---

Lorna

Dios, en su infinita mala sombra, quiso desafiar al ser humano con el objeto de pecado perfecto, a simple vista incorruptible y piadoso.
El hombre se equivocó. Lorna fue creada...

Así podría dar comienzo esta fábula de elevados temas morales, extraños de ver, sin duda, en una obra del ensoñador Russ Meyer...¿o tal vez no? El caso es que, a pesar del desafío por ponerlas en circulación debido al alzamiento de los comités de censura contra él, el éxito de sus primeras películas corroboró su talento para la explotación erótica; también provocan que le consideren un pornógrafo tonto obsesionado por los físicos desmesurados. Su salida a Europa para filmar por primera vez para productores ajenos era la respuesta a este molesto encasillamiento.
Pero ¨Fanny Hill¨ no es algo de lo que estar orgulloso, y así, fatigado por la terrible experiencia de rodaje y posproducción, donde perdió el control sobre el montaje, regresa a casa para continuar su evolución. Está inspirado por el cine europeo (en especial la ¨nouvelle vague¨), muy arriesgado en comparación con lo que se hacía en EE.UU., y es un fanático de la revolucionaria ¨...Y Dios creó a la Mujer¨; concibe una historia que se apartará de los cánones de sus películas hasta el momento, empezando una nueva etapa, y ya sólo con el comienzo practica ese distanciamiento que tanto desea.

Respira esencia francesa esta apertura en mitad de una autopista infinita, observada en plano subjetivo, y cuyo avance nos interrumpe un predicador malhumorado (Jim Griffith, actor ya veterano, compositor y guionista de la película, para más inri). Sus palabras resuenan atronadoras, sobre el pecado, sobre la justicia, sobre el derecho a juzgar y ser juzgado; pareciera que el director dirige tal perorata contra los censores que le condenan fácilmente sin conocer sus obras; de este modo, tras su advertencia, nos lanza a un relato de aleccionamiento ético y fatalismo.
Habitamos entonces una realidad alternativa, la que de alguna forma u otra siempre yacía bajo la capa de artificio de sus films. Lo más importante para plantear un desafío moral es establecer la maldad, y eso vendrá directamente del instinto del hombre; por primera vez en su cine se producen interacciones reales entre éstos y las mujeres, que serán algo más que objetos de deseo, también de pecado y compasión. Llega la violencia, ¨marca de la casa¨, desagradable y muy dura para el ojo humano; tras una paliza a una muchacha del pueblo se deja claro la ostentación del poder masculino y el dominio sobre la fémina.

Al otro lado queda Lorna. La desconocida Barbara Popejoy aporta una sensualidad salvaje pero desde el drama de una joven que ha de sufrir una tediosa reclusión debido a la gélida pasión de su marido Jim. Y Meyer nos lleva a su interior empleando una sofisticación inimaginable de las formas y su técnica, cruzando la línea de la cruda realidad para habitar un inconsciente onírico filmando en blanco y negro, y por primera vez en 35 mm.; los recuerdos de aquélla revelan una sufrida lucha por conquistar su identidad femenina lejos de las ataduras matrimoniales y los valores tradicionales.
No posee la agresividad de las futuras hembras del director, pero se postula contra seguir siendo presa de la idealización y del poder masculinos; en cualquier caso, quiere experimentar la liberación de su instinto y deseo reprimidos. La ironía del guión es la que determina el destino de la pareja, y hace que la maldad, la brutalidad, y, por consiguiente, el pecado y la infidelidad, actúen de catalizadores para dicha liberación; así, Lorna despierta de su letargo tras sucumbir a un indeseable recién huido de prisión, empezando con un intento de violación que termina llevando al placer. Meyer, que vuelve a relacionar la presencia de la naturaleza con el deseo y el acto sexual, no usa un discurso desfasado de condena del pecado.

En su lugar lo observa desde la burla y la mordacidad. A cualquiera en aquella época le gustaría señalar a Lorna como pecadora furcia y preparar la lapidación; y tal vez caiga en la tentación, pero no se corrompe. En su cálida inocencia, acoge al preso fugado (brillante Mark Bradley, que no se diga) y hace el papel de esposa tradicional con él; ha sido complacida, ha logrado sentirse mujer, y ella responde en consecuencia, como la tradición católica le ha enseñado. Incluso duda al comprar en la tienda, pero sigue creyendo en las palabras de aquél, porque es un ser de buen corazón. Jim, apartado en unas minas de sal, también lo es.
Se harta de las acusaciones de infidelidad de su esposa por parte de Luther (Hal Hopper, tan repulsivo que cuesta mirarle a la cara), pero sigue equivocándose en su idealización. Ambos, algo que también será característico de las obras del californiano, dan vida al arquetipo de seres demasiado decentes y oprimidos para existir en un mundo demasiado cruel, despiadado y sucio. Es la ambigüedad poco aclarada la que se alza en todos los sentidos. ¿Si Jim fuese distinto habría experimentado Lorna la violación desde el placer?, ¿aceptamos la aspiración de redención de Luther cuando al principio azotaba a una pobre chica?, ¿y puede ser perdonada la infidelidad de Lorna?

Pareciera que debe pagar por los pecados de todos para que sean conscientes de su culpa y alcancen su redención. Meyer la sacrifica acorde a como la sociedad de su momento lo haría. Pero que juzguen los hombres que contemplan esta fábula retorcida, hombres en cuyos interiores se agazapan otros Luthers o están tan absortos como Jim.
La doble moral, la agresividad sexual, el uso de un predicador, todas armas de doble filo para ¨Lorna¨, muy lucrativa en los circuitos ¨underground¨ pero responsable del ataque de la censura de todo el país a su director, quien ha de pagar su propio precio por su deseo de seguir luchando contra los tabúes. Pero lo logra, sí, y a través de una evolución formal brillante.

Me gusta (0) Reportar

---

Secretos de Familia

Qué dulce voz, y con cuánta suavidad profiere las palabras, con tal divina gracia que en ese momento resultaría imposible ver cruzar por nuestra mente pensamientos de sospecha o inquietud.
¿Y desde cuándo se dictó esa regla? ¿Acaso no sabe la gente que los gusanos más voraces quedan enterrados bajo el más bello jardín?

El individuo que tiene ganada la confianza de todos y que oculta a sus espaldas secretos oscuros que nadie sería capaz de imaginar; puede que se trate de un elemento utilizado en infinidad de ocasiones, pero también fue lo que dio la gran oportunidad al esforzado director y escritor independiente Niall Johnson, en un momento extraño de su carrera en que se hallaba estancado, tras escribir el guión de aquel ya olvidado drama de terror ¨White Noise¨, cuyo estreno (bastante exitoso) iba a necesitar de unos cuantos años más, y a punto de rendirse en la industria del cine con apenas 50 libras ahorradas...
A punto hasta que, según confesó, el día de Navidad (¡!) un productor de Los Angeles leyó un libreto de larga maduración en el cual había puesto el alma. De verse ahogado por la incertidumbre a estar entre ejecutivos eligiendo reparto y lugar de filmación, traducido lo primero en una sólida conjunción de estrellas veteranas y jóvenes promesas y alternar entre sus preciosos paisajes patrios de Cornualles y la Isla de Man; sin embargo la historia de ¨Keeping Mum¨ no empieza en el pueblo de Little Wallop, sino en un curioso prólogo filmado con una exquisitez técnica y visual que sólo un británico podría conseguir, y que nos presenta al personaje de Rose.

En lo que será el sello de identidad del film, los tonos de luz suaves y apacibles de Gavin Finney y la cálida atmósfera rural se cruzan con un toque macabro de humor negro dado por el carácter de la mujer, sincero y feliz, al serle descubierto un baúl con pedazos de otras personas dentro (su marido y su amante, en concreto). Hitchcock estaría orgulloso de este comienzo tan poderoso...lo que me hace cuestionar la decisión de Johnson de saltar cuatro décadas en el tiempo y con personajes diferentes; pero así sucede, viajando a un soleado domingo en la villa antes mencionada.
Este lugar bañado en colores primaverales sugiere que nada malo podría albergar, y no obstante algunos traumas y problemas se arremolinan bajo las alfombras. La introducción en el seno de los Goodfellow es una genialidad retorcida; amparados en la paternidad de un sacerdote lacónico y tedioso (Rowan Atkinson en un registro muy sutil y alejado de su habitual humor físico), la insatisfacción matrimonial, el miedo al abuso, el desenfrenado deseo sexual, la envidia y la infidelidad llaman a su puerta y cada vez con más insistencia. Un negro cuadro familiar que presagia una ruptura trágica, a falta de un milagro.

En lo que podría ser una reinterpretación del ¨Teorema¨ de Pasolini, la presencia de una recién llegada, sin conexión con la familia o el entorno, será vital para plantear una reestructuración cósmica de dicha familia, en el envoltorio de una anciana Mary Poppins entrañable y distinguida. Pero ello poco apela a nuestra sorpresa, y la razón, sí, señores, son los primeros minutos de metraje; incluso el espectador con el coeficiente intelectual más bajo sabe que la asesina Rose es esta nueva ¨Grace¨. ¿Por qué plantearlo así?
El director se acerca a la lógica de la intriga ¨hitchcockiana¨, dejando a sus protagonistas en la ignorancia del secreto que ya sabe su público, esperando la reacción impactante al averiguar lo conocido por nosotros. Maggie Smith, en uno de sus descansos de ¨Harry Potter¨, encara con su gracia única (nunca mejor dicho) esta señora adorable al tiempo que siniestra, el reverso de la de Kate Johnson en ¨El Quinteto de la Muerte¨ (el horror se disfraza de inocencia, en este caso conscientemente), que con sus actos reconduce las existencias de sus protegidos. Y el que sea un perro el primer sacrificio para alcanzar la felicidad destapa el apego por un humor que no se practicaba desde los tiempos de los estudios Ealing.

Más aún, ese tono, tétrico y malicioso, en contraste con lo apacible y hogareño, lo controvertido chocando con lo religioso, es el retorno a la campiña de ¨Pero...¿quién mató a Harry?¨ sazonado con la mala baba de las farsas del mítico John Kingsley Orton y algo de los hermanos Coen, pero sin esos histrionismos ni zafios artificios tan típicamente norteamericanos. Por desgracia la segunda mitad del film se desvía más al absurdo, marcado por el descubrimiento por parte de ¨Grace¨ de las perversiones del amante de Gloria (ese impagable Patrick Swayze, en una repetición muy descarada de su Cunningham de ¨Donnie Darko¨).
Se cometen a partir de aquí grandes errores, como dejar a Atkinson al margen de la ácida comedia criminal o (algo que jamás entendí) la condena al ostracismo de Pete, el hijo menor (¿dónde diablos se metió?); la genial Kristin S. Thomas en su arrolladora muestra humorística y la sexy Tamsin Egerton, aquí debutante, forman un gran trío femenino junto a Smith, que se come la pantalla con su presencia, pese a que la averiguación (por fin) de su identidad no se trata como debiera y el drama familiar queda cojo (en lugar de profundizar en el pasado de Rose o un acercamiento emotivo a la hija y a la nieta, Johnson opta por la progresión del delirio criminal, algo inexplicable).

Habría sido un regalo para los fans el ver a Atkinson, con la cara de pánfilo y el carácter apocado, enfrentándose al desvarío provocado por su aparentemente angelical ama de llaves. Thomas y Egerton terminan poniéndose por encima de él y llevarse todo el protagonismo.
De haber estado alguien más veterano tras la cámara (Frank Oz (que en esas fechas nos daba otra perla moderna del humor ¨british¨...) o Jonathan Lynn), quizás el conjunto no resultaría tan irregular y la última parte tan poco satisfactoria; y el prólogo, se mire por donde se mire, sigue siendo una lacra para el resto de la obra...

Me gusta (0) Reportar

---

Dragón, La Vida de Bruce Lee

Es una buena biografia sobre de la vida de Bruce Lee, creador de nuevas modalidades en las artes marciales más tradicionales de China, lo que enfureció en su momento a sus coterraneos, sus inicios en la serie Avispon Verde como el ayudante Kato y la famosa Kung Fu con David Carradine(le robaron la idea original), su pareja que siempre lo apoyó a pesar de la negativa de sus padres de que se casara con un inmigrante chino, sus dos hijos y su tragica muerte en circunstancias que todavia hasta hoy quedan sospechas de como fue, sin dudas un elegido y un icono de la cultura tanto china como norteamericana.

Me gusta (0) Reportar

---

Perfectos Desconocidos

Perfecta combinación de realismo y comedia negra.
Un largometraje que sirve como expresión del nuevo milenio y lo fina que es la línea que existe, ahora mismo, en el amistad y el amor.
Una fina línea que, al igual que las relaciones de cristal o el amor líquido, todo puede decidirse en instantes por puro egoísmo y superficialidad.
El mundo se ha vuelto demasiado individualista, demasiado egoísta y la era de la tecnología no ha hecho otra cosa sino que enfrentarnos, depender de ella, depender de la opinión del resto y ocultar sentimientos, mentir, fingir, creer en cualquier autocracia vía IG, Twitter, etc. porque ahora mismo es así; tienen poder los que mienten y se esconden detrás de un ordenador.

Quizá no estemos ante la mejor película del señor Alex de la Iglesia, pero si una con la mejor metáfora para aplicarse ante la falta de sentimientos que existe. Donde si hubiera una oportunidad para volver atrás y cambiar ¿lo harías? Y más sabiendo todo lo que puede estar en juego por lo mismo que mencioné anteriormente.
Las actuaciones muy convincentes y divertidas, y los derroches de humor negro etiqueta de Alex, siempre son bienvenidos.
Una buena historia bien complementada por las actuaciones de un reparto de lujo.

Me gusta (0) Reportar

---

Después del Amor

Pues nada mal esta película inglesa en la cual aparece como protagonista una muy convincente Joanna Scanlan interpretando a una mujer convertida al islam después de casarse con su marido afgano. Por otro lado, este muere y por una ¨casualidad¨ encuentra en el móvil del fallecido un mensaje enviado a otra mujer, por lo que no duda en ir a ella para averiguar su vida y su relación. De cierto aire contemplativo, la historia cuéntase con coherencia y cierra el círculo del mismo modo. Sencilla y evocadora historia.

Me gusta (0) Reportar

---

Cars 3

Más entretenida que la segunda que considero es la peor de todas. Aquí la historia pese a no tener mucha enjundia tampoco y al final el protagonismo se lo lleva la entrenadora de coches. Sí que tiene momentos más evocadores y entretiene algo más, pero tampoco me ha parecido suficiente como para aprobarla... Una de las peores trilogías que he visto en mi vida.

Me gusta (0) Reportar

---

Papillon

Papillon

Sinopsis:
¨Papillon¨(Steve McQueen), un hombre condenado por asesinato, es enviado a un penal de la Guayana francesa. Durante el viaje en barco, conoce a Luis Dega (Dustin Hoffman), falsificador de Bonos de la Defensa Nacional, un hombre débil, al que ¨Papillon¨ ofrece protección a cambio del dinero que necesita para huir de la cárcel.

Papillon¨, ¡PELICULON! con letra mayúscula y una de los mejores dramas carcelarios que he visto aunque aún me falta ver ¨Sueños de Libertad¨ que se dice que es la obra maestra de este género pero aquí me centrare solo en ¨Papillon¨, película protagonizada por dos grandes actores como Steve McQueen y Dustin Hoffman que está basada en hechos reales. Se basa en el libro ¨Papillon¨ escrito por Henri Charrière, el verdadero Papillon (apodado así debido al tatuaje que lleva en su pecho), un hombre sentenciado a cadena perpetua por un crimen que no cometió y que fue trasladado a la Guayana Francesa, un centro penitenciario en terribles condiciones infrahumanas donde entablará amistad con Louis Dega, un antiguo estafador. Sus deseos de huir de aquel lugar llevarán a ambos a vivir intensos momentos en los que sus vidas penderán de un hilo pero jamás perderán la esperanza de recuperar su libertad.

¨Papillon¨ es la lucha de un hombre que se resiste a dejarse llevar por las injusticias de un sistema penitenciario inhumano y que solo tiene una cosa en mente que es la libertad, también acierta en la inclusión de la relación de amistad entre los presos con la presencia de un magistral Dustin Hoffman quien apenas estaba empezando a darse a conocer aunque ya había protagonizado películas cómo ¨El Graduado¨, ¨Cowboy de Medianoche¨ o ¨Perros de Paja¨. Tanto Steve McQueen cómo Dustin Hoffman están soberbios e impecables en sus actuaciones interpretando con gran acierto a este par de amigos convictos, obviamente sobresale mas Steve McQueen quien en ese entonces ya era un actor bastante conocido que venía de protagonizar grandes películas como ¨La Huida¨ o ¨Bullit¨ pero de todos modos Dustin Hoffman también es otro que está inmenso en su papel de Louis Dega así como lo está Steve McQueen haciendo de Papillon, el que para mí es el mejor personaje que interpretó en toda su carrera.

La película remarca los valores de la libertad y la importancia de la amistad a la vez que critica el duro y muchas veces injusto trato que reciben los presidiarios en algunos centros penitenciarios. ¨En Papillon¨, unos reclusos, justa o injustamente condenados a largas penas de prisión son enviados a un inhumano penal de la Guayana francesa donde las posibilidades de supervivencia son muy escasas, estamos ante un duro drama carcelario dónde somos testigos de la crueldad de un sistema penal que no respetaba ni los más elementales derechos humanos, en la película se muestran algunas escenas crudas de como es el trato que reciben los prisioneros desde torturas tanto fisicas cómo psicológicas con secuencias realmente impactantes o sino véase toda esa secuencia en la que Papillon pasa dos años en encierro total y se prácticamente se convierte en un fantasma de si mismo porque hasta se vio obligado a comerse los insectos que habían en su celda, un momento realmente brutal y desgarrador.

¨Papillon¨ es un clásico de clásicos, para mí es una gran película, llena de drama, aventura y emoción que nos mantiene pegados a la pantalla durante sus dos horas y media de duración sin llegar a aburrir gracias al buen ritmo narrativo que tiene, créanme que después de ver la película dan hasta ganas de leer el libro ya que tiene más contenido y hay muchas cosas que no se muestran en la peli. Es una película totalmente recomendable ya que no tiene ningún pierde por la gran historia que cuenta y por sus excelentes interpretaciones así que véanla ya que no se arrepentirán.

Me gusta (0) Reportar

---

En los Márgenes

El actor argentino-español Juan Diego Botto (cuyo padre hizo desaparecer la terrorífica dictadura fascista-militar de Videla), ensaya una nueva faceta de su vida laboral: la de realizador de cine. Y lo hace con extremada profesionalidad y sabiendo lo que quiere contar, rodeándose de un admirable plantel tan comprometido socialmente todo él tanto en la vida real como en el filme; un encantador y sentimental producto sobre vidas cruzadas que condiciona parcialmente la ternura del espectador. Y es que esta se encuentra ¨En los márgenes¨ de la incomprensión humanitaria.

Nominada para los premios Goya en varios apartados, deberían concederle alguno, aunque solo fuera por su característica filmación artesana con cámara en mano. Y un elenco inconmensurable, todo él: muy bien Pe, Tosar, Christian y el mismísimo Botto, MUY BIEN. .4️⃣/5. ..PICARD..

Me gusta (0) Reportar

---

Work it: Al Ritmo de los Sueños

Ligerita, divertida, vistosa en ocasiones y moldeada a partir de una fórmula que a pesar de que ha sido una y mil veces vista, funciona.

Netflix parece haber aumentado (poco, la verdad) la calidad de la dirección de este tipo de productos y con ello nos brinda unos actores que consiguen hacernos olvidar que lo que realmente son, es bailarines.
Un problema que padecen mucho las películas de este corte de lucha por tus sueños, defiende tu arte... es el hecho de que si quieres mayor calidad interpretativa, es relativamente difícil encontrar actores que cumplan en todo, mientras que si el punto fuerte es la danza, disminuye notablemente el nivel de las interpretaciones, y es que es dificil encontrar a actores- bailarines, buenos, jóvenes, solventes y guapos. Pero tengo que decir que en esta cinta saben sobrellevar dicho problema con pericia.

Los personajes no se hacen pesados, ni snobs; al revés, son graciosos y tiernos, algo que se torna obligatorio para poder disfrutar de la cinta, puesto que ellos son sobre los que se cimienta toda la trama. La escenas de baile son lo mejor de la película (un claro acierto) y el tono general es correcto y satisfactorio.
A veces me sorprendo a mí mismo puntuando cine ¨serio¨ con la misma nota que otros filmes con una producción menor y creados en serie y siempre digo lo mismo: autoconsciencia.
Tengo que decir que me gustan estas historias de superación pautadas y con los ingredientes ya precocinados, los creadores saben lo que esperamos los fans y con esta cinta, me han dado lo que buscaba. Un siete.

Me gusta (0) Reportar

---

Los Muertos no se Tocan, Nene

El volumen ¨Estrafalario¨ viene a unir tres cuentos largos escritos por Rafael Azcona Fernández en una etapa temprana de su obra, entre su escritura humorística en La Codorniz y su introducción en la industria del cine como guionista.

Dos de la trilogía, ¨El Pisito¨ y ¨El Cochecito¨, fueron trasladados a este formato por él mismo y Marco Ferreri los llevó a la gran pantalla, cambiando la manera, la esencia de ser de la comedia patria, que se volvió más audaz, más políticamente incorrecta, más rica en matices y más inteligente. Por desgracia el relato anterior ¨Los Muertos no se Tocan, Nene¨ no pudo ver la luz ya que la censura estaba ahí para impedirlo. Era algo lógico. La muerte, el funeral, el velatorio, la reunión familiar, todo era demasiado sagrado y ceremonioso como para que alguien lo hiciera un objeto de crueles burlas.
Según dijeron, un atentado a las buenas costumbres, y aquéllos no entendían que la intención del autor era subrayar sin juzgar el patetismo alrededor. Han hecho falta muchos años para que la historia cobrase vida, y de la mano del buen José Luis García, admirador, amigo y colaborador de Azcona; David Trueba afirmó que el proceso de elaboración del guión no pudo hacerse de otra forma salvo a través de la nostalgia y el cariñoso homenaje. Así lo encontramos en pantalla. Es Logroño, su Logroño, filmada en 2.011 pero viajando en el tiempo hasta finales de los 50...

Ahora es otra España, la que vive el régimen del Jefe del Estado, la que ha impulsado el auge industrial y la expansión económica a través de las ayudas exteriores pero siempre bajo las medidas de la dictadura, la que empieza a introducir innovaciones como el televisor, la que sigue siendo, aun así, un país subdesarrollado de buenas costumbres, apariencias y pensamientos obscenos que se guardan bajo llave con mucho miedo. Bajo la luz en blanco y negro suave de Federico Ribes, se observa el núcleo familiar de clase media de los Vígaro.
No entramos en pleno duelo, sino cuando al futuro finado, don Fabián, el que da título a la historia, le falta poco para expirar. Esto es el universo de Azcona en su más pura esencia, y es un acierto que García Sánchez, con el pulso firme para los largos planos-secuencia en espacios cerrados (pagando su deuda con Berlanga), presente a la familia antes del suceso trágico; no sólo tenemos la oportunidad de conocerles tal y como son en su cotidianidad, sino el poder hacerlo sin barreras, por medio de sus interacciones naturales, para después contrastarlas con sus maneras hipócritas al ir llegando las visitas, especialmente las pertenecientes a estratos sociales más altos.

El hijo del finado, deseando robarle el protagonismo y captar la atención de los demás hablando de su propia muerte; la nieta y su marido, el clásico matrimonio de aquella época: ella, un ama de casa que quiso ser pianista y vive frustrada desde que se casó, para más inri con un brigada retratado como un quejicón sin sangre en las venas; los bisnietos (él, Fabián, vivo retrato del Azcona preadolescente, ensimismado en la poesía y el amor para huir de su realidad negra y llena de entierros), que se apuestan la posesión de la habitación del viejo; la otra nieta, que abandonó el hogar por ser demasiado liberal e ir contra las tradiciones...
El retrato de cualquier familia de entonces, tocado por una acidez y sentido crítico brutales, donde las miserias morales y materiales emergen, pero, de nuevo, sin juzgar; sus propios motivos tienen para ser como son. García Sánchez conoce el nutrido y abigarrado fresco social que Azcona desplegaba en su texto usando la sátira, la degradación, el guardar las apariencias; de un lado a otro del encuadre los personajes se cruzan y se agolpan, rabiosos, frustrados, arrogantes, falsos, traidores, sórdidos, las verdaderas formas de ser salen de repente revelando una tremenda fealdad interior.

Al otro lado queda la sonrisa del difunto, desafiando sin saberlo la seriedad del fallecimiento (más bien del duelo tan católico-nacionalista que prepara el sacerdote); el despertar sexual de Fabián, desafiando la tan bien defendida moral (por su propio padre, el ridiculizado guardia civil), que crece hasta un más que obvio deseo incestuoso cuando su tía Clara se presenta ante él con una sensualidad femenina impensable; la presencia invasiva de la televisión, que llega para sustituir la comodidad del hogar español y el olor a la podrida vieja generación por una deseada modernidad y la oportunidad de formar parte de un desconocido mundo exterior.
Por supuesto que algo así parece imposible de rodarse en 1.959 en España, pero el director y su equipo recrean a la perfección la época y sus más mínimos detalles, tanto físicos como humanos, respetando todo ese costumbrismo torcido, estallidos de violencia grotescos, situaciones escatológicas, comentarios políticos de vena derechista, ese vocabulario perdido, un imaginario plenamente ¨azconiano¨, sin héroes, sólo hecho de gente corriente que va a la suya, y en su forma inspirado tanto por Ferreri, Sáenz de Heredia y Cuerda como, por supuesto, por Berlanga, desde el primer al último plano.

El disfrutar de todo este elenco de diferentes edades y caracteres como se debiera es imposible, pues en las comedias corales muchos personajes vienen y van sin gozar de la atención que debieran. En ese sentido sobresalen Mariola Fuentes, Blanca Romero, Carlos Álvarez, Luis Bermejo, Carlos Larrañaga, Tina Sáinz, el joven Airas Bispo y, cómo no, Silvia Marsó y Carlos Iglesias, juntos tras tantos años y por fin como pareja (goce personal de un servidor, quien siempre quiso verlos así desde ¨Manos a la Obra¨...).
Ni es un clásico de culto de nuestro tiempo ni se podrá equiparar jamás ¨El Pisito¨ y ¨El Cochecito¨. Tan solo un bello, negro y alocado tributo al mejor guionista patrio y su particular mundo, dejando claro que en este país aún se puede hacer otro tipo de comedia, y no la que ya nos sabemos...

Me gusta (0) Reportar