes, sin sobresaltos ni irrupciones impertinentes y un estilo áspero, de poética melancólica.
En su incansable deambular por el laberinto urbano parisino, desde los barrios concurridos a los suburbios, atravesando el boulevard de Bonne-Nouvelle, la calle de la Glacière y la Avenida dItalie hasta patear el derruido distrito Belleville o los embarrados pavimentos de Docteur Lucas-Championnière, el adusto inspector y la idealista detective se introducen en toda clase de locales y edificios del sistema social/burocrático/institucional y entrevistan a todo bicho viviente que tenga relación con el caso o conozca al testigo desaparecido (de primeras un mero ¨macguffin¨, como el villano Soramon, hasta que hagan su repentina entrada).

Mientras tanto la mala suerte les persigue en forma de matones de la banda. El operador Étienne Becker traza una paleta de colores bastante neutra pero de algún modo bella, dejando a París bajo una luz entre grisácea y azul munsell, los tonos perfectos para la radiografía pausada y rica en detalles que hace la cámara de Damiani del entorno urbano, exponiendo a esta luz ambigua los seres que pululan por él, de la más diversa condición y posición, pero todos con algo en común: el recelo hacia la figura policial.
Como bien explica el sr. Loring, los policías se esconden, para atacar, castigar, y luego mentir sobre lo ocurrido. Visión pesimista que se da de bruces con el idealismo ingenuo de Jeanne, y el cual, mientras los testigos y las direcciones se acumulan sin cesar, empieza a desmoronarse como su estado emocional y psicológico (interpenetrando en ésto será la única vez que se quiebre la sobria estética formal de la película).

La única luz esperanzadora (para ella, no para su veterano compañero, que ya es parte de esa atmósfera deprimente) la aporta Marie, la niña de quien todos hablan pero jamás veremos hasta llegado el último tercio, con los protagonistas habiendo pasado por el agotamiento, la desilusión y, cómo no, la despiadada violencia. Filmadas entre Passage Boiton y la calle de Butte-aux-Cailles, las secuencias del ataque a Marceau por parte de los matones (señalar al magnífico Michel Constantin y su rostro único para tal papel) son un buen ejemplo de cómo Damiani expone esa violencia, directa y abrasiva.
Exigiendo a su editor de sonido René-Christian Forget que consiguiera que los golpes, patadas y puñetazos restallasen de esa forma tan particular, ¨para que el público también lo sienta en el estómago¨. Se siente, desde luego, pero más aún la impotencia y amargura que este minucioso ¨neo-noir¨ nos deja en última instancia; insisto en la mirada final de Jeanne, porque hace pedazos...

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100% Coco

Muy buena película que aparte de tocar temas sobre moda , toca temas como el bullying , el aceptar y aceptarnos como somos así seamos y pensemos diferente está vez explicado atreves del vestuario de la niña pero también está la superación y el nunca dejar metas ni sueños por más locos que sean, también toca el tema de la homosexualidad pero en una menor escala , se destaca el buen guíon , las actuaciones destacando a la niña protagonista y por supuesto el vestuario.

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